Música y política

La conexión entre música y política, particularmente la expresión política en canciones, se ha visto en muchas culturas. La música puede expresar temas antisistema o de protesta, incluidas canciones contra la guerra, pero las ideas pro-sistema también están representadas, por ejemplo, en himnos nacionales, canciones patrióticas y campañas políticas. Muchos de este tipo de canciones podrían describirse como canciones de actualidad.

Introducción

Aunque la música influye en los movimientos y rituales políticos, no está claro cómo ni en qué medida el público general se relaciona con la música a nivel político. Las canciones se pueden utilizar para retratar un mensaje político específico. Sin embargo, puede haber barreras para la transmisión de dichos mensajes; Incluso las canciones abiertamente políticas a menudo están moldeadas y hacen referencia a su contexto político contemporáneo, lo que hace necesaria una comprensión de la historia y los eventos que inspiraron la música para comprender completamente el mensaje. La naturaleza de ese mensaje también puede ser ambigua porque la etiqueta "música política" se puede aplicar a canciones que simplemente observan temas políticos, canciones que ofrecen una opinión partidista o canciones que van más allá y abogan por una acción política específica. Así, por ejemplo, se ha hecho una distinción entre el uso de la música como herramienta para crear conciencia y la música como herramienta de promoción.

Además, algunas formas de música pueden considerarse políticas por asociación cultural, independientemente de su contenido político, como lo demuestra la forma en que las bandas occidentales de pop/rock como The Beatles fueron censuradas por el Estado en el Bloque del Este en los años 1960 y 1970., mientras que los más jóvenes lo acogen como un símbolo del cambio social. Esto apunta a las posibilidades de discrepancia entre las intenciones políticas de los músicos (si las hay) y la recepción de su música por parte de la sociedad en general. Por el contrario, existe la posibilidad de que el público objetivo pase por alto el significado del contenido político deliberado, razones que podrían incluir la oscuridad o la entrega del mensaje, o la indiferencia o antipatía de la audiencia.

Es difícil predecir cómo responderá el público a la música política, en términos de señales auditivas o incluso visuales. Por ejemplo, Bleich y Zillmann descubrieron que "contrariamente a las expectativas, los estudiantes muy rebeldes no disfrutaban más de los vídeos de rock desafiante que sus compañeros menos rebeldes, ni consumían más música rock desafiante que sus compañeros", sugiriendo Puede haber poca conexión entre el comportamiento y el gusto musical. Pedelty y Keefe sostienen que "no está claro hasta qué punto los mensajes políticos dentro y alrededor de la música motivan a los fans, se convierten en un catalizador para la discusión [o] funcionan estéticamente".

Sin embargo, en contraste, citan investigaciones que concluyen, basándose en lecturas interpretativas de letras y actuaciones con un fuerte énfasis en contextos históricos y vínculos con grupos sociales, que "dadas las circunstancias históricas, condiciones culturales y estéticas adecuadas". Cualidades, la música popular puede ayudar a unir a las personas para formar comunidades políticas efectivas.

Investigaciones recientes también han sugerido que en muchas escuelas de todo el mundo, incluidas las naciones democráticas modernas, la educación musical a veces se ha utilizado con el propósito ideológico de inculcar el patriotismo en los niños, y que, particularmente durante tiempos de guerra, el canto patriótico puede intensificarse hasta inspirar destrucciones. jingoísmo.

Platón escribió: "la innovación musical está llena de peligros para todo el estado y debería prohibirse. Cuando los modos de música cambian, las leyes fundamentales del estado siempre cambian con ellos;" Aunque esto fue escrito como una advertencia, puede tomarse como una declaración revolucionaria de que la música es mucho más que melodías y armonías, sino un movimiento importante en la vida de todos los seres humanos.

Música folclórica

Renacimiento del folk americano

La canción "Venceremos" es quizás el ejemplo más conocido de música folclórica política, en este caso un grito de guerra del Movimiento por los Derechos Civiles de Estados Unidos. Pete Seeger participó en la popularización de la canción, al igual que Joan Baez. Durante la primera parte del siglo XX, las malas condiciones laborales y la lucha de clases llevaron al crecimiento del movimiento laborista y a numerosas canciones que abogaban por reformas sociales y políticas. El compositor más famoso de principios del siglo XX, "Wobblies" Era Joe Hill. Más tarde, desde la década de 1940 hasta la de 1960, grupos como Almanac Singers y The Weavers influyeron en el resurgimiento de este tipo de música sociopolítica. "Esta tierra es tu tierra" de Woody Guthrie es una de las canciones populares estadounidenses más famosas y su letra ejemplifica el patriotismo socialista de Guthrie. "¿Dónde se han ido todas las flores?" de Pete Seeger fue una popular canción de protesta contra la guerra. Muchos de estos tipos de canciones se hicieron populares durante la época de la Guerra de Vietnam. "Soplando' in the Wind", de Bob Dylan, fue un éxito para Peter, Paul y Mary, y sugirió que una generación más joven se estaba volviendo más consciente de los problemas globales que muchos de la generación anterior. En 1964, Joan Baez logró un éxito entre los diez primeros en el Reino Unido con "There but for Fortune" (por Phil Ochs); era un alegato por la víctima inocente de prejuicios o políticas inhumanas. Muchos compositores de actualidad con mensajes sociales y políticos surgieron del resurgimiento de la música folklórica de la década de 1960, incluidos Bob Dylan, Joan Baez, Phil Ochs, Tom Paxton, Buffy Sainte-Marie, Judy Collins, Arlo Guthrie y otros.

El resurgimiento del folk puede considerarse como una reinvención política de la canción tradicional, un desarrollo alentado por sellos discográficos y revistas de tendencia izquierdista como Sing Out! y costado. El resurgimiento comenzó en la década de 1930 y continuó después de la Segunda Guerra Mundial. Las canciones populares de esta época ganaron popularidad al utilizar himnos y canciones antiguos, pero adaptando las letras para adaptarse a las condiciones sociales y políticas actuales. Archiveros y artistas como Alan Lomax, Lead Belly y Woody Guthrie fueron cruciales en la popularización de la música folklórica, y estos últimos comenzaron a ser conocidos como los cantantes Lomax. Esta fue una era de la música folclórica en la que algunos artistas y sus canciones expresaban mensajes políticos claros con la intención de influir en la opinión pública y conseguir apoyo. En el Reino Unido, Ewan MacColl y A. L. Lloyd desempeñaron papeles similares, con Lloyd como folclorista y MacColl (a menudo con Peggy Seeger) lanzando docenas de álbumes que mezclaban canciones tradicionales con material político más nuevo influenciado por su activismo comunista.

En el resurgimiento posterior de la posguerra, la música folklórica encontró una nueva audiencia entre los estudiantes universitarios, en parte porque las universidades proporcionaron la organización necesaria para sostener las tendencias musicales y una audiencia ampliada e impresionable que buscaba rebelarse contra la generación anterior. Sin embargo, la retórica del gobierno de los Estados Unidos durante la era de la Guerra Fría fue muy poderosa y de alguna manera superó el mensaje de los artistas populares, como en relación con la opinión pública sobre las causas políticas respaldadas por los comunistas. Varias encuestas Gallup que se llevaron a cabo durante esta época sugieren que los estadounidenses veían constantemente al comunismo como una amenaza; por ejemplo, una encuesta de 1954 muestra que en ese momento el 51% de los estadounidenses decía que los comunistas admitidos deberían ser arrestados, y en relación con la música el 64% de los encuestados dijo que si un cantante de radio es un comunista admitido debería ser despedido. Figuras destacadas del resurgimiento del folk americano como Seeger, Earl Robinson e Irwin Silber eran o habían sido miembros del Partido Comunista, mientras que otros como Guthrie (que había escrito una columna para la revista New Masses del CPUSA), Lee Hays y Paul Robeson eran considerados compañeros de viaje. A medida que el macartismo comenzó a dominar la población y el gobierno de los Estados Unidos, a los artistas folclóricos les resultó más difícil viajar y actuar, ya que el folk fue expulsado de la música convencional. Los artistas fueron incluidos en listas negras, denunciados por políticos y medios de comunicación y, en el caso de los disturbios de Peekskill de 1949, sujetos a ataques de la mafia.

En general, la importancia de las letras dentro de la música folk se redujo a medida que fue influenciada por el rock and roll. Sin embargo, durante la última fase del resurgimiento del folk popular a principios de la década de 1960, nuevos artistas folklóricos como Bob Dylan y Phil Ochs comenzaron a escribir su propia música tópica original, en lugar de adaptar principalmente canciones populares tradicionales.

Música folclórica occidental contemporánea

Aunque la atención del público se centró en la música rock desde mediados de la década de 1960, cantantes folklóricos como Joan Baez y Tom Paxton continuaron abordando preocupaciones políticas en su música y activismo. El álbum Gracias a la Vida de Báez de 1974 fue una respuesta a los acontecimientos en Chile e incluyó versiones de canciones de los cantautores de Nueva Canción Chilena Violeta Parra y Víctor Jara. Álbumes de Paxton como Outward Bound y Morning Again continuaron destacando cuestiones políticas. A ellos se unieron otros músicos activistas como Holly Near, Ray Korona, Charlie King, Anne Feeney, Jim Page, Utah Phillips y, más recientemente, David Rovics.

En Irlanda, Wolfe Tones es quizás la banda más conocida en la tradición de la música folk protesta/rebelde, y ha grabado material político desde finales de la década de 1960, incluidas canciones de Dominic Behan en álbumes como Let the People Sing y Rifles of the I.R.A. Christy Moore también ha grabado mucho material político, incluido su álbum debut en solitario Paddy on the Road, producido y con canciones de Dominic Behan, y en álbumes como Ride On (incluido "Viva la Quinta Brigada"), Ordinary Man y el LP de varios artistas H Block para que Moore contribuyó con "Noventa millas desde Dublín", en respuesta a los prisioneros republicanos' protesta general de finales de los años 1970. A principios de la década, The Barleycorn había ocupado el puesto número uno en las listas irlandesas durante cinco semanas en 1972 con su primer lanzamiento "The Men Behind the Wire", sobre el internamiento, con todas las ganancias destinadas a las familias de internados; El sello republicano R&O Records también lanzó varios discos en esta época para recaudar fondos para la misma causa, incluido el álbum en vivo Smash Internment, grabado en Long Kesh, y The Wolfhounds' grabación de "Los chicos de la vieja brigada" de Paddy McGuigan.

En el Reino Unido, la tradición de folk político de Ewan MacColl ha sido continuada desde la década de 1960 por cantautores como Roy Bailey, Leon Rosselson y Dick Gaughan. Desde la década de 1980, varios artistas han combinado la protesta folklórica con influencias del punk y otros lugares para producir canciones políticas y de actualidad para una audiencia de música rock independiente moderna, entre ellos Billy Bragg, Attila the Stockbroker, Robb Johnson, Alistair Hulett, The Men They Couldn& #39;t Hang, TV Smith, Chumbawamba y, más recientemente, Chris T-T y Grace Petrie.

Folclore chicano

La música folclórica chicana ha sido durante mucho tiempo una plataforma para la resistencia política y el comentario social. Desde la década de 1960 en adelante, los músicos chicanos utilizaron su música para expresar sus experiencias personales de discriminación y opresión que enfrentan como mexicano-estadounidenses en los Estados Unidos. Temas políticos como la lucha por los derechos de los inmigrantes, las luchas laborales, la identidad chicana y la brutalidad policial han sido temas comunes en su música. A través de su música, los músicos chicanos también han fomentado el empoderamiento, el activismo y la unidad de la comunidad a lo largo del desarrollo del Movimiento Chicano. Joan Baez es la figura más reconocida de este movimiento.

Música folklórica en el mundo

La música popular tenía una fuerte conexión con la política a nivel internacional. Hungría, por ejemplo, experimentó con una forma de comunismo liberal a finales de la Guerra Fría, que se reflejó en gran parte de su música folclórica. A finales del siglo XX, la música folclórica fue crucial en Hungría, Rumania, Checoslovaquia y Yugoslavia, ya que permitió a las etnias expresar su identidad nacional en una época de incertidumbre política y caos.

En la China comunista, se promovía exclusivamente la música nacional. Un flautista llamado Zhao Songtim, miembro del grupo de canto y danza de Zhejiang, asistió a un festival de arte en México en 1957, pero fue castigado por su perspectiva internacional con la expulsión del grupo, y de 1966 a 1970 se sometió a " reeducación". En 1973 regresó a la Troupe pero fue nuevamente expulsado tras acusaciones.

Un ejemplo de música folklórica utilizada con fines políticos conservadores, en lugar de radicales, lo muestran las actividades culturales de Edward Lansdale, un jefe de la CIA que dedicó parte de su carrera a la contrainsurgencia en Filipinas y Vietnam. Lansdale creía que la mejor arma del gobierno contra la rebelión comunista era el apoyo y la confianza de la población. En 1953 organizó el lanzamiento de una canción de campaña a la que se le atribuye ampliamente haber ayudado a elegir al presidente filipino Ramon Magsaysay, un importante aliado anticomunista de Estados Unidos. En 1965, intrigado por las costumbres y tradiciones locales vietnamitas y el uso potencial del 'folclore aplicado' Como técnica de concienciación, comenzó a grabar y curar cintas de canciones populares con fines de inteligencia. También instó a artistas como Phạm Duy a escribir e interpretar canciones patrióticas para elevar la moral en Vietnam del Sur. Duy había escrito canciones de actualidad populares durante la lucha antifrancesa, pero luego rompió con el Viet Minh dominado por los comunistas.

Blues y música afroamericana

Las canciones de blues tienen fama de resignarse al destino en lugar de luchar contra la desgracia, pero ha habido excepciones. Bessie Smith grabó la canción de protesta "Poor Man Blues" en 1928. Josh White grabó "Cuándo me van a llamar hombre" en 1936, en ese momento era común que los hombres blancos se dirigieran a los hombres negros como "niño" – antes de lanzar dos álbumes de material explícitamente político, Chain Gang de 1940 y Southern Exposure: An Album of Jim Crow Blues de 1941. El "Bourgeois Blues" de Lead Belly y "Black, Brown and White" de Big Bill Broonzy; (también conocido como "Get Back") protestó contra el racismo. Billie Holiday grabó y popularizó la canción "Strange Fruit" en 1939. Escrito por el comunista Lewis Allan y también grabado por Josh White y Nina Simone, abordó el racismo sureño, específicamente el linchamiento de afroamericanos, y se interpretó como canción de protesta en lugares de Nueva York, incluido el Madison Square Garden. En la era de la posguerra, J.B. Lenoir se ganó una reputación por sus comentarios políticos y sociales; su sello discográfico canceló el lanzamiento previsto del sencillo de 1954 "Eisenhower Blues" debido a su título y material posterior, protestó por los derechos civiles, el racismo y la guerra de Vietnam. John Lee Hooker también cantó 'No quiero ir a Vietnam" en el álbum de 1969 Simply the Truth.

Paul Robeson, cantante, actor, atleta y activista de derechos civiles, fue investigado por el FBI y citado ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) por sus opiniones políticas abiertas. El Departamento de Estado le negó el pasaporte a Robeson y emitió un "aviso de detención" en todos los puertos, confinándolo efectivamente a los Estados Unidos. En un acto simbólico de desafío a la prohibición de viajar, los sindicatos de Estados Unidos y Canadá organizaron un concierto en el Arco Internacional de la Paz en la frontera entre el estado de Washington y la provincia canadiense de Columbia Británica el 18 de mayo de 1952. Robeson estaba de pie en la parte de atrás. de un camión de plataforma en el lado estadounidense de la frontera y realizó un concierto para una multitud en el lado canadiense, estimada entre 20.000 y 40.000 personas. Regresó para realizar un segundo concierto en el Arco de la Paz en 1953, y durante los dos años siguientes se programaron dos conciertos más.

Jazz

El desarrollo de nuevos géneros de jazz a través de la experimentación estuvo inherentemente conectado con los movimientos sociales de sus respectivas épocas, especialmente durante los movimientos por los derechos civiles y el Black Power de los años 60 y 70. #39;s. El desarrollo del jazz de vanguardia, libre y afrofuturista estuvo fuertemente relacionado con el deseo de liberarse de las normas sociales y expresar el deseo de una voz libre. La música también se basó en los movimientos nacionalistas negros y, a través de su música, los artistas buscaron reconectar a los afroamericanos con los sonidos tradicionales de sus antepasados.

En el desarrollo del jazz de vanguardia, las principales revistas y críticos de jazz (principalmente propiedad y operados por personas blancas) criticaron duramente la música y la calificaron de incoherente. A diferencia de formas anteriores de jazz, la improvisación fue fundamental para la vanguardia y muchos artistas no anotaron su música para que siguiera una expresión libre de sus emociones. Sin embargo, cuando el aparato de jazz convencional despreciaba a los músicos negros, elogiaba a los artistas blancos como John Cage. Cage y otros músicos estuvieron fuertemente influenciados por el sonido de vanguardia, pero su música fue muy apreciada por los medios y aclamada como genial. Los músicos negros se esforzaron por abrir nuevos caminos en la música a través del desarrollo del jazz para crear métodos de expresión y autonomía. Mientras tanto, las estructuras de poder dentro de la industria del jazz presionaban continuamente a esta "cosa nueva" de modo que se asimilaría a estándares culturales normalizados, destruyendo así su significado como llamado al cambio social y político.

La experimentación de ciertos artistas, como Sun Ra, pedía directamente la liberación del afroamericano y el regreso a las tradiciones africanas. En su película de ciencia ficción afrofuturista, Space is the Place, Sun Ra crea una colonia para los negros en un planeta distante en el cosmos, lejos de los antagonismos de la sociedad blanca. Este mensaje se mantuvo constante a través de la música afrofuturista, ya que contradecía las reglas musicales euroamericanas.

Desafortunadamente, la política del jazz reprodujo el patriarcado de la sociedad en general. Junto con las representaciones del jazz como música negra, siguió la creencia de que el experimentalismo del jazz era masculino. En la música jazz y en el mundo académico, las mujeres quedan atrás y olvidadas a pesar del papel crucial que desempeñan. Por ejemplo, Alice Coltrane tuvo una carrera de gran éxito al allanar el camino a nuevos sonidos a través de influencias y espiritismo del Lejano Oriente. Sin embargo, muchos de sus logros fueron pasados por alto porque su marido, John Coltrane, tenía una carrera más "relevante". carrera profesional. El género y la feminidad son construcciones sociales simples, similares a la raza, que se han replicado para crear una jerarquía en el jazz y el mundo académico. Recientemente, ha habido llamados a reconocer la importancia de las mujeres negras en el desarrollo del jazz, ya que autores como Sherrie Tucker alientan a los lectores a escuchar las diferencias estilísticas para comprender el papel que desempeña el género en el jazz.

Música de baile

Discoteca

La música disco, contrariamente a la creencia popular, se originó en comunidades negras queer y ofreció a estas comunidades una forma de salvación o refugio seguro frente a la agitación social durante la década de 1970, en el Bronx y otras partes de Nueva York. Muchos miembros destacados de la escena disco estuvieron de acuerdo en que la música trataba sobre el amor y la vitalidad de "absorber el sentimiento", pero la pregunta sobre su importancia política recibió respuestas mixtas. Aunque es posible que las canciones en sí no hayan hecho afirmaciones políticas explícitas, es importante señalar que la música disco, para muchos, era una “forma de escape” de su vida. y observó una "disolución de las restricciones a las personas negras/gays". El espíritu de los años 60, así como la experiencia de Vietnam y la liberación negro/gay estimularon la energía casi frenética que reinaba en estas discotecas. Las discotecas no sólo permitieron a las personas marginadas la oportunidad de expresar su sexualidad y apreciar la diversidad de los demás, sino que también tuvieron la capacidad de influir en la música popular. Aunque alguna vez fueron mutuamente excluyentes, las discotecas permitieron la unión de la música negra y el pop; Esto muestra cómo la música disco no sólo generó una apreciación social de la diversidad, sino que también ofreció una plataforma en la que los artistas negros podían triunfar. La eventual comercialización de la discoteca puso en marcha su declive. Esta nueva discoteca mercantilizada, muy diferente a sus raíces diversas y queer, idealizó al individuo blanco y favoreció las relaciones heteronormativas. Esto no sólo permitió que se perdieran las raíces de un movimiento tan diverso, sino que también se borrara la liberación y el escapismo que ofrecía a muchas minorías.

Música latinoamericana

La música latinoamericana ha estado entrelazada con la política a lo largo de los años. Las canciones de protesta de las décadas de 1950, 1960 y 1970 desempeñaron un papel fundamental en la lucha contra los regímenes autoritarios en países como Chile, Argentina y Brasil. Hoy en día, los músicos latinoamericanos continúan abordando problemas sociales y políticos apremiantes como la inmigración, la desigualdad y la corrupción a través de su trabajo. Como explica el economista y músico Sumangala Damodaran, las letras entrelazadas con el activismo están dando forma al panorama político de la vasta región, creando un repertorio de nuevos géneros e inspirando a nuevas generaciones de artistas a hacer lo mismo.

Algunos problemas políticos notables en la región incluyen la discriminación, la masculinidad tóxica y la colonización. Artistas musicales de toda América Latina han contribuido a la lucha contra los problemas políticos que ocurren en sus países específicos, como Bad Bunny de Puerto Rico y Los Tigres del Norte de México. A lo largo de la historia, artistas de América Latina han utilizado la música como herramienta política para generar conciencia sobre problemas sociales.

Nueva Canción

Nueva canción o "New Song" Es un movimiento musical que surgió en América Latina a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. En un artículo de Remezcla, Julyssa López revela que el género se centró en letras con conciencia social y política, que a menudo abordaban la opresión y la desigualdad que experimentan las comunidades marginadas, especialmente la cultura indígena. El profesor de lenguas y culturas globales, Robert Neustadt, afirma que artistas como Violeta Parra, Víctor Jara e Inti-Ilimani utilizaron su música para hablar contra la censura, la violencia estatal y los abusos a los derechos humanos.

Nueva canción fue relevante porque dio voz y visibilidad a temas sociales y políticos y proporcionó una plataforma para que las comunidades marginadas expresaran sus luchas y resistencia a través de la música. También jugó un papel importante en la lucha contra regímenes opresivos y contribuyó al desarrollo de la identidad cultural y la conciencia social en América Latina.

Salsa

La salsa es más conocida por su ritmo y la inclusión de varios instrumentos. La cumbia se caracteriza por su ritmo enérgico y la fusión de influencias africanas, indígenas y europeas. Ha evolucionado con el tiempo, incorporando varios estilos e instrumentos musicales, y continúa dominando las pistas de baile en América Latina y más allá. La relevancia de la cumbia radica en su capacidad para unir a las personas, celebrar la hibridación de la cultura latinoamericana y, al mismo tiempo, servir como un marcador de diferencias raciales y de clase en países latinoamericanos como Puerto, Rico y Venezuela. Los temas políticos de la salsa han incluido la discriminación racial, la supremacía blanca, el colonialismo, el sexismo, la homofobia y el desastre ambiental.

Reguetón

Como género musical nacido en las regiones del Caribe y América Latina, el reggaetón frecuentemente interactúa con tropos de otros géneros musicales populares como el amor, el dinero y las conquistas sexuales; pero también se ha utilizado como una forma de comentario social y ha desempeñado un papel importante en la promoción del cambio social. El reggaetón suele abordar en sus letras temas como la pobreza, el racismo, la brutalidad policial y la corrupción política. Además, muchos artistas de reggaetón utilizan sus plataformas para denunciar las desigualdades y los problemas sociales mediante la organización de conciertos, mítines y eventos benéficos para generar conciencia y recaudar fondos para diversas causas de justicia social. El reggaetón también sirve como vehículo para empoderar a las comunidades marginadas, particularmente las comunidades negras, los latinoamericanos, las mujeres y la comunidad LGBTQ+. A lo largo de su historia, la gente ha llegado a creer que el reggaetón se ha convertido en algo más que un género musical, sino una voz a favor de la justicia social y el activismo.

Bad Conejito

Bad Bunny, cuyo nombre real es Benito Antonio Martínez Ocasio, es un cantante, rapero y compositor puertorriqueño. Es conocido por sus múltiples éxitos como “Titi Me Pregunto”, “DÁKITI”, “Yonaguni” y “Callaita”. También fue el artista más escuchado en 2022. Además, Bad Bunny es reconocido por sus diversos premios, logros récord y colaboraciones con artistas importantes de todo el mundo.

Uno de su video musical, "Yo Perreo Sola", traducido como I twerk alone, de su segundo álbum YHLQMDLG causó controversia ya que se vistió con 3 trajes drag. Su video musical se convirtió en el video musical latino más visto en 2020.

En su álbum más reciente, Un Verano Sin Ti, lanzado en mayo de 2022, la canción número 16 se llamó “El Apagón”, traducida como "The Blackout." En lugar de limitarse a publicar un vídeo musical, trabajó con la reportera puertorriqueña Bianca Graulau para producir un documental de 18 minutos sobre el impacto del colonialismo estadounidense en la isla y el desplazamiento de los puertorriqueños. El documental “El Apagón" funciona como una declaración política de Puerto Rico sobre la actual colonización de la isla, que ha estado ocurriendo desde 1917. La canción se inspiró en la Ley 22, que es una ley aprobada en los Estados Unidos después del huracán María que ofrecía incentivos fiscales. a las personas en los EE. UU. que se mudan a Puerto Rico. La ley permite a los ciudadanos estadounidenses evitar pagar impuestos sobre su propiedad, ingresos y riqueza en Puerto Rico si se convierten en residentes de buena fe. Para calificar como residente de buena fe, una persona debe ser ciudadano estadounidense que obtenga ingresos activamente de otro país, no tenga intención de regresar a los Estados Unidos y tenga una dirección permanente en el otro país.

Esto provocó que muchos millonarios e inversores compraran múltiples propiedades en la isla, lo que ha provocado el desplazamiento de muchos puertorriqueños de sus hogares. La ley tenía como objetivo mejorar la economía, pero no lo logró.

Reina Hiedra

Ivy Queen, también conocida como "La Reina del Reggaetón" (La Reina del Reggaetón), ha sido una figura destacada de la música latina desde el inicio de su carrera musical en 1995. A lo largo de su carrera, ha producido éxitos como “Quiero Bailar” y “Quiero Saber” al mismo tiempo que utiliza su plataforma para defender por la justicia social, particularmente creando letras y videos basados en narrativas que exploran temas que mencionan la feminidad, la violencia doméstica, la desigualdad y la sexualidad. La investigadora en género y estudios de la mujer Dana E. Goldman explica que el compromiso de Ivy Queen con el género a lo largo de sus letras fomenta el diálogo para desafiar las normas de género, especialmente porque los cantantes masculinos tienden a tocar reggaetón con más frecuencia y a menudo expresan un deseo de mujeres inalcanzables o lamentar el desamor. En general, la música de Ivy Queen es vista como un símbolo de resistencia y empoderamiento para las comunidades oprimidas debido a su franqueza en la música latina.

Música Regional Mexicana

La música regional mexicana abarca diversos géneros en español originarios de México, como mariachi, banda, duranguense, norteños, grupo, corridos y más. Estos géneros gozan de una popularidad significativa entre el público de habla hispana. Están profundamente arraigados en la identidad y las tradiciones culturales mexicanas. Cada género sirve como plataforma para diversas formas de activismo, abordando temas como la violencia armada, la inmigración, los delitos relacionados con las drogas, asuntos gubernamentales en México y Estados Unidos y la corrupción a través de sus poderosas letras.

Los Tigres Del Norte

Los Tigres Del Norte es un grupo musical norteño con sede en California que ha utilizado su plataforma en una variedad de temas. El grupo estaba formado por cuatro hermanos y su prima. Originalmente inmigrantes indocumentados, formaron el grupo en 1968 mientras residían en San José, California. Inicialmente llegaron a Estados Unidos con visas temporales para actuar para personas encarceladas, lo que marcó el comienzo de su viaje como grupo.

En 2013, Los Tigres del Norte, el reconocido grupo musical, acaparó la atención en una importante manifestación sobre inmigración en Washington D.C., abogando por una reforma migratoria. Durante el mitin interpretaron sus populares temas "La Jaula de Oro" "Vivir En Las Sombras" y "Tres Veces Mojado" Vale la pena señalar que esta manifestación no fue la única, ya que también organizaron una manifestación de inmigración en el National Mall de Hollywood en octubre del mismo año. Durante la manifestación, su objetivo era abordar sus temas de forma coherente. Después de cada canción, entablaron debates para reflexionar sobre los mensajes transmitidos.

Uno de sus mayores éxitos es "La Jaula de Oro" que significa "La jaula dorada". Esta canción se ha interpretado en numerosas ocasiones y profundiza en la vida de un inmigrante y su hijo nacido en Estados Unidos que se siente desconectado de su herencia cultural. El poderoso mensaje que se transmite es: "¿Qué valor tiene el dinero cuando me siento atrapado en esta nación prometedora?"

Los Tigres Del Norte también abordan el tema de la reforma penitenciaria en su música. En 2019, dieron una actuación memorable dentro de la prisión de Folsom, ubicada en California, que dio lugar a la creación de una canción llamada "La Prisión de Folsom" (Prisión de Folsom). Esta actuación fue influenciada por el legendario músico Johnny Cash. Vale la pena señalar que la mayoría de los reclusos presentes durante la actuación eran hispanos y negros, lo que refleja la composición demográfica de todo el sistema penitenciario. Los Tigres Del Norte documentaron su experiencia en la prisión de Folsom en un documental de Netflix titulado "Los Tigres del Norte en la prisión de Folsom". El documental explora el impacto del grupo en los reclusos, tanto antes como después de su estancia en prisión.

Música rock

Muchos artistas de rock, tan variados como Crosby, Stills, Nash & Young, Bruce Springsteen, Little Steven, Rage Against the Machine, Radiohead, Manic Street Preachers, Megadeth, Enter Shikari, Architects, Muse, System of a Down, Sonic Boom Six y Drive-By Truckers han tenido mensajes abiertamente políticos en su música. El uso de letras políticas y la adopción de posturas políticas por parte de los músicos de rock se remonta a la contracultura de la década de 1960, específicamente a la influencia de la carrera temprana de Bob Dylan, a su vez moldeada por el resurgimiento del folk politizado.

Contracultura de los años 60 y 70

Durante la era de la contracultura de los años 60 y principios de los 70, músicos como John Lennon comúnmente expresaban temas de protesta en su música, por ejemplo en el sencillo de 1969 de Plastic Ono Band, "Give Peace a Chance". Más tarde, Lennon dedicó un álbum completo a la política y escribió la canción Imagine, considerada ampliamente como un himno de paz. Sus letras invocan un mundo sin religión, fronteras nacionales ni propiedad privada.

En 1962–63, Bob Dylan cantó sobre los males de la guerra, el racismo y la pobreza en sus álbumes políticos característicos " The Freewheelin ' Bob Dylan " y " las veces que son un-changin ' " (Lanzado en 1964), popularizando la causa del movimiento de derechos civiles. Dylan fue influenciado por el renacimiento popular, así como por los escritores de ritmos, y las creencias políticas de la joven generación de la época. A su vez, mientras que la fase política de Dylan se encuentra bajo la ' folk ' Categoría, fue conocido como un artista de rock de 1965 y permaneció asociado con una postura anti-establecimiento que influyó en otros músicos, como las bandas de invasión británica, y la audiencia de la música rock, al ampliar el espectro de temas que podrían abordarse en populares canción.

El MC5 (Motor City 5) surgió de la escena underground de Detroit, Michigan, de finales de los años 1960, y encarnó una evolución agresiva del garage rock que a menudo se fusionaba con letras sociopolíticas y contraculturales, como en las canciones & #34;Motor City Is Burning" (una portada de John Lee Hooker que adapta la historia del Detroit Race Riot (1943) al disturbio de Detroit de 1967 en la calle 12) y "American Ruse" (que analiza la brutalidad policial estadounidense, así como la contaminación, las prisiones, el materialismo y la rebelión). Tenían vínculos con grupos radicales de izquierda como Up Against the Wall Motherfuckers y el Partido Pantera Blanca de John Sinclair. MC5 fue la única banda que actuó antes de la Convención Demócrata de agosto de 1968 en Chicago, como parte de la gira de los Yippies. Festival de la Vida, donde posteriormente estalló un infame motín entre la policía y los estudiantes que protestaban por el asesinato de Martin Luther King Jr. en abril y la Guerra de Vietnam.

Otros grupos de rock que transmitieron mensajes políticos específicos a finales de los años 1960 y principios de los 1970 (a menudo en relación con la guerra de Vietnam) incluyen a The Fugs, Country Joe and the Fish, Jefferson Airplane, Creedence Clearwater Revival y Third World War, mientras que Algunas bandas, como The Beatles, The Rolling Stones y Hawkwind, hicieron referencia a cuestiones políticas ocasionalmente y de una manera más observacional que comprometida, p. en canciones como "Revolution", "Street Fighting Man", "Salt of the Earth" y "Guerrilla Urbana".

Punk rock

Bandas de punk rock notables, como Crass, Conflict, Sex Pistols, The Clash, Dead Kennedys, Black Flag, Refused, American Standards, Discharge, MDC, Aus-Rotten, Billy Talent, Anti-Flag y Leftöver Crack han utilizó letras políticas y a veces controvertidas que atacan al establishment, el sexismo, el capitalismo, el racismo, el especismo, el colonialismo y otros fenómenos que ven como fuentes de problemas sociales.

Desde finales de la década de 1970, el punk rock se ha asociado con varias ideologías de izquierda o antisistema, incluido el anarquismo y el socialismo. La cultura del bricolaje punk atraía a algunos miembros de la izquierda, sugiriendo afinidad con los ideales de los trabajadores. control y empoderamiento de los impotentes (aunque es discutible que el enfoque parcial del movimiento punk en la apatía hacia el establishment, combinado con el hecho de que en muchas situaciones, la música punk rock generó ingresos para las principales compañías discográficas, y la notable Las similitudes entre algunas corrientes de anarquismo y capitalismo significaron que el movimiento punk iba en contra de las ideologías de izquierda) y el género en su conjunto llegó, en gran parte a través de los Sex Pistols, a asociarse con el anarquismo. Se ha cuestionado la sinceridad de las primeras bandas de punk (algunos críticos vieron su referencia a la política revolucionaria como una pose provocativa más que como una ideología), pero más tarde surgieron bandas como Crass y Dead Kennedys que sostenían fuertes puntos de vista anarquistas y, con el tiempo, esta asociación se fortaleció., ya que influyeron en otras bandas de los subgéneros anarco-punk del Reino Unido y del hardcore estadounidense, respectivamente.

La canción de Sex Pistols "God Save the Queen" La BBC prohibió su transmisión en 1977 debido a su presunto antirrealismo, en parte debido a su aparente equiparación de la monarquía con un "régimen fascista". Al año siguiente, el lanzamiento del álbum debut de Crass, The Feeding Of the 5000, se vio inicialmente obstaculizado cuando los trabajadores de la planta de prensa se negaron a producirlo debido a su contenido lírico sacrílego. Más tarde, Crass enfrentó cargos judiciales por obscenidad relacionados con su álbum Penis Envy, como lo hicieron más tarde los Dead Kennedys con la carátula de su álbum Frankenchrist.

The Clash son considerados pioneros del punk político, y se les consideraba que representaban una visión del mundo progresista y socialista en comparación con el ataque aparentemente antisocial o nihilista de muchas de las primeras bandas de punk. Parcialmente inspirado en la música de protesta de la década de 1960, como el MC5, su postura influyó en otras bandas de punk/new wave de primera y segunda ola, como The Jam, The Ruts, Stiff Little Fingers, Angelic Upstarts, TRB y Newtown Neurotics, e inspiró un enfoque lírico en temas como la tensión racial, el desempleo, el resentimiento de clases, la alienación urbana y la violencia policial, así como el imperialismo. Parcialmente acreditado por alinear el punk y el reggae, el antirracismo de The Clash ayudó a cimentar la política antifascista del punk, y encabezaron la primera reunión conjunta Rock Against Racism (RAR)/Anti Nazi League (ANL). Carnaval en Hackney, Londres, en abril de 1978. A la campaña RAR/ANL se le atribuye haber ayudado a destruir el Frente Nacional del Reino Unido como fuerza política creíble, con la ayuda del apoyo recibido de bandas de punk y reggae.

Muchos músicos punk, como Vic Bondi (Articles of Faith), Joey Keithley (DOA), Tim McIlrath (Rise Against), The Crucifucks, Bad Religion, The Proletariat, Against All Authority, Dropkick Murphys y Crashdog han celebrado y expresó opiniones de izquierda. La cantante de Dead Kennedys, Jello Biafra, así como T.S.O.L. El líder Jack Grisham, se han presentado como candidatos a cargos públicos bajo plataformas de izquierda. Sin embargo, algunas bandas de punk han expresado opiniones más populistas y conservadoras, y una forma ambigua de patriotismo, comenzando en los EE. UU. con muchos de los grupos asociados con el hardcore neoyorquino de los años 80, y antes en el Reino Unido con una pequeña sección de Oi. ! movimiento.

Una minoría extremadamente pequeña de bandas de punk rock, ejemplificadas por Skrewdriver y Skullhead (de la década de 1980), han mantenido posturas de extrema derecha y anticomunistas y, en consecuencia, fueron vilipendiadas en la subcultura punk más amplia, en gran medida izquierdista.

Rock/Punk latino

La música dentro del "Rock" El género se ha relacionado con opiniones políticas de izquierda, incluidas opiniones contra el racismo y la xenofobia. El punk latino se convirtió en un movimiento dentro del género Rock. Dentro del género, se discutieron temas que prevalecen específicamente dentro de las comunidades latinas. Las cuestiones se referían a la violación de los derechos de los inmigrantes, incluso dentro de la fuerza laboral. Muchos músicos del género rindieron homenaje a sus raíces culturales y adoptaron filosofías como las que surgieron del Levantamiento Zapatista.

El movimiento arrojó luz sobre la escena chicana/latina dentro de sus comunidades. Esto se convirtió en una forma de protesta contra la xenofobia que existe contra la comunidad en EE.UU.

Rage Against the Machine y Tigres del Norte

El cantante principal de Rage Against the Machine, Zach De La Rocha es presentado por Los Tigres del Norte para su presentación en MTV Unplugged en 2011. Juntos, interpretan una canción de Los Tigres del Norte, "“ Somos mas americanos." Zach De La Rocha se presenta como alguien que “lucha por los derechos de todos nosotros”. Rage Against the Machine es conocido por tener comentarios sociopolíticos en su música, así como en Los Tigres del Norte. Las "opiniones políticas y el activismo de Rage Against the Machine son fundamentales para el mensaje de la banda". Zach De La Rocha ha descrito estar interesado en "...difundir esas ideas a través del arte, porque la música tiene el poder de cruzar fronteras, romper asedios militares y establecer un diálogo real". Los Tigres del Norte también tienen una historia de mostrar sus opiniones políticas a través de su música. Desde el apoyo a los derechos LGBT+, la abolición de las prisiones y los derechos de los inmigrantes.

Juntos interpretan 'Somos Más Americanos'. Los Tigres Del Norte son música regional mexicana que se remonta a los años 60, mientras que la formación musical de Zach proviene del heavy metal y el rap. que tuvo su origen en los años 90.

La actuación ofrece comentarios históricos y sociales sobre la xenofobia y el racismo dirigido contra los mexicanos y chicanx en los Estados Unidos. Tanto el grupo como Zach interpretan la canción mientras añaden anédotas sobre el gobierno de Estados Unidos.

Una de las letras introductorias de la canción es “Tengo que recordarles que yo no crucé la frontera, la frontera me cruzó a mí”. Estas palabras hacen referencia directa a la historia de Estados Unidos y México. Específicamente a cómo una parte significativa de lo que ahora se considera el suroeste de Estados Unidos alguna vez fue México. Estas palabras también se han convertido en un eslogan para muchos movimientos y organizaciones latinas en Estados Unidos que tienen como objetivo luchar contra los sistemas xenófobos que atacan a los inmigrantes. La letra que finaliza la canción es “Somos más americanos que todititos los Gringos." Es decir, "somos más estadounidenses que todos los blancos."

Rock el voto

Rock the Vote es una organización estadounidense no partidista y sin fines de lucro 501(c)(3), fundada en Los Ángeles en 1990 por Jeff Ayeroff con fines de promoción política. Rock the Vote trabaja para involucrar a los jóvenes en el proceso político incorporando la comunidad del entretenimiento y la cultura juvenil en sus actividades. La misión declarada de Rock the Vote es "desarrollar la influencia política y el compromiso de los jóvenes para lograr un cambio progresivo en nuestro país".

Hip-hop

La música hip hop se ha asociado con la protesta desde 1982, cuando "The Message" de Grandmaster Flash and the Furious Five se hizo conocido como el primer disco de rap destacado en hacer una "declaración social" seria. Sin embargo, el primer lanzamiento de rap político se atribuye al sencillo de 1980 de Brother D y Collective Effort, "How We Gonna Make the Black Nation Rise?" que llamó a Estados Unidos un “estado policial” y rapeó sobre injusticias históricas como la esclavitud y la limpieza étnica.

Más adelante en la década, la banda de hip hop Public Enemy se convirtió en "quizás el grupo de rap político más conocido e influyente" y lanzó una serie de discos cuyo mensaje y éxito "dirigieron al hip-hop hacia una conciencia pro-negra explícitamente consciente de sí mismo que se convirtió en la firma de la cultura a lo largo de la siguiente década", dijo. ayudando a inspirar una ola de hip hop politizado de artistas como X Clan, Poor Righteous Teachers, Brand Nubian, 2 Black 2 Strong y Paris.

El grupo N.W.A tenía una visión política en sus canciones. Su canción más controvertida, "Fuck tha Police", arrojó luz sobre la brutalidad policial y el uso de tácticas racialmente sesgadas en Los Ángeles durante los años 80 y 90. Versos como "Que se joda la policía, viniendo directamente del metro, un joven negro lo pasó mal porque soy moreno y no del otro color, entonces la policía cree que tiene autoridad para matar". una minoría," los llevó a recibir amenazas de arresto por interpretar canciones que atacaban a la policía. Su canción Express Yourself abordó los límites restrictivos para los raperos de la industria; El vídeo de la canción expresa la opinión de que los negros no tienen voz y son castigados cuando hablan.

El décimo álbum de Eminem, Kamikaze, contenía muchos mensajes políticos, la mayoría de ellos relacionados con su desaprobación de la elección de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos. Dijo que estaba dispuesto a perder fans por esta crítica y rapeó: "Y cualquier fan mío/que sea partidario suyo/Estoy trazando una línea en la arena/tú eres ya sea a favor o en contra,"

Durante la campaña presidencial de Donald Trump, Kanye West aprovechó la oportunidad para apoyar al candidato republicano instando a sus fans a votar por Trump. Aunque West históricamente ha estado en contra de las administraciones republicanas, ha sido uno de los partidarios más vocales de Donald Trump. El 27 de abril de 2018, Kanye West y su compañero rapero T.I. lanzaron una colaboración llamada "Ye vs. the People" que consistía en los puntos de vista políticos opuestos de West y T.I. La canción, una conversación entre los dos raperos, se hizo popular no por su toque musical, sino por el coraje de West y T.I. Lo demostró al lanzar una canción controvertida en un momento de gran desacuerdo político.

Reggae

El reggae jamaicano de las décadas de 1970 y 1980 es un ejemplo de interacción influyente y poderosa entre la música y la política. Una figura destacada de esta música fue Bob Marley. Aunque Marley no estaba a favor de la política, a través de sus letras politizadas era visto como una figura política. En 1978, el concierto One Love Peace de Bob Marley reunió al primer ministro Michael Manley y al líder de la oposición Edward Seaga (líderes conectados con notorios líderes de pandillas rivales, Bucky Marshall y Claude Massop, respectivamente), para unir sus manos con Marley durante la actuación.; Este fue "el concierto de reggae más largo y político jamás realizado, y uno de los eventos musicales más notables registrados". A lo largo de este período, muchos músicos de reggae tocaron, hablaron o cantaron en apoyo del Partido Nacional Popular de Manley, una campaña a la que se le atribuye haber contribuido a la victoria del PNP en las elecciones de 1972 y 1976.

Música popular

La música popular que se encuentra en todo el mundo contiene mensajes políticos, como los relacionados con cuestiones sociales y el racismo. Por ejemplo, la canción de Lady Gaga "Born This Way" A menudo se le conoce como el himno gay internacional, ya que analiza la homosexualidad desde una perspectiva positiva y expresa la idea de que es natural. Además, el desastre natural del huracán Katrina recibió una gran respuesta política por parte de la comunidad musical hip hop. El contenido de la música se convirtió en una respuesta que muestra la compleja dinámica de la comunidad, especialmente la comunidad negra, al mismo tiempo que actúa como una protesta a veces contradictoria sobre cómo se manejó el desastre después. Este tema llegó incluso más allá de la localidad de Nueva Orleans, pues el tema del desastre y el racismo fue mencionado por otros raperos de otras regiones del país.

La música pop es común por sus ritmos edificantes sensacionalistas y producidos en masa. Muchos artistas aprovechan su gran número de seguidores para crear conciencia sobre cuestiones políticas en su música. Similar a "Born This Way" de Lady Gaga, La canción de Macklemore "Same Love" también expresa apoyo y homenaje a la comunidad LGBTQ+. Además, el álbum de Beyoncé "Lemonade" ha sido aclamado como impresionante y revelador, ya que muchas de las canciones abordan cuestiones políticas como el racismo, los estereotipos, la brutalidad policial y la infidelidad. Estas canciones, además de ser pegadizas y edificantes, tratan temas serios de una manera alegre y simplificada, lo que permite que la gente los entienda y, al mismo tiempo, comúnmente están influenciadas por el clima político actual, como los violentos ataques al Teatro Bataclan en París y al club nocturno Pulse en Orlando..

Música country

La música country estadounidense contiene numerosas imágenes de valores tradicionales y de la vida familiar y religiosa, así como temas patrióticos. Canciones como "The Fightin' de Merle Haggard; Lado de mí" y "Okie de Muskogee" han sido percibidas como canciones patrióticas que muestran un conflicto de "nosotros contra ellos" mentalidad dirigida a la contracultura o "hippies" y la multitud pacifista, aunque en realidad fueron conceptos erróneos de los oyentes que no lograron comprender su naturaleza satírica.

Muchas canciones country estadounidenses abordaron puntos de vista políticos y culturales en las décadas de 1960 y 1970, y artistas country independientes y convencionales lanzaron sencillos que transmitían apoyo a candidatos conservadores o acciones militares, declaraciones anticomunistas o, en algunos casos, anti-hippie. sentimientos a menudo enmarcados como desprecios humorísticos. Estos tropos han continuado en canciones como "Courtesy of the Red, White and Blue (The Angry American)" de Toby Keith. en 2002 y "Creo que mi perro es demócrata" de Bryan Lewis. en 2016.

Las canciones country estadounidenses más recientes que contienen mensajes políticos incluyen "Female" que detalla el impacto psicológico y emocional en las mujeres del lenguaje sexista, la vergüenza y la falta de representación en la política. La letra de la canción de 2018 de Carrie Underwood "Love Wins" También identifica temas de prejuicio, odio y política. A través de esta canción, Underwood expresa la idea de que la mejor manera de cerrar la división política y fortalecer lo que ella considera un mundo roto es a través de la unidad, amándonos unos a otros y trabajando juntos en tiempos de crisis.

La artista country Kacey Musgraves integra la política en sus letras y habla sobre los derechos de los homosexuales y el consumo de cannabis. Su canción "Follow Your Arrow" Se considera una perspectiva radical sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo, en el sentido de que difiere del punto de vista conservador que normalmente se encuentra en la música country.

El rapero country afroamericano Cowboy Troy, nombre artístico de Troy Lee Coleman III, incorpora problemas de la vida real en su música y exige un cambio social. Arroja luz sobre conceptos como el análisis de clase, las cuestiones de género y las narrativas populares sobre la población "blanca" clase obrera. Una de sus canciones, "Juego al pollo con el tren" reconoce las ideas conservadoras y progresistas que tienden a surgir en las elecciones presidenciales.

Aunque la raza es un tema que rara vez se aborda en la música country, algunos artistas han hecho un esfuerzo por abordar este tema en sus canciones. El álbum de Brad Paisley de 2013, Wheelhouse, incluía la canción "Accidental Racist", que se volvió controvertida y generó muchas críticas negativas. Will Hermes, en su crítica en Rolling Stone, comentó: "Probablemente no gane ningún premio por su canto y rap, pero a raíz de películas como Django Unchained y Lincoln, muestra cuán tenso sigue siendo el diálogo racial en Estados Unidos." Paisley declaró: "Esta canción estaba destinada a generar discusión entre las personas que escuchan mis álbumes".

Música clásica

La tercera sinfonía de Beethoven originalmente se llamaba "Bonaparte". En 1804 Napoleón se coronó emperador, tras lo cual Beethoven anuló la dedicación. La sinfonía pasó a llamarse "Sinfonía heroica compuesta para celebrar la memoria de un gran hombre".

El coro de esclavos hebreos de Verdi en la ópera Nabucco es una especie de grito de guerra para que los italianos se liberen del yugo de la dominación austriaca (en el norte) y francesa (cerca de Roma): el "Risorgimento". Tras la unificación, Verdi obtuvo un escaño en el parlamento nacional.

A finales del siglo XIX en Inglaterra, la música coral era interpretada por coros masivos de trabajadores y mucha música fue escrita para ellos, por ejemplo, por Samuel Coleridge-Taylor y Ralph Vaughan Williams. Cuando el joven Vaughan Williams se preguntó qué tipo de música escribir, Hubert Parry le aconsejó "escribir música coral como corresponde a un inglés y un demócrata". Otros, incluido Frederick Delius y Gustav Holst, amigo de Vaughan Williams, también escribieron obras corales, a menudo utilizando las palabras de Walt Whitman.

Richard Taruskin, de la Universidad de California, acusó a John Adams de "romantizar a los terroristas" en su ópera La muerte de Klinghoffer (1991).

compositor clásico americano Miguel del Aguila ha escrito más de 130 obras que se centran en temas sociales como el genocidio de los indígenas durante la conquista europea, y las víctimas Guerra Sucia. Más recientes obras como Bindfold Music se ocupan de la injusticia social en la sociedad estadounidense contemporánea.

En la Unión Soviética

RAPM (Asociación rusa de músicos proletarios) se formó a principios de los años 20. En 1929 Stalin les dio su apoyo. Shostakovich había dedicado su primera sinfonía a Mikhail Kvadri. En 1929 Kvardi fue detenido y ejecutado. En un artículo El trabajador y el teatro, Shostakovich's Tahiti Trot (utilizado con el ballet La Edad de Oro) fue criticado; Ivan Yershov afirmó que era parte de la "ideología perjudicial para el proletariado". La respuesta de Shostakovich fue escribir su tercera sinfonía, El primero de mayo (1929) para expresar "el ambiente festivo de la construcción pacífica".

Prokofiev escribió música por encargo para la Unión Soviética, incluida la Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre (1937). El ballet de Khachaturian Spartacus (1954/6) trata sobre gladiadores esclavos que se rebelan contra sus antiguos amos romanos. Fue visto como una metáfora del derrocamiento del zar. De manera similar, la música de Prokofiev para la película Alexander Nevsky trata de la invasión de los caballeros teutónicos a los Estados bálticos. Fue visto como una metáfora de la invasión nazi de la URSS. En general, la música soviética era neorromántica, mientras que la música fascista era neoclásica.

Música en la Alemania nazi

Stravinsky declaró en 1930: "No creo que nadie venere a Mussolini más que yo"; sin embargo, en 1943 Stravinsky fue prohibido en la Alemania nazi porque había elegido vivir en Estados Unidos. A partir de 1940, la cantata de Carl Orff Carmina Burana se interpretó en funciones del Partido Nazi y adquirió el estatus de himno casi oficial. En 1933, la Radio de Berlín prohibió formalmente la transmisión de jazz. Sin embargo, todavía se podía escuchar música swing de bandas alemanas. Esto se debió a la influencia moderadora de Goebbels, quien conocía el valor de entretener a las tropas. En el período 1933-1945, la música de Gustav Mahler, un judío austriaco, prácticamente desapareció de los conciertos de la Filarmónica de Berlín. La ópera de Richard Strauss Die Schweigsame Frau (La mujer silenciosa) estuvo prohibida entre 1935 y 1945 porque el libretista, Stefan Zweig, era judío.

Música del poder blanco

La música racista o música del poder blanco es música asociada y que promueve el neonazismo y las ideologías de supremacía blanca. Aunque los musicólogos señalan que muchas, si no la mayoría, de las primeras culturas tenían canciones para promocionarse y denigrar a los enemigos percibidos, los orígenes de la música racista se remontan a la década de 1970. En 2001, había muchos géneros musicales con el 'white power rock' el tipo de banda más comúnmente representado, seguido por el black metal nacionalsocialista. 'Música country racista' Es principalmente un fenómeno estadounidense, mientras que Alemania, Gran Bretaña y Suecia tienen una mayor concentración de bandas de poder blanco. Otros géneros musicales incluyen la 'música experimental fascista' y 'música folclórica racista'. Los grupos supremacistas blancos contemporáneos incluyen "facciones subculturales que se organizan en gran medida en torno a la promoción y distribución de música racista". Según la Comisión de Derechos Humanos e Igualdad de Oportunidades, la música racista se deriva principalmente del movimiento de cabezas rapadas de extrema derecha y, a través de Internet, esta música se ha convertido quizás en la herramienta más importante del movimiento neonazi internacional para obtener ingresos. y nuevos reclutas." El documental de noticias VH1 News Special: Inside Hate Rock (2002) señaló que la música racista (también llamada 'música de odio' y 'rock skinhead') es 34;un caldo de cultivo para terroristas locales." En 2004, una compañía discográfica neonazi lanzó el proyecto "Project Schoolyard" para distribuir CD gratuitos de la música entre hasta 100.000 adolescentes en todo Estados Unidos, su sitio web decía: "Simplemente no entretenemos a niños racistas... Nosotros los creamos". Brian Houghton, del Instituto Nacional Conmemorativo para la Prevención del Terrorismo, dijo que la música racista era una gran herramienta de reclutamiento, "a través de la música... para atrapar a estos niños, enseñarles a ser racistas y engancharlos de por vida". #34;

Impulsar campañas políticas a través de la música

Conscientes del poder motivador de la música, los políticos de todo el mundo buscan incorporar diferentes canciones en sus campañas. Sin embargo, los puntos de vista de los músicos y los políticos que utilizan su música a veces chocan. Además de las canciones de protesta creadas específicamente para llamar la atención sobre cuestiones de cambio social, músicos de todo el mundo se resisten a los políticos. Los gobiernos y los líderes también afirman su resistencia a los músicos críticos de diversas maneras. Dentro de cada contexto nacional y cultural diferente, la resistencia de los músicos y la respuesta de los políticos constituyen una relación única.

En Estados Unidos

En Estados Unidos, músicos como Neil Young, los Dropkick Murphys y Explosions in the Sky han discrepado o tomado medidas contra políticos como el presidente Donald Trump, el gobernador de Wisconsin, Scott Walker, y el senador de Texas, Ted Cruz. Estos conflictos entre músicos populares y políticos en Estados Unidos son comunes en el ciclo electoral, pero se desarrollan de manera diferente.

Trump utilizó la canción de Young "Rockin in the Free World" desde el comienzo de su campaña presidencial contra Hillary Clinton en 2015. Si bien Young argumentó que Trump no estaba autorizado a usar la canción en su campaña, un portavoz de Trump afirmó que la canción se obtuvo legalmente a través de una licencia de ASCAP y que la campaña &" Continuará [usando su canción] independientemente de las opiniones políticas de Neil." Y aunque la canción en sí, de 1989, pueda parecer un respaldo al estilo de vida estadounidense, un examen más detenido revela críticas a la administración de George H. W. Bush. Esto sugiere que el efecto de la música en una campaña política no puede limitarse únicamente a las letras. A pesar de las palabras mordaces de la canción y la continua resistencia de Young, la campaña de Trump comenzó a usar la canción nuevamente en 2018 en su campaña de reelección presidencial.

Del mismo modo, en 2015, Scott Walker utilizó el Dropkick Murphys' popular versión de "I'm Shipping Up to Boston" de Woody Guthrie. en un evento político en Iowa. Debido en gran medida a desacuerdos sobre temas como los sindicatos, la banda tuiteó "por favor, dejen de usar nuestra música de ninguna manera... ¡¡¡literalmente los odiamos!!!" a Walker. Si bien no hubo amenaza de acciones legales, la banda recurrió a las redes sociales para distanciarse de Walker y resistirse a su uso de su canción.

Algunos músicos han utilizado efectivamente la ley de derechos de autor para resistir el uso político de su música. Cuando Ted Cruz incluyó la canción de Explosions in the Sky "Your Hand in Mine" En un video de respaldo para el gobernador de Texas, Greg Abbott, la banda tuiteó que "no estaban en absoluto de acuerdo con eso". El sello de la banda, Temporary Residence, obligó a la campaña de Cruz a eliminar el video debido a una violación de la ley de derechos de autor de Estados Unidos. Legalmente, los políticos pueden otorgar licencias de música sin consultar a los propios artistas a través de acuerdos con organizaciones de derechos de interpretación. Donde la campaña de Trump evitó consultar a Young y "Rockin' en el mundo libre" de dicha organización (ASCAP), el esfuerzo de Cruz no logró ninguna de las dos cosas.

En Estados Unidos también hay una larga y compleja historia de escuelas públicas que inculcan apoyo a los militares a través de sus actividades musicales, y de profesores de música que respaldan o resisten estas tendencias. Los musicólogos han notado el impacto del militarismo en la sociedad estadounidense, argumentando que "el militarismo pone en peligro la educación musical" y que aunque los modelos militares son inapropiados para la educación de los escolares en una democracia, hay evidencia de que "en Estados Unidos encontramos una serie de proyectos de asociación de educación musical con los militares que serían impensables en muchos otros países".

India

Después de las elecciones del Lok Sabha de 2014, Narendra Modi prestó juramento como Primer Ministro de la India. Modi, que se destaca por su eficaz llamamiento nacionalista al pueblo indio, rápidamente comenzó a centralizar el poder y a someter a escrutinio a las organizaciones no gubernamentales tanto civiles como extranjeras.

Con el apoyo populista de Modi y el creciente poder gubernamental, los músicos enfrentan un panorama social y político único en sus opciones de resistencia. En mayo de 2020, se presentó una orden de arresto contra el cantante Mainul Ahsan Noble por hacer comentarios despectivos hacia Modi en Facebook. Mientras que la demanda fue presentada por un ciudadano indio que “no podía aceptar comentarios tan difamatorios contra el primer ministro de [India]”. Con el giro populista de la India, las críticas y la resistencia contra los políticos son ahora más riesgosas para los músicos. El fallecido cantante S.P. Balasubrahmanyam se resistió cuidadosamente a las acciones de Modi cuando sugirió que los artistas del sur de la India estaban sujetos a restricciones diferentes a las de los artistas de Bollywood en la reunión Change Within de 2019 de Modi. Mientras que los comentarios abiertos de Noble provocaron ira y acciones legales, las críticas silenciosas de Balasubrahmanyam no provocaron la misma respuesta. Debido a que las decisiones políticas populistas de Modi sugieren fuertemente al pueblo indio que a él le preocupa el bienestar del ciudadano común, más ciudadanos acuden en su ayuda y la resistencia a Modi se vuelve más difícil para los músicos indios contemporáneos.

Sin embargo, las críticas a Modi pueden ser menos cuidadosas en el extranjero. El punk desi-estadounidense The Kominas y varios otros artistas del sur de Asia organizaron un acto benéfico contra Modi en la ciudad de Nueva York para coincidir con un evento pro-Modi organizado por la administración Trump en Houston. El evento de oposición pro-Cachemira en la ciudad de Nueva York provocó ataques y condenas de algunos indios en línea, pero no acciones legales internacionales contra las bandas y artistas involucrados. A pesar del evento de la oposición que destacó los abusos de los derechos humanos relacionados con el bloqueo militar de Cachemira, la visión populista de Modi como un purificador de la corrupción y defensor del pueblo indio persiste en gran parte de la India. Para ampliar aún más sus actos musicales de resistencia, los Kominas están considerando llevar los eventos de oposición punk anti-Modi a diferentes países e incluso quizás a Nueva Delhi.

Brasil

Desde su elección como presidente de Brasil en 2018, Jair Bolsonaro se había convertido en un líder cada vez más controvertido. Al igual que sus contemporáneos derechistas Donald Trump y Narendra Modi, Bolsonaro ha sido descrito como populista y nacionalista. Si bien Bolsonaro apoya directamente las políticas de extrema derecha sobre los derechos de los homosexuales y la posesión de armas, los conservadores más moderados también afirman que él apoya sus intereses. Para ganarse el apoyo de los votantes conservadores de Brasil, los discursos de Bolsonaro fueron fuertemente nacionalistas y patrióticos. Si bien los llamamientos directos de Bolsonaro al pueblo fueron más limitados dentro de sus discursos nacionales, enfatizó una forma orgullosa de nacionalismo brasileño. Como figura cuyas políticas y acciones han sido profundamente polarizadoras y divisivas, Bolsonaro se convirtió en una importante fuente de desprecio y crítica para los músicos brasileños tanto en el país como en el extranjero.

El músico Caetano Veloso, exiliado durante la dictadura militar de Brasil que duró de 1964 a 1985, calificó la dura retórica nacionalista y el liderazgo de Bolsonaro como “una absoluta pesadilla”. Si bien el tipo de música de Veloso no es música de protesta, aprovecha la oportunidad para hablar y usar su visibilidad para la resistencia. En agosto de 2020, Veloso se unió a un coro de destacadas figuras brasileñas para burlarse de Bolsonaro por su supuesto papel en un plan de malversación y lavado de dinero.

Si bien algunos artistas brasileños como Veloso resistieron principalmente desde sus cuentas de redes sociales, Brasil tiene una rica historia de música de protesta contra su antiguo régimen dictatorial autoritario que continúan muchos artistas contemporáneos. Artistas de todo el país habían encontrado formas de resistir, criticar y aludir a Bolsonaro en sus obras. El trovador Chico César adoptó un enfoque directo al afirmar que los partidarios de Bolsonaro eran fascistas, el compositor Manu da Cuíca disimuló que sus críticas incluían una advertencia sobre Bolsonaro como uno de los peligrosos “mesías armados” y la cantante Marina Iris trabajó indirectamente en las críticas contra el régimen como temas persistentes de angustia y frustración hacia el estado actual de Brasil. Estas formas tradicionales de música brasileña, arraigadas en formas musicales indígenas, son una forma clave de música anti-status quo. En respuesta a la resistencia, en lugar de adoptar la música como Trump o depender del apoyo de sus seguidores como Modi, Bolsonaro recortó drásticamente el apoyo público y los recursos para músicos, cineastas y artistas visuales. Muchos artistas vieron este acto como una venganza por su resistencia. Sin embargo, varios raperos brasileños de derecha se encargaron en la escena musical de defender y apoyar a Bolsonaro.