Musica swing

La música swing es un estilo de jazz que se desarrolló en los Estados Unidos a finales de la década de 1920 y principios de la de 1930. Se hizo popular a nivel nacional desde mediados de la década de 1930. El nombre deriva de su énfasis en el ritmo fuera de ritmo, o ritmo nominalmente más débil. Las bandas de swing generalmente presentaban solistas que improvisaban la melodía sobre el arreglo. El estilo swing bailable de las big bands y directores de orquesta como Benny Goodman fue la forma dominante de la música popular estadounidense de 1935 a 1946, conocida como la era del swing. El verbo "to swing" también se usa como un término de elogio para tocar con un fuerte ritmo o impulso. Los músicos de la era del swing incluyen a Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Cab Calloway, Jimmy Dorsey, Tommy Dorsey, Woody Herman, Harry James, Lionel Hampton, Glenn Miller, Artie Shaw y Django Reinhardt.

Resumen

El swing tiene sus raíces en los conjuntos de música dance de la década de 1920, que comenzaron a usar nuevos estilos de arreglos escritos, incorporando innovaciones rítmicas iniciadas por Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Benny Carter y otros músicos de jazz. Durante la era de la Segunda Guerra Mundial, el swing comenzó a perder popularidad y, después de la guerra, el bebop y el jump blues ganaron popularidad.

El swing se fusiona con otros géneros para crear nuevos estilos musicales. En la música country, artistas como Jimmie Rodgers, Moon Mullican, Milton Brown y Bob Wills introdujeron elementos del swing junto con el blues para crear un género llamado "swing occidental". El famoso guitarrista romaní Django Reinhardt creó la música swing gitana y compuso el estándar de swing gitano "Minor Swing". A fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, surgió un nuevo swing-beat de estilo urbano llamado new jack swing (Go-go de Nueva York), creado por el joven productor Teddy Riley. A fines de la década de 1990 y en la década de 2000, hubo un renacimiento del swing, liderado por Squirrel Nut Zippers, la orquesta de Brian Setzer y Big Bad Voodoo Daddy.

1920: Raíces

Los desarrollos en la orquesta de baile y la música de jazz durante la década de 1920 contribuyeron al desarrollo del estilo swing de la década de 1930. A partir de 1923, la Orquesta Fletcher Henderson presentó arreglos innovadores de Don Redman que presentaban una interacción de llamada y respuesta entre las secciones de metales y lengüetas, e interludios arreglados para respaldar a los solistas. Los arreglos también tenían un sentido rítmico más suave que los arreglos influenciados por el ragtime que eran los más típicos "hot" música bailable del día. En 1924, Louis Armstrong se unió a la banda de Henderson, dando impulso a un énfasis aún mayor en los solistas. La banda de Henderson también contó con Coleman Hawkins, Benny Carter y Buster Bailey como solistas, quienes fueron influyentes en el desarrollo de los estilos instrumentales de la era del swing. Durante la residencia extendida de la banda de Henderson en el Roseland Ballroom de Nueva York, se volvió influyente en otras grandes bandas. Duke Ellington le dio crédito a la banda de Henderson por ser una influencia temprana cuando estaba desarrollando el sonido para su propia banda. En 1925, Armstrong dejó la banda de Henderson y agregaría sus innovaciones al estilo de jazz de Nueva Orleans para desarrollar el estilo de jazz de Chicago, otro paso hacia el swing.

El estilo tradicional de jazz de Nueva Orleans se basaba en una métrica de dos tiempos e improvisación contrapuntística dirigida por una trompeta o corneta, normalmente seguida por un clarinete y un trombón en un patrón de llamada y respuesta. La sección rítmica constaba de un sousáfono y tambores, ya veces un banjo. A principios de la década de 1920, las guitarras y los pianos a veces sustituían al banjo y un bajo de cuerda a veces sustituía al sousáfono. El uso del contrabajo abrió posibilidades para 4/4 en lugar de 2/4 en tempos más rápidos, lo que aumentó la libertad rítmica. El estilo Chicago liberó al solista de las limitaciones de la improvisación contrapuntística con otros instrumentos de primera línea, otorgando mayor libertad en la creación de líneas melódicas. Louis Armstrong usó la libertad adicional del nuevo formato con compás de 4/4, acentuando los tiempos segundo y cuarto y anticipando los tiempos principales con notas introductorias en sus solos para crear una sensación de pulso rítmico que ocurría entre los tiempos así como en ellos, es decir, swing.

En 1927, Armstrong trabajó con el pianista Earl Hines, quien tuvo un impacto similar en su instrumento al que tuvo Armstrong en la trompeta. Hinés' La concepción melódica, similar a la de un cuerno, de tocar se desvió de las convenciones contemporáneas en el piano de jazz centradas en la construcción de patrones rítmicos alrededor de "notas pivote". Sus acercamientos al ritmo y al fraseo también fueron libres y atrevidos, explorando ideas que definirían el swing. Su enfoque del ritmo a menudo usaba acentos en la introducción en lugar del tiempo principal, y metros mixtos, para crear una sensación de anticipación al ritmo y hacer que su forma de tocar fuera swing. También usó "stops" o silencios musicales para generar tensión en su fraseo. Hinés' fue una influencia fundamental en los estilos de los pianistas de la era del swing Teddy Wilson, Art Tatum, Jess Stacy, Nat 'King' Cole, Erroll Garner, Mary Lou Williams y Jay McShann.

Las bandas de baile del territorio negro en el suroeste estaban desarrollando estilos dinámicos que a menudo iban en la dirección de la simplicidad basada en el blues, usando riffs en un patrón de respuesta de llamada para construir un ritmo fuerte y bailable y proporcionar una plataforma musical para solos extensos. Las melodías con mucho ritmo para bailar se llamaban "stomps". El requisito de volumen condujo al uso continuo del sousafón sobre el bajo de cuerda con los conjuntos más grandes, lo que dictó un enfoque más conservador del ritmo basado en compases de 2/4. Mientras tanto, los contrabajistas como Walter Page estaban desarrollando su técnica hasta el punto en que podían mantener presionada la parte inferior de una orquesta de baile de tamaño completo.

El crecimiento de la radiodifusión y la industria discográfica en la década de 1920 permitió que algunas de las bandas de baile más populares obtuvieran exposición nacional. El estilo de danza orquestal más popular fue el "dulce" estilo, a menudo con cuerdas. Paul Whiteman desarrolló un estilo que llamó "jazz sinfónico" injertando un enfoque clásico sobre su interpretación de los ritmos del jazz en un enfoque que esperaba que fuera el futuro del jazz. Whiteman's Orchestra disfrutó de un gran éxito comercial y fue una gran influencia en las bandas dulces. La Victor Recording Orchestra de Jean Goldkette contó con muchos de los mejores músicos blancos de jazz de la época, incluidos Bix Beiderbecke, Jimmy Dorsey, Frank Trumbauer, Pee Wee Russell, Eddie Lang y Joe Venuti. La Victor Recording Orchestra se ganó el respeto de la Orquesta Fletcher Henderson en una Batalla de Bandas; El cornetista de Henderson, Rex Stewart, le dio crédito a la banda Goldkette por ser la banda blanca más influyente en el desarrollo de la música swing antes de la de Benny Goodman. Como promotora y agente de la música dance, Goldkette también ayudó a organizar y promover McKinney's Cotton Pickers y Glen Gray's Orange Blossoms (más tarde Casa Loma Orchestra), otras dos bandas del área de Detroit que fueron influyentes en los primeros época del swing.

Oscilación temprana

A medida que la década de 1920 se convirtió en la de 1930, los nuevos conceptos de ritmo y ejecución en conjunto que comprendían el estilo swing estaban transformando los sonidos de las bandas grandes y pequeñas. A partir de 1928, The Earl Hines Orchestra se transmitió en gran parte del medio oeste desde el Grand Terrace Cafe en Chicago, donde Hines tuvo la oportunidad de exponer sus nuevos enfoques del ritmo y el fraseo con una gran banda. Hinés' el arreglista Jimmy Mundy contribuiría más tarde al catálogo de la Benny Goodman Orchestra. La Orquesta de Duke Ellington transmitió sus nuevos sonidos a nivel nacional desde el Cotton Club de Nueva York, seguida por la Orquesta de Cab Calloway y la Orquesta de Jimmie Lunceford. También en Nueva York, la Fletcher Henderson Orchestra presentó el nuevo estilo en el Roseland Ballroom y la potencia del swing Chick Webb Orchestra comenzó su estadía prolongada en el Savoy Ballroom en 1931. Bennie Moten y la Kansas City Orchestra exhibieron el solista impulsado por riffs. forma orientada de swing que se había estado desarrollando en el invernadero de Kansas City. Emblemático de la música en evolución fue el cambio en el nombre de la melodía característica de Moten, de "Moten Stomp" a "Moten Columpio". La orquesta de Moten tuvo una gira de gran éxito a finales de 1932. El público quedó entusiasmado con la nueva música, y en el Teatro Pearl de Filadelfia en diciembre de 1932, se abrieron las puertas al público que se agolpó en el teatro para escuchar la nueva música. sonido, exigiendo siete bises de la orquesta de Moten.

A principios de la década de 1930 llegaron las dificultades financieras de la Gran Depresión que redujeron la grabación de nueva música y llevaron a la quiebra a algunas bandas, incluidas la Orquesta Fletcher Henderson y los Cotton Pickers de McKinney en 1934. Henderson' Su siguiente negocio fue vender arreglos al prometedor líder de la banda, Benny Goodman. "Dulce" La música bailable siguió siendo la más popular entre el público blanco, pero la Orquesta de Casa Loma y la Orquesta de Benny Goodman fueron contra esa corriente y dirigieron el nuevo estilo de swing a un público más joven.

1935-1946: la era del swing

Benny Goodman, uno de los primeros líderes de bandas para lograr la fama generalizada

En 1935, la Orquesta de Benny Goodman ganó un lugar en el programa de radio Let's Dance y comenzó a presentar un repertorio actualizado con arreglos de Fletcher Henderson. El horario de Goodman estaba encendido después de la medianoche en el Este, y pocas personas lo escucharon. Estuvo antes en la costa oeste y desarrolló la audiencia que más tarde condujo al triunfo de Goodman's Palomar Ballroom. En el compromiso de Palomar que comenzó el 21 de agosto de 1935, el público de jóvenes bailarines blancos favoreció el ritmo y los atrevidos arreglos de Goodman. El repentino éxito de la orquesta de Goodman transformó el panorama de la música popular en Estados Unidos. El éxito de Goodman con 'hot' El swing produjo imitadores y entusiastas del nuevo estilo en todo el mundo de las bandas de baile, lo que lanzó la "era del swing" que duró hasta 1946.

Una canción típica tocada en estilo swing presentaría una sección rítmica fuerte y anclada en apoyo de secciones de viento de madera y metales más relajadas que tocan una respuesta de llamada entre sí. El nivel de improvisación que la audiencia podría esperar variaba según el arreglo, la canción, la banda y el líder de la banda. Por lo general, los arreglos de swing de big band incluían un coro introductorio que establecía el tema, coros arreglados para solistas y coros culminantes. Algunos arreglos se construyeron completamente en torno a un solista o vocalista destacado. Algunas bandas usaban secciones de cuerdas o vocales, o ambas. El repertorio de la era del swing incluía los estándares del Great American Songbook of Tin Pan Alley, originales de la banda, melodías tradicionales de jazz como 'King Porter Stomp', con la que la orquesta Goodman tuvo un gran éxito, y blues.

La música hot swing está fuertemente asociada con el baile jitterbug que se convirtió en una moda nacional que acompaña a la moda del swing. El baile swing se originó a fines de la década de 1920 como el "Lindy Hop" y luego incorporaría otros estilos, incluidos The Suzie Q, Truckin', Peckin' Jive, The Big Apple y The Shag en varias combinaciones de movimientos. Una subcultura de nerviosos, que a veces se volvía bastante competitiva, se congregaba alrededor de los salones de baile que presentaban música de swing caliente. Una pista de baile llena de nerviosos tenía un atractivo cinematográfico; a veces aparecían en noticieros y películas. Algunos de los más nerviosos se reunían en grupos de baile profesionales como Whitey's Lindy Hoppers (presentado en A Day At the Races, Everybody Dance y Hellzapoppin& #39;). El baile swing sobreviviría a la era del swing y se asociaría con el R&B y el Rock&Roll temprano.

Al igual que con muchos nuevos estilos musicales populares, el swing encontró cierta resistencia debido a su improvisación, tempo, letras ocasionalmente atrevidas y baile frenético. Audiencias acostumbradas al tradicional "dulce" arreglos, como los ofrecidos por Guy Lombardo, Sammy Kaye, Kay Kyser y Shep Fields, quedaron desconcertados por el bullicio de la música swing. El swing a veces se consideraba un entretenimiento ligero, más una industria para vender discos a las masas que una forma de arte, entre los fanáticos tanto del jazz como del "serio" música. Algunos críticos de jazz, como Hugues Panassié, sostuvieron que la improvisación polifónica del jazz de Nueva Orleans era la forma pura del jazz, y que el swing era una forma corrompida por la reglamentación y el comercialismo. Panassié también era un defensor de la teoría de que el jazz era una expresión primordial de la experiencia afroamericana y que los músicos blancos, o los músicos negros que se interesaban por ideas musicales más sofisticadas, eran generalmente incapaces de expresar sus valores fundamentales. En su autobiografía de 1941, W. C. Handy escribió que “destacados directores de orquesta blancos, cantantes de conciertos y otros están haciendo uso comercial de la música negra en sus diversas fases. Es por eso que introdujeron "swing" que no es una forma musical" (sin comentarios sobre Fletcher Henderson, Earl Hines, Duke Ellington o Count Basie). El renacimiento de Dixieland comenzó a fines de la década de 1930 como una recreación consciente del jazz de Nueva Orleans en reacción contra el estilo orquestado del swing de big band. Algunos líderes de bandas de swing vieron oportunidades en el renacimiento de Dixieland. Clambake Seven de Tommy Dorsey y Bobcats de Bob Crosby fueron ejemplos de conjuntos de Dixieland dentro de grandes bandas de swing.

Entre los polos de lo caliente y lo dulce, las interpretaciones medianas del swing condujeron a un gran éxito comercial para bandas como las dirigidas por Artie Shaw, Glenn Miller y Tommy Dorsey. La característica sección de lengüetas dirigida por clarinete de Miller fue decididamente 'dulce'. pero el catálogo de Miller no carecía de melodías de baile animadas y de tempo medio y algunas melodías de tempo rápido como Mission to Moscow y la composición de Lionel Hampton "Flying Home". "El caballero sentimental del swing" Tommy Dorsey hizo un guiño al lado atractivo al contratar al trompetista de jazz y ex alumno de Goodman, Bunny Berigan, y luego contrató al arreglista de Jimmie Lunceford, Sy Oliver, para darle vida a su catálogo en 1939.

Nueva York se convirtió en una piedra de toque para el éxito nacional de las grandes bandas, con compromisos transmitidos a nivel nacional en los salones de baile Roseland y Savoy, una señal de que una banda de swing había llegado a la escena nacional. Con su participación en el Savoy en 1937, la Orquesta Count Basie atrajo la atención nacional hacia el estilo de swing de Kansas City orientado a los riffs y los solos. La orquesta de Basie influiría colectiva e individualmente en estilos posteriores que darían lugar a los más pequeños "jump" bandas y bebop. La Orquesta Chick Webb permaneció estrechamente identificada con el Savoy Ballroom, habiendo originado la melodía "Stompin' en el Savoy", y se volvió temido en las Batallas de Bandas del Savoy's. Humilló a la banda de Goodman y tuvo encuentros memorables con las bandas de Ellington y Basie. El concierto del Carnegie Hall de 1938 de la banda de Goodman se convirtió en una cumbre del swing, con invitados de las bandas de Basie y Ellington invitados a una jam session después de la actuación de la banda de Goodman. Coleman Hawkins regresó de una estadía prolongada en Europa a Nueva York en 1939, grabó su famosa versión de 'Body and Soul' y lideró su propia big band. 1940 vio a músicos de primer nivel como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Don Byas, Charlie Christian y Gene Ramey, cuyas carreras en el swing los habían llevado a Nueva York, comenzando a unirse y desarrollar las ideas que se convertirían en bebop.

1940: decadencia

A principios de la década de 1940, surgieron tendencias en la música popular y el jazz que, una vez que hubieran seguido su curso, darían como resultado el final de la era del swing. Los vocalistas se estaban convirtiendo en las atracciones estrella de las grandes bandas. La vocalista Ella Fitzgerald, después de unirse a la Chick Webb Orchestra en 1936, impulsó a la banda a una gran popularidad y la banda continuó bajo su nombre después de la muerte de Webb en 1939. En 1940, el vocalista Vaughn Monroe dirigía su propia big band y Frank Sinatra se estaba convirtiendo en la atracción principal de la Orquesta de Tommy Dorsey, incitando la histeria colectiva entre los bobby-soxers. La vocalista Peggy Lee se unió a la Orquesta Goodman en 1941 por un período de dos años, convirtiéndose rápidamente en la atracción principal de sus mayores éxitos. Algunas big bands se estaban alejando de los estilos de swing que dominaban a fines de la década de 1930, tanto por razones comerciales como creativas. Algunas de las big bands más comerciales atendían a los más 'dulces'. sensibilidades con secciones de cuerdas. Algunos directores de orquesta como John Kirby, Raymond Scott y Claude Thornhill fusionaron el swing con el repertorio clásico. Los menores requisitos de mano de obra y la simplicidad favorecieron el auge del swing de bandas pequeñas. Los Savoy Sultans y otras bandas más pequeñas lideradas por Louis Jordan, Lucky Millinder, Louis Prima y Tony Pastor mostraban un exuberante 'jump swing'. estilo que conduciría al auge de posguerra del R&B. En una entrevista Downbeat de 1939, Duke Ellington expresó su descontento con el estado creativo de la música swing; dentro de unos años, él y otros directores de orquesta se adentrarían en formas más ambiciosas y menos bailables de jazz orquestal y la vanguardia creativa para los solistas se trasladaría a conjuntos más pequeños y bebop. La Orquesta de Earl Hines en 1943 contó con una colección de músicos jóvenes y con visión de futuro que estaban en el centro del movimiento bebop y que al año siguiente estarían en la Orquesta de Billy Eckstine, la primera gran banda en exhibir el bebop. A medida que la era del swing entró en declive, aseguró legados en la música popular centrada en el vocalista, "progresiva" big band jazz, R&B y bebop.

La tendencia a alejarse del swing de big band se vio acelerada por las condiciones de guerra y los conflictos de regalías. En 1941, la Sociedad Estadounidense de Compositores y Productores (ASCAP) exigió mayores regalías a las emisoras y las emisoras se negaron. En consecuencia, ASCAP prohibió la transmisión al aire del gran repertorio que controlaban, restringiendo severamente lo que la audiencia de radio podía escuchar. ASCAP también exigió la aprobación previa de listas de canciones e incluso solos escritos para transmisiones en vivo, para asegurar que ni siquiera se transmitiera un fragmento citado del repertorio de ASCAP. Esas restricciones hicieron que la transmisión fuera mucho menos atractiva para el año en que estuvo vigente la prohibición. El swing de big band siguió siendo popular durante los años de la guerra, pero los recursos necesarios para apoyarlo se volvieron problemáticos. Restricción de viajes durante la guerra, junto con el aumento de los gastos, reducción de las giras por carretera. Los requisitos de mano de obra para las grandes bandas de swing supusieron una carga para los escasos recursos disponibles para las giras y se vieron afectados por el reclutamiento militar. En julio de 1942, la Federación Estadounidense de Músicos ordenó la prohibición de grabar hasta que los sellos discográficos acordaran pagar regalías a los músicos. Eso detuvo la grabación de música instrumental para los principales sellos durante más de un año, y los últimos sellos acordaron nuevos términos de contrato en noviembre de 1944. Mientras tanto, los vocalistas continuaron grabando respaldados por grupos vocales y la industria discográfica lanzó grabaciones de swing anteriores de sus bóvedas., reflejando cada vez más la popularidad de los vocalistas de big band. En 1943, Columbia Records relanzó la grabación de 1939 de "All or Nothing at All" por la Orquesta de Harry James con Frank Sinatra, dando a Sinatra la mejor facturación ("Acc. Harry James and his Orchestra"). La grabación encontró el éxito comercial que había eludido su lanzamiento original. El swing de bandas pequeñas se grabó para sellos especializados pequeños que no se vieron afectados por la prohibición. Estos sellos tenían una distribución limitada centrada en los grandes mercados urbanos, lo que tendía a limitar el tamaño de los conjuntos con los que grabar podía ser una propuesta lucrativa. Otro golpe cayó sobre el mercado del swing orientado a la danza en 1944 cuando el gobierno federal impuso un impuesto especial del 30 % sobre el "baile" clubes nocturnos, socavando el mercado de la música dance en lugares más pequeños.

Décadas de 1950 y 1960

Columpiándose' pop

Frank Sinatra

Las bandas de swing y las ventas continuaron cayendo desde 1953 hasta 1954. En 1955, se hizo pública una lista de los mejores artistas discográficos del año anterior. La lista reveló que las ventas de big band habían disminuido desde principios de la década de 1950. Sin embargo, la música de big band experimentó un renacimiento en las décadas de 1950 y 1960. Un ímpetu fue la demanda de orquestas de estudio y escenario como respaldo de vocalistas populares y en transmisiones de radio y televisión. La capacidad de adaptar los estilos de interpretación a diversas situaciones era una habilidad esencial entre estas bandas de alquiler, con una versión algo sedada de swing de uso común para los coristas. El resurgimiento del éxito comercial de Frank Sinatra con un respaldo ligeramente cambiante a mediados de la década de 1950 consolidó la tendencia. Se convirtió en un sonido asociado con vocalistas pop como Bobby Darin, Dean Martin, Judy Garland y Nat King Cole, así como con vocalistas orientados al jazz como Ella Fitzgerald y Keely Smith. Muchos de estos cantantes también estuvieron involucrados en el "less swinging" música pop vocal de este período. Las bandas en estos contextos actuaron en relativo anonimato, recibiendo crédito secundario debajo de la facturación principal. Algunas, como las orquestas de Nelson Riddle y Gordon Jenkins, se hicieron conocidas por derecho propio, con Riddle particularmente asociado con el éxito de Sinatra y Cole. Columpiándose' el pop siguió siendo popular hasta mediados de la década de 1960, convirtiéndose en una corriente de la "escucha fácil" género.

Gran banda de jazz

Las grandes bandas de jazz también regresaron. Las bandas de Stan Kenton y Woody Herman mantuvieron su popularidad durante los años difíciles de fines de la década de 1940 y más allá, dejando su huella con arreglos innovadores y solistas de jazz de alto nivel (Shorty Rogers, Art Pepper, Kai Winding, Stan Getz, Al Cohn, Zoot Sims, Serge Chaloff, Gene Ammons, Sal Nistico). Lionel Hampton fue un líder en el género R&B a fines de la década de 1940 y luego volvió a ingresar al jazz de big band a principios de la década de 1950, y siguió siendo una atracción popular durante la década de 1960. Count Basie y Duke Ellington habían reducido el tamaño de sus big bands durante la primera mitad de la década de 1950 y luego las habían reconstituido en 1956. La incursión de Ellington en el jazz de big band se vio alentada por su recepción en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Las bandas de Basie y Ellington florecieron creativa y comercialmente durante la década de 1960 y más allá, y ambos líderes veteranos recibieron grandes elogios por su trabajo contemporáneo y tocaron hasta que quedaron físicamente incapacitados. El baterista Buddy Rich, después de liderar brevemente una big band a fines de la década de 1940 y actuar en varios conciertos de jazz y big band, formó su big band definitiva en 1966. Su nombre se convirtió en sinónimo del estilo dinámico y exuberante de su big band. Otras grandes bandas de jazz que impulsaron el renacimiento de las décadas de 1950 y 1960 incluyen las dirigidas por Thad Jones, Mel Lewis, Quincy Jones y Oliver Nelson. El jazz de big band sigue siendo un componente importante del plan de estudios de instrucción de jazz universitario.

Swing entre géneros

En la música country, Jimmie Rodgers, Moon Mullican y Bob Wills combinaron elementos de swing y blues para crear un swing occidental. Mullican dejó la banda de Cliff Bruner para seguir una carrera en solitario que incluía muchas canciones que mantenían una estructura de swing. Artistas como Willie Nelson y Asleep at the Wheel han continuado con los elementos swing de la música country. Dormido al volante también ha grabado las melodías de Count Basie 'One O'Clock Jump', 'Jumpin' at the Woodside" y "Song of the Wanderer" usando una guitarra de acero como sustituto de una sección de vientos. Nat King Cole siguió a Sinatra en la música pop, trayendo consigo una combinación similar de swing y baladas. Al igual que Mullican, fue importante para llevar el piano al primer plano de la música popular.

El swing gitano es una consecuencia del swing de violín de jazz de Joe Venuti y Eddie Lang. En Europa se escuchó en la música del guitarrista Django Reinhardt y el violinista Stéphane Grappelli. Su repertorio se superpone al swing de la década de 1930, incluida la música popular francesa, las canciones gitanas y las composiciones de Reinhardt, pero las bandas de swing gitano se formulan de manera diferente. No hay metales ni percusión; guitarras y bajos forman la columna vertebral, con violín, acordeón, clarinete o guitarra a la cabeza. Los grupos de swing gitano generalmente no tienen más de cinco jugadores. Aunque se originaron en diferentes continentes, a menudo se han observado similitudes entre el swing gitano y el swing occidental, lo que ha dado lugar a diversas fusiones.

Los creadores de éxitos de la música rock como Fats Domino y Elvis Presley incluyeron estándares de la era del swing en su repertorio, creando baladas cantadas como "Are You Lonesome Tonight" y "Mi cielo azul" en éxitos de la era del rock and roll. El grupo vocal doo-wop The Marcels tuvo un gran éxito con su animada versión de la balada de la era swing 'Blue Moon'.

El mandolinista de varios géneros Jethro Burns es ampliamente conocido por tocar Swing, Jazz y muchas otras formas del género en la mandolina. Ha producido muchos álbumes que incluyen ritmos de jazz y progresiones de acordes de swing. A menudo se le considera "El padre de la mandolina de jazz".

Década de 1960 a 2000: nostalgia de la Big Band y renacimiento del swing

Aunque la música swing ya no era la corriente principal, los fanáticos podían asistir a "Big Band Nostalgia" giras desde la década de 1970 hasta la década de 1980. Las giras contaron con líderes de bandas y vocalistas de la era del swing que estaban semi-retirados, como Harry James y el vocalista Dick Haymes. Las transmisiones de radio de temática histórica con comedia de época, melodrama y música también desempeñaron un papel en el mantenimiento del interés por la música de la era del swing.

Dan Hicks and His Hot Licks, y más tarde David Grisman, presentaron adaptaciones de Gypsy Swing, reavivando el interés por la forma musical. Otros avivamientos del swing ocurrieron durante la década de 1970. El grupo vocal de jazz, R&B y swing revival Manhattan Transfer y Bette Midler incluyeron éxitos de la era del swing en álbumes a principios de la década de 1970. En Seattle, New Deal Rhythm Band y Horns O Plenty Orchestra revivieron el swing de los años 30 con una dosis de comedia detrás de los vocalistas Phil 'De Basket'. Shallat, Cheryl "Benceno" Bentyne y "Little Janie" Lamberto. Bentyne dejaría New Deal Rhythm Band en 1978 para su larga carrera con Manhattan Transfer. El líder fundador de New Deal Rhythm Band, John Holte, dirigió bandas de revival de swing en el área de Seattle hasta 2003.

Se produjo un renacimiento del swing durante las décadas de 1990 y 2000 liderado por Royal Crown Revue, Big Bad Voodoo Daddy, The Cherry Poppin' Papás, Cremalleras de nueces de ardilla, Lavay Smith y Brian Setzer. Muchas de las bandas tocaban neo-swing, que combinaba swing con rockabilly, ska y rock. La música trajo un renacimiento en el baile swing.

En 2001, el álbum Swing When You're Winning de Robbie Williams consistía principalmente en versiones populares de swing. El álbum vendió más de 7 millones de copias en todo el mundo. En noviembre de 2013, Robbie Williams lanzó Swings Both Ways.

1990 hasta la actualidad: swing house, electro swing y swing pop

Otro desarrollo moderno consiste en fusionar el swing (original o remixes de clásicos) con técnicas de hip hop y house. "Casa de columpio" fue particularmente popular a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. Las influencias incorporadas incluyen a Louis Jordan y Louis Prima. El electro swing es popular principalmente en Europa, y los artistas de electro swing incorporan influencias como el tango y el gypsy swing de Django Reinhardt. Los principales artistas incluyen Caravan Palace y Parov Stelar. Ambos géneros están conectados con un renacimiento de los bailes swing, como el Lindy hop.