Música renacentista

Tradicionalmente se entiende que la música renacentista cubre la música europea de los siglos XV y XVI, posterior a la era del Renacimiento tal como se entiende en otras disciplinas. En lugar de comenzar con el ars nova de principios del siglo XIV, la música del Trecento fue tratada por la musicología como una coda a la música medieval y la nueva era databa del surgimiento de la armonía triádica y la difusión del estilo ' contenance angloise ' de Gran Bretaña a los Estados Unidos. Escuela de Borgoña. Un punto de inflexión conveniente para su final es la adopción del bajo continuo a principios del período barroco.

El período se puede subdividir aproximadamente, con un período temprano que corresponde a la carrera de Guillaume Du Fay (c. 1397-1474) y el cultivo del estilo cantilena, un medio dominado por la escuela franco-flamenca y las texturas de cuatro partes favorecidas por Johannes Ockeghem (década de 1410 o 20 – 1497) y Josquin des Prez (finales de la década de 1450 – 1521), y culminando durante la Contrarreforma en el florido contrapunto de Palestrina (c. 1525 – 1594) y la Escuela Romana.

La música se liberó cada vez más de las restricciones medievales y se permitió una mayor variedad en el rango, el ritmo, la armonía, la forma y la notación. Por otro lado, las reglas del contrapunto se volvieron más restringidas, particularmente con respecto al tratamiento de las disonancias. En el Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo de expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal fuera más expresiva de los textos que estaban configurando. La música profana absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Formas seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por toda Europa. Los tribunales empleaban a intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por sí misma.

Las versiones precursoras de muchos instrumentos modernos familiares (incluidos el violín, la guitarra, el laúd y los instrumentos de teclado) se desarrollaron en nuevas formas durante el Renacimiento. Estos instrumentos se modificaron para responder a la evolución de las ideas musicales y presentaron nuevas posibilidades para que los compositores y músicos exploraran. También aparecieron formas tempranas de instrumentos modernos de viento de madera y metal, como el fagot y el trombón, que ampliaron la gama de colores sónicos y aumentaron el sonido de los conjuntos instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de tríadas completas se hizo común, y hacia fines del siglo XVI el sistema de modos de iglesia comenzó a desmoronarse por completo, dando paso a la tonalidad funcional (el sistema en el que las canciones y piezas se basan en "música" keys"), que dominaría la música artística occidental durante los siguientes tres siglos.

Desde la era del Renacimiento, la música sacra y secular anotada sobrevive en cantidad, incluidas obras vocales e instrumentales y obras mixtas vocales e instrumentales. Una amplia gama de estilos y géneros musicales florecieron durante el Renacimiento, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, bailes instrumentales y muchos otros. A partir de finales del siglo XX, se formaron numerosos conjuntos de música antigua. Los conjuntos que se especializan en la música de la era del Renacimiento dan giras de conciertos y hacen grabaciones, utilizando reproducciones modernas de instrumentos históricos y usando estilos de canto e interpretación que los musicólogos creen que se usaron durante la época.

Visión de conjunto

Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de la tercera y su inversión, la sexta (en la Edad Media, las terceras y las sextas se consideraban disonancias, y solo los intervalos perfectos se trataban como consonancias).: la cuarta perfecta, la quinta perfecta, la octava y el unísono). La polifonía, el uso de múltiples líneas melódicas independientes, interpretadas simultáneamente, se hizo cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces muy independientes (tanto en la música vocal como en la música instrumental). El comienzo del siglo XV mostró simplificación, y los compositores a menudo se esforzaron por lograr la suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible debido a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, la estrecha gama hacía necesario el cruce frecuente de partes, requiriendo así un mayor contraste entre ellas para distinguir las distintas partes. Las características modales (a diferencia del tonal, también conocido como "clave musical", un enfoque desarrollado en la era de la música barroca posterior, c. 1600-1750) de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el uso creciente. de movimientos de raíz de quintas o cuartas (ver el "círculo de quintas" para más detalles). Un ejemplo de una progresión de acordes en la que las raíces de los acordes se mueven en intervalos de cuarta sería la progresión de acordes, en la tonalidad de do mayor: "re menor/sol mayor/do mayor" (todas son tríadas; tres notas acordes). El movimiento del acorde de D menor al acorde de G Mayor es un intervalo de cuarta perfecta. El movimiento del acorde de sol mayor al acorde de do mayor es también un intervalo de cuarta justa. Esto más tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la época barroca.

Las principales características de la música renacentista son.:

• Música basada en modos.
• Textura más rica, con cuatro o más partes melódicas independientes ejecutadas simultáneamente. Estas líneas melódicas entrelazadas, un estilo llamado polifonía, es una de las características definitorias de la música renacentista.
• Mezclar, en lugar de contrastar, líneas melódicas en la textura musical.
• Armonía que puso una mayor preocupación en el buen fluir de la música y su progresión de acordes.

El desarrollo de la polifonía produjo los cambios notables en los instrumentos musicales que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso alentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se combinaran en todo el rango vocal.

Fondo

Como en las otras artes, la música de la época estuvo significativamente influenciada por los desarrollos que definen el período moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de empresas comerciales; el surgimiento de una clase burguesa; y la Reforma protestante. De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca.

La invención de la imprenta en 1439 abarató y facilitó la distribución de textos musicales y de teoría musical a una escala geográfica más amplia y a más personas. Antes de la invención de la imprenta, la música escrita y los textos de teoría musical tenían que copiarse a mano, un proceso costoso y que consumía mucho tiempo. La demanda de música como entretenimiento y como actividad de ocio para aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de chansons, motetes y misas por toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI con la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd y Tomás Luis de Victoria. Relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos, junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitió la formación de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataron como compositores, intérpretes y maestros. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a fines del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias musicales del norte y Venecia, Roma y otras ciudades se convirtieron en centros de actividad musical. Esto invirtió la situación de cien años antes. La ópera, un género escénico dramático en el que los cantantes son acompañados por instrumentos, surgió en este momento en Florencia. La ópera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia.

Géneros

Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia), que permanecieron en uso durante todo el período del Renacimiento, fueron misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final de la era, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar música secular (no religiosa). formas musicales (como el madrigal) para uso religioso. Las misas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se utilizaban: monofónicas (una sola línea melódica) y polifónicas (múltiples líneas melódicas independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en el cantus firmus.práctica o, comenzando alrededor de 1500, el nuevo estilo de "imitación generalizada", en el que los compositores escribían música en la que las diferentes voces o partes imitaban los motivos melódicos y/o rítmicos interpretados por otras voces o partes. Se utilizaron varios tipos principales de masas:

• Masa cíclica (masa tenor)
• Misa de paráfrasis
• Masa de imitación

Las misas normalmente se titulaban según la fuente de la que tomaban prestado. Cantus firmus mass usa la misma melodía monofónica, generalmente extraída del canto y generalmente en el tenor y más a menudo en valores de notas más largos que las otras voces. Otros géneros sagrados fueron la madrigal espiritual y la laude.

Durante el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución cada vez mayor, con una amplia variedad de formas, pero uno debe ser cauteloso al asumir una explosión en la variedad: dado que la imprenta hizo que la música estuviera más disponible, ha sobrevivido mucho más de esta época. que de la era medieval precedente, y probablemente se haya perdido una rica reserva de música popular de finales de la Edad Media. La música secular era música independiente de las iglesias. Los tipos principales fueron el Lied alemán, la frottola italiana, la chanson francesa, el madrigal italiano y el villancico español. Otros géneros vocales seculares incluyeron la caccia, el rondeau, el virelai, la bergerette, la balada, la musique mesurée, la canzonetta, la villanella, la villotta y la canción de laúd. También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete profano.

La música puramente instrumental incluía música de consorte para flautas dulces o violas y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes eran la toccata, el preludio, el ricercar y la canzona. Los bailes interpretados por conjuntos instrumentales (oa veces cantados) incluían basse danse (It. bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva y lavolta. Se puede arreglar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, la vihuela, el arpa o el teclado. Tales arreglos fueron llamados intabulaciones (It. intavolatura, Ger. Intabulierung).

Hacia el final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

Teoría y notación

Según Margaret Bent: "La notación renacentista es poco prescriptiva según nuestros estándares [modernos]; cuando se traduce a una forma moderna, adquiere un peso prescriptivo que especifica en exceso y distorsiona su apertura original".Las composiciones renacentistas se anotaron solo en partes individuales; las puntuaciones eran extremadamente raras y no se usaban barras de compás. Los valores de las notas eran generalmente más grandes que los que se usan hoy en día; la unidad primaria de tiempo era la semibreve, o nota entera. Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver Música medieval), podría haber dos o tres de estos para cada breve (una nota de doble entero), que puede considerarse equivalente al "compás" moderno, aunque era en sí mismo un valor de nota y una medida no lo es. La situación se puede considerar de esta manera: es la misma regla por la cual en la música moderna una negra puede ser igual a dos corcheas oa tres, que se escribirían como un "tresillo". Según el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la "mínima" (equivalente a la "media nota" moderna

Estas diferentes permutaciones se denominaron "tempus perfecto/imperfecto" en el nivel de la relación breve-semibreve, "prolación perfecta/imperfecta" en el nivel de la semibreve-minim, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba "perfecto" y dos a uno "imperfecto". También existían reglas por las cuales las notas individuales podían reducirse a la mitad o duplicarse en valor ("imperfectas" o "alteradas", respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas por otras notas determinadas. Las notas con cabezas negras (como las negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de papel vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rayado necesario para rellenar cabezas de notas sólidas; notación de tiempos anteriores, escrito en vitela, había sido negro. También se utilizaron de forma rutinaria otros colores y, más tarde, notas rellenas, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para exigir otros cambios rítmicos temporales.

Las alteraciones (p. ej., sostenidos, bemoles y naturales agregados que cambian las notas) no siempre se especificaban, algo así como en ciertas notaciones de digitación para instrumentos de la familia de guitarras (tablaturas) en la actualidad. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido altamente capacitados en el contrapunto diádico y por lo tanto poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura correctamente, incluso si las alteraciones accidentales no estuvieran escritas. Como tal, "lo que la notación moderna requiere [accidentes] habría sido entonces perfectamente aparente sin notación para un cantante versado en contrapunto". (Ver musica ficta). Un cantante interpretaría su parte calculando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos, los músicos evitarían octavas paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos.Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.

Para obtener información sobre teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius y Pietro Cerone.

Compositores - línea de tiempo

Período temprano (1400-1470)

Los compositores clave de la era del Renacimiento temprano también escribieron en un estilo medieval tardío y, como tales, son figuras de transición. Leonel Power (c. 1370 o 1380-1445) fue un compositor inglés de las eras musicales de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Junto con John Dunstaple, fue una de las principales figuras de la música inglesa a principios del siglo XV.) Power es el compositor mejor representado en el Old Hall Manuscript,una de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV. Power fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados del ordinario de la misa que estaban unificados temáticamente y destinados a una interpretación contigua. El Old Hall Manuscript contiene su misa basada en la antífona mariana, Alma Redemptoris Mater, en la que la antífona se enuncia literalmente en voz de tenor en cada movimiento, sin adornos melódicos. Esta es la única configuración cíclica del ordinario de masas que se le puede atribuir. Escribió ciclos de masas, fragmentos y movimientos únicos y una variedad de otras obras sagradas.

John Dunstaple (o Dunstable) (c. 1390–1453) fue un compositor inglés de música polifónica de finales de la época medieval y principios del Renacimiento. Fue uno de los compositores más famosos activos a principios del siglo XV, casi contemporáneo de Power, y fue muy influyente, no solo en Inglaterra sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la Escuela Borgoña. La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente fue enorme, particularmente considerando la relativa escasez de sus obras (atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la música de la escuela borgoñona: la contenance angloise ("el semblante inglés"), término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion des Dames.Le Franc agregó que el estilo influyó en Dufay y Binchois. Escribiendo unas décadas más tarde, alrededor de 1476, el compositor y teórico musical flamenco Tinctoris reafirmó la poderosa influencia que tenía Dunstaple, enfatizando el "nuevo arte" que Dunstaple había inspirado. Tinctoris aclamó a Dunstaple como la fons et origo del estilo, su "fuente y origen".

La contenance angloise, aunque no fue definida por Martin le Franc, probablemente fue una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar una armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con un gusto por el intervalo de la tercera. Suponiendo que hubiera estado en el continente con el duque de Bedford, Dunstaple habría sido presentado al fauxbourdon francés; tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó armonías elegantes en su propia música usando terceras y sextas (un ejemplo de un intervalo de tercera son las notas C y E; un ejemplo de un intervalo de sexta son las notas C y A). En conjunto, se consideran características definitorias de la música del Renacimiento temprano. Muchos de estos rasgos pueden haberse originado en Inglaterra, echando raíces en la Escuela Borgoña a mediados de siglo.

Debido a que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De las obras que se le atribuyen sólo se conservan unas cincuenta, entre las que se encuentran dos misas completas, tres secciones de misa encadenada, catorce secciones de misa individual, doce motetes isorrítmicos completos y siete composiciones de antífonas marianas, como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater misericordiae.. Dunstaple fue uno de los primeros en componer misas usando una sola melodía como cantus firmus. Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa Rex seculorum.. Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero no se le puede atribuir ninguna canción en lengua vernácula con cierto grado de certeza.

Oswald von Wolkenstein (c. 1376-1445) es uno de los compositores más importantes del primer Renacimiento alemán. Es mejor conocido por sus melodías bien escritas y por su uso de tres temas: viajes, Dios y sexo.

Gilles Binchois (c. 1400-1460) fue un compositor holandés, uno de los primeros miembros de la escuela de Borgoña y uno de los tres compositores más famosos de principios del siglo XV. Si bien los académicos contemporáneos a menudo lo clasifican detrás de sus contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple, sus obras aún se citan, se toman prestadas y se utilizan como material de origen después de su muerte. Binchois es considerado un buen melodista, escribe líneas cuidadosamente formadas que son fáciles de cantar y memorables. Sus melodías aparecieron en copias décadas después de su muerte y, a menudo, los compositores posteriores las utilizaron como fuentes para la composición en masa. La mayor parte de su música, incluso su música sacra, es simple y clara, a veces incluso ascética (como un monje). Un mayor contraste entre Binchois y la extrema complejidad del ars subtiliordel siglo anterior (XIV) sería difícil de imaginar. La mayoría de sus canciones seculares son rondeaux, que se convirtieron en la forma de canción más común durante el siglo. Raramente escribió en forma estrófica, y sus melodías son generalmente independientes del esquema de rima de los versos en los que están ambientadas. Binchois escribió música para la corte, canciones seculares de amor y caballería que cumplieron con las expectativas y satisficieron el gusto de los duques de Borgoña que lo emplearon y, evidentemente, amaban su música en consecuencia. Aproximadamente la mitad de su música secular existente se encuentra en la Biblioteca Oxford Bodleian.

Guillaume Du Fay (c. 1397-1474) fue un compositor franco-flamenco de principios del Renacimiento. Figura central de la escuela borgoñona, fue considerado por sus contemporáneos como el principal compositor de Europa a mediados del siglo XV. Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes de la época, incluidas misas, motetes, Magnificats, himnos, cantos simples en fauxbourdon y antífonas dentro del área de la música sacra, y rondeaux, baladas, virelais y algunos otros tipos de chanson dentro. el reino de la música secular. Ninguna de su música sobreviviente es específicamente instrumental, aunque ciertamente se usaron instrumentos para parte de su música secular, especialmente para las partes bajas; toda su música sacra es vocal. Es posible que se hayan utilizado instrumentos para reforzar las voces en la interpretación real de casi cualquiera de sus obras.Siete misas completas, 28 movimientos de masas individuales, 15 arreglos de canto utilizados en misas propiamente dichos, tres Magníficats, dos arreglos de Benedicamus Domino, 15 arreglos de antífonas (seis de ellos antífonas marianas), 27 himnos, 22 motetes (13 de estos isorrítmicos en la parte más estilo angular y austero del siglo XIV que dio paso a una escritura parcial dominada por los agudos más melódica y sensual con frases que terminan en la cadencia "debajo del tercio" en la juventud de Du Fay) y 87 chansons definitivamente de él han sobrevivido.

Muchas de las composiciones de Du Fay eran escenarios simples de canto, obviamente diseñados para uso litúrgico, probablemente como sustitutos del canto sin adornos, y pueden verse como armonizaciones de canto. A menudo, la armonización utilizó una técnica de escritura paralela conocida como fauxbourdon, como en el siguiente ejemplo, una configuración de la antífona mariana Ave maris stella. Du Fay pudo haber sido el primer compositor en usar el término "fauxbourdon" para este estilo compositivo más simple, prominente en la música litúrgica del siglo XV en general y en la escuela de Borgoña en particular. La mayoría de las canciones seculares (no religiosas) de Du Fay siguen las formas fijas (rondeau, balada y virelai), que dominaron la música secular europea de los siglos XIV y XV. También escribió un puñado de baladas italianas, casi con certeza mientras estuvo en Italia. Como es el caso de sus motetes, muchas de las canciones fueron escritas para ocasiones específicas, y muchas son datables, proporcionando así información biográfica útil. La mayoría de sus canciones son a tres voces, utilizando una textura dominada por la voz más aguda; las otras dos voces, sin texto, probablemente fueron interpretadas por instrumentos.

Du Fay fue uno de los últimos compositores en hacer uso de técnicas estructurales polifónicas medievales tardías como el isorritmo, y uno de los primeros en emplear las armonías, frases y melodías más melifluas características del Renacimiento temprano. Sus composiciones dentro de los géneros más amplios (misas, motetes y chansons) son en su mayoría similares entre sí; su renombre se debe en gran parte a lo que se percibía como su perfecto control de las formas en las que trabajaba, así como su don para la melodía memorable y cantable. Durante el siglo XV, fue considerado universalmente como el más grande compositor de su tiempo, una opinión que ha sobrevivido en gran medida hasta nuestros días.

Período medio (1470-1530)

Durante el siglo XVI, Josquin des Prez (c.  1450/1455 - 27 de agosto de 1521) adquirió gradualmente la reputación de ser el mayor compositor de la época, su dominio de la técnica y la expresión fue imitado y admirado universalmente. Escritores tan diversos como Baldassare Castiglione y Martin Luther escribieron sobre su reputación y fama.

Período tardío (1530-1600)

En Venecia, desde alrededor de 1530 hasta alrededor de 1600, se desarrolló un estilo policoral impresionante, que le dio a Europa una de las músicas más grandiosas y sonoras compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales en la Basílica de San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las siguientes décadas, comenzando en Alemania y luego moviéndose a España, Francia e Inglaterra un poco más tarde, marcando el comienzo de lo que ahora conocemos como la era musical barroca.

La Escuela Romana fue un grupo de compositores predominantemente de música eclesiástica en Roma, que abarcó el Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaron en varias iglesias; estilísticamente, a menudo se contrastan con la Escuela de compositores venecianos, un movimiento concurrente que fue mucho más progresivo. Con mucho, el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Si bien es más conocido como un prolífico compositor de misas y motetes, también fue un importante madrigalista. Su habilidad para unir las necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales prevalecientes durante el período de la Contrarreforma le dio su fama perdurable.

El breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, principalmente entre 1588 y 1627, junto con los compositores que los produjeron, se conoce como la Escuela Madrigal Inglesa. Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente de estilo ligero, y generalmente comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría eran para tres a seis voces.

Musica reservata es un estilo o una práctica de interpretación en la música vocal a cappella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que implica refinamiento, exclusividad e intensa expresión emocional del texto cantado.

El cultivo de la música europea en las Américas comenzó en el siglo XVI poco después de la llegada de los españoles y la conquista de México. Aunque se diseñaron al estilo europeo, las obras híbridas exclusivamente mexicanas basadas en el idioma nativo mexicano y la práctica musical europea aparecieron muy temprano. Las prácticas musicales en la Nueva España coincidieron continuamente con las tendencias europeas a lo largo de los períodos posteriores de la música barroca y clásica. Entre estos compositores del Nuevo Mundo estaban Hernando Franco, Antonio de Salazar y Manuel de Zumaya.

Además, los escritores desde 1932 han observado lo que ellos llaman una seconda prattica (una práctica innovadora que involucra estilo monódico y libertad en el tratamiento de la disonancia, ambas justificadas por la configuración expresiva de los textos) durante finales del siglo XVI y principios del XVII.

Manierismo

A fines del siglo XVI, cuando terminó la era del Renacimiento, se desarrolló un estilo extremadamente manierista. En la música secular, especialmente en el madrigal, hubo una tendencia hacia la complejidad e incluso un cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio y Gesualdo). El término manierismo deriva de la historia del arte.

Transición al Barroco

Comenzando en Florencia, hubo un intento de revivir las formas dramáticas y musicales de la Antigua Grecia, a través de la monodia, una forma de música declamada sobre un acompañamiento simple; Sería difícil encontrar un contraste más extremo con el estilo polifónico anterior; esto también fue, al menos al principio, una tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como la Camerata florentina.

Ya hemos señalado algunos de los desarrollos musicales que ayudaron a marcar el comienzo del Barroco, pero para una explicación más detallada de esta transición, consulte la antífona, el concertato, la monodia, el madrigal y la ópera, así como las obras que figuran en "Fuentes y lecturas adicionales". "

Instrumentos

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que ya existían con anterioridad. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados para interpretar música de la época con instrumentos auténticos. Como en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera.

Los instrumentos medievales en Europa se usaban más comúnmente solos, a menudo acompañados por un dron, u ocasionalmente en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV, hubo una división de instrumentos en haut (instrumentos ruidosos, estridentes, al aire libre) y bajos (instrumentos más silenciosos e íntimos). Solo dos grupos de instrumentos podían tocar libremente en ambos tipos de conjuntos: la corneta y el saco, y el tamboril y la pandereta.

A principios del siglo XVI, los instrumentos se consideraban menos importantes que las voces. Se utilizaban para bailes y para acompañar la música vocal. La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran parte de su repertorio se derivó o dependió de los modelos vocales de diversas formas.

Organos

En el Renacimiento se usaban comúnmente varios tipos de órganos, desde grandes órganos de iglesia hasta pequeños portativos y órganos de lengüeta llamados regals.

Latón

Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron:

• Trompeta deslizante: similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de que una sección del cuerpo se deslice, solo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la boquilla misma están estacionarias. Además, el cuerpo tenía forma de S, por lo que era bastante difícil de manejar, pero era adecuado para la música de baile lento para la que se usaba más comúnmente.
• Cornett: Hecho de madera y tocado como la flauta dulce (soplando en un extremo y moviendo los dedos hacia arriba y hacia abajo por el exterior) pero usando una boquilla de copa como una trompeta.
• Trompeta: Las primeras trompetas no tenían válvulas y estaban limitadas a los tonos presentes en la serie armónica. También se fabricaban en diferentes tamaños.
• Sackbut (a veces sackbutt o sagbutt): un nombre diferente para el trombón, que reemplazó a la trompeta deslizante a mediados del siglo XV.

Instrumentos de cuerda

Como familia, las cuerdas se usaban en muchas circunstancias, tanto sagradas como seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:

• Viola: Este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene seis cuerdas. Por lo general, se tocaba con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela punteada española (llamada viola da mano en Italia); su principal rasgo diferenciador es su mayor tamaño. Esto cambió la postura del músico para apoyarlo contra el suelo o entre las piernas de manera similar al violonchelo. Sus similitudes con la vihuela eran cortes de cintura afilados, trastes similares, fondo plano, costillas delgadas y afinación idéntica. Cuando se toca de esta manera, a veces se la denomina "viola da gamba", para distinguirla de las violas que se tocan "en el brazo": viole da braccio, que se convirtió en la familia del violín.
• Lira: Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser punteada, se rasguea con una púa. Sus cuerdas variaban en cantidad de cuatro, siete y diez, según la época. Se tocaba con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenciaba las notas que no se deseaban. Las liras más nuevas se modificaron para tocarlas con un arco.
• Arpa irlandesa: También llamada Clàrsach en gaélico escocés, o Cláirseach en irlandés, durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda, se ve incluso en la etiqueta Guinness y es el símbolo nacional de Irlanda hasta el día de hoy. Para ser tocado se suele desplumar. Su tamaño puede variar mucho, desde un arpa que se puede tocar en el regazo hasta un arpa de tamaño completo que se coloca en el suelo.
• Hurdy-gurdy: (también conocido como violín de rueda), en el que las cuerdas suenan mediante una rueda sobre la que pasan las cuerdas. Su funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, en el que su arco (rueda) es girado por una manivela. Su sonido distintivo se debe principalmente a sus "cuerdas de drones" que proporcionan un tono constante similar en su sonido al de las gaitas.
• Gittern y mandore: estos instrumentos se utilizaron en toda Europa. Precursores de los instrumentos modernos, como la mandolina y la guitarra.
• lira da braccio
• Bandora
• Lirio
• Laúd
• Orfarión
• Vihuela
• Clavicordio
• Clave
• Virginal

Percusión

Algunos instrumentos de percusión del Renacimiento incluyen el triángulo, el arpa judía, la pandereta, las campanas, los címbalos, la olla sonora y varios tipos de tambores.

• Pandereta: La pandereta es un tambor de marco. La piel que rodea el marco se llama vitela y produce el ritmo golpeando la superficie con los nudillos, las yemas de los dedos o la mano. También se puede tocar agitando el instrumento, permitiendo que los tintineos de la pandereta o las campanas de perdigones (si las tiene) suenen y "tintineen".
• Arpa de judío: Un instrumento que produce sonido usando formas de la boca y tratando de pronunciar diferentes vocales con la boca. El lazo en el extremo doblado de la lengüeta del instrumento se puntea en diferentes escalas de vibración creando diferentes tonos.

Instrumentos de viento de madera (aerófonos)

Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido por medio de una columna de aire vibrante dentro de la tubería. Los agujeros a lo largo de la tubería permiten al jugador controlar la longitud de la columna de aire y, por lo tanto, el tono. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire, y estas formas definen las subcategorías de los instrumentos de viento de madera. Un jugador puede soplar a través del orificio de la boca, como en una flauta; en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón moderno; o una caña doble, como en un oboe o fagot. Estos tres métodos de producción de tonos se pueden encontrar en los instrumentos del Renacimiento.

• Shawm: Un shawm oriental típico no tiene llave y mide aproximadamente un pie de largo con siete orificios para los dedos y un orificio para el pulgar. Las pipas también eran más comúnmente hechas de madera y muchas de ellas tenían tallas y decoraciones. Fue el instrumento de doble lengüeta más popular del período del Renacimiento; se usaba comúnmente en las calles con tambores y trompetas debido a su sonido brillante, penetrante y, a menudo, ensordecedor. Para tocar el chirimía, una persona se lleva la caña entera a la boca, infla las mejillas y sopla en la pipa mientras respira por la nariz.

• Pipa de caña: hecha de un solo trozo corto de caña con una boquilla, cuatro o cinco orificios para los dedos, y una caña formada a partir de ella. La caña se hace recortando una pequeña lengüeta, pero dejando la base unida. Es el antecesor del saxofón y del clarinete.
• Hornpipe: Igual que la flauta de caña pero con una campana al final.
• Gaita/Tubo de vejiga: Los fieles creen que fue inventado por pastores que pensaron que usar una bolsa hecha de piel de oveja o cabra proporcionaría presión de aire para que cuando el jugador respire, el jugador solo necesita apretar la bolsa metida debajo de su brazo para continuar el tono. El tubo de la boca tiene una simple pieza redonda de cuero articulada en el extremo de la bolsa del tubo y actúa como una válvula de retención. La caña se encuentra dentro de la boquilla larga, que se habría conocido como bocal, si hubiera sido de metal y la caña hubiera estado por fuera en lugar de por dentro.
• Panpipe: emplea una serie de tubos de madera con un tapón en un extremo y abiertos en el otro. Cada tubo tiene un tamaño diferente (produciendo así un tono diferente), dándole un rango de una octava y media. Luego, el jugador puede colocar sus labios contra el tubo deseado y soplar a través de él.
• Flauta travesera: La flauta travesera es similar a la flauta moderna con un orificio para la boca cerca del extremo tapado y orificios para los dedos a lo largo del cuerpo. El jugador sopla a través del orificio de la boca y sostiene la flauta hacia el lado derecho o izquierdo.
• Flauta dulce: La flauta dulce era un instrumento común durante el Renacimiento. En lugar de una caña, utiliza una boquilla de silbato como principal fuente de producción de sonido. Por lo general, se hace con siete orificios para los dedos y un orificio para el pulgar.