Música psicodélica

La música psicodélica (a veces llamada psicodelia) es una amplia gama de estilos y géneros musicales populares influenciados por la psicodelia de los años 60, una subcultura de personas que consumían drogas psicodélicas como DMT, LSD, mescalina y hongos psilocibios para experimentar sinestesia y estados alterados de conciencia. La música psicodélica también puede tener como objetivo mejorar la experiencia de consumir estas drogas y se ha descubierto que tiene una influencia significativa en la terapia psicodélica.

La psicodelia abarca las artes visuales, el cine y la literatura, así como la música. La música psicodélica surgió durante la década de 1960 entre las bandas de folk y rock de los Estados Unidos y el Reino Unido, creando los subgéneros del folk psicodélico, el rock psicodélico, el acid rock y el pop psicodélico antes de declinar a principios de la década de 1970. En las décadas siguientes le siguieron numerosos sucesores espirituales, entre ellos el rock progresivo, el krautrock y el heavy metal. Desde la década de 1970, los resurgimientos han incluido el funk psicodélico, la neopsicodelia y el stoner rock, así como géneros de música electrónica psicodélica como el acid house, la música trance y el new rave.

El adjetivo "psicodélico" suele emplearse de forma incorrecta, ya que muchos artistas tocan en una variedad de estilos. El autor Michael Hicks lo reconoce y explica:

Para entender lo que hace la música estilísticamente "psiquedélica", uno debe considerar tres efectos fundamentales de LSD: decronización, despersonalización y dinamización. Dechronicization permite al usuario de drogas moverse fuera de las percepciones convencionales del tiempo. Despersonalización permite al usuario perder el yo y ganar una "conciencia de unidad no diferenciada". DinasmizaciónComo [Timothy] Leary escribió, hace que todo de los suelos a las lámparas parezca doblarse, ya que "las formas familiares se disuelven en las estructuras móviles y de baile"... La música que es verdaderamente "psiquedélica" imita estos tres efectos.

Hay una serie de características que son esenciales para la música psicodélica. La instrumentación oriental, con una particular predilección por el sitar y la tabla, es común. Las canciones suelen tener estructuras de canción más disyuntivas, cambios de tonalidad y compás, melodías modales y zumbidos que la música pop contemporánea. Se suelen utilizar letras surrealistas, caprichosas, esotéricas o de inspiración literaria. Suele haber un fuerte énfasis en los segmentos instrumentales o jams extensos. Hay una fuerte presencia del teclado, especialmente en la década de 1960, utilizando órganos electrónicos, clavicordios o el mellotrón, uno de los primeros teclados "sampler" accionados por cinta.

A menudo se utilizan efectos de estudio elaborados, como cintas al revés, panoramizar la música de un lado a otro de la pista estéreo, utilizar el sonido "silbido" de la fase electrónica, bucles de retardo largos y reverberación extrema. En la década de 1960 se empezaron a utilizar instrumentos electrónicos, como los primeros sintetizadores y el theremin. Las formas posteriores de psicodelia electrónica también emplearon ritmos repetitivos generados por ordenador.

A partir de la segunda mitad de los años 50, escritores de la Generación Beat como William Burroughs, Jack Kerouac y Allen Ginsberg escribieron sobre drogas y las consumieron, entre ellas el cannabis y la benzedrina, lo que contribuyó a concienciar y a popularizar su consumo. A principios de los años 60, el uso del LSD y otras drogas psicodélicas fue promovido por nuevos defensores de la expansión de la conciencia, como Timothy Leary, Alan Watts, Aldous Huxley y Arthur Koestler, y, según Laurence Veysey, influyeron profundamente en el pensamiento de la nueva generación de jóvenes.

El estilo de vida psicodélico ya se había desarrollado en California, particularmente en San Francisco, a mediados de los años 60, con la primera gran fábrica clandestina de LSD establecida por Owsley Stanley. A partir de 1964, los Merry Pranksters, un grupo informal que se desarrolló alrededor del novelista Ken Kesey, patrocinaron los Acid Tests, una serie de eventos que implicaban la toma de LSD (suministrada por Stanley), acompañada de espectáculos de luces, proyección de películas y música discordante e improvisada por los Grateful Dead (financiados por Stanley), entonces conocidos como los Warlocks, conocida como la sinfonía psicodélica. Los Pranksters ayudaron a popularizar el uso de LSD, a través de sus viajes por carretera a través de Estados Unidos en un autobús escolar reformado y decorado psicodélicamente, que implicaban distribuir la droga y reunirse con figuras importantes del movimiento beat, y a través de publicaciones sobre sus actividades como The Electric Kool-Aid Acid Test de Tom Wolfe en 1968.

San Francisco tenía una escena musical emergente de clubes de folk, cafeterías y estaciones de radio independientes que atendían a la población de estudiantes de la cercana Berkeley y a los librepensadores que habían gravitado hacia la ciudad. Ya existía una cultura de consumo de drogas entre los músicos de jazz y blues, y a principios de la década de 1960 el consumo de drogas, incluido el cannabis, el peyote, la mescalina y el LSD, comenzó a crecer entre los músicos de folk y rock. Uno de los primeros usos musicales del término "psicodélico" en la escena folk fue por parte del grupo folk de Nueva York The Holy Modal Rounders en su versión de "Hesitation Blues" de Lead Belly en 1964. El guitarrista folk/vanguardista John Fahey grabó varias canciones a principios de la década de 1960 y experimentó con técnicas de grabación inusuales, incluidas cintas al revés, y un acompañamiento instrumental novedoso que incluía flauta y sitar. Su disco de diecinueve minutos The Great San Bernardino Birthday Party anticipó elementos de psicodelia con sus improvisaciones nerviosas y afinaciones de guitarra extrañas. De manera similar, los primeros trabajos del guitarrista folk Sandy Bull incorporaron elementos de folk, jazz y modos roncos con influencia india y árabe. Su álbum de 1963 Fantasías para guitarra y banjo explora varios estilos y también podría describirse con precisión como uno de los primeros discos psicodélicos.

Pronto los músicos comenzaron a referirse (al principio indirectamente, y luego explícitamente) a la droga e intentaron recrear o reflejar la experiencia de tomar LSD en su música, tal como se reflejaba en el arte, la literatura y el cine psicodélicos. Esta tendencia se desarrolló en paralelo tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña y como parte de las escenas interconectadas de folk y rock. A medida que la música pop comenzó a incorporar sonidos psicodélicos, el género emergió como una fuerza comercial y de masas. El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. De 1967 a 1968, fue el sonido predominante de la música rock, ya sea en la caprichosa variante británica o en el rock ácido de la Costa Oeste estadounidense más duro. En Estados Unidos, el Verano del Amor de 1967 fue precedido por el evento Human Be-In y alcanzó su apogeo en el Festival Internacional de Pop de Monterey. Estas tendencias alcanzaron su punto álgido en el Festival de Woodstock de 1969, en el que actuaron la mayoría de los principales grupos psicodélicos, entre ellos Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane y Santana.

A finales de los años 60, la tendencia a explorar la psicodelia en la música estaba en retirada. El LSD fue declarado ilegal en los Estados Unidos y el Reino Unido en 1966. La vinculación de los asesinatos de Sharon Tate, Leno y Rosemary LaBianca por parte de la Familia Manson con canciones de los Beatles como "Helter Skelter" contribuyó a una reacción antihippie. El Altamont Free Concert en California, encabezado por los Rolling Stones y Jefferson Airplane el 6 de diciembre de 1969, no resultó ser un hito positivo en la escena de la música psicodélica, como se esperaba; en cambio, se hizo famoso por el apuñalamiento fatal de una adolescente negra, Meredith Hunter, por parte de guardias de seguridad de los Hells Angels.

A finales de los años 60, muchos músicos de rock habían vuelto a las fuentes de los orígenes del rock and roll, lo que dio lugar a lo que Barney Hoskyns llamó un desarrollo de la "música retrógrada y pospsicodélica"; citó el rock country y el rock inspirado en el blues/soul de los Rolling Stones, The Band, Delaney & Bonnie, Van Morrison y Leon Russell. La primera mención del LSD en un disco de rock fue el instrumental de surf de los Gamblers de 1960, "LSD 25". The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, publicado en octubre de 1966, fue uno de los primeros álbumes de rock en incluir la palabra "psicodélico" en su título. Otras dos bandas también usaron la palabra en los títulos de los LP lanzados en noviembre de 1966: Psychedelic Lollipop de The Blues Magoos y Psychedelic Moods de The Deep. Al mismo tiempo, un desarrollo más vanguardista llegó con el contingente de artistas asociados con Frank Zappa, incluidos The Mothers of Invention, Captain Beefheart, Wild Man Fischer, The GTOs y Alice Cooper. Según el musicólogo Frank Hoffman, el hard rock post-psicodélico surgió de la variada escena del rock, distinguido por estilos de guitarra más cinematográficos e imágenes líricas evocadoras, como en la música de Led Zeppelin, Black Sabbath y Robin Trower. El erudito musical Edward Macan señala que los estilos de hard rock/heavy metal post-psicodélicos El rock psicodélico, con su sonido de guitarra distorsionado, sus solos extensos y sus composiciones aventureras, había sido un puente importante entre el rock orientado al blues y el posterior surgimiento del metal. Dos ex guitarristas de los Yardbirds, Jeff Beck y Jimmy Page, pasaron a formar grupos clave en el nuevo género blues rock-heavy metal, The Jeff Beck Group y Led Zeppelin, respectivamente. Otros pioneros importantes del género heavy metal habían comenzado como bandas psicodélicas basadas en el blues, entre ellas Black Sabbath, Deep Purple, Judas Priest y UFO.

Según el académico estadounidense Christophe Den Tandt, muchos músicos durante la era post-psicodélica adoptaron un sentido más estricto de profesionalismo y elementos de la música clásica, como lo demuestran los álbumes conceptuales de Pink Floyd y la instrumentación virtuosa de Emerson, Lake and Palmer y Yes. "El rock post-psicodélico de principios de la década de 1970 se desarrolló en estructuras pequeñas o medianas", agrega, nombrando sellos discográficos como Virgin Records, Island Records y Obscure Records. Muchos de los músicos y bandas británicas que habían abrazado la psicodelia pasaron a crear el género del rock progresivo en la década de 1970. El álbum de King Crimson In the Court of the Crimson King (1969) ha sido visto como un vínculo importante entre la psicodelia y el rock progresivo. Mientras que algunas bandas como Hawkwind mantuvieron un rumbo explícitamente psicodélico hasta la década de 1970, la mayoría de las bandas abandonaron los elementos psicodélicos a favor de embarcarse en una experimentación más amplia. A medida que las bandas alemanas del movimiento psicodélico se alejaban de sus raíces psicodélicas y ponían cada vez más énfasis en la instrumentación electrónica, estos grupos, incluidos Kraftwerk, Tangerine Dream, Can y Faust, desarrollaron una marca distintiva de rock electrónico, conocida como kosmische musik, o en la prensa británica como "Krautrock". Su adopción de sintetizadores electrónicos, junto con los estilos musicales explorados por Brian Eno en su interpretación de teclados con Roxy Music, tuvieron una gran influencia en el desarrollo posterior del rock electrónico. La incorporación de estilos de jazz en la música de bandas como Soft Machine y Can, también contribuyó al desarrollo del sonido emergente del jazz rock de bandas como Colosseum.

Otro desarrollo de la era post-psicodélica fue una mayor libertad en la comercialización del artista y sus discos, como por ejemplo en las ilustraciones de los álbumes. Tandt identifica la preferencia de un artista por el anonimato en el mercado económico a través del diseño de las fundas de los discos que tienen información limitada sobre el músico o el disco; cita los álbumes de Pink Floyd de principios de los años 1970, el álbum de los Beatles de 1968 (conocido extraoficialmente como The White Album) y el álbum de Led Zeppelin de 1971, para el cual "hasta el día de hoy no hay consenso sobre el título". Según él, músicos post-psicodélicos como Brian Eno y Robert Fripp "abogaron explícitamente" por esta desconexión entre el artista y su trabajo o estrellato. "Al hacerlo", añade, "sentaron las bases de una tendencia central del post-punk" a finales de los años 1970, como lo demuestran los primeros cuatro álbumes de The Cure (que incluyen fotografías borrosas de los miembros de la banda) y las cubiertas de color oscuro de Factory Records con números de serie.

A mediados de los años 1970, el énfasis de la música post-psicodélica en la musicalidad había "quedado al descubierto ante una rebelión iconoclasta", como describió Tandt: "El punk rock de mediados de los años 1970, con su ethos genuino o fingido de crudeza musical, reinscribió la autonomía del rock a través de medios culturales opuestos a los desarrollados 10 años antes". Junto con los estilos psicodélico, folk rock y rhythm and blues británico que lo precedieron, la música de la era post-psicodélica más tarde se asoció con la categoría de rock clásico.

El stoner rock, también conocido como stoner metal o stoner doom, es un género de música rock de fusión que combina elementos de heavy metal y/o doom metal con rock psicodélico y acid rock. El nombre hace referencia al consumo de cannabis. El término desert rock se suele utilizar indistintamente con el término "stoner rock" para describir este género; sin embargo, no todas las bandas de stoner rock entrarían en la descripción de "desert rock". El stoner rock suele tener un tempo de lento a medio y presenta un sonido muy distorsionado, cargado de groove y con graves, voces melódicas y una producción "retro". El género surgió a principios de los 90 y fue iniciado principalmente por Monster Magnet y las bandas californianas Fu Manchu, Kyuss y Sleep.

La neopsicodelia (o "acid punk") es un estilo musical diverso que se originó en la década de 1970 como resultado de la escena post-punk británica. Sus practicantes se inspiraron en los sonidos inusuales de la música psicodélica de la década de 1960, ya sea actualizando o copiando los enfoques de esa época. La neopsicodelia puede incluir incursiones en el pop psicodélico, el rock de guitarras discordantes, jams de formato libre muy distorsionados o experimentos de grabación. Algunas de las bandas de la escena, incluidas Soft Boys, Teardrop Explodes y Echo & the Bunnymen, se convirtieron en figuras importantes de la neopsicodelia. El movimiento Paisley Underground de principios de la década de 1980 siguió a la neopsicodelia. Originado en Los Ángeles, el movimiento contó con una serie de bandas jóvenes que fueron influenciadas por la psicodelia de fines de la década de 1960 y todas tomaron diferentes elementos de ella. El término "Paisley Underground" se amplió posteriormente para incluir a otros grupos de fuera de la ciudad.

Madchester fue una escena musical y cultural que se desarrolló en la zona de Manchester, en el noroeste de Inglaterra, a finales de los años 80, en la que los artistas fusionaron el rock alternativo con el acid house y la cultura dance, así como otras fuentes, como la música psicodélica y el pop de los años 60. La etiqueta se popularizó gracias a la prensa musical británica a principios de los años 90, y entre sus grupos más famosos se encuentran Stone Roses, Happy Mondays, Inspiral Carpets, Charlatans y 808 State. La escena, con influencias rave, se considera en general muy influenciada por las drogas, especialmente el éxtasis (MDMA). En esa época, el club nocturno Haçienda, del que eran copropiedad los miembros de New Order, fue un importante catalizador del distintivo espíritu musical de la ciudad que se denominó el Segundo Verano del Amor. Screamadelica es el tercer álbum de estudio de la banda de rock escocesa Primal Scream, publicado en 1991. El álbum marcó un cambio significativo con respecto al sonido indie rock inicial de la banda, inspirándose en la floreciente escena de la música house y las drogas asociadas, como el LSD y el MDMA. Ganó el primer Mercury Music Prize en 1992 y ha vendido más de tres millones de copias en todo el mundo.

AllMusic afirma: "Aparte del movimiento Paisley Underground de principios de los 80 y el colectivo Elephant 6 de finales de los 90, la mayor parte de la neopsicodelia posterior surgió de excéntricos y renovadores aislados, no de escenas cohesionadas". Continúan citando a los que consideran algunos de los artistas más destacados: The Church, Bevis Frond de Nick Saloman, Spacemen 3, Robyn Hitchcock, Mercury Rev, Flaming Lips y Super Furry Animals. Según Jeff Telrich de Treblezine: "Primal Scream hizo que [la neopsicodelia] estuviera lista para la pista de baile. Flaming Lips y Spiritualized la llevaron al terreno de la orquesta. Y Animal Collective... bueno, hicieron algo propio".

El escritor de The Atlantic Llewellyn Hinkes Jones identificó una variedad de estilos musicales de la década de 2000 caracterizados por ritmos suaves, sintetizadores clásicos y melodías lo-fi, incluidos el chillwave, el glo-fi y el pop hipnagógico. The Quietus describió estos tres términos como intercambiables, junto con otros términos como "dream-beat" y "pop hipster-gógico". En conjunto, pueden considerarse un tipo de música psicodélica basada en sintetizadores.

El término "chillwave" fue acuñado en julio de 2009 en el blog Hipster Runoff por Carles (el seudónimo utilizado por el autor del blog) en su programa de radio "blog" del mismo nombre. Carles inventó el nombre del género para una serie de bandas emergentes con un sonido similar. En agosto de 2009, el periodista David Keenan acuñó el término "pop hipnagógico" para referirse a una tendencia en desarrollo de la música lo-fi y post-noise de los años 2000 en la que artistas de diversos orígenes comenzaron a interactuar con elementos de nostalgia cultural, recuerdos de la infancia y tecnología de grabación obsoleta.

En 2010, los álbumes de Ariel Pink y Neon Indian eran elogiados regularmente por publicaciones como Pitchfork y The Wire. Los términos "pop hipnagógico", "chillwave" y "glo-fi" pronto se adoptaron para describir el sonido en evolución de estos artistas, varios de los cuales tenían canciones de considerable éxito dentro de los círculos de la música independiente. Originalmente, era común que los tres términos se usaran indistintamente, pero el chillwave luego se distinguió como una combinación de dream pop, new age, muzak y synth-pop. En una reseña de 2009 de Marc Hogan de Pitchfork sobre el álbum Psychic Chasms de Neon Indian se hacía referencia al "dream-beat", al "chillwave", al "glo-fi", al "pop hipnagógico" y al "pop hipster-gógico" como términos intercambiables para referirse a la "música psicodélica que generalmente tiene una o todas las características siguientes: basada en sintetizadores, con sonido casero, con referencias a los años 80, orientada a casetes, bronceada, relajada, distorsionada, brumosa, emocionalmente distante, ligeramente fuera de foco".

Tras el trabajo de Jimi Hendrix a finales de los años 60, la psicodelia empezó a tener un impacto generalizado en los músicos afroamericanos. Artistas de funk negros como Sly and the Family Stone tomaron prestadas técnicas de la música rock psicodélica, incluidos pedales wah, cajas de distorsión, cámaras de eco y distorsionadores vocales, así como elementos del blues rock y el jazz. En los años siguientes, grupos como Parliament-Funkadelic continuaron con esta sensibilidad, empleando sintetizadores y un trabajo de guitarra orientado al rock en jams funk de final abierto. El productor Norman Whitfield se basaría en este sonido en grabaciones populares de Motown como "Cloud Nine" (1968) de The Temptations y "I Heard It Through the Grapevine" (1969) de Marvin Gaye.

Influenciado por el movimiento de los derechos civiles, el soul psicodélico tenía un matiz más oscuro y político que gran parte del rock psicodélico. El soul psicodélico fue iniciado por Sly and the Family Stone con canciones como "I Want to Take You Higher" (1969) y The Temptations con "Cloud Nine", "Runaway Child, Running Wild" (1969) y "Psychedelic Shack" (1969).

El rap psicodélico es un microgénero que fusiona la música hip hop con la psicodelia. Entre los pioneros se encuentran el colectivo neoyorquino Native Tongues, encabezado por De La Soul, Jungle Brothers y A Tribe Called Quest, y Shock G. Aunque el término "trip" en el término trip hop estaba más vinculado a la música dub que a la psicodelia, el género combinaba el rock psicodélico con el hip hop.

La escena rave se centró en el house, el acid house y el techno. El género rave "hardcore" apareció por primera vez en el movimiento acid del Reino Unido a finales de los años 80 en fiestas en almacenes y otros locales underground, así como en emisoras de radio piratas del Reino Unido. El género se convertiría en hardcore de la vieja escuela, lo que dio lugar a nuevas formas de música rave como el drum and bass y el 2-step, así como otros géneros de techno hardcore, como el gabber, el hardstyle y el happy hardcore. A finales de los años 80, la cultura rave empezó a filtrarse a través de expatriados ingleses y disc jockeys que visitaban Europa continental. Las raves estadounidenses comenzaron en los años 90 en la ciudad de Nueva York.

El acid house se originó a mediados de los años 80 en el estilo de música house de los DJ de Chicago como DJ Pierre, Adonis, Farley Jackmaster Funk y Phuture, el último de los cuales acuñó el término en su álbum "Acid Tracks" (1987). Mezclaba elementos del house con los sonidos "squelchy" y las líneas de bajo profundas producidas por el sintetizador Roland TB-303. A medida que los singles comenzaron a llegar al Reino Unido, el sonido se recreó, comenzando en pequeñas fiestas en almacenes celebradas en Londres en 1986-87. Durante 1988, en el Segundo Verano del Amor, llegó al mainstream cuando miles de asistentes a los clubes viajaron a las raves masivas. Luego, el género comenzó a penetrar en las listas de éxitos del pop británico con éxitos para M/A/R/R/S, S'Express y Technotronic a principios de los años 90, antes de dar paso a la popularidad de la música trance.

La música trance se originó en las escenas techno y hardcore alemanas de principios de los años 90. Enfatizaba líneas breves y repetidas de sintetizador con cambios rítmicos mínimos y atmósferas ocasionales de sintetizador, con el objetivo de poner a los oyentes en un estado de trance. Un escritor de la revista Billboard escribe: "La música trance quizás se describa mejor como una mezcla de disco de los años 70 y psicodelia de los años 60". Derivada del acid house y la música techno, se desarrolló en Alemania y los Países Bajos con sencillos como "Energy Flash" de Joey Beltram y "The Ravesignal" de CJ Bolland. A esto le siguieron los lanzamientos de Robert Leiner, Sun Electric, Aphex Twin y, el más influyente, el techno-trance lanzado por el sello Harthouse, incluido el muy emulado "Acperience 1" (1992) del dúo Hardfloor. Tras ganar cierta popularidad en el Reino Unido a principios de los años 90, fue eclipsado por la aparición de nuevos géneros de música electrónica como el trip hop y el jungle, antes de despegar de nuevo hacia finales de la década y empezar a dominar los clubs. Pronto empezó a fragmentarse en varios subgéneros, entre ellos el trance progresivo, el trance ácido, el trance goa, el trance psicodélico, el trance duro y el trance estimulante.

En la década de 2010, artistas como Bassnectar, Tipper y Pretty Lights dominaron las culturas psicodélicas más convencionales. Las "raves" se volvieron mucho más grandes y adquirieron un atractivo generalizado.

En Gran Bretaña, en la década de 2000, la combinación de indie rock y dance-punk se denominó "new rave" en la publicidad de Klaxons, y el término fue adoptado y aplicado por la NME a varias bandas. Formó una escena con una estética visual similar a la música rave anterior, enfatizando los efectos visuales: las luces fluorescentes, el neón y otras eran comunes, y los seguidores de la escena a menudo vestían ropa de colores extremadamente brillantes y fluorescentes.

Synthedelia es la fusión de psicodelia, música electrónica y música de vanguardia, que se originó en la década de 1960.

El entorno y el contexto son fundamentales en el diseño de instalaciones psiquiátricas y modalidades de psicoterapias asistidas con psicodélicos. Las investigaciones han demostrado que una lista de reproducción de música seleccionada puede ser parte de un entorno favorable.

• Lista de artistas folclóricos psicodélicos
• Lista de artistas pop psicodélicos
• Lista de artistas de rock psicodélico

• Chapman, Rob (2015). Psychedelia y otros colores. Londres: Faber & Faber. ISBN 978-0-57128-200-5.
• Echard, William (2017). Psiquiatría Música popular: Una historia a través de la teoría del tema musical. Indiana University Press
• Joynson, Vernon (1984). El viaje ácido: una guía completa de la música psicoedélica. Todmorden: Babylon Libros. ISBN 0-907188-24-9.
• Reynolds, Simon (1997). "Volver al Edén: Inocence, Indolence and Pastoralism in Psychedelic Music, 1966–1996". En Melechi, Antonio (ed.). Psychedelia Britannica. Londres: Turnaround. pp. 143–65.