Musica folklórica inglesa

La música folclórica de Inglaterra es una música basada en la tradición que existe desde la última época medieval. A menudo se la contrasta con la música cortesana, clásica y más tarde comercial. La música folclórica tradicionalmente se conservaba y transmitía oralmente dentro de las comunidades, pero desde entonces la impresión y, posteriormente, las grabaciones de audio se han convertido en el principal medio de transmisión. El término se utiliza para referirse tanto a la música tradicional inglesa como a la música compuesta o presentada en un estilo tradicional.

Existen distintas variaciones regionales y locales en contenido y estilo, particularmente en áreas más alejadas de las ciudades inglesas más prominentes, como en Northumbria o West Country. El intercambio cultural y los procesos de migración significan que la música folclórica inglesa, aunque distintiva en muchos aspectos, tiene cruces significativos con la música de Escocia. Cuando las comunidades inglesas emigraron a los Estados Unidos, Canadá y Australia, trajeron consigo sus tradiciones populares y muchas de las canciones fueron preservadas por las comunidades de inmigrantes.

La música folclórica inglesa ha producido o contribuido a varios fenómenos culturales, incluidas las canciones marineras, las jigs, las flautas y la música para el baile Morris. También ha interactuado con otras tradiciones musicales, particularmente la música clásica y rock, influyendo en estilos musicales y produciendo fusiones musicales, como el folk rock británico, el folk punk y el folk metal. Sigue existiendo una floreciente subcultura de música folclórica inglesa, que continúa influyendo en otros géneros y ocasionalmente gana la atención generalizada.

Historia

Orígenes

En el sentido más estricto, la música folclórica inglesa ha existido desde la llegada de los anglosajones a Gran Bretaña después del año 400 d.C. La historia del venerable Beda sobre el ganadero y más tarde músico eclesiástico Caedmon indica que a principios del período medieval era normal en las fiestas pasar el arpa y cantar "canciones vanas y ociosas". Dado que este tipo de música rara vez se anotaba, tenemos poco conocimiento de su forma o contenido. Algunas melodías posteriores, como las utilizadas para la danza Morris, pueden tener su origen en este período, pero es imposible estar seguro de estas relaciones. Sabemos por una referencia en Piers Plowman de William Langland que se cantaban baladas sobre Robin Hood al menos a finales del siglo XIV y el material detallado más antiguo que tenemos es Wynkyn de Worde. 39;colección de baladas de Robin Hood impresa alrededor de 1495.

Siglo XVI al siglo XVIII

Si bien existía una música de corte distintiva, los miembros de la élite social del siglo XVI también parecen haber disfrutado e incluso contribuido a la música del pueblo, como quizás lo hizo Enrique VIII con la canción de taberna "Pastime with Good. Empresa". Peter Burke argumentó que las élites sociales de finales de la Edad Media tenían su propia cultura, pero eran culturalmente "anfibias", capaces de participar y afectar las tradiciones populares.

En el siglo XVI, los cambios en la riqueza y la cultura de las clases sociales superiores provocaron que los gustos musicales divergieran. Hubo una internacionalización de la música cortesana en ambos instrumentos, como el laúd, el dulcimer y las primeras formas del clavecín, y en la forma con el desarrollo de madrigales, pavanas y gallardas. Para otros órdenes sociales, instrumentos como la flauta, el tamboril, la gaita, la chirimía, la zanfona y el crumhorn acompañaban la música tradicional y la danza comunitaria. El violín, bien establecido en Inglaterra en la década de 1660, se distinguió por ser un elemento clave tanto en la música artística que se desarrolló en el barroco como en las canciones y danzas populares.

Muestra de Vihuela

Una vihuela jugando 'Jamaica' de la 4a edición de Playford El maestro de baile inglés

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A mediados del siglo XVII, la música de las clases sociales más bajas era lo suficientemente ajena a la aristocracia y a la "clase media" para que sea necesario un proceso de redescubrimiento para comprenderla, junto con otros aspectos de la cultura popular como las fiestas, el folclore y la danza. Esto dio lugar a una serie de colecciones tempranas de material impreso, incluidas las publicadas por John Playford como The English Dancing Master (1651) y las colecciones privadas de Samuel Pepys (1633-1703) y Roxburghe Ballads. recopilado por Robert Harley, primer conde de Oxford y Mortimer (1661-1724). Pepys menciona notablemente en su famoso diario cantar la balada Barbara Allen en la víspera de Año Nuevo de 1665, una balada que sobrevivió en la tradición oral hasta bien entrado el siglo XX. En el siglo XVIII había un número cada vez mayor de colecciones de lo que ahora empezaba a definirse como música "folclórica". música, fuertemente influenciada por el movimiento romántico, incluido Wit and Mirth: or, Pills to Purge Melancholy (1719-20) de Thomas D'Urfey y el del obispo Thomas Percy. Reliquias de la poesía inglesa antigua (1765). El último de ellos también contenía algo de material oral y, a finales del siglo XVIII, esto se estaba volviendo cada vez más común, con colecciones que incluían la de Joseph Ritson, The Bishopric Garland (1784), que era paralela a la obra de figuras como Robert Burns y Walter Scott en Escocia.

Fue también en este período que la música folclórica inglesa cruzó el Océano Atlántico y se convirtió en una de las bases de la música tradicional estadounidense. En las colonias, se mezcló con estilos musicales traídos por otros grupos de inmigrantes para crear una serie de géneros nuevos. Por ejemplo, las baladas inglesas, junto con las tradiciones musicales irlandesas, escocesas y alemanas, cuando se combinan con el banjo africano, las tradiciones rítmicas afroamericanas y la estética del jazz y el blues afroamericanos, condujeron en parte al desarrollo del bluegrass y la música country.

Principios del siglo XIX

Con la Revolución Industrial los temas de la música de las clases trabajadoras comenzaron a cambiar de la vida rural y agraria para incluir canciones de trabajo industrial. La conciencia de que se estaban abandonando tipos de canciones más antiguos impulsó un renovado interés en recopilar canciones populares durante las décadas de 1830 y 1840, incluida la obra de William Sandys. Villancicos antiguos y modernos (1833), William Chappell, Una colección de aires ingleses nacionales (1838) y Antiguos poemas, baladas y Canciones del campesinado de Inglaterra (1846).

El cambio tecnológico hizo disponibles nuevos instrumentos y condujo al desarrollo de bandas de plata y música, particularmente en los centros industriales del norte. El traslado a los centros urbanos también comenzó a crear nuevos tipos de música, incluido a partir de la década de 1850 el Music Hall, que pasó de actuaciones en cervecerías a teatros y se convirtió en el lugar dominante de la música popular inglesa durante más de un siglo. Esto, combinado con una mayor alfabetización e impresión, permitió la creación de nuevas canciones que inicialmente se basaron en la música tradicional, pero que comenzaron a diferir de ella, a medida que compositores como Lionel Monckton y Sidney Jones crearon música que reflejaba nuevas circunstancias sociales.

Renacimientos populares 1890-1969

Desde finales del siglo XIX hubo una serie de movimientos que intentaron recopilar, registrar, preservar y más tarde interpretar la música y la danza folclóricas inglesas. Por lo general, se dividen en dos avivamientos folclóricos.

El primero, de finales del siglo XIX y principios del XX, involucró a figuras como las coleccionistas Sabine Baring-Gould (1834-1924), Frank Kidson (1855-1926), Lucy Broadwood (1858-1939) y Anne Gilchrist (1863-1954)., centrada en la Folk Song Society, fundada en 1911. La colección de ocho volúmenes de Francis James Child (1825–96) The English and Scottish Popular Ballads (1882–92) se convirtió en la más influyente al definir el repertorio de los intérpretes posteriores, y Cecil Sharp (1859-1924), fundador de la English Folk Dance Society, fue probablemente la figura más importante en la comprensión de la naturaleza de la canción popular. El resurgimiento fue parte de un movimiento nacional más amplio en el período de la Primera Guerra Mundial y contribuyó a la creación de la Escuela Pastoral Inglesa de música clásica que incorporó canciones o motivos tradicionales, como se puede ver en las composiciones de Percy Grainger (1882). –1961), Ralph Vaughan Williams (1872–1951), George Butterworth (1885–1916), Gustav Holst (1874–1934) y Frederick Delius (1862–1934). En 1932, la Folk-Song Society y la English Folk Dance Society se fusionaron para convertirse en la English Folk Dance and Song Society (EFDSS). Algunos de estos revivalistas grabaron canciones populares en cilindros de cera, y muchas de las grabaciones, incluida la colección de Percy Grainger, están disponibles en línea por cortesía de la Biblioteca Vaughan Williams Memorial y el Archivo de Sonido de la Biblioteca Británica.

El segundo resurgimiento cobró impulso después de la Segunda Guerra Mundial, a raíz del resurgimiento de la música folclórica estadounidense cuando las nuevas formas de medios y la música comercial estadounidense parecieron representar otra amenaza para la música tradicional. Las figuras clave fueron Ewan MacColl y A. L. Lloyd. El segundo renacimiento fue generalmente de izquierda en política y enfatizó la música de trabajo del siglo XIX y formas previamente descuidadas como las canciones populares eróticas. Topic Records, fundada en 1939, proporcionó una fuente importante de grabaciones folklóricas. El resurgimiento resultó en la fundación de una red de clubes folclóricos en las principales ciudades, a partir de los años 1950. Los principales artistas tradicionales incluyeron a The Watersons, el Ian Campbell Folk Group y Shirley Collins. La fusión de varios estilos de música estadounidense con el folk inglés también ayudó a crear una forma distintiva de estilo de guitarra conocida como "folk barroco", del que fueron pioneros Davy Graham, Martin Carthy, John Renbourn y Bert Jansch. Surgieron varios individuos que habían aprendido las antiguas canciones en la tradición oral de sus comunidades y, por lo tanto, conservaron las versiones auténticas. Estas personas, incluidas Sam Larner, Harry Cox, Fred Jordan, Walter Pardon, Frank Hinchliffe y la Copper Family, lanzaron sus propios álbumes y fueron reverenciados por los revitalizadores del folk. Los músicos del renacimiento folclórico popular basaron sus obras en canciones cantadas por estos cantantes tradicionales y en las recopiladas durante el primer renacimiento folclórico.

Existen varias bases de datos y colecciones de canciones populares inglesas recopiladas durante el primer y segundo resurgimiento popular, como el Roud Folk Song Index, que contiene referencias a 25.000 canciones populares en inglés, y la Vaughan Williams Memorial Library, un archivo multimedia. de recursos relacionados con el folklore. El Archivo de Sonido de la Biblioteca Británica contiene miles de grabaciones de música folclórica tradicional inglesa, incluidas 340 grabaciones de cilindros de cera realizadas por Percy Grainger a principios del siglo XX.

Folclore progresivo

El proceso de fusión entre los estilos musicales estadounidenses y el folk inglés también puede verse como el origen de la música folk progresiva británica, que intentó elevar la música folk a través de una mayor musicalidad o habilidades de composición y arreglos. Muchos intérpretes de folk progresista continuaron conservando un elemento tradicional en su música, incluidos Jansch y Renbourn, quienes con Jacqui McShee, Danny Thompson y Terry Cox formaron Pentangle en 1967. Otros abandonaron totalmente el elemento tradicional y en esta área fueron particularmente influyentes los Los artistas escoceses Donovan, que estuvo más influenciado por músicos folk progresivos emergentes en Estados Unidos como Bob Dylan, y la Incredible String Band, que a partir de 1967 incorporaron una variedad de influencias que incluían música medieval y oriental en sus composiciones. Se ha considerado que parte de esto, en particular la Incredible String Band, se ha convertido en un subgénero adicional del psych o folk psicodélico y tuvo un impacto considerable en el rock progresivo y psicodélico.

Hubo un breve florecimiento del folk progresivo inglés a finales de los años 1960 y principios de los 1970, con grupos como Third Ear Band y Quintessence siguiendo el musical indio oriental y trabajos más abstractos de grupos como Comus, Dando Shaft, The Trees, Spirogyra, Forest y Jan Dukes De Grey, pero el éxito comercial fue difícil de alcanzar para estas bandas y la mayoría se había disuelto o se había movido en direcciones muy diferentes alrededor de 1973. Quizás el mejor trabajo individual en el género fue el de artistas de principios de la década de 1970 como Nick Drake. y John Martyn, pero también pueden considerarse los primeros entre los "trovadores folclóricos" o "cantautores" ingleses, intérpretes individuales que permanecieron en gran parte acústicos pero que se basaron principalmente en sus propias composiciones individuales. El más exitoso de ellos fue Ralph McTell, cuyo 'Streets of London' alcanzó el número 2 en las listas de singles del Reino Unido en 1974, y cuya música es claramente folk, pero sin mucha dependencia de la tradición, el virtuosismo o mucha evidencia de intentos de fusión con otros géneros.

Folk rock británico

El folk rock británico se desarrolló en Gran Bretaña entre mediados y finales de la década de 1960 por las bandas Fairport Convention y Pentangle, que se basaron en elementos del folk rock estadounidense y en el segundo renacimiento del folk británico. Utiliza música tradicional y composiciones de estilo tradicional, tocadas con una combinación de rock e instrumentos tradicionales. Fue más significativo en la década de 1970, cuando fue adoptado por grupos como Pentangle, Steeleye Span y Albion Band. Fue adoptado y desarrollado rápidamente en las culturas celtas circundantes de Bretaña, donde fue iniciado por Alan Stivell y bandas como Malicorne; en Irlanda por grupos como Horslips; y también en Escocia, Gales y la Isla de Man y Cornualles, para producir rock celta y sus derivados. Ha sido influyente en aquellas partes del mundo con estrechas conexiones culturales con Gran Bretaña, como Estados Unidos y Canadá, y dio lugar al subgénero del folk rock medieval y los géneros de fusión de folk punk y folk metal. En la década de 1980, la popularidad del género estaba en fuerte declive, pero ha sobrevivido y revivido en importancia como parte de un resurgimiento folk más general desde la década de 1990.

Folkpunk

A mediados de la década de 1980 comenzó un nuevo renacimiento del folk inglés, esta vez fusionando el folk con la energía y la agresión política derivada del punk rock. Los líderes incluyeron a The Pogues, The Men They Couldn't Hang, Oyster Band y Billy Bragg. La música de baile folclórico también se hizo popular en los años 80, con actuaciones como la English Country Blues Band y Tiger Moth. La década posterior vio el uso del reggae con música folk inglesa por parte de la banda Edward II & los Red Hot Polkas, especialmente en su seminal Let's Polkasteady de 1987.

Folk metal

En un proceso sorprendentemente similar a los orígenes del folk rock británico en la década de 1960, la banda inglesa de thrash metal Skyclad añadió violines de un músico de sesión en varias pistas de su álbum debut de 1990 The Wayward Sons of Mother Earth. Cuando esto fue bien recibido, adoptaron un violinista a tiempo completo y avanzaron hacia un estilo folk y jig característico que los llevó a ser reconocidos como los pioneros del folk metal, que se ha extendido a Irlanda, el Báltico y Alemania.

Resurgimiento del folklore tradicional 1990-presente

El apogeo del folk tradicional inglés, como el folk progresivo y eléctrico, fue entre mediados y finales de la década de 1970, cuando, durante un tiempo, amenazó con abrirse paso hacia la corriente principal. Sin embargo, a finales de la década estaba en declive. La asistencia y el número de clubes folclóricos comenzaron a disminuir, probablemente a medida que comenzaron a dominar nuevas tendencias musicales y sociales, incluido el punk rock, la nueva ola y la música electrónica. Aunque muchos actos como Martin Carthy y los Watersons continuaron presentándose con éxito, hubo muy pocos actos nuevos significativos que siguieran formas tradicionales en la década de 1980. Esto empezó a cambiar con una nueva generación en los años 1990. La llegada y, a veces, el éxito generalizado de grupos como Kate Rusby, Bellowhead, Nancy Kerr, Kathryn Tickell, Jim Moray, Spires and Boden, Seth Lakeman, Frank Turner, Laura Marling y Eliza Carthy, todos ellos interesados en gran medida en la interpretación acústica de material tradicional, marcaron un giro radical en la suerte de la tradición. Esto se reflejó en la creación de los BBC Radio 2 Folk Awards en 2000, que dieron a la música un estatus y un enfoque muy necesarios y el perfil de la música folk es tan alto en Inglaterra hoy como lo ha sido durante más de treinta años.

Clubes folclóricos

Aunque había un puñado de clubes que permitían espacio para la interpretación de música folclórica tradicional a principios de la década de 1950, su mayor impulso provino de la breve moda británica del skiffle, aproximadamente entre 1956 y 1958. Los nuevos clubes incluyeron el club 'Ballad and Blues' en un pub del Soho, cofundado por Ewan MacColl. A medida que la locura disminuyó a mediados de la década de 1950, muchos de estos clubes comenzaron a girar hacia la interpretación de material folclórico tradicional inglés. Muchos se convirtieron en estrictos "clubes de políticas" que perseguían una forma de música pura y tradicional. A mediados de la década de 1960 había probablemente más de 300 en Gran Bretaña. La mayoría de los clubes eran simplemente una reunión regular, generalmente en la parte trasera o en el piso de arriba de una taberna semanalmente. Eran en gran medida un fenómeno de las clases medias urbanizadas y conocidos por el carácter amateur de muchas actuaciones. También había "residentes", que interpretaban regularmente series cortas de canciones. Muchos de ellos emergieron más tarde como artistas importantes por derecho propio, incluidos A. L. Lloyd, Martin Carthy y Shirley Collins. Una generación posterior de artistas utilizó el circuito de clubes folk para lograr carreras de gran éxito, incluidos Billy Connolly, Jasper Carrott, Ian Dury y Barbara Dickson. El número de clubes comenzó a disminuir en la década de 1980, ante los cambios en las tendencias musicales y sociales. Pero el declive comenzó a estabilizarse a mediados de la década de 1990 con el resurgimiento del interés por la música folclórica y ahora hay más de 160 clubes folclóricos en el Reino Unido, incluidos muchos cuyos orígenes se remontan a la década de 1950.

Música folklórica y radio

La dificultad de conseguir apariciones regulares en la televisión en Inglaterra ha significado durante mucho tiempo que la radio sigue siendo el principal medio popular para aumentar la conciencia del género. El EFDSS patrocinó el programa de radio de la BBC Home Service, As I Roved Out, basado en grabaciones de campo realizadas por Peter Kennedy y Séamus Ennis entre 1952 y 1958, que probablemente contribuyó más que cualquier otro factor a introducir la población general a la música folclórica británica de la época. También fueron importantes programas de radio ocasionales, como Ballads and Blues (1951) de Lomax, Radio-ballads de MacColl (1958–64) y Los portadores de la canción (1968). John Peel incluía con frecuencia música folk en su programa Top Gear en Radio One desde 1968, pero la abandonó cuando llegó el punk en la década de 1970. La fuente más constante de música folk en la radio ha sido BBC Radio 2. En 1967, "My Kind of folk" se transmitió los miércoles. En 1970 "Folk on Friday" comenzó, presentado por Jim Lloyd. En 1972 se convirtió en "Folk on Sunday". "Tejido popular" fue presentado por Tony Capstick 1975–8. "Folk en dos" (Miércoles) comenzó en 1980. En 1998, Jim Lloyd se retiró del programa y fue reemplazado por Mike Harding. En 2007 pasó a llamarse "The Mike Harding Folk Show". En octubre de 2012 se anunció que Mike Harding dejaría el programa para ser reemplazado por Mark Radcliffe. Ian A. Anderson, editor de "fRoots", también presentó alguna que otra serie para Radio Two. Condujo un programa de música mundial en "Jazz FM" y luego pasó 10 años transmitiendo en el Servicio Mundial de la BBC. Actualmente presenta "fRoots Radio" En la red. Durante más de veinte años, hasta 2006, Charlie Gillett presentó Música del mundo en la BBC de Londres.

Festivales folclóricos

La EFDSS comenzó a organizar festivales folclóricos alrededor de 1950, generalmente como eventos locales o regionales con énfasis en la danza, como el Festival de Sidmouth (desde 1955) y el Festival de Keele (1965), que fue abandonado en 1981 pero reinstituido tres años después como Festival Folclórico Nacional. La EFDSS abandonó su papel organizador en estos festivales en los años 1980 y la mayoría son administrados y financiados localmente. Uno de los festivales folclóricos ingleses más grandes y prestigiosos de Cambridge se fundó en 1965 y atrae a unas 10.000 personas. Probablemente la más grande sea la Convención Cropredy de Fairport, que desde 1979 ha brindado un lugar para artistas de folk, folk rock británico y rock; ahora atrae hasta 20.000 personas al año, así como actuaciones para la Convención de Fairport y sus amigos. Al igual que los festivales de rock, los festivales folclóricos han comenzado a multiplicarse desde la década de 1990 y cada año se celebran en Inglaterra más de cien festivales folclóricos de distintos tamaños.

Formas de música folklórica

Baladas

Una balada es una forma de verso, a menudo una historia narrativa y acompañada de música. Muchas baladas se escribieron y vendieron en folletos de una sola hoja. Suelen tener una estructura narrativa y hacen un uso considerable de la repetición. Se considera que la balada tradicional se originó en los juglares errantes de la Europa medieval tardía. Ha habido muchos intentos diferentes y contradictorios de clasificar las baladas tradicionales por tema, pero los tipos comúnmente identificados son religiosos, sobrenaturales, trágicos, amorosos, históricos, leyendas y humor. Los colonos ingleses trajeron muchas baladas al Nuevo Mundo, contribuyendo así en parte a la base de la música folclórica estadounidense que se había establecido a través de las tradiciones rítmicas afroamericanas, la estética del blues y la polinización cruzada de las culturas inmigrantes estadounidenses en el tiempo.

Villancicos

Un villancico es una canción festiva. En los tiempos modernos, los villancicos se asocian principalmente con la Navidad, pero en realidad hay villancicos que celebran todas las fiestas y estaciones del año, y no necesariamente las fiestas cristianas. Se derivaron de una forma de danza circular acompañada por cantantes, que fue popular desde mediados del siglo XII. A partir del siglo XIV se utilizaron como cantos procesionales, especialmente en Adviento, Semana Santa y Navidad, y para acompañar obras de misterio religioso. Decayeron después de la Reforma Protestante, que prohibió muchos festivales religiosos, pero en este período se escribieron algunos villancicos famosos, entre ellos 'The Holly and the Ivy' y fueron revividos con más fuerza a partir del siglo XIX y comenzaron a ser escritos y adaptados por eminentes compositores.

Canciones infantiles

Las primeras canciones infantiles vernáculas de Europa son canciones de cuna del período medieval tardío. Poco después tenemos registros de canciones infantiles breves que riman, pero la mayoría de las canciones infantiles no se escribieron hasta el siglo XVIII. Se cree que las primeras colecciones en inglés fueron Tommy Thumb's Song Book y una secuela, Tommy Thumb's Pretty Song Book, ambas publicadas antes de 1744., y John Newbery, Mother Goose's Melody, or, Sonnets for the Cradle (c.1785), es el primer registro que tenemos de muchas rimas clásicas. Estas rimas parecen provenir de una variedad de fuentes, incluidos acertijos tradicionales, proverbios, baladas, versos de Mummers' obras de teatro, canciones para beber, acontecimientos históricos y, se ha sugerido, antiguos rituales paganos. Aproximadamente la mitad del organismo actual reconocía las costumbres 'tradicionales' Las rimas inglesas se conocían a mediados del siglo XVIII. De este período a veces conocemos los orígenes y autores de rimas, como 'Twinkle Twinkle Little Star', que combinaba una melodía francesa del siglo XVIII con un poema de la escritora inglesa Jane Taylor y 'Mary Had a Little Lamb', escrito por Sarah Josepha Hale de Boston en 1830. La primera, y posiblemente la más importante, colección que se centró en esta área fue la de James Orchard Halliwell, The Nursery Rhymes of England (1842) y Rimas y cuentos populares en 1849. En el apogeo del resurgimiento, Sabine Baring-Gould produjo Un libro de canciones infantiles (1895), y Andrew Lang produjo The Nursery Rhyme Book en 1897. Las canciones infantiles, a diferencia de las canciones populares, han seguido siendo parte de una tradición viva y continua, ya que, aunque se les añaden otras fuentes y se ven afectadas por versiones escritas, la mayoría los adultos transmiten canciones que aprendieron de fuentes orales cuando eran niños.

Canciones populares eróticas

Los comentaristas más recientes sobre canciones populares inglesas, aunque fueran un poco inmorales, han señalado que el amor, lo erótico e incluso lo pornográfico, eran temas tradicionales importantes y, si se consideran más que las baladas, pueden haber sido el tema principal. grupos más grandes de canciones impresas. Muchos coleccionistas del primer renacimiento ignoraron esas canciones o las criticaron para su publicación, como hicieron Francis Child y Cecil Sharp en sus colecciones. En el segundo resurgimiento, la canción folclórica erótica fue mucho más aceptada como parte del canon de la canción tradicional, ayudada por la publicación de libros como el de Gershon Legman, The Horn Book: Studies in Erotic Folklore (1964) y de Ed Cray, The Erotic Muse: American Bawdy Songs, que imprimió muchas canciones inéditas (1968). En Inglaterra, A. L. Lloyd fue la figura clave en la introducción de las canciones eróticas en el canon, dando conferencias y publicando sobre el tema. Grabó The Foggy Dew and Other Traditional English Love Songs en 1959, y luego The Bird in the Bush, Traditional Erotic Songs en 1966 con Frankie Armstrong y Anne Briggs. Trazó una distinción entre canciones eróticas, es decir, aquellas que trataban sobre el amor y sugerían sexualidad a través de insinuaciones (como 'The Bonny Black Hare' y 'The Bird in the Bush'), y canciones pornográficas. que eran explícitos y por lo tanto indignos de atención. Algunos autores, sin embargo, encuentran más difícil mantener estas distinciones. Aunque las canciones eróticas se convirtieron en parte del estándar en los clubes folclóricos y entre los músicos de folk rock, relativamente pocas de las canciones más explícitas han sido grabadas.

Tubos

La trompeta es un estilo de música de baile que se cree que tomó su nombre de un instrumento de lengüeta inglés al menos en el siglo XVII. A mediados del siglo XVIII cambió de 3/2 a 2/2, asumiendo su carácter moderno y probablemente alcanzando la cima de su popularidad al convertirse en un elemento básico de las representaciones teatrales. Se asocia con mayor frecuencia con la trompa del marinero, pero ha formado la base de muchos bailes country individuales y grupales hasta el período moderno. Como muchos bailes, se adoptó en Escocia e Irlanda y se le dio un carácter nacional distintivo y se trasladó a Estados Unidos con la emigración.

Plantillas

Los jigs son un estilo de música de baile desarrollado en Inglaterra para acompañar un baile animado con pasos, giros y saltos. El término jig se deriva del francés "giguer", que significa "saltar". Se conocía como danza en el siglo XVI, a menudo en compás de 2/4 y el término se usaba para un entretenimiento de baile en obras de teatro del siglo XVI. El baile comenzó a asociarse con la música, particularmente en compás de 6/8, y con jigs de deslizamiento en compás de 9/8. En el siglo XVII, la danza se adoptó en Irlanda y Escocia, donde se adaptaron ampliamente y con los países con los que ahora se asocia con mayor frecuencia. En algunas partes de Inglaterra, generalmente más al norte, estos bailes se denominarían "galope" – como el Winster Gallop de Derbyshire (aunque debe su origen al Winster Morris).

Baile de Morris

Una danza morris es un tipo de danza folclórica inglesa, generalmente acompañada de música y basada en pasos rítmicos y la ejecución de figuras coreografiadas por un grupo de bailarines, a menudo utilizando instrumentos como palos, espadas y pañuelos. Se cree que el nombre deriva del término "danza morisca", para los estilos de danza españoles (musulmanes) y puede derivar de los bailes de la corte inglesa de la época. Se han encontrado referencias que sugieren que la danza morris se remonta a mediados del siglo XV, pero ahora se descartan en gran medida las afirmaciones de orígenes precristianos. La danza Morris parece haber estado muy extendida en Inglaterra a principios del siglo XVII, particularmente en las zonas pastorales, pero fue suprimida, junto con los festivales asociados, durante y después de la Guerra Civil Inglesa. Se recuperó después de la Restauración en 1660, pero sufrió un fuerte declive después de las revoluciones agrícola e industrial en el siglo XIX, cuando coleccionistas como Cecil Sharp registraron la práctica, particularmente a partir de versiones de danza que encontró en los Cotswolds. Esto llevó a un resurgimiento de la tradición, aunque también puede haber afectado la forma y la práctica. La danza de Morris pasó a un segundo plano frente al canto sin acompañamiento en la segunda reposición, pero recibió un impulso adicional cuando atrajo la atención de músicos de folk rock británicos como Ashley Hutchings, quien produjo varios álbumes de música de baile, incluido el influyente Morris. En serie de 1972. Tradicionalmente, la danza Morris iba acompañada de una flauta y un tamboril o un violín, pero desde mediados del siglo XIX los instrumentos más comunes eran el melodeón, el acordeón, la concertina y la batería. Particularmente en Cotswold y Border Morris, muchas melodías están vinculadas a bailes particulares. La danza Morris sobrevive en las distintas tradiciones locales de Cotswold Morris, Northwest Morris, Border Morris, la danza del rapero y la danza Long Sword.

Canciones de protesta

Quizás el ejemplo claro más antiguo de una canción de protesta inglesa sea la rima 'Cuando Adán profundizó y Eva atravesó, ¿quién era entonces el caballero?', utilizada en la Revuelta de los Campesinos de 1381. Canciones que celebraban a bandidos sociales como Robin Hood, de El siglo XIV en adelante puede verse como una forma más sutil de protesta. Con los niveladores y excavadores a mediados del siglo XVII, surgieron críticas más abiertas, como en la balada "The Diggers' Canción". Aproximadamente desde el mismo período, también comienzan a aparecer canciones de protesta en la guerra, que señalan el costo de las vidas humanas, como "The Maunding Souldier or The Fruits of Warre is Beggery", enmarcadas como un llamamiento a la mendicidad de un soldado lisiado de la Guerra de los Treinta Años. Con industrialización a partir del siglo XVIII. Un sorprendente héroe popular inglés inmortalizado en una canción es Napoleón Bonaparte, en canciones como "Bonny Bunch of Roses" y "El sueño de Napoleón". A medida que el trabajo se volvió más organizado, las canciones se utilizaron como himnos y propaganda, para los mineros con canciones como "The Black Leg Miner" y para los trabajadores de las fábricas con canciones como "The Factory Bell". Estas canciones de protesta industrial fueron en gran medida ignoradas durante el primer resurgimiento del folk inglés de finales del siglo XIX y principios del XX, pero fueron grabadas por figuras como A. L. Lloyd en álbumes como The Iron Muse (1963). En la década de 1980, la banda de rock anarquista Chumbawamba grabó varias versiones de la protesta tradicional inglesa como English Rebel Songs 1381-1914. Ewan MacColl se convirtió en el principal escritor de canciones de protesta inglesas en la década de 1950, con canciones procomunistas como "La balada de Ho Chi Minh" y "La balada de Stalin", así como volátiles canciones de protesta y de actualidad sobre la amenaza nuclear a la paz, en particular "Contra la bomba atómica". La principal voz de protesta en la Gran Bretaña thatcherista en la década de 1980 fue Billy Bragg, cuyo estilo de canción de protesta y activismo político de base recordaba en gran medida a los de Woody Guthrie.

Chabolas del mar

Las chabolas del mar son un tipo de canción de trabajo que tradicionalmente cantan los marineros. Derivados de la palabra francesa "chanter", que significa "cantar", pueden datar del siglo XV, pero la mayoría de los ejemplos registrados proceden del siglo XIX. Las chabolas solían ser canciones rítmicas lentas diseñadas para ayudar con tareas colectivas en la navegación que requería mucha mano de obra y, más tarde, en los barcos de vapor. Muchas eran canciones de llamada y respuesta, con una voz (el chabolista) cantando una línea principal y el resto de los marineros dando una respuesta juntos. Se derivaron de diversas fuentes, incluidas danzas, canciones populares, polkas, valses e incluso canciones de trabajo de África occidental. Dado que diferentes canciones eran útiles para diferentes tareas, tradicionalmente se dividen en tres categorías principales: chabolas de corto recorrido, para tareas que requieren paradas rápidas en un tiempo relativamente corto; chabolas de driza, para trabajos más pesados que requieren más tiempo de preparación entre tirones; y Cabrestantes, para tareas largas y repetitivas que requieren un ritmo sostenido, pero que no implican trabajar las líneas. Entre las chabolas famosas se incluyen "Blow the Man Down" y "Bound for South Australia", algunas de las cuales han permanecido en la conciencia pública o han sido revividas por grabaciones populares. Hubo cierto interés por las canciones marineras en la primera reposición por parte de figuras como Percy Grainger, quien grabó varias versiones tradicionales en fonógrafos. En el segundo renacimiento, A. L. Lloyd intentó popularizarlos, grabando varios álbumes de canciones marinas de 1965.

Canciones de guerra

En Inglaterra, las canciones sobre temas militares y navales fueron una parte importante de la producción de los escritores de baladas desde el siglo XVI en adelante, incluida una de las primeras baladas británicas, 'The Ballad of Chevy Chase', que trata sobre los acontecimientos de la guerra escocesa. Victoria de la batalla de Otterburn en 1388 y puede datar de principios del siglo XV. Los conflictos entre Inglaterra y España a finales del siglo XVI y principios del XVII produjeron una serie de baladas que describen acontecimientos, en particular conflictos navales como los de la Armada Española. La Guerra Civil Inglesa (1642-1653) produjo un subgénero de "baladas Cavalier", incluido "When the King Home in Peace Again". Muchos de estos fueron adaptados y reutilizados por los jacobitas después de la "Revolución Gloriosa" de 1688. Las guerras anglo-francesas de los siglos XVII y XVIII vieron obras más descriptivas, generalmente expresadas en términos patrióticos, pero algunas, como "Capitán Muerte" (1757) lidió con la pérdida y la derrota. A medida que surgieron las identidades de los regimientos, se adoptaron canciones para las marchas, como “The British Grenadiers”, basada en una melodía de baile del siglo XVII. La producción se convirtió en una avalancha durante las Guerras Revolucionaria Francesa y Napoleónica (1797-1815), con numerosas canciones de guerra patrióticas, como 'Heart of Oak' y el surgimiento de un estereotipo del marinero inglés como 'Jolly Jack Tar', que apareció en muchos baladas y en el escenario. A medida que el salón de música comenzó a tomar el liderazgo en la música popular y la canción popular decayó, la canción popular dejó de abordar las guerras contemporáneas a finales del siglo XIX.

Canciones de trabajo

Las canciones de trabajo incluyen música cantada mientras se realiza una tarea (a menudo para coordinar el tiempo) o una canción vinculada a una tarea o oficio que podría ser una narrativa, descripción o canción de protesta conectada. Los dos tipos principales de canciones de trabajo en Inglaterra son las canciones de trabajo agrícola, generalmente son canciones rítmicas a capella cantadas por personas que trabajan en una tarea física y a menudo repetitiva, como la 'canción de la cosecha' común en el suroeste de Inglaterra. Probablemente las canciones tenían como objetivo aumentar la productividad y al mismo tiempo reducir la sensación de aburrimiento. Los ritmos de las canciones de trabajo pueden servir para sincronizar el movimiento físico en un grupo o pandilla. La canción popular industrial surgió en Gran Bretaña en el siglo XVIII, cuando los trabajadores tomaron la música que les resultaba familiar, incluidas baladas y canciones de trabajo agrícola, y las adaptaron a sus nuevas experiencias y circunstancias. A diferencia de las canciones de trabajo agrícola, a menudo era innecesario utilizar música para sincronizar las acciones entre los trabajadores, ya que el ritmo estaría cada vez más determinado por el agua, el vapor, la energía química y, finalmente, la energía eléctrica, y con frecuencia era imposible debido al ruido de la industria primitiva. Como resultado, las canciones populares industriales tendían a describir el trabajo, las circunstancias o la naturaleza política, lo que las convertía en una de las primeras canciones de protesta y se cantaban entre turnos de trabajo o en horas de ocio, en lugar de durante el trabajo. Este patrón se puede observar en la producción textil, la minería y, eventualmente, la siderurgia, la construcción naval, el ferrocarril y otras industrias.

Tradiciones regionales

Anglia Oriental

Como muchas regiones de Inglaterra, hay pocos instrumentos locales distintivos y muchas canciones fueron compartidas con el resto de Gran Bretaña y con Irlanda, aunque los distintos dialectos de las regiones a veces les dieron un sello particular y, con una de las costas más largas de En cualquier región inglesa, las canciones sobre el mar también fueron particularmente importantes. Junto con West Country, esta fue una de las regiones que adoptó con mayor firmeza los instrumentos de lengüeta, produciendo muchos practicantes eminentes del melodeón desde mediados del siglo XIX. También al igual que West Country, es una de las pocas regiones donde todavía existe una tradición activa de baile step y, al igual que Midlands, la tradición de la danza Molly se extinguió en la década de 1930. La región estuvo relativamente descuidada por los coleccionistas de canciones populares del primer renacimiento. Lucy Broadwood y Cecil Sharp las coleccionaron en Cambridgeshire, al igual que Vaughan Williams, así como en Norfolk y Essex a partir de 1905, pero la figura regional más importante fue el compositor Ernest John Moeran, que recopiló más de 150 canciones en Norfolk y Suffolk en la década de 1920. El segundo renacimiento del folk condujo al descubrimiento de muchos músicos folclóricos de East Anglian, incluido el melodeonista de Suffolk Oscar Woods, los cantantes de Norfolk Sam Larner (1878-1965), Harry Cox (1885-1971) y Walter Pardon (1914-1996); el violinista de Suffolk Harkie Nesling (1890-1978); Bob Roberts (1907–82), cantante y barquero de Suffolk, muchos de los cuales grabaron para Topic Records. Quizás el álbum musical de danza folclórica más influyente fue English Country Dance Music (1965), elaborado por Reg Hall y Bob Davenport con músicos en su mayoría de Norfolk; fue la primera grabación instrumental de instrumentos folclóricos. También era de Norfolk Peter Bellamy, quien en proyectos en solitario, con Young Tradition y en producciones teatrales fue probablemente uno de los músicos más influyentes del período posterior al revival. El melodeonista y cantante de Norfolk Tony Hall le ha dado a la tradición un estilo único. East Anglia hizo una contribución a la escena folk rock británica de la década de 1970, produciendo las bandas de corta duración, pero reformadas más recientemente, Midwinter y Stone Angel, con sede en Great Yarmouth y los más exitosos Spriguns of Tolgus de Cambridge, que produjeron cuatro álbumes.. Los artistas folclóricos de mayor éxito de la región en los últimos años son probablemente Billy Bragg, nacido en Essex, y Beth Orton, nacida en Norfolk. La región alberga numerosos clubes folclóricos y alberga numerosos festivales folclóricos, incluido el Spanfest de Steeleye Span en Kentwell Hall, Suffolk y el Cambridge Folk Festival, generalmente considerado el más prestigioso del calendario. Desde el año 2000, el East Anglian Traditional Music Trust ha estado promoviendo la música folclórica en la región, organizando un "Día de la Música Tradicional" cada año en agosto.

Las Tierras Centrales

Debido a su falta de límites claros y a la percepción de falta de identidad en su música folclórica, las Midlands inglesas atrajeron relativamente poco interés en los primeros resurgimientos. Sin embargo, en años más recientes se ha reconocido un patrimonio cultural distintivo que incluye tradiciones y canciones populares únicas, muchas de ellas asociadas con las conexiones industriales de la región. También ha producido una serie de intérpretes importantes y algunos instrumentos locales particulares, como la gaita de Lincolnshire; sin embargo, el último intérprete, John Hunsley, murió en el siglo XIX y no ha sobrevivido ningún ejemplo real de flauta. A partir del siglo XIX, los instrumentos utilizados parecen haber sido muy parecidos a los de otras regiones, con violines, acordeones y, finalmente, plata y latón. Aunque algunas tradiciones, como la danza Molly, desaparecieron en la década de 1930, las Midlands conservaron fuertes tradiciones de danza tanto ceremonial como social, particularmente en las Midlands del sur y Cotswolds y en el distintivo Border Morris de Herefordshire, Worcestershire y Shropshire. La región también proporcionó material importante para canciones populares, incluido un reclamo de Nottinghamshire para una de las series de baladas más populares, la de Robin Hood, mientras que lugares locales aparecen en canciones como 'The Leicester Chambermaid' y 'Oxford' o ' Ciudad de Worcester'. La recopilación de canciones populares en el primer resurgimiento fue mucho menos completa que en muchas otras regiones. En la década de 1860, Llewellynn Jewitt recopiló canciones de Derbyshire, y Georgina F. Jackson imprimió algunas canciones en su estudio de la tradición popular de Shropshire. El interés de Cecil Sharp por la región se limitaba en gran medida al sur, en particular a las aldeas de Cotswold Morris en Oxfordshire y Warwickshire, que le proporcionaron un arquetipo de la danza ceremonial inglesa. A partir de 1905, Percy Grainger estuvo coleccionando activamente en Lincolnshire, adquiriendo grabaciones de canciones que servirían de base para su Lincolnshire Posy (1937). No fue hasta principios de la década de 1970 que el patrimonio más amplio de la región, incluidas las numerosas canciones industriales y laborales asociadas con la minería o The Potteries, comenzó a recibir atención seria. A pesar de este abandono, existía una escena folclórica activa en la región, que produjo varios artistas clave del segundo renacimiento de la década de 1960, entre ellos Anne Briggs de Nottinghamshire, The Settlers de West Midlands y de Birmingham, uno de los grupos más influyentes de la época., el Ian Campbell Folk Group, que contaba entre sus miembros con los posteriores músicos de folk rock británico Dave Swarbrick y Dave Pegg. Un poco más tarde, varios grupos folk surgieron de Derbyshire, incluidos The Druids, Ram's Bottom Band y Muckram Wakes, que incluía a uno de los intérpretes modernos más respetados, John Tams. Lincolnshire ha producido a Martin Simpson, quizás el guitarrista folk más respetado de su generación. La posición de Birmingham como centro de la música folclórica se ha visto enfatizada por su lugar como sede del Birmingham Conservatoire Folk Ensemble, dirigido por el ex violinista de Albion Band Joe Broughton, que proporciona una especie de centro de intercambio de información para jóvenes músicos folclóricos prometedores. La región cuenta con numerosos clubes folclóricos y alberga muchos festivales folclóricos importantes, incluidos los de Gainsborough, Lincolnshire; Loughborough, Leicestershire; Shrewsbury, Shropshire; Warwick, Warwickshire; y Moseley, West Midlands.

El Noroeste

Aunque relativamente descuidado en el primer renacimiento folklórico, el noroeste de Inglaterra tenía una rica tradición de baladas que se remontaba al menos al siglo XVII y compartía la tradición de las baladas fronterizas, incluida quizás la mejor 'La balada de Chevy Chase'., se cree que fue compuesto por el juglar del siglo XVI Richard Sheale, nacido en Lancashire. Lancashire, en particular, era un lugar común para las canciones populares, incluidas "The Lancashire Miller", "Warrington Ale" y "The soldado's farewell to Manchester", además de varias canciones locales de Wassailing. Con una variedad de dialectos y actuando como una especie de encrucijada para las culturas y los inmigrantes de Inglaterra, Escocia e Irlanda, la música folklórica tiene un carácter local distintivo, que se expresó en un entusiasmo local que surgió como un factor importante dentro del folklore más amplio. movimiento en el segundo avivamiento. El acontecimiento clave en la historia de la música folclórica en los condados del noroeste de Inglaterra fue la Revolución Industrial, que dividió la región económica y culturalmente en una región septentrional, a menudo montañosa y pastoral, en Westmorland y Cumberland, y una región más urbanizada e industrializada. Zona sur con conurbaciones grandes y en crecimiento como Manchester y Liverpool, donde surgieron patrones sociales y económicos cambiantes en nuevas tradiciones y estilos de canciones populares, a menudo vinculadas a la migración y patrones de trabajo, que incluían bailes procesionales, a menudo asociados con el transporte de juncos y la Semana de los Velatorios. festividades y tipos de bailes step, el más famoso baile de zuecos. Estos eran muy diferentes de los estilos de danza que coleccionistas como Cecil Sharp habían encontrado en los Cotswolds y que él descartó en gran medida por considerarlos contaminados por la urbanización; sin embargo, eran, y siguen siendo, una próspera tradición de música y danza. Un pionero local de la recopilación de canciones populares en Lancashire en la primera mitad del siglo XIX fue el estudioso de Shakespeare James Orchard Halliwell, y poco después le siguieron John Harland, William E. Axon, Thomas T. Wilkinson y Sidney Gilpin, quienes interpretaron un servicio similar para Cumberland. La mayoría de estas obras, aunque importantes para descubrir y, en algunos casos, preservar baladas de relevancia local, dependían en gran medida de fuentes manuscritas, más que de colecciones orales, y a menudo no incluían melodías, sino sólo letras. No fue hasta el segundo resurgimiento del folklore que toda la gama de canciones de la región comenzó a llamar la atención. La región no sólo produjo una de las principales figuras del renacimiento, Ewan MacColl, sino también un campeón local, Harry Boardman, quien a partir de 1965 probablemente hizo más que nadie para popularizar y grabar la canción folklórica industrial de la región, en varios álbumes y libros. La región no produjo bandas importantes en el movimiento folk rock de la década de 1970, pero puede presumir de tener una de las figuras más significativas, ya que Maddy Prior se crió en Blackpool. Sin embargo, quizás los artistas folclóricos más influyentes que surgieron de la región en este período fueron el trovador folclórico Roy Harper y el comediante y locutor Mike Harding. Más recientemente, ha producido algunos artistas importantes, incluido el guitarrista Ken Nicol y los cantautores Chris y Kellie While, madre e hija. La región alberga numerosos clubes folclóricos, muchos de ellos dirigidos a gente irlandesa y escocesa. Los festivales folclóricos incluyen el Fylde Folk Festival en Fleetwood en Lancashire.

Northumbria

Northumbria posee un estilo distintivo de música folclórica con una tradición floreciente y continua. La región se destaca particularmente por las pequeñas pipas únicas de Northumbria y la fuerte tradición del violín que ya estaba bien establecida en la década de 1690. La música de Northumbria se caracteriza por una considerable influencia de otras regiones, particularmente del sur de Escocia, otras partes del norte de Inglaterra e Irlanda. Figuras como Henry Atkinson y William Vickers recopilaron melodías locales de mediados del siglo XVIII y, en la primera reposición, John Bell, Bruce. J. Collingwood y John Stokoe. La efímera Northumbrian Small Pipes Society se fundó en Newcastle en 1893 y la Northumbrian Pipers' Sociedad en 1928, y generalmente se les atribuye el mérito de mantener viva la tradición distintiva. Las baladas fronterizas fueron una parte importante de las recopiladas por Francis James Child y constituyen la mayor parte del sexto volumen de su colección de diez volúmenes de The English and Scottish Popular Ballads (1882-1898). El segundo renacimiento folclórico vio una serie de actos basados en este trabajo y que gozaron de cierto éxito. Probablemente el gaitero más influyente en aquella época fue Billy Pigg. Artistas como Louis Killen, The High Level Ranters y Bob Davenport llevaron el folk de Northumbria al público nacional e internacional. La década de 1970 vio bandas de folk rock como Lindisfarne y Jack the Lad y Hedgehog Pie, más centrados en la tradición. Más recientemente, la música folclórica de Northumbria, y en particular el uso de las flautas de Northumbria, se ha convertido en uno de los subgéneros de música folclórica más animados y conocidos en Gran Bretaña, con artistas como la violinista Nancy Kerr, la gaitera Kathryn Tickell y Rachel Unthank and the Winterset ganando terreno. reputaciones internacionales. Actualmente, la región cuenta con más de treinta clubes folclóricos activos y alberga varios festivales folclóricos importantes, incluido el Festival de Música Tradicional en Rothbury.

El Sureste

Incluso excluyendo Sussex y Londres, el sudeste de Inglaterra ha sido una de las áreas clave de la colección y la música folclórica inglesa. Había conservado una fuerte tradición de navegación a vela y las canciones marineras eran importantes en los condados costeros de Kent y Hampshire. Podría decirse que la colección publicada de material oral fue realizada en esta área por John Broadwood, como Old English Songs, As Now Sung by the Peasantry of the Weald of Surrey and Sussex (1843). Cuando el primer avivamiento estaba en su apogeo en la primera década del siglo XX, George Gardiner y Alice Gillington recopilaron canciones en Hampshire, Lucy Broadwood en Surrey, Hampshire y Oxfordshire, Alfred Williams en Oxfordshire y Berkshire y Cecil Sharp en Berkshire, Buckinghamshire. y Kent. En el segundo renacimiento popular, la región contribuyó con varias figuras, siendo probablemente el más importante Martin Carthy de Hertfordshire. El grupo de folk rock británico más importante de la región fue la Oyster Band, formada en Canterbury, mientras que el guitarrista John Martyn procedía de Surrey y el violinista Chris Leslie de Banbury en Oxfordshire. De la generación actual de jóvenes músicos folclóricos, probablemente los más destacados sean Spires y Boden de Oxfordshire y Chris Wood, nacido en Kent. La región alberga numerosos clubes y festivales folclóricos, incluido el festival de Oxford y la Convención Cropredy de Fairport en Oxfordshire y St Albans en Hertfordshire.

Londres

A pesar de ser el centro tanto del resurgimiento del folk como del movimiento de folk rock británico, las canciones de Londres fueron en gran medida ignoradas en favor de la música regional y rural hasta hace relativamente poco tiempo. Londres, como era de esperar, era el lugar más comúnmente mencionado en las canciones populares inglesas, incluidas "London is a Fine Town" y "London Prentice", y era el centro de la industria editorial. Desde el siglo XVII hasta el XIX, los cantantes callejeros fueron característicos de la vida londinense y a menudo vendían versiones impresas de las canciones que cantaban. La capital es sede de la Folk-Song Society y de la English Folk Dance Society desde finales del siglo XIX (ahora conocida como English Folk Dance and Song Society), pero el género más distintivo de la música londinense, sus numerosos gritos callejeros, no se considerada música folclórica por los principales coleccionistas y fueron grabadas y publicadas por figuras como Andrew White en Old London Street Cries; y Los gritos de hoy (1885). Tanto Ewan MacColl como A. L. Lloyd gravitaron hacia Londres en la década de 1950, fue la base de Topic Records y fue allí donde se formaron los primeros clubes folk antes de que se extendieran por todo el país. También fue el hogar de músicos folclóricos como Ashley Hutchings, Richard Thompson y Simon Nicol, quienes formaron Fairport Convention, y muchos artistas, como Bert Jansch y Davy Graham, se mudaron allí para poder seguir sus carreras o para redes más grandes y oportunidades que el capital permitía. Los intérpretes más recientes de música folclórica incluyen a Noah and the Whale, Emma Lee Moss, Mumford and Sons, The Border Surrender y Anna Tam.

Sussex

Sussex ha afectado desproporcionadamente la historia de la música folclórica inglesa. Esto se debió a una floreciente tradición de danza folclórica, obras de teatro de mimos y canciones folclóricas, pero también en parte a la naturaleza rural del condado a finales del siglo XIX y principios del XX y, sin embargo, a su proximidad relativamente cercana a Londres. Por tanto, era un lugar rico y conveniente para los coleccionistas del primer resurgimiento de la canción popular, incluidos Kate Lee, Lucy Broadwood y W. P. Merrick. El material de Sussex fue utilizado por los compositores de la escuela pastoral inglesa, por ejemplo en el arreglo de Percy Grainger de 'The Sussex Mummers' Cuento de Navidad', Ralph Vaughan Williams' uso de la melodía 'Monk's Gate' como escenario para 'To be a Pilgrim' de John Bunyan y el arreglo de George Butterworth de 'Folk Songs from Sussex'. Las fuentes más importantes de los coleccionistas fueron la Copper Family of Rottingdean, que emergieron como autoridades en canciones populares y, finalmente, como importantes artistas discográficos. La canción popular de Sussex también tuvo un efecto formativo en una de las principales figuras del segundo avivamiento, ya que fue cuando A. L. Lloyd escuchó por primera vez música folklórica cuando tenía cinco años en Sussex. Otros artistas incluyen Scan Tester, Henry Burstow y las hermanas Dolly y Shirley Collins. Las canciones de Sussex también fueron la base del repertorio de la influyente Young Tradition. El condado cuenta con más de veinte clubes folclóricos y otros lugares que albergan música folclórica de organizaciones como Acoustic Sussex. También hay festivales anuales de música folclórica en Eastbourne, Crawley y Lewes.

El país del oeste

Cornualles

La música de Cornualles suele destacarse por su similitud con la de Bretaña y, como resultado de los estrechos vínculos físicos y culturales entre las dos penínsulas, algunas canciones y villancicos más antiguos comparten la misma raíz que las melodías bretonas. Desde finales de la Edad Media, el violín (multitud en Cornualles), la bombarda (cuerno), la gaita y el arpa parecen haber sido utilizados en la música. Las gaitas de Cornualles desaparecieron, como en otras partes del sur de Inglaterra, en el siglo XVI, pero recientemente han sido recreadas. Desde mediados del siglo XIX, los acordeones se hicieron progresivamente más populares como instrumento popular en el condado, como en el resto del West Country. Existe una larga y variada historia de la danza de Cornualles desde el período medieval, con registros de fuertes tradiciones de danza morris, momias, danzas disfrazadas y danzas sociales. Estos parecen haber sido interrumpidos por la Reforma, la Guerra Civil y la Commonwealth en los siglos XVI y XVII. Sin embargo, hubo un resurgimiento a partir de finales del siglo XVIII y florecieron los festivales comunitarios y de temporada, las momias y los disfraces. En el siglo XIX, una fuerte tradición de inconformismo y templanza también pudo haber afectado negativamente al baile y la música y alentado los movimientos corales y de bandas de música, mientras que se utilizaban melodías tradicionales para los villancicos. Algunos eventos comunitarios sobrevivieron, como el festival 'Obby 'Oss en Padstow y el Furry Dance en Helston. Las canciones populares incluyen "Sweet Nightingale", "Little Eyes" y "Lamorna". 'Trelawny' Se canta a menudo en eventos deportivos y muchos lo consideran un himno no oficial. Pocas letras tradicionales de Cornualles sobrevivieron al declive del idioma, pero en algunos casos las letras de canciones comunes en inglés se unieron a melodías más antiguas de Cornualles. Algunas melodías populares tienen letras de Cornualles escritas desde el resurgimiento del idioma en la década de 1920. Los músicos modernos de Cornualles incluyen a la ex cantante de folk de Cornualles Brenda Wootton y la banda familiar cornualles-bretona Anao Atao. Recientemente, bandas como Sacred Turf, Skwardya y Krena han comenzado a interpretar folk rock británico en idioma de Cornualles. El Festival Folclórico de Cornwall se celebra anualmente desde hace más de tres décadas.

El resto del oeste del país

Fuera de Devon y Cornualles, la influencia celta en la música del West Country es mucho menos obvia, pero la música folclórica aún conserva muchas características locales distintivas. Al igual que en Cornualles, existen tradiciones muy fuertes de danza folclórica y momias, siendo las más conocidas las celebraciones de los caballos aficionados en Minehead, en Somerset. La herencia marítima de Devon hizo que las canciones marinas, las trompetas y las baladas navales o marítimas fueran partes importantes de la música folclórica regional. Desde el siglo XIX, los acordeones han sido una parte popular y aceptada del sonido folclórico local. Las canciones populares del West Country incluyen "Widdecombe Fair", "Spanish Ladies" y "The Seeds of Love". La región fue importante en el primer resurgimiento del folk, ya que la anticuaria nacida en Devon Sabine Baring-Gould invirtió esfuerzos en recopilar música regional., publicado como Canciones y baladas de Occidente (1889-1891), la primera colección publicada para el mercado de masas. Más tarde colaboró con Cecil Sharp quien, con Charles Marson, produjo tres volúmenes Folk-Songs from Somerset (1904–09). Otros coleccionistas incluyeron a Henry y Robert Hammond en Dorset, el reverendo Geoffrey Hill en Wiltshire, Percy Grainger en Gloucestershire y, quizás el más famoso, Ralph Vaughan Williams. 'Folk Songs from Somerset', que proporcionó temas para su English Folk Song Suite. En el segundo renacimiento del folk, los músicos más famosos del West Country fueron el melodeonista Bob Cann y el escritor, intérprete y locutor Cyril Tawney, "El padre del renacimiento del folk del West Country". En los años 1970 hubo figuras como Tony Rose. El mismo período vio uno de los híbridos más sorprendentes en la historia de la música, Scrumpy y Western, con bandas como Wurzels y The Yetties, que tomaron la mayoría de los elementos de la música folklórica de West Country para canciones cómicas de estilo folk con afectuosas parodias de géneros musicales más convencionales., entregado en dialectos locales del West Country. Más en serio, West Country y particularmente Devon han producido algunos de los artistas folklóricos más exitosos de los últimos años, incluidos Show of Hands, Mark Bazeley y Jason Rice, Paul Downes, Jim Causley, Seth Lakeman y sus hermanos. La región cuenta con numerosos clubes folclóricos y festivales anuales, incluidos los de Portsmouth y el primer festival folclórico inglés moderno que se estableció en Sidmouth, Devon, junto con su evento 'Late Night Extra' lugar en Bulverton.

Yorkshire

Yorkshire tiene una rica herencia de música y danza folclóricas, incluida la danza de la espada larga. Allí se recopilaron canciones populares del siglo XIX pero, aunque probablemente recibió más atención que otros condados del norte, su rico patrimonio de canciones populares industriales estuvo relativamente descuidado. No fue hasta el segundo resurgimiento en la década de 1950 que Nigel y Mary Hudleston comenzaron a intentar restablecer el equilibrio, recopilando canciones de Yorkshire entre 1958 y 1978. La canción popular de Yorkshire carecía de las características instrumentales únicas del folk de áreas como Northumbria y se distinguía principalmente por el uso del dialecto, particularmente en West Riding y ejemplificado por la canción 'On Ilkla Moor Baht 'at', probablemente escrita a finales del siglo XIX y usando una melodía popular de Kent (casi con certeza tomada prestada de un himnario metodista), pero a menudo se ve como un himno no oficial de Yorkshire. La mayoría de las canciones populares de Yorkshire no eran únicas y tendían a adaptarse para adaptarse a la geografía y el dialecto locales, como fue el caso de probablemente la canción de Yorkshire de mayor éxito comercial, "Scarborough Fair", grabada por Simon & Garfunkel, que era una versión de la balada escocesa 'The Elfin Knight'. Los artistas folclóricos más famosos del condado son los Watersons de Hull, que comenzaron a grabar versiones de canciones populares de Yorkshire a partir de 1965. Otros músicos folclóricos de Yorkshire incluyen a Heather Wood (nacida en 1945) de Young Tradition, el grupo de folk rock de corta duración Mr Fox. (1970-2), La familia Deighton, Julie Matthews, Kathryn Roberts y Kate Rusby, nominada al Premio Mercury. Incluso considerando su posición como el condado más grande de Inglaterra, Yorkshire tiene una floreciente cultura de música folclórica, con más de cuarenta clubes folclóricos y treinta festivales anuales de música folclórica. En 2007, se formó el Yorkshire Garland Group para hacer que las canciones populares de Yorkshire fueran accesibles en línea y en las escuelas.