Música folk
Música folclórica es un género musical que incluye la música folclórica tradicional y el género contemporáneo que evolucionó a partir de la primera durante el resurgimiento del folclore del siglo XX. Algunos tipos de música folclórica pueden llamarse música del mundo. La música folclórica tradicional se ha definido de varias maneras: como música transmitida oralmente, música con compositores desconocidos, música que se toca con instrumentos tradicionales, música sobre la identidad cultural o nacional, música que cambia entre generaciones (proceso popular), música asociada con un pueblo& #39;s folclore, o música interpretada por costumbre durante un largo período de tiempo. Se ha contrastado con estilos comerciales y clásicos. El término se originó en el siglo XIX, pero la música folclórica se extiende más allá.
A partir de mediados del siglo XX, una nueva forma de música folclórica popular evolucionó a partir de la música folclórica tradicional. Este proceso y período se llama el (segundo) renacimiento popular y alcanzó su cenit en la década de 1960. Esta forma de música a veces se denomina música folclórica contemporánea o música de renacimiento popular para distinguirla de formas folclóricas anteriores. Se han producido avivamientos similares más pequeños en otras partes del mundo en otros momentos, pero el término música folclórica generalmente no se ha aplicado a la nueva música creada durante esos avivamientos. Este tipo de música folclórica también incluye géneros de fusión como el folk rock, el folk metal y otros. Si bien la música folclórica contemporánea es un género generalmente distinto de la música folclórica tradicional, en inglés de EE. UU. Comparte el mismo nombre y, a menudo, comparte los mismos artistas y lugares que la música folclórica tradicional.
Música folclórica tradicional
Definición
Los términos música folclórica, canción folclórica y danza folclórica son expresiones relativamente recientes. Son extensiones del término folklore, que fue acuñado en 1846 por el anticuario inglés William Thoms para describir "las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas". El término deriva además de la expresión alemana volk, en el sentido de "el pueblo como un todo" aplicada a la música popular y nacional por Johann Gottfried Herder y los románticos alemanes más de medio siglo antes. Aunque se entiende que la música folclórica es la música de la gente, los observadores encuentran difícil de alcanzar una definición más precisa. Algunos ni siquiera están de acuerdo en que se deba utilizar el término música folclórica. La música folclórica puede tender a tener ciertas características pero no se puede diferenciar claramente en términos puramente musicales. Un significado que se suele dar es el de "canciones antiguas, sin compositores conocidos" otro es el de la música que ha sido sometida a un "proceso evolutivo de transmisión oral.... la creación y remodelación de la música por parte de la comunidad que le da su carácter folclórico."
Tales definiciones dependen de "procesos (culturales) más que de tipos musicales abstractos...", de "continuidad y transmisión oral... visto como una característica de un lado de una dicotomía cultural, el otro lado de la cual se encuentra no solo en las capas inferiores de las sociedades feudales, capitalistas y algunas orientales, sino también en las sociedades 'primitivas' sociedades y en partes de 'culturas populares'". Una definición ampliamente utilizada es simplemente "música folclórica es lo que la gente canta".
Para Scholes, así como para Cecil Sharp y Béla Bartók, había un sentido de la música del campo diferente a la de la ciudad. La música folclórica ya era, "... vista como la expresión auténtica de una forma de vida ya pasada oa punto de desaparecer (o en algunos casos, para ser preservada o revivida de alguna manera)," particularmente en "una comunidad no influenciada por la música artística" y por canción comercial e impresa. Lloyd rechazó esto a favor de una simple distinción de clase económica, pero para él, la verdadera música folclórica estaba, en palabras de Charles Seeger, 'asociada con una clase baja'. en sociedades cultural y socialmente estratificadas. En estos términos, la música folclórica puede ser vista como parte de un "esquema que comprende cuatro tipos musicales: 'primitiva' o 'tribales'; 'élite' o 'arte'; 'folclórico'; y 'popular'."
La música de este género también suele llamarse música tradicional. Aunque el término suele ser solo descriptivo, en algunos casos la gente lo usa como el nombre de un género. Por ejemplo, el premio Grammy utilizó anteriormente los términos "música tradicional" y "folklore tradicional" para la música folclórica que no es la música folclórica contemporánea. La música folclórica puede incluir la mayoría de la música indígena.
Características
Desde una perspectiva histórica, la música folclórica tradicional tenía estas características:
- Se transmitió a través de una tradición oral. Antes del siglo XX, las personas comunes eran generalmente analfabetas; adquirieron canciones memorizandolas. Principalmente, esto no fue mediado por libros o medios registrados o transmitidos. Los cantantes pueden extender su repertorio usando hojas anchas o libros de canciones, pero estas mejoras secundarias son del mismo carácter que las canciones primarias experimentadas en la carne.
- La música estaba a menudo relacionada con la cultura nacional. Era culturalmente particular; de una región o cultura particular. En el contexto de un grupo inmigrante, la música popular adquiere una dimensión extra para la cohesión social. Es particularmente visible en las sociedades inmigrantes, donde los australianos griegos, los estadounidenses somalíes, los canadienses de Punjabi y otros se esfuerzan por enfatizar sus diferencias de la corriente principal. Aprenden canciones y bailes que se originan en los países de los que provienen sus abuelos.
- Conmemoran eventos históricos y personales. En ciertos días del año, incluyendo fiestas como Navidad, Pascua y Día de Mayo, canciones particulares celebran el ciclo anual. Los cumpleaños, las bodas y los funerales también se pueden observar con canciones, bailes y trajes especiales. Los festivales religiosos a menudo tienen un componente de música popular. La música coral en estos eventos lleva a niños y cantantes no profesionales a participar en una arena pública, dando una vinculación emocional que no está relacionada con las cualidades estéticas de la música.
- Las canciones se han realizado, por costumbre, durante un largo período de tiempo, generalmente varias generaciones.
Como efecto secundario, a veces se presentan las siguientes características:
- No hay copyright en las canciones. Cientos de canciones folclóricas del siglo XIX han conocido autores pero han continuado en la tradición oral hasta el punto en que se consideran tradicionales para fines de la publicación musical. Esto se ha vuelto mucho menos frecuente desde la década de 1940. Hoy, casi todas las canciones folclóricas que se graban se acreditan con un organizador.
- Fusión de las culturas: Debido a que las culturas interactúan y cambian con el tiempo, las canciones tradicionales que evolucionan con el tiempo pueden incorporar y reflejar influencias de culturas dispares. Los factores pertinentes pueden incluir instrumentación, sintonización, voicings, frases, materia subjetiva e incluso métodos de producción.
Afinar
En la música folclórica, una melodía es una pieza instrumental breve, una melodía, a menudo con secciones repetitivas, y normalmente se toca varias veces. Una colección de melodías con similitudes estructurales se conoce como familia de melodías. America's Musical Landscape dice que "la forma más común para las melodías en la música folclórica es AABB, también conocida como forma binaria."
En algunas tradiciones, las melodías pueden combinarse en popurrís o "conjuntos".
Orígenes
A lo largo de la mayor parte de la prehistoria e historia humanas, no era posible escuchar música grabada. La gente común hacía música durante su trabajo y ocio, así como durante las actividades religiosas. El trabajo de producción económica era a menudo manual y comunal. El trabajo manual a menudo incluía el canto de los trabajadores, lo que servía para varios propósitos prácticos. Redujo el aburrimiento de las tareas repetitivas, mantuvo el ritmo durante los empujones y tirones sincronizados, y marcó el ritmo de muchas actividades como plantar, desherbar, cosechar, trillar, tejer y moler. En el tiempo libre, cantar y tocar instrumentos musicales eran formas comunes de entretenimiento y narración de historias, incluso más comunes que hoy en día cuando las tecnologías eléctricas y la alfabetización generalizada hacen que otras formas de entretenimiento e intercambio de información sean competitivas.
Algunos creen que la música folclórica se originó como música artística que fue modificada y probablemente degradada por la transmisión oral mientras reflejaba el carácter de la sociedad que la producía. En muchas sociedades, especialmente en las prealfabetizadas, la transmisión cultural de la música folclórica requiere un aprendizaje de oído, aunque la notación ha evolucionado en algunas culturas. Diferentes culturas pueden tener diferentes nociones con respecto a una división entre "folk" música por un lado y de "arte" y "corte" la música por el otro. En la proliferación de géneros musicales populares, algunas músicas folclóricas tradicionales también se denominaron "músicas del mundo" o "Música de raíz".
El término inglés "folklore", para describir la música y la danza folclórica tradicional, entró en el vocabulario de muchas naciones de Europa continental, cada una de las cuales tenía sus coleccionistas y renacentistas de canciones folclóricas. La distinción entre "auténtico" La canción folclórica, nacional y popular en general siempre ha estado suelta, particularmente en Estados Unidos y Alemania; por ejemplo, los compositores populares como Stephen Foster podrían denominarse "folk" En América. La definición del Consejo Internacional de Música Folclórica permite que el término también se pueda aplicar a la música que, "... se ha originado con un compositor individual y posteriormente ha sido absorbida por la tradición viva no escrita de una comunidad. Pero el término no cubre una canción, un baile o una melodía que se ha tomado y permanece sin cambios."
El resurgimiento del folclore posterior a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos y Gran Bretaña inició un nuevo género, la música folclórica contemporánea, y aportó un significado adicional al término "música folclórica": canciones recién compuestas, de forma fija y de autores conocidos, que imitaban alguna forma de música tradicional. La popularidad del "folk contemporáneo" grabaciones provocó la aparición de la categoría "Folk" en los Premios Grammy de 1959; en 1970, el término se eliminó a favor de "Mejor grabación étnica o tradicional (incluido el blues tradicional)", mientras que 1987 trajo una distinción entre "Mejor grabación folclórica tradicional" y "Mejor Grabación de Folk Contemporáneo". Después de eso, tuvieron un "música tradicional" categoría que posteriormente evolucionó a otras. El término "folk", a principios del siglo XXI, podría abarcar a cantautores, como Donovan de Escocia y el estadounidense Bob Dylan, que surgieron en la década de 1960 y muchos más. Esto completó un proceso en el que la "música folclórica" ya no significaba sólo música folclórica tradicional.
Tema
La música folclórica tradicional a menudo incluye palabras cantadas, aunque la música instrumental folclórica ocurre comúnmente en las tradiciones de la música de baile. El verso narrativo ocupa un lugar preponderante en la música folclórica tradicional de muchas culturas. Esto abarca formas tales como la poesía épica tradicional, gran parte de la cual originalmente estaba destinada a la interpretación oral, a veces acompañada de instrumentos. Muchos poemas épicos de diversas culturas se ensamblaron a partir de piezas más cortas de verso narrativo tradicional, lo que explica su estructura episódica, elementos repetitivos y sus frecuentes desarrollos argumentales in medias res. Otras formas de verso narrativo tradicional relatan los resultados de batallas o lamentan tragedias o desastres naturales.
A veces, como en la Canción de Débora triunfante que se encuentra en el Libro de los Jueces bíblico, estas canciones celebran la victoria. Los lamentos por las batallas y guerras perdidas, y las vidas perdidas en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones; estos lamentos mantienen viva la causa por la cual se libró la batalla. Las narraciones de las canciones tradicionales a menudo también recuerdan a héroes populares como John Henry o Robin Hood. Algunas narraciones de canciones tradicionales recuerdan eventos sobrenaturales o muertes misteriosas.
Los himnos y otras formas de música religiosa suelen tener un origen tradicional y desconocido. La notación musical occidental se creó originalmente para preservar las líneas del canto gregoriano, que antes de su invención se enseñaba como tradición oral en las comunidades monásticas. Las canciones tradicionales como Green grow the rushes, O presentan la tradición religiosa en una forma mnemotécnica, al igual que los villancicos navideños occidentales y canciones tradicionales similares.
Las canciones de trabajo suelen presentar estructuras de llamada y respuesta y están diseñadas para permitir que los trabajadores que las cantan coordinen sus esfuerzos de acuerdo con los ritmos de las canciones. Con frecuencia, pero no invariablemente, están compuestas. En las fuerzas armadas estadounidenses, una animada tradición oral conserva los llamados jody ('cantos de Duckworth') que se cantan mientras los soldados marchan. Los marineros profesionales hicieron un uso similar de una gran cantidad de chabolas marinas. La poesía de amor, a menudo de naturaleza trágica o lamentable, ocupa un lugar destacado en muchas tradiciones populares. Las rimas infantiles y los versos sin sentido que se usan para divertir o tranquilizar a los niños también son temas frecuentes de las canciones tradicionales.
Transformaciones y variaciones de canciones folklóricas
La música transmitida de boca en boca a través de una comunidad, con el tiempo, desarrolla muchas variantes, ya que esta transmisión no puede producir precisión palabra por palabra y nota por nota. Además, los cantantes de folk pueden optar por modificar las canciones que escuchan.
Por ejemplo, las palabras "Soy un hombre que no conoces todos los días" (Roud 975) fueron escritos en un costado en el siglo XVIII y parecen tener un origen irlandés. En 1958 la canción fue grabada en Canadá (My Name is Pat and I'm Proud of That). La viajera escocesa Jeannie Robertson de Aberdeen hizo la siguiente versión grabada en 1961. La cambió para hacer referencia a 'Jock Stewart', uno de sus parientes, y no hay referencias irlandesas. En 1976, el artista escocés Archie Fisher modificó deliberadamente la canción para eliminar la referencia a un perro al que le dispararon. En 1985, The Pogues dio un giro completo al restaurar las referencias irlandesas.
Debido a que las variantes proliferan de forma natural, generalmente no hay "autoritario" versión de la canción. Los investigadores de canciones tradicionales han encontrado innumerables versiones de la balada de Barbara Allen en todo el mundo de habla inglesa, y estas versiones a menudo difieren mucho entre sí. El original no se conoce; muchas versiones pueden reclamar la misma autenticidad.
El influyente folclorista Cecil Sharp pensó que estas variantes en competencia de una canción tradicional pasarían por un proceso de mejora similar a la selección natural biológica: solo aquellas nuevas variantes que fueran las más atractivas para los cantantes comunes serían recogidas por otros y transmitidas en adelante. hora. Por lo tanto, con el tiempo esperaríamos que cada canción tradicional se vuelva más atractiva estéticamente, debido a la mejora incremental de la comunidad.
El interés literario en la forma de balada popular se remonta al menos a Thomas Percy y William Wordsworth. Los compositores ingleses isabelinos y Estuardo habían desarrollado a menudo su música a partir de temas folclóricos, la suite clásica se basaba en danzas folclóricas estilizadas, y se destaca el uso de melodías folclóricas de Joseph Haydn. Pero la aparición del término "folk" coincidió con un "estallido de sentimiento nacional en toda Europa" eso fue particularmente fuerte en los confines de Europa, donde la identidad nacional se afirmó más. Los compositores nacionalistas surgieron en Europa Central, Rusia, Escandinavia, España y Gran Bretaña: la música de Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky-Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók y muchos otros se inspiraron en el folk. melodías
Formularios regionales
Si bien la pérdida de la música folclórica tradicional frente al auge de la música popular es un fenómeno mundial, no ocurre a un ritmo uniforme en todo el mundo. El proceso está más avanzado "donde la industrialización y la comercialización de la cultura están más avanzadas" pero también ocurre de manera más gradual, incluso en entornos de menor avance tecnológico. Sin embargo, la pérdida de música tradicional se frena en naciones o regiones donde la música folclórica tradicional es una insignia de identidad cultural o nacional.
Música folclórica antigua, trabajo de campo y estudios
Gran parte de lo que se sabe sobre la música folclórica antes del desarrollo de la tecnología de grabación de audio en el siglo XIX proviene del trabajo de campo y los escritos de académicos, coleccionistas y defensores.
Europa del siglo XIX
A partir del siglo XIX, académicos y eruditos aficionados, tomando nota de la pérdida de las tradiciones musicales, iniciaron varios esfuerzos para preservar la música de la gente. Uno de esos esfuerzos fue la recopilación de Francis James Child a fines del siglo XIX de los textos de más de trescientas baladas en las tradiciones inglesa y escocesa (llamadas Child Ballads), algunas de las cuales son anteriores al siglo XVI.
Al mismo tiempo que Child, la reverenda Sabine Baring-Gould y más tarde Cecil Sharp trabajaron para preservar una gran cantidad de canciones, música y danzas tradicionales rurales inglesas, bajo la égida de lo que se convirtió y sigue siendo la English Folk Dance and Song Society (EFDSS). Sharp hizo campaña con cierto éxito para que se enseñaran canciones tradicionales en inglés (en sus propias versiones muy editadas y expurgadas) a los niños en edad escolar con la esperanza de revivir y prolongar la popularidad de esas canciones. A lo largo de la década de 1960 y principios y mediados de la de 1970, el erudito estadounidense Bertrand Harris Bronson publicó una colección exhaustiva de cuatro volúmenes de las variaciones entonces conocidas de los textos y melodías asociadas con lo que se conoció como el Canon del Niño. También avanzó algunas teorías significativas sobre el funcionamiento de la tradición oral-auditiva.
También se estaba llevando a cabo una actividad similar en otros países. Uno de los más extensos fue quizás el trabajo realizado en Riga por Krisjanis Barons, quien entre los años 1894 y 1915 publicó seis volúmenes que incluían los textos de 217.996 canciones populares letonas, las Latvju dainas. En Noruega, el trabajo de coleccionistas como Ludvig Mathias Lindeman fue ampliamente utilizado por Edvard Grieg en sus Lyric Pieces para piano y en otras obras, que se hicieron inmensamente populares.
Por esta época, los compositores de música clásica desarrollaron un gran interés en coleccionar canciones tradicionales, y varios compositores llevaron a cabo su propio trabajo de campo sobre la música tradicional. Estos incluyeron a Percy Grainger y Ralph Vaughan Williams en Inglaterra y Béla Bartók en Hungría. Estos compositores, como muchos de sus predecesores, hicieron arreglos de canciones populares e incorporaron material tradicional en composiciones clásicas originales.
América del Norte
La llegada de la tecnología de grabación de audio proporcionó a los folcloristas una herramienta revolucionaria para preservar las formas musicales en vías de extinción. Los primeros estudiosos de la música folclórica estadounidense pertenecían a la American Folklore Society (AFS), que surgió a fines del siglo XIX. Sus estudios se expandieron para incluir la música de los nativos americanos, pero aún trataban la música folclórica como un elemento histórico preservado también en sociedades aisladas. En Norteamérica, durante las décadas de 1930 y 1940, la Biblioteca del Congreso trabajó a través de las oficinas de los coleccionistas de música tradicional Robert Winslow Gordon, Alan Lomax y otros para capturar la mayor cantidad posible de material de campo norteamericano. John Lomax (el padre de Alan Lomax) fue el primer erudito destacado en estudiar la música folclórica claramente estadounidense, como la de los vaqueros y los negros del sur. Su primer trabajo importante publicado fue en 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. y podría decirse que fue el erudito de música folclórica estadounidense más destacado de su tiempo, especialmente durante los comienzos del renacimiento de la música folclórica en la década de 1930 y principios de la de 1940. Cecil Sharp también trabajó en Estados Unidos, grabando las canciones tradicionales de los Montes Apalaches en 1916-1918 en colaboración con Maud Karpeles y Olive Dame Campbell y es considerado el primer erudito importante que cubre la música folclórica estadounidense. Campbell y Sharp están representados con otros nombres por actores en la película moderna Songcatcher.
Un tema fuerte entre los estudiosos del folclore en las primeras décadas del siglo XX fue el regionalismo, el análisis de la diversidad de la música folclórica (y culturas relacionadas) basada en regiones de los EE. raíces históricas. Luego, a esto se le sumó una dinámica de clase y de circunstancias. Los regionalistas más destacados fueron figuras literarias con un interés particular en el folclore. Carl Sandburg viajó a menudo a los Estados Unidos como escritor y poeta. También recopiló canciones en sus viajes y, en 1927, las publicó en el libro The American Songbag. Rachel Donaldson, una historiadora que trabajó para Vanderbilt, afirmó más tarde esto sobre The American Songbird en su análisis del renacimiento de la música folclórica. "En sus colecciones de canciones folclóricas, Sandburg agregó una dinámica de clase a la comprensión popular de la música folclórica estadounidense. Este fue el elemento final de la base sobre la cual los primeros restauradores de la música folclórica construyeron su propia visión del americanismo. Los estadounidenses de la clase trabajadora de Sandburg se unieron a los ciudadanos étnica, racial y regionalmente diversos que otros académicos, intelectuales públicos y folcloristas celebraron sus propias definiciones de la gente estadounidense, definiciones que los revivalistas populares usaron para construir su propia comprensión de la cultura estadounidense. la música folclórica y una identidad estadounidense global.
Antes de la década de 1930, el estudio de la música folclórica era principalmente competencia de académicos y coleccionistas. La década de 1930 vio el comienzo de temas a gran escala, puntos en común y vínculos en la música folclórica que se desarrollaron en la población y los practicantes, a menudo relacionados con la Gran Depresión. El regionalismo y el pluralismo cultural crecieron como influencias y temas. Durante este tiempo, la música folclórica comenzó a enredarse con temas y movimientos de activismo político y social. Dos desarrollos relacionados fueron el interés del Partido Comunista de EE. UU. en la música folclórica como una forma de llegar e influir en los estadounidenses, y prominentes músicos y académicos folclóricos políticamente activos que vieron el comunismo como un posible sistema mejor, a través de la lente de la Gran Depresión. Woody Guthrie es un ejemplo de compositores y artistas con esa perspectiva.
Los festivales de música folclórica proliferaron durante la década de 1930. El presidente Franklin Roosevelt era fanático de la música folclórica, organizaba conciertos folclóricos en la Casa Blanca y, a menudo, patrocinaba festivales folclóricos. Un festival destacado fue el Festival Folclórico Nacional de Sarah Gertrude Knott, establecido en St. Louis, Missouri en 1934. Bajo el patrocinio del Washington Post, el festival se llevó a cabo en Washington, DC en el Salón de la Constitución de 1937 a 1942. El El movimiento de música folclórica, los festivales y el esfuerzo en tiempos de guerra fueron vistos como fuerzas para bienes sociales como la democracia, el pluralismo cultural y la eliminación de las barreras culturales y raciales.
Los renovadores de la música folclórica estadounidense de la década de 1930 abordaron la música folclórica de diferentes maneras. Surgieron tres escuelas primarias de pensamiento: "Tradicionalistas" (por ejemplo, Sarah Gertrude Knott y John Lomax) enfatizaron la preservación de las canciones como artefactos de culturas fallecidas. "Funcional" los folcloristas (por ejemplo, Botkin y Alan Lomax) sostuvieron que las canciones solo conservan relevancia cuando las usan aquellas culturas que conservan las tradiciones que dieron origen a esas canciones. "De izquierda" revivalistas populares (por ejemplo, Charles Seeger y Lawrence Gellert) enfatizaron el papel de la música "en 'people's' luchas por los derechos sociales y políticos". A fines de la década de 1930, estos y otros habían convertido la música folclórica estadounidense en un movimiento social.
A veces, los músicos folclóricos se convertían en eruditos y defensores. Por ejemplo, Jean Ritchie (1922–2015) era la hija menor de una familia numerosa de Viper, Kentucky, que había conservado muchas de las antiguas canciones tradicionales de los Apalaches. Ritchie, que vivía en una época en la que los Apalaches se habían abierto a la influencia externa, recibió educación universitaria y finalmente se mudó a la ciudad de Nueva York, donde realizó una serie de grabaciones clásicas del repertorio familiar y publicó una importante compilación de estas canciones.
En enero de 2012, el American Folklife Center de la Biblioteca del Congreso, junto con la Association for Cultural Equity, anunciaron que publicarían el vasto archivo de Lomax de 1946 y las grabaciones posteriores en formato digital. Lomax pasó los últimos 20 años de su vida trabajando en un proyecto informático educativo multimedia interactivo que llamó Global Jukebox, que incluía 5000 horas de grabaciones de sonido, 400 000 pies de película, 3000 cintas de video y 5000 fotografías. A partir de marzo de 2012, esto se ha logrado. Aproximadamente 17.400 de las grabaciones de Lomax de 1946 y posteriores se han puesto a disposición de forma gratuita en línea. Este material del archivo independiente de Alan Lomax, iniciado en 1946, que ha sido digitalizado y ofrecido por la Asociación para la Equidad Cultural, es "distinto de las miles de grabaciones anteriores en discos de acetato y aluminio que realizó desde 1933 hasta 1942 bajo los auspicios de la Biblioteca del Congreso. Esta colección anterior, que incluye las famosas sesiones de Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly y Muddy Waters, así como las prodigiosas colecciones de Lomax realizadas en Haití y el este de Kentucky (1937), es la procedencia de American Folklife Centro" en la biblioteca del Congreso.
Formularios nacionales y regionales
África
Yuefu
África es un vasto continente y sus regiones y naciones tienen tradiciones musicales distintas. La música del norte de África en su mayor parte tiene una historia diferente de las tradiciones musicales del África subsahariana.
Las formas de música y danza de la diáspora africana, incluida la música afroamericana y muchos géneros caribeños como la soca, el calipso y el zouk; y géneros musicales latinoamericanos como la samba, la rumba cubana, la salsa; y otros géneros basados en la clave (ritmo), se fundaron en diversos grados en la música de los esclavos africanos, que a su vez ha influido en la música popular africana.
Asia
Muchas civilizaciones asiáticas distinguen entre arte/cortesía/estilos clásicos y "folk" música. Por ejemplo, el difunto Alam Lohar es un ejemplo de cantante del sur de Asia que fue clasificado como cantante de folk.
Khunung Eshei/Khuland Eshei es una antigua canción folclórica de la India, un país de Asia, de Meiteis de Manipur, que es un ejemplo de la música folclórica asiática y cómo la integraron en su propio género.
Música folclórica de China
Los descubrimientos arqueológicos fechan la música folclórica china hace 7000 años; se basa en gran medida en la escala pentatónica.
Las bodas y los funerales tradicionales de Han suelen incluir una forma de oboe llamada suona y conjuntos de percusión llamados chuigushou. Los conjuntos que consisten en armónicas (sheng), chirimías (suona), flautas (dizi) e instrumentos de percusión (especialmente yunluo gongs) son populares en las aldeas del norte; su música desciende de la música del templo imperial de Beijing, Xi'an, Wutai shan y Tianjin. La música de batería de Xi'an, que consiste en instrumentos de viento y percusión, es popular en Xi'an y ha recibido cierta popularidad comercial fuera de China. Otro instrumento importante es el sheng, un tipo de flauta china, un instrumento antiguo que es antepasado de todos los instrumentos occidentales de lengüeta libre, como el acordeón. Los desfiles encabezados por bandas de música de tipo occidental son comunes, a menudo compitiendo en volumen con una banda chirimía/chuigushou.
En el sur de Fujian y Taiwán, Nanyin o Nanguan es un género de baladas tradicionales. Los canta una mujer acompañada de un xiao y una pipa, además de otros instrumentos tradicionales. La música es generalmente triste y típicamente trata de personas afligidas por el amor. Más al sur, en Shantou, Hakka y Chaozhou, los conjuntos zheng son populares. Los conjuntos de Sizhu usan flautas e instrumentos de cuerda frotada o punteada para hacer música armoniosa y melodiosa que se ha vuelto popular en Occidente entre algunos oyentes. Estos son populares en Nanjing y Hangzhou, así como en otros lugares a lo largo del área sur de Yangtze. Jiangnan Sizhu (música de seda y bambú de Jiangnan) es un estilo de música instrumental, a menudo interpretado por músicos aficionados en las casas de té de Shanghái. La música de Guangdong o música cantonesa es música instrumental de Guangzhou y sus alrededores. La música de esta región influyó en la música de Yueju (ópera cantonesa), que más tarde se volvería popular durante la autodenominada 'Edad de Oro'. de China bajo la República Popular China.
Las canciones populares se han grabado desde la antigüedad en China. El término Yuefu se usó para una amplia gama de canciones como baladas, lamentos, canciones populares, canciones de amor y canciones interpretadas en la corte (Birrell, "Balladry and Popular Song" en Mair 2001, p.954). Para una traducción al inglés de baladas antiguas, consulte Birrell (1993). China es un país vasto, con una multiplicidad de regiones lingüísticas y geográficas. Las canciones populares se clasifican por región geográfica, tipo de idioma, etnia, función social (por ejemplo, canción de trabajo, canción ritual, canción de cortejo) y tipo musical. Han Kuo-Huang distingue entre diez tipos regionales y una sub-etnicidad en su estudio de las canciones populares de los chinos Han, la población mayoritaria de China (1989). Sue Tuohy ha explicado la importancia del idioma y las diferencias regionales en las canciones folclóricas chinas (ver "Las opciones y los desafíos de la distinción local" en Berger y Carroll 2003, pp.153-186). Las antologías modernas recopiladas por folcloristas chinos distinguen entre canciones tradicionales, canciones revolucionarias y canciones recién inventadas (Gibbs 2019, p.98). Las canciones del noroeste de China se conocen como “canciones de flores” (hua’er), una referencia a las mujeres hermosas. En el pasado eran notorios por su contenido erótico (Yang Mu 1994). Las “canciones de la montaña” (shan’ge) de la aldea de la provincia de Jiangsu también eran conocidas por sus temas amorosos (Schimmelpenninck 1997; McLaren 2022). Otras tradiciones de canciones regionales incluyen la "letra rasgueada" (tanci) del delta del bajo Yangtze, la tradición cantonesa del pez de madera (muyu o muk-yu) y las canciones de tambor (guci) del norte de China (Bender, "Regional Literatures" en Mair 2001, p.1019-1031). Para canciones populares chinas traducidas al inglés, ver Mair y Bender (2011, pp.90-178).
Las canciones heroicas y míticas de duración épica, a menudo interpretadas con fines rituales, son conocidas entre los mongoles, tibetanos, uigures, kazajos y kirguises (Karl Reichl, 2019). Ver también formas no europeas de poesía épica
En el siglo XXI, muchas apreciadas canciones populares chinas se han inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO (Howard e Ingram 2020, págs. 20-24, 39, 53-54). En el proceso, las canciones que alguna vez se consideraron vulgares ahora se están reconstruyendo como canciones románticas de cortejo (Man Beryl Yang 2020). Los concursos regionales de canciones, populares en muchas comunidades, han promovido el canto folclórico profesional como carrera. Algunos cantantes folclóricos individuales han ganado prominencia nacional (Gibbs 2018).
Música folclórica tradicional de Sri Lanka
El arte, la música y la danza de Sri Lanka se derivan de los elementos de la naturaleza y se han disfrutado y desarrollado en el entorno budista. La música es de varios tipos y utiliza sólo unos pocos tipos de instrumentos. Las canciones y poemas folklóricos se utilizaban en las reuniones sociales para trabajar juntos. La música clásica influenciada por la India se ha convertido en algo único. El drama, la música y las canciones tradicionales de Sinhala Light Music son típicamente de Sri Lanka. Las pinturas y tallas del templo presentan pájaros, elefantes, animales salvajes, flores y árboles, y las 18 danzas tradicionales muestran el baile de pájaros y animales. Por ejemplo:
- Mayura Wannama – El baile del pavo real
- Hanuma Wannama – El baile del mono
- Gajaga Wannama – El baile del elefante
Los tipos musicales incluyen:
- La música de teatro local incluye los tipos de Kolam y Nadagam. La música de Kolam se basa en canciones de campo bajas principalmente para acompañar el baile de máscaras en rituales de exorcismo. Se considera menos desarrollada/evolucionada, verdadera a la tradición popular y una preservación de una forma de arte más antigua. Se limita a aproximadamente 3-4 notas y es utilizado por la gente común para el placer y el entretenimiento.
- La música Nadagam es una forma más desarrollada de drama influenciada por el drama callejero del sur de la India que fue introducida por algunos artistas del sur de la India. Phillippu Singho de Negombo en 1824 realizó "Harishchandra Nadagama" en Hnguranketha que originalmente fue escrito en el idioma Telingu. Más tarde "Manombre", "Sanda kinduru" y otros fueron introducidos. Don Bastian de Dehiwala presentó a Noorthy primero mirando los dramas indios y luego John de Silva lo desarrolló como Ramayanaya en 1886.
- La música ligera de Sinhala es actualmente el tipo más popular de la música en Sri Lanka y enriquecida con la influencia de la música folclórica, la música kolam, la música nadagam, la música noorthy, la música cinematográfica, la música clásica, la música occidental y otros. Algunos artistas visitaron la India para aprender música y luego comenzaron a introducir música ligera. Ananda Samarakone fue el pionero de esto y también compuso el himno nacional.
La orquesta cingalesa clásica consta de cinco categorías de instrumentos, pero entre los instrumentos de percusión, el tambor es fundamental para la danza. El ritmo vibrante del ritmo de los tambores forma la base del baile. Los bailarines' los pies rebotan en el suelo y saltan y se arremolinan en patrones que reflejan los ritmos complejos del ritmo del tambor. Este ritmo de batería puede parecer simple a primera vista, pero lleva mucho tiempo dominar los intrincados ritmos y variaciones, que el baterista a veces puede llevar a un crescendo de intensidad. Hay seis tipos comunes de tambores que se dividen en 3 estilos (de una cara, de dos caras y de cara plana):
- El baile típico de Sinhala se identifica como el baile de Kandyan y el tambor de Gatabera es indispensable para este baile.
- Yak-bera es el tambor de demonio o el tambor utilizado en la danza country baja en la que los bailarines llevan máscaras y realizan el baile del diablo, que se ha convertido en una forma de arte altamente desarrollada.
- El Daula es un tambor en forma de barril, y fue utilizado como un tambor compañero con un Thammattama en el pasado, para mantener el tiempo estricto con el ritmo.
- El Thammattama es un tambor plano de dos caras. El batería golpea el tambor en las dos superficies en la parte superior con palos, a diferencia de los otros en los lados. Este es un tambor acompañante de la Dawula antes mencionada.
- Un pequeño tambor de doble cabeza se utiliza para acompañar canciones. Se escucha principalmente en los bailes de poesía como vannam.
- La Rabana es un tambor circular de cara plana y viene en varios tamaños. La gran Rabana - llamada Banku Rabana - tiene que colocarse en el suelo como una mesa circular de cortometraje y varias personas (mujeres tradicionales) pueden sentarse a su alrededor y golpearlo con ambas manos. Esto se utiliza en festivales como el Año Nuevo Sinhalese y ceremonias como bodas. El resonante ritmo de la Rabana simboliza los alegres estados de ánimo de la ocasión. La pequeña Rabana es una forma de batido móvil, ya que el jugador lo lleva donde quiera que vaya la persona.
Otros instrumentos incluyen:
- El Thalampata – 2 pequeños címbalos unidos por una cuerda.
- La sección del viento, está dominada por un instrumento similar al clarinete. Esto no se usa normalmente para bailes. Esto es importante porque el baile de Sinhalese no está preparado para la música como el mundo occidental lo sabe; el ritmo es rey.
- Las flautas de metal tales como latón de plata producen música shrill para acompañar las Danzas Kandyan, mientras que las cepas llanas de la música de la flauta de caña pueden perforar el aire en el baile del diablo. El conch-shell (Hakgediya) es otra forma de instrumento natural, y el jugador lo sopla para anunciar la apertura de ceremonias de grandeza.
- El Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron o ravana hasta veena) es un fiddle inclinado que fue una vez popular en la India occidental. It is believed to have originated among the Hela civilisation of Sri Lanka in the time of King Ravana. El tazón está hecho de cáscara cortada de coco, cuya boca está cubierta de cuero de cabra. Un dandi, hecho de bambú, está unido a esta cáscara. Las cuerdas principales son dos: uno de acero y el otro de un conjunto de caballo. El arco largo tiene campanas jingle
Australia
Las tradiciones de las canciones folclóricas fueron llevadas a Australia por los primeros colonos de Inglaterra, Escocia e Irlanda y se afianzaron especialmente en las zonas rurales del interior. Las canciones que riman, los poemas y los cuentos escritos en forma de baladas de bush a menudo se relacionan con el espíritu itinerante y rebelde de Australia en The Bush, y los autores e intérpretes a menudo se denominan bush bards. El siglo XIX fue la edad de oro de las baladas de Bush. Varios coleccionistas han catalogado las canciones, incluido John Meredith, cuya grabación en la década de 1950 se convirtió en la base de la colección de la Biblioteca Nacional de Australia.
Las canciones cuentan historias personales de la vida en el campo abierto de Australia. Los temas típicos incluyen minería, cría y conducción de ganado, esquila de ovejas, andanzas, historias de guerra, los esquiladores australianos de 1891 & # 39; huelga, conflictos de clase entre la clase trabajadora sin tierra y los ocupantes ilegales (terratenientes) y forajidos como Ned Kelly, así como intereses amorosos y tarifas más modernas como el transporte por carretera. La balada de bush más famosa es 'Waltzing Matilda', que ha sido llamada 'el himno nacional no oficial de Australia'.
La música australiana indígena incluye la música de los aborígenes australianos y los isleños del Estrecho de Torres, a quienes se les llama colectivamente australianos indígenas; incorpora una variedad de estilos musicales tradicionales distintivos practicados por los pueblos indígenas australianos, así como una gama de estilos musicales contemporáneos y una fusión con las tradiciones europeas interpretadas e interpretadas por artistas indígenas australianos. La música ha formado parte integral de las prácticas sociales, culturales y ceremoniales de estos pueblos, a lo largo de milenios de sus historias individuales y colectivas hasta nuestros días. Las formas tradicionales incluyen muchos aspectos de interpretación e instrumentos musicales exclusivos de regiones particulares o grupos indígenas australianos. Elementos iguales de tradición musical son comunes en gran parte del continente australiano e incluso más allá. La cultura de los isleños del Estrecho de Torres está relacionada con la de las partes adyacentes de Nueva Guinea, por lo que su música también está relacionada. La música es una parte vital de los indígenas australianos' mantenimiento cultural.
Europa
Música tradicional celta
Música celta es un término utilizado por artistas, compañías discográficas, tiendas de música y revistas de música para describir una amplia agrupación de géneros musicales que evolucionaron a partir de las tradiciones musicales populares de los pueblos celtas. Estas tradiciones incluyen tradiciones irlandesas, escocesas, de Manx, de Cornualles, galesas y bretonas. A menudo se incluye música asturiana y gallega, aunque no hay investigaciones significativas que demuestren que tengan una relación musical estrecha. El resurgimiento de Brittany's Folk comenzó en la década de 1950 con el "bagadoù" y el "kan-ha-diskan" antes de crecer a la fama mundial a través del trabajo de Alan Stivell desde mediados de la década de 1960.
En Irlanda, The Clancy Brothers y Tommy Makem (aunque sus miembros eran todos nacidos en Irlanda, el grupo se hizo famoso mientras residía en el Greenwich Village de Nueva York), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers y una variedad de otras bandas de folk han hecho mucho en las últimas décadas para revitalizar y volver a popularizar la música tradicional irlandesa. Estas bandas estaban arraigadas, en mayor o menor medida, en una tradición de la música irlandesa y se beneficiaron del esfuerzo de artistas como Seamus Ennis y Peter Kennedy.
En Escocia, The Corries, Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough y The Silencers han mantenido el folk escocés vibrante y fresco mezclando canciones populares tradicionales escocesas y gaélicas con géneros más contemporáneos. Estos artistas también han tenido éxito comercial en Europa continental y América del Norte. Hay una riqueza emergente de talento en la escena de la música tradicional escocesa, con bandas como Mànran, Skipinnish, Barluath y Breabach y solistas como Patsy Reid, Robyn Stapleton y Mischa MacPherson ganando mucho éxito en los últimos años.
Europa Central y del Este
Durante la era comunista, el estado promovió activamente la danza folclórica nacional en el Bloque del Este. Grupos de danza de Rusia y Polonia realizaron giras por la Europa no comunista desde aproximadamente 1937 hasta 1990. El Coro del Ejército Rojo grabó muchos álbumes y se convirtió en la banda militar más popular. Europa del Este es también el origen de la tradición judía Klezmer.
La polka es una danza centroeuropea y también un género de música bailable familiar en toda Europa y América. Se originó a mediados del siglo XIX en Bohemia. La polca sigue siendo un género popular de música folclórica en muchos países europeos y es interpretada por artistas folclóricos en Polonia, Letonia, Lituania, República Checa, Países Bajos, Croacia, Eslovenia, Alemania, Hungría, Austria, Suiza, Italia, Ucrania, Bielorrusia, Rusia. y Eslovaquia. Las variedades locales de este baile también se encuentran en los países nórdicos, Reino Unido, República de Irlanda, América Latina (especialmente México) y en los Estados Unidos.
Volkslieder alemán perpetuado por manuscritos Liederhandschriften como Carmina Burana se remontan a las tradiciones medievales de Minnesang y Meistersinger. Esas canciones folclóricas revividas a finales del siglo XVIII durante el período del romanticismo alemán, promovidas por primera vez por Johann Gottfried Herder y otros defensores de la Ilustración, luego compiladas por Achim von Arnim y Clemens Brentano (Des Knaben Wunderhorn) también. como por Ludwig Uhland.
El género Volksmusik y danzas folclóricas, especialmente en las regiones alpinas de Baviera, Austria, Suiza (Kuhreihen) y Tirol del Sur, hasta el día de hoy se ha mantenido en comunidades rústicas en el contexto de la industrialización—Baja Las chabolas alemanas o el Wienerlied (Schrammelmusik) son excepciones notables. La música folclórica eslovena en la Alta Carniola y Estiria también se originó en las tradiciones alpinas, como el prolífico Lojze Slak Ensemble. La Volksmusik tradicional no debe confundirse con la Volkstümliche Musik comercial, que es una derivación de la misma.
El grupo húngaro Muzsikás realizó numerosas giras americanas y participó en la película de Hollywood The English Patient mientras que la cantante Márta Sebestyén trabajaba con la banda Deep Forest. El movimiento táncház húngaro, iniciado en la década de 1970, implica una fuerte cooperación entre expertos en musicología y aficionados entusiastas. Sin embargo, la música folclórica tradicional húngara y la cultura folclórica apenas sobrevivieron en algunas áreas rurales de Hungría, y también ha comenzado a desaparecer entre los húngaros étnicos en Transilvania. El movimiento táncház revivió tradiciones folclóricas más amplias de música, baile y vestuario y creó un nuevo tipo de club de música. El movimiento se extendió a las comunidades húngaras étnicas en otras partes del mundo.
Música balcánica
La música folclórica balcánica fue influenciada por la mezcla de grupos étnicos balcánicos en el período del Imperio Otomano. Comprende la música de Bosnia y Herzegovina, Bulgaria, Croacia, Grecia, Montenegro, Serbia, Rumania, Macedonia del Norte, Albania, algunos de los estados históricos de Yugoslavia o la Unión Estatal de Serbia y Montenegro y regiones geográficas como Tracia. Cierta música se caracteriza por un ritmo complejo.
Un acto notable es El misterio de las voces búlgaras, que ganó un premio Grammy en 1989.
Una parte importante de toda la música folclórica balcánica es la música de la minoría étnica romaní local, que se llama tallava y música de banda de música.
Música folclórica nórdica
La música folclórica nórdica incluye una serie de tradiciones del norte de Europa, especialmente de los países escandinavos. Generalmente se considera que los países nórdicos incluyen a Islandia, Noruega, Finlandia, Suecia, Dinamarca y Groenlandia. A veces se toma para incluir los países bálticos de Estonia, Letonia y Lituania.
Las muchas regiones de los países nórdicos comparten ciertas tradiciones, muchas de las cuales se han diferenciado significativamente, como el Salmodicón de Dinamarca, Suecia y Noruega. Es posible agrupar los estados bálticos (o, a veces, solo Estonia) y partes del noroeste de Rusia compartiendo similitudes culturales, aunque la relación se ha enfriado en los últimos años. Contraste con Noruega, Suecia, Dinamarca y las islas atlánticas de Islandia y las Islas Feroe, que prácticamente no comparten similitudes de ese tipo. La cultura inuit de Groenlandia tiene sus propias tradiciones musicales únicas. Finlandia comparte muchas similitudes culturales con las naciones bálticas y las naciones escandinavas. Los Sami de Suecia, Noruega, Finlandia y Rusia tienen su propia cultura única, con vínculos con las culturas vecinas.
La música folclórica sueca es un género musical basado en gran medida en el trabajo de recopilación folclórica que comenzó a principios del siglo XIX en Suecia. El instrumento principal de la música folclórica sueca es el violín. Otro instrumento común, exclusivo de las tradiciones suecas, es el nyckelharpa. La mayor parte de la música folclórica instrumental sueca es música de baile; la forma de música y danza característica de la música folclórica sueca es la polska. Históricamente, las tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir melodías, aunque se han interpretado por separado. Comenzando con el renacimiento de la música folclórica de la década de 1970, los vocalistas e instrumentistas también han comenzado a actuar juntos en conjuntos de música folclórica.
América Latina
La música folklórica de las Américas consiste en el encuentro y unión de tres tipos musicales principales: la música tradicional europea, la música tradicional de los nativos americanos y la música tribal africana que llegó con los esclavos de ese continente.
El caso particular de la música latina y sudamericana apunta a la música andina entre otros estilos musicales autóctonos (como el caribeño y pampeano), la música ibérica de España y Portugal, y en general la música tribal africana, las tres fusionadas evolucionando en formas musicales diferenciadas en Centro y Sudamérica.
La música andina proviene de la región de los quechuas, aimaras y otros pueblos que habitan el área general del Imperio Inca antes del contacto europeo. Incluye música folclórica de partes de Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Perú y Venezuela. La música andina es popular en diferentes grados en América Latina y tiene su público principal en las zonas rurales y entre las poblaciones indígenas. El movimiento Nueva Canción de la década de 1970 revivió el género en América Latina y lo llevó a lugares donde era desconocido u olvidado.
Nueva canción es un movimiento y género dentro de la música popular latinoamericana e ibérica, la música de inspiración popular y la música socialmente comprometida. En algunos aspectos, su desarrollo y papel es similar al segundo renacimiento de la música folclórica en América del Norte. Esto incluye la evolución de este nuevo género a partir de la música folclórica tradicional, esencialmente música folclórica contemporánea, excepto que ese término de género en inglés no se le aplica comúnmente. Se reconoce que la nueva canción jugó un papel importante en los levantamientos sociales en Portugal, España y América Latina durante las décadas de 1970 y 1980.
Nueva canción apareció por primera vez durante la década de 1960 como "La nueva canción chilena" en Chile. El estilo musical surgió poco después en España y zonas de América Latina donde llegó a ser conocido con nombres similares. Nueva canción renovó la música folklórica tradicional latinoamericana, y con sus letras políticas pronto se asoció con los movimientos revolucionarios, la Nueva Izquierda Latinoamericana, la Teología de la Liberación, los movimientos hippie y de derechos humanos. Ganaría gran popularidad en toda América Latina y es considerado un precursor del Rock en español.
Cueca es una familia de estilos musicales y bailes asociados de Chile, Bolivia y Perú.
La trova y el son son estilos de música tradicional cubana originarios de la provincia de Oriente que incluyen influencias de la canción y la danza españolas, como el bolero y la contradanza, así como elementos de ritmo y percusión afrocubanos.
Moda de viola es el nombre que se le da a la música folclórica brasileña. Suele interpretarse con una guitarra acústica de nailon de 6 cuerdas, pero el instrumento más tradicional es la viola caipira. Las canciones básicamente detallan las dificultades de la vida de quienes trabajan en el país. Los temas suelen estar asociados a la tierra, los animales, el folclore, el amor imposible y la separación. Aunque hay algunas canciones alegres, la mayoría de ellas son nostálgicas y melancólicas.
América del Norte
Canadá
La música folclórica tradicional de Canadá es particularmente diversa. Incluso antes de liberalizar sus leyes de inmigración en la década de 1960, Canadá era étnicamente diverso con la presencia de docenas de diferentes grupos indígenas y europeos. En términos de música, los académicos no hablan de una tradición canadiense, sino de tradiciones étnicas (música acadiana, música irlandesa-canadiense, música Blackfoot, música innu, música inuit, violín métis, etc.) y más tarde en tradiciones regionales del este de Canadá (música de Terranova, violín de Cape Breton, música quebequesa, etc.)
La música popular tradicional de origen europeo ha estado presente en Canadá desde la llegada de los primeros colonos franceses y británicos en los siglos XVI y XVII.... Pescaron las aguas costeras y cultivaron las costas de lo que se convirtió en Terranova, Nueva Escocia, Nueva Brunswick, Isla Príncipe Eduardo, y el valle del río St Lawrence de Quebec.
El comercio de pieles y sus viajes llevaron hasta el norte y el oeste a Canadá; operaciones posteriores de engorde y leñadores continuaron este proceso.
El asentamiento agrario en el este y sur de Ontario y el oeste de Quebec a principios del siglo XIX estableció un ambiente favorable para la supervivencia de muchos anglo-canadienses y baladas de lado ancho de Gran Bretaña y Estados Unidos. A pesar de la industrialización masiva, las tradiciones de la música popular han persistido en muchas áreas hasta hoy. En el norte de Ontario, una gran población franquista-ontaria mantuvo viva la música popular de origen francés.
Populous Acadian communities in the Atlantic provinces contributed their song variations to the huge corpus of folk music of French origin centred in the province of Quebec. Una rica fuente de música folclórica anglocana se puede encontrar en la región atlántica, especialmente en Terranova. Completar este mosaico de folclore musical es la música gaélica de los asentamientos escoceses, particularmente en Cabo Breton, y los cientos de canciones irlandesas cuya presencia en el este de Canadá data de la hambruna irlandesa de los años 1840, que obligó a las grandes migraciones de irlandés a América del Norte.
"El conocimiento de la historia de Canadá", escribió Isabelle Mills en 1974, "es esencial para comprender el mosaico de la canción popular canadiense. Parte de este mosaico proviene de las canciones populares de Canadá traídas por los colonos europeos y anglosajones a la nueva tierra." Ella describe cómo la colonia francesa en Québec trajo inmigrantes franceses, seguidos en poco tiempo por oleadas de inmigrantes de Gran Bretaña, Alemania y otros países europeos, todos trayendo música de sus países de origen, algunos de los cuales sobreviven hasta nuestros días. El etnógrafo y folclorista Marius Barbeau estimó que en Canadá se habían recopilado más de diez mil canciones populares francesas y sus variantes. Muchos de los más antiguos ya se habían extinguido en Francia.
La música como entretenimiento pago profesionalizado creció con relativa lentitud en Canadá, especialmente en áreas rurales remotas, durante el siglo XIX y principios del XX. Mientras que en los clubes de música urbana se hizo popular la variedad dance hall/vaudeville, seguida por el jazz, el Canadá rural siguió siendo principalmente una tierra de música tradicional. Sin embargo, cuando las cadenas de radio estadounidenses comenzaron a transmitir en Canadá en las décadas de 1920 y 1930, la audiencia de la música tradicional canadiense disminuyó progresivamente a favor de la música country estadounidense al estilo de Nashville y estilos urbanos como el jazz. La americanización de la música canadiense llevó a la Canadian Radio League a presionar por una emisora pública nacional en la década de 1930, lo que finalmente condujo a la creación de Canadian Broadcasting Corporation (CBC) en 1936. La CBC promovió la música canadiense, incluida la música tradicional, en su radio. y servicios de televisión posteriores, pero la locura de mediados de siglo por todo lo 'moderno' condujo al declive de la música folclórica en relación con el rock y el pop. Sin embargo, Canadá estuvo influenciado por el resurgimiento de la música folclórica de la década de 1960, cuando los lugares locales como el Taller Folclórico de Montreal y otros clubes folclóricos y cafeterías en todo el país se convirtieron en crisoles para compositores e intérpretes emergentes, así como para el intercambio con artistas visitantes de en el extranjero.
Estados Unidos
La música tradicional americana también se llama música de raíces. La música de raíces es una amplia categoría de música que incluye bluegrass, música country, gospel, música de antaño, jug bands, folk de los Apalaches, blues, cajún y música nativa americana. La música se considera estadounidense porque es originaria de los Estados Unidos o porque se desarrolló allí, a partir de orígenes extranjeros, hasta tal punto que a los musicólogos les pareció algo claramente nuevo. Se considera "música de raíz" porque sirvió como base de la música desarrollada más tarde en los Estados Unidos, incluido el rock and roll, la música folclórica contemporánea, el rythm and blues y el jazz. Algunos de estos géneros se consideran música folclórica tradicional.
- La música de Cajun, una música emblemática de Louisiana, está arraigada en las baladas de los adictos de habla francesa de Canadá. La música cajun se menciona a menudo en tándem con la forma criolla, zydeco con influencia cajun, ambos de origen Acadiana. Estos sonidos franceses de Louisiana han influido en la música popular estadounidense durante muchas décadas, especialmente la música country, y han influido en la cultura pop a través de los medios de comunicación, como los anuncios de televisión.
- La música Appalachian es la música tradicional de la región de Appalachia en el Este de Estados Unidos. Se deriva de diversas influencias europeas y africanas, incluyendo baladas inglesas, música tradicional irlandesa y escocesa (especialmente música fiddle), himnos y azules afroamericanos. Primero grabado en la década de 1920, los músicos de Appalachian fueron una influencia clave en el desarrollo temprano de la música antigua, la música country y bluegrass, y fueron una parte importante del renacimiento de la música popular estadounidense. Los instrumentos que normalmente se utilizan para realizar la música de Appalachian incluyen el banjo, fiddle americano, dulcimer fretado y guitarra. Los músicos de Appalachian son Fiddlin' John Carson, Henry Whitter, Bascom Lamar Lunsford, la Familia Carter, Clarence Ashley, Frank Proffitt y Dock Boggs, todos los cuales fueron registrados inicialmente en los años 20 y 1930. Varios músicos Apalaches obtuvieron renombre durante el renacimiento popular de los años 50 y 1960, incluyendo a Jean Ritchie, Roscoe Holcomb, Ola Belle Reed, Lily May Ledford y Doc Watson. Artistas de campo y bluegrass como Loretta Lynn, Roy Acuff, Dolly Parton, Earl Scruggs, Chet Atkins y Don Reno fueron fuertemente influenciados por la música tradicional de Appalachian. Artistas como Bob Dylan, Dave Van Ronk, Jerry García y Bruce Springsteen han realizado canciones de Appalachian o versiones reescritas de canciones de Appalachian.
- La Familia Carter fue un grupo tradicional de música popular estadounidense que grabó entre 1927 y 1956. Su música tuvo un profundo impacto en los músicos de bluegrass, country, Southern gospel, pop y rock. Fueron el primer grupo vocal en convertirse en estrellas de música country; un comienzo de la divergencia de la música country de la música popular tradicional. Sus grabaciones de canciones como "Wabash Cannonball" (1932), "Will the Circle Be Unbroken" (1935), "Wildwood Flower" (1928), y "Keep On the Sunny Side" (1928) los hicieron estándares del país.
- Oklahoma y las llanuras del sur de Estados Unidos: Antes de la historia grabada los indios americanos en esta área usaban canciones e instrumentación; la música y la danza siguen siendo el núcleo de las actividades ceremoniales y sociales. "Danza de los brazos" permanece en su núcleo, una forma de llamada y respuesta; la instrumentación es proporcionada por los grillos o grilletes usados en las piernas de las mujeres. "Otros países del sudeste tienen sus propios complejos de canciones sagradas y sociales, incluyendo aquellos para bailes de animales y bailes de amistad, y canciones que acompañan juegos de stickball. Central a la música de los indios del sur de Plains es el tambor, que se ha llamado el latido de la música india de Plains. La mayoría de ese género se puede rastrear de nuevo a actividades de caza y guerra, sobre las cuales se basó la cultura de las llanuras". El tambor es central en la música de los indios de las llanuras del sur. Durante el período de reserva, utilizaron música para aliviar el aburrimiento. Los vecinos recogieron, intercambiaron y crearon canciones y danzas; esto es parte de las raíces del moderno powwwwow intertribal. Otro instrumento común es la flauta de corte.
- La música popular afroamericana en la zona tiene raíces en la esclavitud y la emancipación. La música sagrada —una capella y acompañada instrumentalmente— está en el corazón de la tradición. Los espirituales primitivos enmarcaban las creencias cristianas dentro de las prácticas nativas y estaban fuertemente influenciados por la música y los ritmos de África". Los espíritus son prominentes, y a menudo usan un patrón de llamada y respuesta. "Gospel se desarrolló después de la Guerra Civil (1861-1865). Se basaba en el texto bíblico para gran parte de su dirección, y el uso de metáforas e imágenes era común. El Evangelio es un "ruido alegre", a veces acompañado de instrumentación y casi siempre puntuado por aplausos a mano, tapping de pies y movimiento corporal". "El canto de Shape-note o Sagrado Harp se desarrolló a principios del siglo XIX como una manera para los instructores itinerantes del canto para enseñar canciones de la iglesia en las comunidades rurales. Enseñaron usando libros de canciones en los que notaciones musicales de tonos estaban representadas por formas geométricas diseñadas para asociar una forma con su tono. El canto del arpa sagrado se hizo popular en muchas comunidades rurales de Oklahoma, independientemente de la etnia". Posteriormente se desarrolló la tradición del blues, con raíces y paralelos a la música sagrada. Luego se desarrolló el jazz, nacido de una "ley de tiempo de ragtime, evangelio y blues"
- Las tradiciones de música Anglo-Scots-Irish ganaron un lugar en Oklahoma después de la carrera terrestre de 1889. Debido a su tamaño y portabilidad, el fiddle era el núcleo de la música temprana de Oklahoma Anglo, pero otros instrumentos como la guitarra, mandolina, banjo y guitarra de acero se agregaron más adelante. Varias tradiciones de música de Oklahoma trazan sus raíces a las Islas Británicas, incluyendo baladas de vaquero, oscilación occidental, y país contemporáneo y occidental." Los inmigrantes mexicanos comenzaron a llegar a Oklahoma en los años 1870, trayendo hermosas canciones y corridos aman canciones, waltzes y baladas junto con ellos. Como las comunidades indias americanas, cada rito de paso en las comunidades hispanas va acompañado de música tradicional. La guitarra acústica, bass de cuerda y violín proporcionan la instrumentación básica para la música mexicana, con maracas, flautas, cuernos o a veces acordeón llenando el sonido. Otros europeos (como los bohemios y los alemanes) se establecieron a finales del siglo XIX. Sus actividades sociales se centraron en los salones comunitarios, "donde los músicos locales tocaron polkas y waltzes en el acordeón, piano e instrumentos de latón". Más tarde, los asiáticos contribuyeron a la mezcla musical. "Las tradiciones de música y danza de los templos y cortes de China, India e Indonesia se conservan en comunidades asiáticas de todo el estado, y los géneros de canciones populares están constantemente ligados a estas formas de música clásica"
Avivamientos de música folclórica
"Es auto-perpetuante, regenerativo. Es lo que llamarías una canción perenne americana. No creo que necesite un avivamiento, reanimación. Vive y florece. Realmente sólo necesita gente que tenga 18 años para exponerse a ella. Pero seguirá con o sin ellos. La canción popular es más poderosa que cualquier cosa en la radio, que cualquier cosa que sea liberada... Es esa destilación de las voces que continúa durante mucho, mucho tiempo, y eso es lo que las hace fuertes".
- Ketch Secor
"Renacimiento de la música folclórica" se refiere a un período de renovado interés por la música folclórica tradicional, oa un evento o período que la transforma; este último suele incluir un componente de activismo social. Un ejemplo destacado de lo primero es el renacimiento del folclore británico de aproximadamente 1890-1920. El ejemplo más prominente e influyente de este último (en la medida en que se le suele llamar "el renacimiento de la música folclórica") es el renacimiento del folclore de mediados del siglo XX, centrado en el mundo de habla inglesa que dio origen a la música popular contemporánea. Vea la sección "Música folclórica contemporánea" artículo para una descripción de este avivamiento.
Un renacimiento anterior influyó en la música clásica occidental. Compositores como Percy Grainger, Ralph Vaughan Williams y Béla Bartók realizaron grabaciones de campo o transcripciones de cantantes y músicos folclóricos.
En España, Isaac Albéniz (1860–1909) produjo obras para piano que reflejan su herencia española, incluida la Suite Iberia (1906–1909). Enrique Granados (1867–1918) compuso zarzuela, ópera ligera española, y Danzas Españolas - Spanish Dances. Manuel de Falla (1876-1946) se interesó por el cante jondo del flamenco andaluz, cuya influencia se deja sentir con fuerza en muchas de sus obras, entre las que destacan Noches en los Jardines de España y Siete canciones populares españolas ("Seven Spanish Folksongs", para voz y piano). Compositores como Fernando Sor y Francisco Tárrega establecieron la guitarra como instrumento nacional de España. Abundan los artistas populares españoles modernos (Mil i Maria, Russian Red, et al.) que se modernizan respetando las tradiciones de sus antepasados.
El flamenco creció en popularidad a lo largo del siglo XX, al igual que los estilos del norte, como la música celta de Galicia. Los compositores clásicos franceses, desde Bizet hasta Ravel, también se basaron en temas españoles, y los géneros españoles distintivos se volvieron universalmente reconocidos.
Los revivals de música folklórica o los revivals de raíces también abarcan una variedad de fenómenos en todo el mundo donde hay un interés renovado en la música tradicional. Esto es a menudo por los jóvenes, a menudo en la música tradicional de su propio país, y con frecuencia incluye nueva incorporación de conciencia social, causas y evoluciones de nueva música en el mismo estilo. Nueva canción, una evolución similar de una nueva forma de música socialmente comprometida ocurrió en varios países de habla hispana.
Música folclórica contemporánea
Festivales
Estados Unidos
A veces se afirma que el primer festival de música folclórica de los Estados Unidos fue el Mountain Dance and Folk Festival de 1928, en Asheville, Carolina del Norte, fundado por Bascom Lamar Lunsford. El National Folk Festival (EE. UU.) es un festival folclórico itinerante en los Estados Unidos. Desde 1934, ha sido administrado por el Consejo Nacional para las Artes Tradicionales (NCTA) y se ha presentado en 26 comunidades de todo el país. Después de abandonar algunas de estas comunidades, el National Folk Festival ha derivado en varios festivales folclóricos locales a su paso, incluido el Lowell Folk Festival, el Richmond Folk Festival, el American Folk Festival y, más recientemente, el Montana Folk Festival.
El Festival Folclórico de Newport es un festival folclórico anual que se celebra cerca de Newport, Rhode Island. Funcionó la mayoría de los años desde 1959 hasta 1970 y desde 1985 hasta el presente, con una asistencia de aproximadamente 10.000 personas cada año.
El Festival Folclórico de Filadelfia de cuatro días comenzó en 1962. Está patrocinado por la Sociedad de Canciones Folclóricas de Filadelfia, una organización sin fines de lucro. El evento alberga artistas contemporáneos y tradicionales en géneros que incluyen World/Fusion, Celtic, Singer-Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer y Dance. Se celebra anualmente el tercer fin de semana de agosto. El evento ahora recibe aproximadamente 12,000 visitantes, presentando bandas en 6 escenarios.
La Fiesta de los Cazadores' Moon en Indiana atrae aproximadamente a 60.000 visitantes al año.
Reino Unido
El Festival de Sidmouth comenzó en 1954 y el Festival folclórico de Cambridge comenzó en 1965. El Festival folclórico de Cambridge en Cambridge, Inglaterra, se destaca por tener una definición muy amplia de quiénes pueden ser invitados como músicos folclóricos. Las "carpas club" Permitir que los asistentes descubran una gran cantidad de artistas desconocidos, quienes, durante diez o 15 minutos cada uno, presentan su trabajo al público del festival.
Australia
El Festival Folclórico Nacional es el principal festival folclórico de Australia y cuenta con la asistencia de más de 50 000 personas. El Festival Folclórico de Woodford y el Festival Folclórico de Port Fairy se encuentran igualmente entre los eventos anuales más importantes de Australia, y atraen a los mejores artistas folclóricos internacionales, así como a muchos artistas locales.
Canadá
Stan Rogers es un elemento permanente del festival folclórico canadiense Summerfolk, que se celebra anualmente en Owen Sound, Ontario, donde el escenario principal y el anfiteatro están dedicados como "Stan Rogers Memorial Canopy". El festival está firmemente arraigado en la tradición, con Rogers' canción "The Mary Ellen Carter" siendo cantado por todos los involucrados, incluida la audiencia y una mezcla de actos en el festival. El Festival de Música Folclórica de Canmore es el festival de música folclórica más antiguo de Alberta.
Otro
Urkult Näsåker, Ångermanland, que se celebra en agosto de cada año, es supuestamente el festival de música mundial más grande de Suecia.
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