Música de Trinidad y Tobago
La música de Trinidad y Tobago es mejor conocida por su música calipso, música soca, música picante y steelpan. Las actuaciones de renombre internacional de Calypso en la década de 1950 de artistas nativos como Lord Melody, Lord Kitchener y Mighty Sparrow. La forma de arte fue más popularizada en ese momento por Harry Belafonte. Junto con las canciones populares y las formas clásicas africanas e indias, las interacciones interculturales han producido otras formas indígenas de música, como soca, rapso, parang, chutney y otros estilos derivados y de fusión. También hay comunidades locales que practican y experimentan con música clásica y pop internacional, a menudo fusionándolas con instrumentos steelpan locales.
MusicTT se estableció en 2014 para facilitar el desarrollo comercial y la actividad de exportación de la industria de la música en Trinidad y Tobago.
Historia
La Cédula de Población de 1783 sentó las bases y el crecimiento de la población de Trinidad. Los poseedores españoles de la isla contribuyeron poco a los avances, con El Dorado en el centro; La ubicación geográfica de Trinidad la convirtió en el centro de ese enfoque. Siguiendo la Cédula, los plantadores franceses (acompañados de sus esclavos, mestizos y mulatos libres) de las Antillas francesas de Martinica, Granada, Guadalupe y Dominica emigraron a Trinidad. Este éxodo fue alentado debido a la Revolución Francesa. Los españoles también dieron muchos incentivos para atraer colonos a la isla, incluida la exención de impuestos durante 10 años y concesiones de tierras de acuerdo con los términos establecidos en la Cédula. Estos nuevos inmigrantes establecieron comunidades locales de Blanchisseuse, Champs Fleurs, Paramin, Cascade, Carenage y Laventille. La población de Trinidad saltó de menos de 1400 habitantes en 1777 a más de 15 000 a fines de 1789. En 1797, Trinidad se convirtió en una colonia de la corona británica, con una población de habla francesa.
El carnaval había llegado con los franceses. Los trabajadores contratados y los esclavos, que no podían participar en el Carnaval, formaron su propia celebración paralela, canboulay, que se convirtió en la precursora de Trinidad & Tobago Carnival, y ha jugado un papel importante en el desarrollo de la cultura de Trinidad.
La inquietud de las élites y las autoridades por la juerga del carnaval (que se consideraba violenta y descontrolada) creció durante las siguientes décadas, y en 1883 se prohibió tocar los tambores en un intento por limpiar el carnaval. Este mandato se produjo después de un grave disturbio durante el Carnaval de 1881, conocido como los disturbios de Canboulay. Los canboulays eran procesiones durante el carnaval que conmemoraban la cosecha de los cañaverales quemados durante la esclavitud, un proceso que requería tanto trabajo que a menudo implicaba marchas forzadas de esclavos de las plantaciones vecinas para cosechar la caña de manera más eficiente (una vez que el campo se quema, la caña requiere recolección inmediata, o se estropea). Estas procesiones de canboulay eran populares y, a menudo, incorporaban kalenda. El intento del gobierno de prohibir las procesiones en 1881 resultó en disturbios abiertos entre los juerguistas afrocriollos y la policía, un giro de los acontecimientos que, como era de esperar, causó un profundo resentimiento dentro de la sociedad trinitense hacia el uso del poder por parte del gobierno.. La resistencia abierta de los juerguistas afrocriollos, por supuesto, redobló las preocupaciones entre los funcionarios del gobierno sobre esta amenaza potencial para el orden público y condujo a una estrategia alternativa, la prohibición de tocar los tambores, en 1883. La lucha en sí fue prohibida en 1884. En la década de 1890 se introdujo un ingenioso sustituto de los tambores y palos, llamado bambú tamboo.
Las bandas de tamboo-bambú constan de tres instrumentos diferentes (cada uno cortado de bambú): boom, foulé y cutter. El boom sirve como instrumento de bajo, por lo general mide unos cinco pies de largo y se toca golpeándolo en el suelo. El foulé, un instrumento de tono más alto, consiste en dos piezas de bambú, cada una de aproximadamente un pie de largo, y se toca golpeando estas piezas de punta a punta. El cortador, el instrumento de tono más alto del conjunto, está hecho de una pieza más delgada de bambú (de longitud variable) y se golpea con un palo. Estos tres tipos de instrumentos se combinaron para tocar los ritmos que acompañaban a los chantwells y fueron un elemento básico de las celebraciones de carnaval durante muchos años. Fueron gradualmente obsoletos por la banda de acero.
En la década de 1930, los concursos entre carpas se convirtieron en una parte estándar del Carnaval, y en 1939, Growling Tiger fue coronado como el primer monarca calipso de Trinidad (por su canción, "La situación laboral en Trinidad"). Las festividades de carnaval se dividieron en dos tipos de lugares a finales del siglo XIX y principios del XX, ocupando tanto la calle como las carpas calypso más orientadas a la actuación. Ambos espacios, sin embargo, eran dominio exclusivo de la clase baja y de los afrocriollos. Las élites y los funcionarios del gobierno consideraban a los calypsonios potencialmente peligrosos porque tenían muchos seguidores y podían influir en la opinión pública con sus canciones. Las calles también fueron cuidadosamente monitoreadas, creando una atmósfera en la que el calipso y el carnaval fueron abrazados por la clase baja y mantenidos a distancia por las élites. La clase media afrocriolla, además, trabajando hacia la movilidad social ascendente y, por lo tanto, preocupada por alinearse con la élite, también intentó distanciarse del carnaval y el calipso.
A partir de 1845, la gran afluencia de inmigrantes contratados de la India y otras partes del mundo cambió drásticamente la composición étnica de las islas. Estos sirvientes contratados trajeron su propia música folclórica, principalmente de Uttar Pradesh y Bihar, a la mezcla criolla, lo que resultó en música picante. Además de indios, sirios, portugueses, chinos y africanos llegaron a las islas en oleadas entre 1845 y 1917, e incluso después.
Tradiciones populares
Grabado en las colinas de Trinidad, aquí hay una yuxtaposición fascinante de tres prácticas musicales y de música/danza de habitantes no urbanos derivadas de raíces africanas. Bamboo-Tamboo evolucionó a partir de la prohibición que los colonizadores europeos impusieron sobre los tambores: se cortaron cañas de bambú secas y huecas en diferentes longitudes para producir diferentes tonos cuando se golpeaban contra el suelo. Estos instrumentos de bambú se utilizan para acompañar o hablar de calinda (lucha con palos). Belair (bélé) es un baile de mujeres mayores acompañadas de tambores y maracas
Bélé
A fines del siglo XVIII, cuando los dueños de plantaciones franceses y sus esclavos criollos llegaron a Trinidad y Tobago, trajeron consigo un estilo de vida de "joie de vivre" a sus plantaciones. En ese momento, los franceses celebraban muchos bailes en las Grandes Casas donde disfrutaban haciendo muchos de los bailes cortesanos de Europa.
Los esclavos de la casa, en sus momentos de ocio, llevaban la danza a los esclavos del campo e imitaban la danza de sus amos. Los esclavos que trabajaban en o alrededor de estas casas copiaron rápidamente el estilo y la vestimenta. Se lucieron haciendo reverencias ceremoniosas, haciendo grandes entradas, movimientos amplios, gráciles y suaves pasos deslizantes que imitaban la elegancia de los franceses. La calidad rítmica de los tambores bélé agregó sensualidad picante y sutil a los movimientos. Hay más de 14 tipos de bailes bélé, incluidos Grand bélé y Congo bélé, y cada uno se realiza con sus propios ritmos y cánticos.
Tamboo-Bambú
La lucha con palos y la música de percusión africana fueron prohibidas en el Carnaval de Trinidad en 1881, en respuesta a los disturbios de Canboulay. Fueron reemplazados por palos de bambú "Tamboo-Bamboo" (originalmente Tambour Bamboo) batidos juntos, que a su vez fueron prohibidos. Tamboo-Bamboo evolucionó a partir de la prohibición que los colonizadores europeos impusieron sobre los tambores: se cortaron cañas de bambú secas y huecas en diferentes longitudes para producir diferentes tonos cuando se golpeaban contra el suelo. En 1937 reaparecieron transformados en una orquesta de sartenes, tapas de cubos de basura y bidones de aceite. Estos steelpans o cacerolas son ahora una parte importante de la música de Trinidad.
Los primeros instrumentos desarrollados en la evolución del steelpan fueron Tamboo-Bamboos, baquetas afinables hechas de madera de bambú. Las bandas de Tamboo-Bamboo también incluyeron la percusión de una botella (de ginebra) y una cuchara. A mediados de la década de 1930, se usaban piezas de percusión de metal en las bandas de bambú tamboo.
Kaiso
Kaiso es un tipo de música popular en Trinidad y Tobago, Granada, Barbados, Santa Lucía y Dominica. Se originó a partir de canciones de llamada y respuesta de África occidental y luego evolucionó a la música calipso.
La música kaiso tiene sus orígenes en las canciones de llamada y respuesta de África occidental (particularmente en la actual Nigeria) que fueron traídas por los esclavos que (en la historia temprana de la forma de arte) las usaron para cantar sobre sus amos y formas. para ganar su libertad. La gente también se reunía en "kaiso" carpas donde un griot o un cantante principal los guiaría en la canción. Muchos de los primeros kaisos fueron cantados en criollo francés por un "chantwell". Las canciones de Kaiso son generalmente de forma narrativa y, a menudo, tienen un subtexto político ingeniosamente oculto.
Después de la Emancipación de la esclavitud, el chantwell cantaba cánticos de llamada y respuesta llamados lavways, exaltando y animando a los campeones luchadores con palos. Esta forma de música evolucionó gradualmente hasta convertirse en el calipso moderno.
Calipso
La música Calypso creció junto con Carnival. La música se inspiró en el Kaiso de África Occidental y las influencias francesas y europeas, y surgió como un medio de comunicación entre los africanos esclavizados. Kaiso todavía se usa hoy como sinónimo de calypso en Trinidad y algunas otras islas, a menudo por los tradicionalistas, y también se usa como un grito de aliento para un artista, similar a bravo o olé. Las voces altamente rítmicas y armónicas caracterizaron la música, que se cantó con mayor frecuencia en un criollo francés y fue dirigida por un griot. A medida que se desarrolló el calipso, el papel del griot (originalmente un músico itinerante similar en África occidental) se conoció como chantuelle y, finalmente, calypsonian. Calypso se popularizó después de la abolición de la esclavitud y el consiguiente crecimiento de los festivales de Carnaval en la década de 1830.
El calipso moderno, sin embargo, comenzó en el siglo XIX, una fusión de elementos dispares que van desde la canción de máscaras lavway, el criollo francés belair y el chantwell de lucha con palos. El ascenso temprano de Calypso estuvo estrechamente relacionado con la adopción del Carnaval por parte de los esclavos de Trinidad, incluidos los tambores canboulay y las procesiones de disfraces musicales. Los franceses trajeron bailes de máscaras a Trinidad, que fueron imitados por los ex esclavos después de la abolición de la esclavitud, y las competencias de calipso en el carnaval ganaron popularidad, especialmente después de la abolición de la esclavitud en 1834.
Calypso se basó en influencias africanas y francesas y se convirtió en la voz del pueblo. Permitió que las masas desafiaran las acciones del Gobernador y el Consejo Legislativo no electos, y los consejos municipales electos de Puerto España y San Fernando. A medida que el inglés reemplazó al patois (francés criollo) como idioma dominante, el calipso migró al inglés y, al hacerlo, atrajo más la atención de las estaciones de radio y del gobierno. Calypso siguió desempeñando un papel importante en la expresión política y también sirvió para documentar la historia de Trinidad y Tobago.
Primeros artistas
Los primeros chantwells como Hannibal, Norman Le Blanc, Mighty Panther y Boadicea se hicieron famosos al criticar al gobierno colonial. En 1912, se grabó el calipso por primera vez y la década siguiente vio la llegada de la tienda de calipso. Durante Carnival, los calypsonians compitieron por premios como Carnival Road March, National Calypso Monarch, Calypso Queen, Junior Monarch y Extempo Monarch en concursos llamados picong, cuando dos artistas intercambian burlas obscenas e irreverentes entre sí, y hacen referencia al día eventos. Pronto, estrellas como Lord Invader y Roaring Lion crecieron en estatura (la Edad de Oro de Calypso de la década de 1930) y se alinearon más estrechamente con el movimiento independentista. Algunas canciones fueron prohibidas o censuradas por el gobierno colonial británico y el calipso se convirtió en un método clandestino de comunicación y difusión de información anti-británica.
Estos primeros artistas populares abrieron el camino para la incorporación del calipso con artistas como Lord Kitchener, Harry Belafonte y Mighty Sparrow. Belafonte, un jamaicano-estadounidense que cantaba en inglés estadounidense, fue con mucho el más popular internacionalmente durante esta ola (con su álbum Calypso, Belafonte fue el primer artista en vender un millón de copias), pero su música fue también criticado por diluir el sonido del calipso.
1947 vio a Lord Kitchener y Killer formando la renegada carpa calipso Young Brigade. El término Young Brigade pronto pasó a referirse a un grupo específico de calypsonianos que usaban narrativas ficticias y humor con ritmos nuevos y más bailables. Kitchener fue, con mucho, el más popular de los calypsonios de la Young Brigade, y ayudó a popularizar el calipso en el Reino Unido y en otros lugares. El primer éxito de Mighty Sparrow fue Jean and Dinah, celebrando la partida de las fuerzas militares estadounidenses de Trinidad; la canción lanzó una nueva generación de música calipso políticamente activa, que pronto se asoció con el Movimiento Nacional Popular. Roaring Lion también fue una parte importante de esta vanguardia en la música calipso, y se hizo conocido por un estilo tradicionalista que mantuvo a lo largo de su carrera.
Durante la década de 1970, la popularidad del calipso disminuyó en todo el mundo, incluido el Caribe. Los derivados incluyen una versión uptempo de la música Calypso llamada soca, y un estilo influenciado por el hip-hop llamado rapso, ambos se hicieron populares en Trinidad y otras islas. Soca fue el más influyente en términos de ventas internacionales, ya que el atractivo cruzado del rapso para los gustos principales ha sido extremadamente limitado. Sin embargo, los calypsonios y puristas de antaño preferían la continuación de la ambidestreza lírica del rapso que ayudó a hacer del calypso la forma de arte innovadora y de fama mundial en la que se ha convertido; muchos criticaron la percepción de soca de diluir el calipso, incluidos calypsonianos veteranos como Chalkdust, quien preguntó: '¿Debemos poner agua en el brandy, cantando solo dos o tres palabras [que el público general] pueda entender? y bailar?" Los indotrinitarios comenzaron a popularizar la música picante durante el mismo período. A mediados de la década de 1970, artistas como Sundar Popo se convirtieron en la corriente principal de la música.
El Padre de la Música Soca
El "padre" de soca era un hombre de Trinidad llamado Garfield Blackman que saltó a la fama como "Lord Shorty" con su éxito de 1964 'Cloak and Dagger' y tomó el nombre de "Ras Shorty I" a principios de la década de 1980. Comenzó escribiendo canciones y actuando en el género calipso. Músico prolífico, compositor e innovador, Shorty experimentó con la fusión del calipso y elementos de la música indocaribeña durante casi una década desde 1965 antes de desatar 'el alma del calipso', la música soca de principios de la década de 1970.
Shorty fue el primero en definir su música como "soca" durante 1975, cuando su exitosa canción "Endless Vibrations" causó grandes olas musicales en las estaciones de radio y en fiestas y clubes, no solo en su T&T natal, sino también en ciudades metropolitanas lejanas como Nueva York, Toronto y Londres. Inicialmente, Soca se deletreaba Sokah, que significa "Alma de Calypso" con la parte "Kah" tomada de la primera letra del alfabeto sánscrito y representando el poder del movimiento, así como la influencia rítmica de las Indias Orientales que ayudó a inspirar el nuevo golpe de soca. Shorty declaró en varias entrevistas que la idea del nuevo ritmo de soca comenzó con la fusión rítmica de los ritmos Calypso con los ritmos de las Indias Orientales que usó en su éxito "Indrani" grabado en 1972. El ritmo soca se solidificó como el nuevo ritmo popular que la mayoría de los músicos de T&T Calypso comenzarían a adoptar cuando Shorty grabó su gran éxito cruzado "Endless Vibrations" en 1974.
Shorty también grabó un álbum de mitad de año en 1975 llamado "Love In The Caribbean" que contiene varias pistas de soca cruzadas antes de emprender una gira de distribución y promoción del álbum. Durante su gira de distribución y promoción del álbum "Love In The Caribbean" de 1975, Shorty pasó por la isla de Dominica en su camino de regreso a Trinidad y vio a la banda líder de Dominica, Exile One, actuar en el Fort Young Hotel. Shorty se inspiró para componer y grabar una pista de fusión de Soca y Cadence-lypso llamada “E Pete” o “Ou Petit”, que puede verse como la primera de su tipo en ese particular estilo de Soca. Shorty buscó y obtuvo ayuda con la letra en criollo que usó en el coro de su canción "E Pete" al consultar con el Rey Calypso de 1969 de Dominica, Lord Tokyo, y dos letristas criollos, Chris Seraphine y Pat Aaron mientras estaba en dominicana La canción “E Pete” contiene una letra criolla genuina en el coro como "Ou dee moin ou petit Shorty" (que significa "me dijiste que eres pequeño Shorty"), y es una combinación de Soca, Calypso, Cadence-lypso y Creole.
Shorty's 1974 Endless Vibrations y Soul of Calypso llevaron a Soca a la atención y fama regional e internacional y ayudaron a solidificar el movimiento Soca de rápido crecimiento liderado por Retaco.
La soca se desarrolló a principios de la década de 1970 y creció en popularidad a finales de esa década. El desarrollo de la soca como género musical incluyó su temprana fusión del calipso con instrumentos musicales indios, particularmente el dholak, la tabla y el dhantal, como se demuestra en las composiciones clásicas de Lord Shorty 'Ïndrani', "Toro Kalo Gee Toro" y 'Shanti Om'.
Soca ha crecido desde sus inicios para incorporar elementos de funk, soul, disco, zouk y otros géneros de música dance, y continúa mezclándose con estilos y tendencias de la música contemporánea. Soca también se ha experimentado en películas de Bollywood, Bhangra, en el nuevo pop punjabi y en la música disco en los Estados Unidos.
Rapso
Rapso surgió cuando el Black Power y el pensamiento panafricanista se extendieron en Trinidad. Se dice que Lancelot Layne inventó el género con su éxito de 1971 'Blow Away', mientras que Cheryl Byron llevó el rapso a las tiendas de calipso en 1976. El término rapso apareció por primera vez en 1980 en Busting Out, un álbum de Brother Resistance y su Network Riddum Band. El rapso se ha convertido en una de las expresiones musicales más predominantes en la propia Trinidad, pero se absorbe en gran medida en el calipso durante las celebraciones y concursos de Carnaval. La década de 1990 vio una forma de rapso con más conciencia política y espiritual, que se infundió con la música soul y reggae, así como con el j'ouvert nativo, una introducción temprana al carnaval que consiste en percusionistas que utilizan materiales improvisados para forjar un estilo. derrotar. El trío de la banda 3 Canal y el artista Ataklan se encuentran entre los defensores modernos más populares.
Extempo
Extempo, o extempo calypso, o calypso war, es una forma de calipso líricamente improvisada (estilo libre). Se lleva a cabo una competencia anual en el Carnaval de Trinidad y Tobago por el título de Monarca Extempo. La forma de arte se registró por primera vez en la década de 1940 en Trinidad.
Bandas de música
A partir de 1986, David Rudder popularizó la banda de música en los concursos de Carnaval. Las bandas de música habían sido durante mucho tiempo parte del patrimonio cultural de Trinidad, pero Rudder ayudó a inspirar la fundación del Caribbean Brass Festival en 1991.
Steel-pan y bandas de acero
Una de las contribuciones más significativas de Trinidad y Tobago al mundo de la música fue la invención del steelpan. Este instrumento es el único instrumento acústico que se inventó en el siglo XX. El pan evolucionó a partir de la música que los esclavos isleños creaban para las festividades del carnaval. Las primeras sartenes de acero se hicieron con bidones de aceite. Los jugadores golpeaban el extremo del tambor de aceite con bambú para producir música y descubrieron que las áreas del tambor que se golpeaban con mayor frecuencia desarrollaban un tono más alto. A partir de este descubrimiento, los músicos aprendieron que podían cambiar el tono del tambor para crear notas diferentes.
La bandeja de acero se crea martillando un tambor de 55 galones para producir la gama cromática completa de las notas de la escala. Después de martillar el tambor en forma de cuenco cóncavo, las notas individuales se ranuran en el cuenco del tambor. La bandeja de acero tradicional se martillaba a mano, pero con el instrumento ganando popularidad y demanda en todo el mundo, los fabricantes han experimentado con métodos más eficientes que incluyen Spinforming, Flowforming, Aquaforming y Marforming. Un pan típico contiene 21⁄2 octavas, con cada nota siendo un surco martillado en la bandeja que produce una nota distinta.
Steel-pan se origina en comunidades de bajos ingresos y al principio se asoció con la violencia y la anarquía. La clase alta miraba con desdén a los músicos de steel-pan hasta que el Dr. Eric Williams, líder del Movimiento Nacional Popular y el hombre conocido como el padre de la nación, aumentó la aceptación de los steel-pan en la escena musical convencional alentando corporaciones para patrocinar bandas de acero, dando a las bandas más respetabilidad en la sociedad. Hoy en día, el steel-pan es el instrumento nacional de Trinidad y Tobago y se usa en todo el mundo. En 2013, Ancel Bhagwandeen fue galardonado con los Premios al ingenio científico del primer ministro por desarrollar y producir el primer palillo de pan tenor del mundo que es sensible al sonido y muestra colores claros en sincronía con tocar el pan de acero. Es la primera modernización del pan stick en décadas.
Parang
En Trinidad y Tobago, la música navideña estacional de origen latinoamericano llamada Parang es más que solo villancicos navideños. Parang se trata de jolgorio general y festividades en torno a la época navideña y la comida, el baile y la música son parte del parang. Los cantantes de parang visitan las casas de familiares y amigos y cantan canciones navideñas en español acompañados de instrumentos, generalmente guitarra, cuatro venezolano, maracas (conocido como chac-chacs en las islas), mandolina, bandolín, violín, bandola y a veces el violonchelo. Parang se realiza principalmente durante la temporada navideña, pero también se usa en otros festivales durante todo el año, incluido el Festival de Santa Rosa, el velorio del cruz y el festival Sebucan. Parang incluye canciones y melodías religiosas y no religiosas en contraste con la instrumentación de parang. Las festividades de Parang generalmente involucran baile y hay dos estilos de baile principales, el vals castellano más lento y un estilo de gavilán más rápido.
Música picante
Los indígenas llegaron a Trinidad y Tobago el 30 de mayo de 1845 como trabajadores contratados en las plantaciones de caña de azúcar, cacao y arroz, para llenar el vacío laboral dejado por la abolición de la esclavitud. La creciente población indígena de la isla desarrolló el estilo musical del chutney. Esta forma musical basada en ritmos indios se llamó chutney porque es música caliente, su uso de dobles sentidos y ritmos rápidos y repetitivos hacen que sus oyentes quieran bailar. Chutney utiliza una mezcla de música clásica de las Indias Orientales, música folclórica de las Indias Orientales, bhajans y ghazals (bhajans y ghazals son canciones religiosas), instrumentos occidentales y africanos y, por lo general, instrumentos musicales indios: armonio, dholak, tabla, dhantal, manjira, tassa., y, a veces, el bulbul tarang para acompañar sus ritmos rápidos de soca o calipso. Sundar Popo fue uno de los primeros pioneros en esta música. La música chutney es una mezcla de melodías indias influenciadas por ritmos de calipso y soca, y se ha mezclado con muchas de las otras variedades de música de la isla. Artistas como Apache Waria y Terry Gajraj fueron pioneros en el ragga chutney. Chutney también se ha convertido en chutney-bhangra, chutney-hip-hop, soca-bhangra y bhangra-wine.
A medida que crece la popularidad de la música picante, la gente se vuelve más consciente de la mezcla de culturas presente en Trinidad y Tobago. Muchos de los artistas del chutney que se conocen dentro de la cultura antillana son de Trinidad. Sundar Popo fue un pionero de la música chutney, famoso por mezclar primero chutney con calipso y soca y aumentar la popularidad del género. Los instrumentos utilizados en el chutney eran los que estaban aprobados para que las mujeres los tocaran, lo que hizo que el chutney se viera como un género musical femenino. Desde entonces, el chutney ha pasado de ser un género femenino a convertirse en uno de los principales protagonistas de la escena de la música pop, y tanto hombres como mujeres participan en competencias a nivel nacional. La música Chutney es un reflejo de la cultura de Trinidad y Tobago, su combinación de elementos indios, occidentales y africanos es una representación de los orígenes que se mezclan para formar la cultura de Trinidad y Tobago.
Música pop, rock y alternativa
Trinidad y Tobago tiene una escena clandestina de pop, rock y heavy metal con muchos espectáculos pequeños que se llevan a cabo durante todo el año. Los mayores de estos espectáculos son los Premios de Música Pop anuales que se llevan a cabo en el club nocturno Tsunami en Chaguaramas y el Samaan Tree Rock Festival en Aranguez.
Clásica occidental
Existe una larga tradición de música clásica occidental, tanto instrumental como coral, que se remonta a la era colonial bajo los británicos. Trinidad & El Festival de Música de Tobago es un escaparate principal para estas formas de arte. Los grupos corales, las bandas de acero y las orquestas occidentales tradicionales, los conjuntos más pequeños, las escuelas y programas de música y otros presentan espectáculos en lugares de todo el país, particularmente en el Queen's Hall en Puerto España; la Universidad de las Indias Occidentales (Campus de St. Augustine); Auditorio del Banco Central; Auditorio Simón Bolívar; iglesias y catedrales; y en la nueva Academia Nacional de Artes Escénicas (NAPA), que se inauguró en 2009 pero cerró en 2014 por renovaciones. Los defensores populares de la forma clásica occidental incluyen la Orquesta de Cámara de San Agustín / Filarmónica Juvenil de Trinidad y Tobago (la orquesta sinfónica más grande y la orquesta juvenil más grande del Caribe de habla inglesa), Marionettes Chorale (el primer coro en combinar voces corales con el steelpan), Fraternidad de Artes Escénicas del Este y Coral Juvenil del Este, Lydian Singers, Festival de Artes Coral de la UWI; la Filarmónica Nacional y la Orquesta Sinfónica Nacional del Acero, y la Fundación para el Desarrollo de la Música Clásica, entre otros.
Hindustani clásica
(feminine)Históricamente, los trabajadores contratados que venían de la India trajeron consigo la forma de música clásica india auténtica. Más tarde se creó una forma de música clásica indo-trinitense local. Sin embargo, las organizaciones pudieron mantener viva la forma clásica pura. Bharatiya Vidya Sansthaan, bajo la dirección del Prof. Hari Shankara Adesh, fue la primera institución en ofrecer cursos sobre la auténtica forma de arte clásica de la India.
Profesor. Rajesh Kelkar (de la histórica Universidad Maharaja Sayajirao de Baroda), fue a aldeas remotas de Trinidad y enseñó música clásica y devocional con celo misionero.
Música TT
El gobierno ha identificado la industria de la música como uno de los tres sectores pioneros que son fundamentales para la sostenibilidad económica a largo plazo debido a la caída de los precios del petróleo y el gas, la principal exportación de Trinidad y Tobago. Por esta razón, MusicTT se estableció en 2014 como una subsidiaria de CreativeTT. El mandato de MusicTT es "estimular y facilitar el desarrollo comercial y la actividad de exportación de la industria de la música en Trinidad y Tobago para generar riqueza nacional".