Música de Rusia
Música de Rusia denota música producida en Rusia y/o por rusos. Rusia es un país grande y culturalmente diverso, con muchos grupos étnicos, cada uno con su propia música desarrollada localmente. La música rusa también incluye contribuciones significativas de las minorías étnicas, que poblaron el Imperio Ruso, la Unión Soviética y la Rusia actual. La música rusa pasó por una larga historia, comenzando con canciones populares rituales y la música sagrada de la Iglesia Ortodoxa Rusa. El siglo XIX vio el surgimiento de la música clásica rusa muy aclamada y, en el siglo XX, las principales contribuciones de varios compositores como Igor Stravinsky y compositores soviéticos, mientras se desarrollaban los estilos modernos de la música popular rusa, incluido el rock ruso, el hip hop ruso. y pop ruso.
Historia
Historia temprana
Existen documentos escritos que describen la cultura musical de la Rus'. Se pensaba que el tipo de instrumento más popular en la Rusia medieval eran los instrumentos de cuerda, como el gusli o el gudok. Los arqueólogos han descubierto ejemplos de estos instrumentos en la región de Novgorod que datan del siglo XI. (La república de Novgorod tenía profundas tradiciones en la música; su héroe popular más popular y el personaje principal de varias epopeyas era Sadko, un jugador de gusli). Otros instrumentos de uso común incluyen flautas (svirel) e instrumentos de percusión como el treshchotka y el buben. Sin embargo, la forma de música más popular era el canto. A menudo se cantaban bylinas (baladas épicas) sobre héroes populares como Sadko, Ilya Muromets y otros, a veces con acompañamiento instrumental. Se han registrado los textos de algunas de estas epopeyas.
En la época del Tsardom de Rusia, dos géneros principales formaron la música rusa: la música sagrada de la Iglesia Ortodoxa y la música secular utilizada para el entretenimiento. La música sacra extrae su tradición del Imperio bizantino, con elementos clave que se utilizan en el sonido de campanas ortodoxas rusas, así como en el canto coral. Los neumes se desarrollaron para la notación musical y, como resultado, varios ejemplos de música sacra medieval han sobrevivido hasta nuestros días, entre ellos dos stichera compuestas por el zar Iván IV en el siglo XVI.
La música profana incluía el uso de instrumentos musicales, como flautas de peine e instrumentos de cuerda, y, inicialmente, los skomorokhs, bufones y juglares que entretenían a la nobleza, solían tocarla durante las vacaciones. Durante el período reaccionario del Gran Cisma Ruso en el siglo XVII, a los skomorokhs junto con su forma de música secular se les prohibió ejercer su oficio en numerosas ocasiones, sus instrumentos fueron quemados y aquellos que no estaban de acuerdo con la ley de 1648 de Alexis de Rusia & #34;Sobre la corrección de la moral y la destrucción de las supersticiones" (Об исправлении нравов и уничтожении суеверий) fueron castigados primero físicamente y luego deportados a Malorossia (Ucrania moderna), pero a pesar de estas restricciones, algunas de sus tradiciones sobrevivieron hasta nuestros días.
Siglos XVIII y XIX: música clásica rusa
Rusia empezó tarde a desarrollar una tradición nativa de música clásica debido a la proscripción de la música secular por parte de la Iglesia Ortodoxa. A partir del reinado de Iván IV, la Corte Imperial invitó a compositores y músicos occidentales a llenar este vacío. En la época de Pedro I, estos artistas eran un elemento habitual en la corte. Si bien no se inclinaba personalmente por la música, Peter vio la música europea como una marca de civilización y una forma de occidentalizar el país; su establecimiento de la ciudad de estilo occidental de San Petersburgo ayudó a fomentar su expansión al resto de las clases altas. La locura por la ópera italiana en la corte durante los reinados de las emperatrices Elisabeth y Catherine también ayudó a difundir el interés por la música occidental entre la aristocracia. Esta locura se hizo tan generalizada que muchos ni siquiera sabían que existían compositores rusos.
El enfoque en la música europea significaba que los compositores rusos tenían que escribir en estilo occidental si querían que sus composiciones fueran interpretadas. Su éxito en esto fue variable debido a la falta de familiaridad con las reglas europeas de composición. Algunos compositores pudieron viajar al extranjero para recibir capacitación, generalmente a Italia, y aprendieron a componer obras vocales e instrumentales en la tradición clásica italiana popular en ese momento. Estos incluyen a los compositores étnicos ucranianos Dmitri Bortniansky, Maksim Berezovsky y Artem Vedel.
El primer gran compositor ruso en explotar las tradiciones musicales nativas rusas en el ámbito de la música secular fue Mikhail Glinka (1804–1857), quien compuso las primeras óperas en ruso Ivan Susanin y Ruslan y Lyudmila. No fueron las primeras óperas en idioma ruso ni las primeras de un ruso, pero ganaron fama por basarse en melodías y temas claramente rusos y por estar en la lengua vernácula.
La música folclórica rusa se convirtió en la fuente principal para los compositores de la generación más joven. Un grupo que se autodenominaba "Los cinco poderosos", encabezado por Balakirev (1837–1910) y que incluía a Rimsky-Korsakov (1844–1908), Mussorgsky (1839–81), Borodin (1833–87) y César Cui (1835-1918), proclamó su propósito de componer y popularizar las tradiciones nacionales rusas en la música clásica. Entre las composiciones más notables de Mighty Five se encuentran las óperas The Snow Maiden (Snegurochka), Sadko, Boris Godunov, Príncipe Igor, Khovanshchina y la suite sinfónica Scheherazade. Muchas de las obras de Glinka and the Mighty Five se basaron en la historia, los cuentos populares y la literatura rusos, y se consideran obras maestras del nacionalismo romántico en la música.
Este período también vio la fundación de la Sociedad Musical Rusa (RMS) en 1859, dirigida por los compositores y pianistas Anton (1829-1894) y Nikolay Rubinstein (1835-1881). The Mighty Five a menudo se presentaba como el rival de la Russian Music Society, con los Five abrazando su identidad nacional rusa y la RMS siendo musicalmente más conservadora. Sin embargo, la RMS fundó los primeros Conservatorios de Rusia en San Petersburgo y en Moscú: el primero entrenó al gran compositor ruso Peter Ilyich Tchaikovsky (1840-1893), mejor conocido por ballets como El lago de los cisnes, La Bella Durmiente, y El Cascanueces. Sigue siendo el compositor más conocido de Rusia fuera de Rusia. Fácilmente, el sucesor más famoso en su estilo es Sergei Rachmaninoff (1873-1943), quien estudió en el Conservatorio de Moscú (donde enseñó el propio Tchaikovsky).
A finales del siglo XIX y principios del XX se produjo la tercera ola de clásicos rusos: Igor Stravinsky (1882–1971), Alexander Scriabin (1872–1915), Sergei Prokofiev (1891–1953) y Dmitri Shostakovich (1906–1975). Eran experimentales en estilo y lenguaje musical. Stravinsky fue particularmente influyente en sus contemporáneos y en las generaciones posteriores de compositores, tanto en Rusia como en Europa y Estados Unidos. Stravinsky emigró permanentemente después de la revolución rusa. Aunque Prokofiev también salió de Rusia en 1918, finalmente regresó y contribuyó a la música soviética.
A finales del siglo XIX y principios del XX, las llamadas "canciones románticas" se hizo muy popular. Los más grandes y populares cantantes de los "romances" por lo general cantaba en óperas al mismo tiempo. El más popular fue Fyodor Shalyapin. Los cantantes generalmente componían música y escribían las letras, al igual que Alexander Vertinsky, Konstantin Sokolsky y Pyotr Leshchenko.
Siglo XX: música soviética
Después de la Revolución Rusa, la música rusa cambió radicalmente. Los primeros años de la década de 1920 fueron la era de los experimentos de vanguardia, inspirados en el "espíritu revolucionario" de la era Clubes entusiastas como la Asociación de Música Contemporánea propusieron nuevas tendencias en la música (como la música basada en acordes sintéticos). Arseny Avraamov fue pionero en el sonido gráfico y Leon Theremin inventó el thereminvox, uno de los primeros instrumentos electrónicos.
Sin embargo, en la década de 1930, bajo el régimen de Joseph Stalin, la música se vio obligada a estar contenida dentro de ciertos límites de contenido e innovación. Se favoreció el clasicismo y se desalentó la experimentación. (Un ejemplo notable: la ópera verista de Shostakovich, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, fue denunciada en el periódico Pravda como "formalismo" y pronto fue retirada de los cines durante años).
Los patriarcas musicales de la época fueron Prokofiev, Shostakovich, Aram Khachaturian y Alexander Alexandrov. Este último es mejor conocido por componer el Himno de la Unión Soviética y la canción "The Sacred War". Con el tiempo, una ola de compositores soviéticos más jóvenes, como Georgy Sviridov, Alfred Schnittke y Sofia Gubaidulina, tomaron la vanguardia debido al riguroso sistema educativo soviético. La Unión de Compositores Soviéticos se estableció en 1932 y se convirtió en el principal organismo regulador de la música soviética.
El jazz fue presentado al público soviético por Valentin Parnakh en la década de 1920. El cantante Leonid Uteosov y el compositor de música para películas Isaak Dunayevsky ayudaron a su popularidad, especialmente con la popular película de comedia Jolly Fellows, que presentaba una banda sonora de jazz. Eddie Rosner, Oleg Lundstrem y otros contribuyeron a la música jazz soviética.
Las bandas sonoras de las películas produjeron una parte importante de las canciones populares soviéticas/rusas de la época, así como de música orquestal y experimental. La década de 1930 vio las partituras de Prokofiev para las películas épicas de Sergei Eisenstein, y también las bandas sonoras de Isaak Dunayevsky que iban desde piezas clásicas hasta jazz popular. Los compositores cinematográficos notables de finales de la era soviética incluyeron a Vladimir Dashkevich, Tikhon Khrennikov, Alexander Zatsepin y Gennady Gladkov, entre otros.
Entre las personas notables de la música electrónica soviética se encontraban Vyacheslav Mescherin, creador de la Orquesta de Instrumentos Electrónicos, y el compositor ambiental Eduard Artemiev, mejor conocido por sus partituras para las películas de ciencia ficción de Tarkovsky.
Las décadas de 1960 y 1970 vieron el comienzo de la música pop y rock rusa moderna. Comenzó con la ola de los VIA (conjuntos vocales-instrumentales), un tipo específico de bandas de música que interpretaban pop, rock y folk amigables con la radio, compuestas por miembros de la Unión de Compositores y aprobadas por la censura. Esta ola comenzó con Pojuschie Gitary y Pesnyary; Las bandas populares de VIA también incluyeron a Tcvety, Zemlyane y Verasy. Ese período de la música también vio estrellas pop individuales como Iosif Kobzon, Sofia Rotaru, Alla Pugacheva, Valery Leontiev, Yuri Antonov. Muchos de ellos siguen siendo populares hasta el día de hoy. Eran la corriente principal de los medios musicales soviéticos, cabezas de cartel de festivales como Canción del año, Sopot y Golden Orpheus. El año 1977 vio también el establecimiento de Moskovsky Komsomolets hit parade, la primera lista de música de Rusia.
La publicación y promoción de música en la Unión Soviética era un monopolio estatal. Para ganar dinero y fama con su talento, los músicos soviéticos tenían que asignarse al sello estatal Melodiya. Esto significó aceptar ciertos límites de experimentación, es decir, la actuación familiar y las letras políticamente neutrales favorecidas por los censores. Mientras tanto, con la llegada de nuevas tecnologías de grabación de sonido, se hizo posible que los fanáticos comunes grabaran e intercambiaran su música a través de grabadoras de cinta magnética. Esto ayudó a que floreciera la subcultura de la música underground (como la música de bardo y rock) a pesar de ser ignorada por los medios de comunicación estatales.
"Bárdico" o "autores' canción" (авторская песня) es un término general para el movimiento de cantautores que surgió a principios de la década de 1960. Se puede comparar con el movimiento revival del folk estadounidense de los años 60, con sus sencillos arreglos de una sola guitarra y letras poéticas. Inicialmente ignorados por los medios estatales, bardos como Vladimir Vysotsky, Bulat Okudzhava, Alexander Galich ganaron tanta popularidad que terminaron siendo distribuidos por la discográfica estatal Melodiya. El mayor festival de música para bardos es el festival Grushinsky, que se celebra anualmente desde 1968.
La música rock llegó a la Unión Soviética a fines de la década de 1960 con la Beatlemanía, y muchas bandas de rock surgieron a fines de la década de 1970, como Mashina Vremeni, Aquarium y Autograph. A diferencia de los VIA, a estas bandas no se les permitió publicar su música y permanecieron clandestinas. La "edad de oro" del rock ruso se considera ampliamente que fue la década de 1980. Se mitigó la censura, se abrieron clubes de rock en Leningrado y Moscú, y pronto el rock se convirtió en la corriente principal. Las bandas populares de esa época incluyen a Kino, Alisa, Aria, DDT, Nautilus Pompilius y Grazhdanskaya Oborona. El new wave y el post-punk fueron tendencia en el rock ruso de los 80. Los conservatorios soviéticos y rusos han producido generaciones de solistas de renombre mundial. Entre los más conocidos se encuentran los violinistas David Oistrakh y Gidon Kremer, el violonchelista Mstislav Rostropovich, los pianistas Vladimir Horowitz, Sviatoslav Richter y Emil Gilels, y la vocalista Galina Vishnevskaya.
Siglo XXI: música rusa moderna
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La música pop rusa está bien desarrollada y disfruta de un gran éxito a través de medios de música pop como MTV Russia, Muz TV y varias estaciones de radio. Inmediatamente después de la caída del Muro de Hierro, artistas como Christian Ray tomaron una posición política activa, apoyando al primer presidente Boris Yeltsin. Varios artistas pop se han abierto paso en los últimos años. El dúo ruso t.A.T.u. es la banda pop rusa más exitosa de su tiempo. Han alcanzado el número uno en muchos países del mundo con varios de sus sencillos y álbumes. Otros artistas populares incluyen al ganador de Eurovisión 2008, Dima Bilan, así como a Valery Meladze, Grigory Leps, VIA Gra, Nyusha, Vintage, Philipp Kirkorov, Vitas y Alsou. Productores de música como Igor Krutoy, Maxim Fadeev, Ivan Shapovalov, Igor Matvienko y Konstantin Meladze controlan una parte importante del mercado de la música pop de Rusia, de alguna manera continuando con el estilo soviético de gestión de artistas. Por otro lado, algunos actos independientes como Neoclubber utilizan herramientas de promoción de la nueva era para evitar estas formas soviéticas pasadas de moda de llegar a sus fans. El trío de chicas rusas Serebro es uno de los actos rusos más populares que dominan las listas fuera del mercado europeo. El sencillo más conocido del grupo, "Mama Lover" se colocó en las listas Billboard de EE. UU., convirtiéndose en el primer acto ruso en aparecer en las listas desde el sencillo " Todo sobre nosotros".
Las productoras rusas, como Hollywood World, han colaborado con estrellas de la música occidental, creando un espacio nuevo y más globalizado para la música.
La escena de la música rock ha evolucionado gradualmente desde un movimiento unificado hacia varios subgéneros diferentes similares a los que se encuentran en Occidente. Hay pop rock juvenil y rock alternativo (Mumiy Troll, Zemfira, Splean, Bi-2, Zveri). También hay punk rock, ska y grunge (Korol i Shut, Pilot, Leningrad, Distemper, Elisium). La escena del heavy metal ha crecido sustancialmente, con nuevas bandas que tocan power y metal progresivo (Catharsis, Epidemia, Shadow Host, Mechanical Poet) y metal pagano (Arkona, Butterfly Temple, Temnozor).
Los medios de música rock se han vuelto predominantes en la Rusia moderna. La más notable es Nashe Radio, que promueve el rock clásico y el pop punk. Su Chart Dozen (Чартова дюжина) es la principal lista de rock de Rusia, y su festival de rock de Nashestvie atrae a unos 100.000 fans al año y fue apodado "Russian Woodstock" por los medios Otros incluyen el canal de televisión A-One, especializado en música alternativa y hardcore. Ha promocionado a bandas como Amatory, Tracktor Bowling y Slot, y ha premiado a muchas de ellas con su Premio de Música Alternativa Rusa. Radio Maximum transmite pop y rock moderno tanto ruso como occidental.
Otros tipos de música incluyen folk rock (Melnitsa), trip hop (Linda) y reggae (Jah Division). El hip hop/rap está representado por Bad Balance, Kasta, Ligalize, Mnogotochie, KREC y otros. Una escena de rapcore experimental está encabezada por Dolphin y Kirpichi, mientras que Moscow Death Brigade es una banda relevante de techno/rap/punk, bien conocida por su postura contra el racismo, el sexismo y la homofobia. Otras bandas como Syberian Meat Grinder comparten un estilo de música experimental.
Ha surgido un tipo de música específico, exclusivamente ruso, que mezcla canciones criminales, música de bardo y romance. Tiene la etiqueta "Chanson rusa" (neologismo popularizado por su principal promotor, Radio Chanson). Sus principales artistas incluyen a Mikhail Krug, Mikhail Shufutinsky y Alexander Rosenbaum. Con letras sobre la vida cotidiana y la sociedad, y una frecuente romantización del inframundo criminal, la chanson es especialmente popular entre los hombres adultos de la clase social más baja.
La música electrónica en la Rusia moderna está subdesarrollada en comparación con otros géneros. Esto se debe principalmente a la falta de promoción. Hay algunos actos clandestinos independientes que realizan IDM, downtempo, house, trance y dark psytrance (incluida la escena musical tracker) y transmiten su trabajo a través de la radio por Internet. Incluyen Parasense, Fungus Funk, Kindzadza, Lesnikov-16, Yolochnye Igrushki, Messer Für Frau Müller y Zedd (artista ruso-alemán). De los pocos artistas que se han abierto paso en los principales medios de comunicación, están PPK y DJ Groove, que explotan las bandas sonoras de películas soviéticas para sus remixes de baile. En la década de 2000, la escena Darkwave e industrial, estrechamente relacionada con la subcultura gótica, se ha vuelto predominante, con artistas como Dvar, Otto Dix, Stillife, Theodor Bastard, Roman Rain, Shmeli y Biopsyhoz. Hardbass, una rama del Hard House del Reino Unido que se originó en Rusia a fines de la década de 1990, se ha extendido internacionalmente a través de Internet, con actos como DJ Blyatman, Hard Bass School, & XS Project acumulando seguidores significativos.
El perfil de la música clásica o de sala de conciertos se ha visto eclipsado en gran medida, por un lado, por el auge de la música popular comercial en Rusia y, por otro, por su propia falta de promoción desde el colapso de la URSS. Sin embargo, varios compositores nacidos en la década de 1950 y posteriores han tenido cierto impacto, en particular Leonid Desyatnikov, quien se convirtió en el primer compositor en décadas en tener una nueva ópera encargada por el Teatro Bolshoi (Los hijos de Rosenthal, 2005), y cuya música ha sido abanderada por Gidon Kremer y Roman Mints. Mientras tanto, Gubaidulina, entre varios compositores exsoviéticos de su generación, continúa manteniendo un alto perfil fuera de Rusia al componer varias obras prestigiosas y bien recibidas, que incluyen "In tempus praesens" (2007) para la violinista Anne-Sophie Mutter.
A principios de la década de 2000 se produjo un auge de los musicales en Rusia. Notre-Dame de Paris, Nord-Ost, Roméo et Juliette y We Will Rock You se representaban constantemente en los teatros de Moscú en ese momento. La popularidad de los musicales se vio obstaculizada por la crisis de los rehenes en el teatro de Moscú de 2002 y solo se revivió al final de la década.
La década de 2010 vio el aumento de la popularidad del hip hop ruso, especialmente las batallas de rap en Internet de artistas como Oxxxymiron y Gnoyny, entre otros.
Música de raíces étnicas
La Rusia actual es un imperio contiguo multiétnico con más de 100 etnias que viven bajo una sola bandera. Algunos de estos grupos étnicos tienen su propia música folclórica indígena, sagrada y, en algunos casos, artística, que se pueden categorizar libremente bajo el disfraz de música de raíces étnicas o música folclórica. Esta categoría se puede dividir en folclórica (adaptaciones modernas de material folclórico y presentaciones auténticas de música étnica).
Adigea
En los últimos años, Adygea ha visto la formación de una serie de nuevas instituciones musicales. Estos incluyen dos orquestas, una de las cuales (Russkaya Udal) utiliza instrumentos folclóricos y un teatro de música de cámara.
El himno nacional de Adygea fue escrito por Iskhak Shumafovich Mashbash con música de Umar Khatsitsovich Tkhabisimov.
Altay
Altay es una región de Asia Central, conocida por sus epopeyas tradicionales y una serie de instrumentos folclóricos.
Bashkir
El primer estudio importante de la música Bashkir apareció en 1897, cuando el etnógrafo Rybakov S.G. escribió Música y canciones de los musulmanes de los Urales y estudios de su forma de vida. Más tarde, Lebedinskiy L.N. recopiló numerosas canciones populares en Bashkortostán a partir de 1930. La fundación en 1968 del Instituto Estatal de Artes de Ufa patrocinó investigaciones en este campo.
El kurai es el instrumento más importante del conjunto Bashkir.
Buriatia
Los buriatos del Lejano Oriente son conocidos por su distintiva música folclórica que utiliza el violín de cabeza de caballo de dos cuerdas o morin khuur. El estilo no tiene polifonía y tiene poca innovación melódica. Las estructuras narrativas son muy comunes, muchas de ellas largas epopeyas que afirman ser la última canción de un héroe famoso, como en "La última canción de Rinchin Dorzhin". Los músicos modernos de Buryat incluyen la banda Uragsha, que combina de manera única letras en idioma siberiano y ruso con canciones populares de rock y Buryat, y Namgar, que está firmemente arraigado en la tradición popular pero también explora las conexiones con otras culturas musicales.
Chechenia
Junto con la rebelión chechena de la década de 1990, se produjo un resurgimiento de la identidad nacional chechena, del cual la música es una parte importante. Personas como Said Khachukayev se hicieron prominentes en la promoción de la música chechena.
Se dice que el himno nacional checheno es "Death or Freedom", una antigua canción de origen incierto.
Daguestán
El compositor más famoso de Daguestán puede ser Gotfrid Hasanov, de quien se dice que es el primer compositor profesional de Daguestán. Escribió la primera ópera de Daguestán, Khochbar, en 1945 y grabó una gran cantidad de música folclórica de todos los pueblos de Daguestán.
Carelia
Los carelianos son finlandeses y gran parte de su música es igual a la música finlandesa. El Kalevala es una parte muy importante de la música tradicional; es una recitación de leyendas finlandesas y se considera una parte integral de la identidad popular finlandesa.
El conjunto de música folclórica de Carelia es un destacado grupo folclórico.
Osetia
Los osetios son gente de la región del Cáucaso y, por lo tanto, la música y la danza osetias tienen temas similares a la música de Chechenia y la música de Daguestán.
Rusia
La arqueología y la evidencia directa muestran una variedad de instrumentos musicales en la antigua Rusia. Los instrumentos populares auténticos incluyen el Livenka (acordeón) y los instrumentos de viento de madera como zhaleika, svirel y kugikli, así como numerosos instrumentos de percusión: buben, bubenci, kokshnik, korobochka, lozhki, rubel, treschetka, vertushka y zvonchalka.
Las chastushkas son una especie de canción popular rusa con una larga historia. Suelen ser rapeados y son humorísticos o satíricos.
Durante el siglo XIX, el conde Uvarov lideró una campaña de renacimiento nacionalista que inició la primera orquesta profesional con instrumentos tradicionales, comenzando con Vasily Andreyev, quien usó la balalaika en una orquesta a fines del siglo. Justo después de los albores del siglo XX, Mitrofan Pyatnitsky fundó el Pyatnitsky Choir, que utilizaba cantantes de campesinos rurales y sonidos tradicionales.
Sakha
El chamanismo sigue siendo una importante práctica cultural de los grupos étnicos de Siberia y Sajalín, donde viven varias decenas de grupos. Los yakutos son los más grandes y son conocidos por sus canciones olonkho y el khomus, un arpa de mandíbula.
Tartaristán
La música folclórica tártara tiene peculiaridades rítmicas y entonación pentatónica en común con las naciones del área del Volga, que son étnicamente finlandesas y turcas. Las cantantes, famosas por su sutileza y gracia, son un componente destacado de la música folclórica tártara. Los instrumentos incluyen el kubyz (violín), quray (flauta) y talianka (acordeón).
Tuva
El canto de garganta tuvano, o xoomii, es famoso en todo el mundo, principalmente por su novedad. El estilo es muy inusual y extraño para la mayoría de los oyentes, que normalmente lo encuentran inaccesible y amelódico. En el canto de garganta, las resonancias armónicas naturales de los labios y la boca se sintonizan para seleccionar ciertos sobretonos. El estilo fue grabado por primera vez por Ted Levin, quien ayudó a catalogar varios estilos diferentes. Estos incluyen borbannadir (que se compara con el sonido de un río que fluye), sygyt (similar a un silbido), xoomii, chylandyk (similar al canto de los grillos) y ezengileer (como el trote de un caballo). De particular fama internacional son el grupo Huun-Huur-Tu y el maestro cantante de garganta Kongar-ool Ondar.
Música ucraniana en Rusia
Aunque Ucrania es un país independiente desde 1991, los ucranianos constituyen la segunda minoría étnica más grande de Rusia. La bandura es el instrumento más importante y distintivo de la tradición popular ucraniana y fue utilizado por los músicos de la corte en las distintas cortes zaristas. Los kobzars, una especie de artistas errantes que componían dumy o epopeyas populares.
Bajo duro en Rusia
Hardbass o bajo duro (en ruso: хардбасс, tr. hardbass, IPA: [xɐrdˈbas]) es un subgénero de la música electrónica que se originó en Rusia a fines de la década de 1990 y se inspiró en el hard house, el techno animado y el hardstyle del Reino Unido. Hardbass se caracteriza por su tempo rápido (generalmente 150-175 BPM), donks, líneas de bajo distintivas (comúnmente conocidas como "rebote duro"), sonidos distorsionados, patadas pesadas y rap ocasional. Hardbass se ha convertido en un estereotipo central de la subcultura gopnik. En varios países europeos, las llamadas "escenas de bajo duro" han surgido, [1] que son eventos relacionados con el género que involucran a varias personas bailando en público con máscaras, a veces con moshing involucrado.
Desde 2015 en adelante, el bajo duro también apareció como un meme de Internet, representando las subculturas eslava y rusa con el estreno del video 'Cheeki Breeki Hardbass Anthem', basado en S.T.A.L.K.E.R. serie de juegos de GSC game world.[2]
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