Música de Puerto Rico
La Música de Puerto Rico ha evolucionado como un producto heterogéneo y dinámico de diversos recursos culturales. Las fuentes musicales más conspicuas de Puerto Rico han incluido principalmente influencias europeas, indígenas y africanas, aunque muchos aspectos de la música puertorriqueña reflejan orígenes en otras partes del Caribe. La cultura musical puertorriqueña comprende hoy una amplia y rica variedad de géneros, que van desde géneros esencialmente nativos como la bomba, la danza y la plena hasta géneros híbridos más recientes como la salsa, el trap latino y el reggaeton. En un sentido amplio, el ámbito de la "música puertorriqueña" debe comprender naturalmente la cultura musical de los millones de personas de ascendencia puertorriqueña que han vivido en los Estados Unidos, especialmente en la ciudad de Nueva York. Su música, desde la salsa hasta los boleros de Rafael Hernández, no se puede separar de la cultura musical de Puerto Rico.
Música tradicional, folclórica y popular
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Música antigua
La cultura musical en Puerto Rico durante los siglos XVI, XVII y XVIII está poco documentada. Ciertamente, incluía música sacra española, música de banda militar y diversos géneros de música bailable cultivados por los jíbaros y los africanos esclavizados y sus descendientes. Si bien estos más tarde nunca constituyeron más del 11% de la población de la isla, contribuyeron a que algunas de las características musicales más dinámicas de la isla se volvieran realmente distintas.
En el siglo XIX, la música puertorriqueña comienza a emerger a la luz histórica, con géneros anotados como la danza naturalmente mejor documentados que los géneros folclóricos como la música jíbara y la bomba y plena y seis.
La gente africana de la isla usaba tambores hechos de madera dura tallada cubierta con cuero sin tratar en un lado, comúnmente hechos de piel de cabra. Una palabra popular derivada del criollo para describir este tambor era shukbwa, que se traduce como 'tronco de árbol'
Música folclórica
Si el término "música folclórica" se entiende como géneros musicales que han florecido sin el apoyo de las élites y han evolucionado independientemente de los medios de comunicación comerciales, el ámbito de la música folclórica puertorriqueña comprendería la música jíbara principalmente de origen hispano, la bomba afropuertorriqueña y la música esencialmente "criollo" plena. Como estos tres géneros evolucionaron en Puerto Rico y son exclusivos de esa isla, ocupan un lugar respetado en la cultura isleña, aunque actualmente no son tan populares como la música contemporánea como la salsa o el reggaetón.
Música jíbara
Los jíbaros son pequeños agricultores de ascendencia mestiza que constituyeron la gran mayoría de la población puertorriqueña hasta mediados del siglo XX. Son tradicionalmente reconocidos como íconos románticos del cultivo de la tierra, trabajadores, autosuficientes, hospitalarios y con un amor innato por el canto y la danza. Sus instrumentos eran parientes de la vihuela española, especialmente el cuatro —que evolucionó de cuatro cuerdas simples a cinco pares de cuerdas dobles— y el menos conocido tiple. Un grupo jíbaro típico hoy en día puede presentar un cuatro, una guitarra y un instrumento de percusión como el güiro raspador y/o el bongo. Las letras de la música jíbara son generalmente en forma de décima, que consta de diez líneas octosílabas en el esquema de rima abba, accddc. La forma décima deriva de la España del siglo XVI. Aunque en gran parte se ha extinguido en ese país (excepto Canarias), echó raíces en varios lugares de América Latina, especialmente Cuba y Puerto Rico, donde se canta en estilos diversos. Una décima cantada puede ser precompuesta, derivada de una publicación de algún literato, o idealmente, improvisada en el acto, especialmente en forma de “controversia” en la que dos cantantes-poetas intercambian ingeniosos insultos o discuten sobre algún tema. Entre las décimas, se pueden tocar animadas improvisaciones en el cuatro. Esta forma de música también se conoce como "típica" así como "trópica".
Las décimas se cantan para almacenar melodías, con patrones estandarizados de acompañamiento de cuatro. Alrededor de veinte tipos de canciones de este tipo son de uso común. Estos se agrupan en dos grandes categorías, a saber, seis (p. ej., seis fajardeño, seis chorreao) y aguinaldo (p. ej., aguinaldo orocoveño, aguinaldo cayeyano). Tradicionalmente, el seis podía acompañar al baile, pero esta tradición se ha extinguido en gran medida, excepto en los espectáculos y festivales turísticos. El aguinaldo se canta de manera más característica durante la época navideña, cuando grupos de juerguistas (parrandas) van de casa en casa cantando jíbaros y festejando. Los textos de aguinaldo generalmente no tratan sobre la Navidad y, a diferencia de los villancicos angloamericanos, generalmente los canta un solo con los otros juerguistas cantando el coro. En general, la temporada navideña es una época en la que es más probable que se escuche música tradicional, tanto seis como aguinaldo. Afortunadamente, muchos grupos de puertorriqueños se dedican a preservar la música tradicional a través de la práctica continua.
La música jíbara llegó a comercializarse en grabaciones comerciales en el siglo XX, y los cantantes y poetas como Ramito (Flor Morales Ramos, 1915–90) están bien documentados. Sin embargo, los propios jíbaros se estaban convirtiendo en una especie en peligro de extinción, ya que la agroindustria y la urbanización han reducido drásticamente el número de pequeños agricultores en la isla. Muchas canciones jíbaras trataban en consecuencia de las vicisitudes de la migración a Nueva York. La música jíbara en general ha decaído en consecuencia, aunque conserva su lugar en la cultura local, especialmente en época navideña y reuniones sociales especiales, y hay muchos cuatrista, algunos de los cuales han cultivado un prodigioso virtuosismo.
Bomba
Las referencias históricas indican que por las décadas alrededor de 1800 los esclavos de las plantaciones cultivaban un género de música y danza llamado bomba. A mediados del siglo XX, cuando comenzó a grabarse y filmarse, la bomba se interpretaba en variantes regionales en varios puntos de la isla, especialmente en Loíza, Ponce, San Juan y Mayagüez. No es posible reconstruir la historia de la bomba; varios aspectos reflejan la derivación congoleña, aunque algunos elementos (como lo sugieren los nombres de subgéneros como holandés) provienen de otras partes del Caribe. Los elementos del Caribe francés son particularmente evidentes en el estilo bomba de Mayagüez, y se pueden ver sorprendentes paralelos coreográficos con la bélé de Martinica. Todas estas fuentes se fusionaron en un sonido único que refleja la vida de los jíbaros, los esclavos y la cultura de Puerto Rico.
En su canto de llamada y respuesta con ritmos basados en ostinatos tocados en dos o tres tambores rechonchos (barriles), la bomba se parece a otros géneros neoafricanos del Caribe. De clara procedencia africana es su formato en el que una sola persona emerge de un círculo informal de cantantes para bailar frente a los tamborileros, enzarzando al baterista principal en una especie de duelo lúdico; después de bailar un rato, esa persona es reemplazada por otra. Si bien varios de estos elementos se pueden rastrear hasta sus orígenes en África o en otros lugares, la bomba debe considerarse como una creación afropuertorriqueña local. Sus ritmos (p. ej., seis corrido, yubá, leró, etc.), movimientos de baile y letras de canciones que a veces imitan animales de granja (en español, con algunas palabras criollas francesas en el este de Puerto Rico) constituyen colectivamente un Género puertorriqueño único.
En la década de 1950, el conjunto de banda de baile de Rafael Cortijo e Ismael Rivera interpretó varias canciones que habían etiquetado como "bombas"; aunque estos tenían algunas similitudes con el estilo de bomba sicá, en sus ritmos y arreglos de trompeta también tomaron prestado notablemente de la música bailable cubana que había sido popular durante mucho tiempo en la isla. Dando origen a la música Charanga. A partir de la década de 1980, la bomba había decaído, aunque la familia Cepeda la enseñaba, de manera algo formalizada, en Santurce, San Juan, y todavía se ejecutaba activamente de manera informal, aunque con mucho vigor, en los pueblos de Loíza, hogar de los luego la dinastía de los bomberos de la familia Ayala. Bomba continúa sobreviviendo allí y también ha experimentado una especie de renacimiento, siendo cultivada por grupos folclóricos como Son Del Batey, Los Rebuleadores de San Juan, Bomba Evolución, Abrane y La Tribu, y muchos más en otras partes de la isla. En la ciudad de Nueva York con grupos como Los Pleneros de la 21, integrantes de La Casita de Chema y Alma Moyo. En Chicago, Buya y Afro-Caribe han mantenido viva y en evolución la tradición. En California, Bomba Liberte, Grupo Aguacero, Bombalele, La Mixta Criolla, Herencia de los Carrillo y Los Bomberas de la Bahía son grupos que han promovido y preservado la cultura. Las mujeres también han jugado un papel en su reactivación, como en el caso del grupo femenino Yaya, Legacy Woman, Los Bomberas de la Bahía, Grupo Bambula (grupo originalmente femenino) y Ausuba en Puerto Rico.
También ha habido una fuerte apuesta por Bomba Fusion. Grupos como Los Pleneros de la 21 y Viento De Agua han contribuido mucho a fusionar la Bomba y la Plena con el Jazz y otros Géneros. Yerbabuena ha traído un atractivo cruzado popular. Abrante y La Tribu han hecho fusiones con el Hip Hop. Tambores Calientes, Machete Movement y Ceiba han fusionado los géneros con varias formas de Rock and Roll.
Las bombas afropuertorriqueñas, desarrolladas en las haciendas cañeras de Loíza, las zonas costeras del noreste, en Guayama y el sur de Puerto Rico, utilizan tambores y panderetas, mientras que la versión rural utiliza instrumentos de cuerda. producir música, relacionado con los bongós. (1) “La bomba se baila en parejas, pero no hay contacto. Cada uno de los bailarines desafía a los tambores y músicos con sus movimientos acercándose a ellos y realizando una serie de pasos rápidos llamados floretea piquetes, creando un discurso rítmico. A diferencia de las rutinas de baile normales, los tamborileros son los que siguen a los artistas y crean un compás o ritmo basado en sus movimientos. Las mujeres que bailan bomba suelen utilizar vestidos o bufandas para realzar los movimientos corporales. A diferencia de los términos normales de la danza, los instrumentos siguen al ejecutante.
Al igual que otras tradiciones similares, la bomba ahora está bien documentada en sitios como YouTube y en algunos documentales etnográficos.
Plena
Alrededor de 1900, la plena surgió como un género folclórico humilde y proletario en los barrios urbanos de clase baja, en su mayoría afropuertorriqueños, en San Juan, Ponce y otros lugares. Posteriormente, Plena pasó a ocupar su lugar en la cultura musical isleña. En su forma por excelencia, la plena es un género de canción popular informal, sin pretensiones y simple, en el que se cantan versos y estribillos alternados con el acompañamiento de tambores de marco redondos, a menudo caseros, llamados panderetas (como panderetas sin jingles).), tal vez complementado con acordeón, guitarra o cualquier otro instrumento que pueda ser útil. Una ventaja del arreglo de percusión es su portabilidad, lo que contribuye a la aparición espontánea de la plena en las reuniones sociales. Otros instrumentos que se escuchan comúnmente en la música plena son el cuatro, las maracas y los acordeones.
El ritmo de la plena es un patrón doble simple, aunque un jugador de pandereta líder puede agregar síncopas animadas. Las melodías plenas tienden a tener un tono "folclórico" sin pretensiones. sencillez. Algunos primeros versos plena comentaban anécdotas del barrio, como "Cortarón a Elena" (Puñalaron a Elena) o "Allí vienen las maquinas" (Aquí vienen los camiones de bomberos). Muchos tenían un sabor decididamente irreverente y satírico, como "Llegó el obispo" burlándose de un obispo visitante. Algunas plenas, como "Cuando las mujeres quieren a los hombres" y "Santa María," son familiares en toda la isla. En 1935, el ensayista Tomás Blanco celebró la plena —más que la anticuada y elitista danza— como expresión del carácter racial y cultural fundamentalmente criollo, taíno o mulato de la isla. Las plenas todavía se realizan comúnmente en varios contextos; un grupo de amigos que asisten a un desfile o festival puede traer algunas panderetas y comenzar a cantar, o las nuevas palabras se adaptarán a las melodías familiares de los estudiantes que protestan o de los trabajadores en huelga que durante mucho tiempo han sido una forma habitual de protesta contra la ocupación y la esclavitud. Si bien los entusiastas pueden en ocasiones bailar en una plena, la plena no está característicamente orientada hacia la danza.
En las décadas de 1920 y 1930, las plenas comenzaron a grabarse comercialmente, especialmente por Manuel "El Canario" Jiménez, quien interpretó canciones antiguas y nuevas, complementando los instrumentos tradicionales con arreglos de piano y trompeta. En la década de 1940, César Concepción popularizó una versión de plena para big band, lo que le dio al género un nuevo prestigio, hasta cierto punto a expensas de su vigor y descaro proletarios. En la década de 1950 surgió una plena renovada interpretada por la banda más pequeña de Rafael Cortijo y el vocalista Ismael "Maelo" Rivera, alcanzando una popularidad sin precedentes y modernizando la plena mientras recuperaba su vitalidad terrenal. Muchas de las plenas de Cortijo presentan viñetas coloridas y evocadoras de la vida del barrio y dieron un nuevo tipo de reconocimiento a la contribución dinámica de los afropuertorriqueños a la cultura de la isla (y especialmente a la música). Este período representó el apogeo de la popularidad de la plena como música popular comercial. Desafortunadamente, Rivera pasó gran parte de la década de 1960 en prisión y el grupo nunca recuperó su antiguo vigor. Sin embargo, la asistencia extraordinariamente masiva al funeral de Cortijo en 1981 reflejó la perdurable popularidad del querido cantante. Para entonces, sin embargo, la popularidad de la plena había sido reemplazada por la de la salsa, aunque algunos grupos revivalistas, como Plena Libre, continúan actuando con su estilo animado, mientras que la "calle" plena también se escucha en varias ocasiones.
Danza
A finales de 1700, la danza country (contredanse en francés, contradanza en español) había llegado a prosperar como una danza recreativa popular, tanto en formas vernáculas cortesanas como festivas, en gran parte de Europa, reemplazando danzas como el minueto. Para 1800, una forma criolla del género, llamada contradanza, prosperaba en Cuba, y el género también parece haber existido, en formas vernáculas similares, en Puerto Rico, Venezuela y otros lugares, aunque la documentación es escasa. En la década de 1850, la contradanza cubana, cada vez más conocida como danza, florecía tanto como una pieza de piano de salón o como un elemento de banda de baile para acompañar el baile social, en un estilo que evolucionaba desde el baile de figuras colectivas (como un baile cuadrado) a parejas independientes bailando al estilo de salón de baile (como un vals, pero en ritmo doble en lugar de ternario). Según cronistas locales, en 1845 llegó de La Habana un barco que traía, entre otras cosas, una comitiva de jóvenes que popularizaron un nuevo estilo de contradanza/danza, confusamente llamado "merengue". Posteriormente, este estilo se hizo muy popular en Puerto Rico, hasta el punto de que en 1848 fue prohibido por el mojigato gobernador español Juan de la Pezuela y Cevallos. Esta prohibición, sin embargo, no parece haber tenido un efecto muy duradero, y el género recién fortalecido, ahora más comúnmente conocido como 'danza', siguió floreciendo en formas claramente locales. Al igual que en Cuba, estas formas incluían las piezas musicales interpretadas por conjuntos de baile, así como elementos sofisticados de música clásica ligera para piano solo (algunos de los cuales podrían ser interpretados posteriormente por bandas de baile). La danza como lenguaje de piano solo alcanzó su mayor apogeo en la música de Manuel Gregorio Tavárez (1843-1883), cuyas composiciones tienen una gracia y grandiosidad muy parecidas a la música de Chopin, su modelo. Alcanzaron mayor popularidad las numerosas danzas de su seguidor, Juan Morel Campos (1857-1896), director de orquesta y compositor extraordinariamente prolífico que, como Tavárez, murió en su juventud (no sin antes haber compuesto más de 300 danzas). Por Morel Campos' tiempo, la danza puertorriqueña se había convertido en una forma bastante distinta de la de sus contrapartes cubanas (sin mencionar las europeas). Particularmente distintiva era su forma que consistía en un paseo inicial, seguido de dos o tres secciones (a veces llamadas "merengues"), que podían incluir un "obligato"cargado de arpegios. 34; melodía tocada en el bombardino parecido a una tuba (euphonium). Muchas danzas lograron popularidad en toda la isla, incluida la pieza "La Borinqueña", que es el himno nacional de Puerto Rico. Al igual que otros géneros criollos caribeños como el danzón cubano, las danzas presentaban el insistente ostinato llamado "cinquillo" (aproximadamente, UNO-dos-TRES-CUATRO-cinco-SEIS-SIETE-ocho, repetido).
La danza siguió siendo vital hasta la década de 1920, pero después de esa década su atractivo se limitó a la élite hispanófila. Las danzas de Morel Campos, Tavárez, José Quintón y algunos otros todavía se interpretan y escuchan en varias ocasiones, y algunos compositores más recientes han escrito sus formas idiosincrásicas de danzas, pero el género ya no es un idioma popular de danza social. Durante la primera parte de la danza danzante, al compás constante de la música, las parejas pasean por el salón; durante la segunda, con un ritmo vivo, bailaban en posición de salón cerrado y la orquesta comenzaba dirigiendo a los bailarines en un "paseo" un paseo elegante por el salón de baile, que permite a los caballeros mostrar la gracia y la belleza de sus damas. Esta romántica introducción terminó con un saludo de los caballeros y una reverencia de las damas en respuesta. Luego, la orquesta tocaba y las parejas bailaban libremente por el salón al ritmo de la música.
Pop puertorriqueña
(feminine)Mucha música en Puerto Rico cae fuera de las categorías estándar de "música latina" y es mejor considerado como una variedad de "pop del mundo latino" Esta categoría incluye, por ejemplo, a Ricky Martin (quien alcanzó el número 1 en el Hot 100 de EE. UU. con 'Livin' La Vida Loca' en 1999), la boy-band Menudo (con su personal cambiante), Los Chicos, Las Cheris, Salsa Kids y Chayanne. Cantantes famosos incluyen al cantante de Despacito Luis Fonsi. Además, el cantante y guitarrista virtuoso José Feliciano, nacido en Lares, Puerto Rico, se convirtió en una estrella mundial del pop en 1968 cuando su versión de soul latino de "Light My Fire" y el LP Feliciano! se convirtieron en grandes éxitos en los rankings estadounidenses e internacionales y permitieron que Feliciano fuera el primer puertorriqueño en ganar premios Grammy, durante ese año. 'Feliz Navidad' de Feliciano sigue siendo una de las canciones navideñas más populares.
Reguetón y Dembow
Las raíces del reggaetón se encuentran en la década de 1980 del rapero puertorriqueño Vico C. A principios de la década de 1990, el reggaetón se fusionó como un género más definitivo, utilizando el "Dem Bow" riddim se deriva de una canción de Shabba Ranks con ese nombre, y se parece aún más al dancehall jamaiquino en sus versos cantados en melodías simples y estilo estentóreo, y su énfasis, a través de letras, videos y personajes de artistas, en la fiesta, el baile, la jactancia, "brillante," y la sexualidad en lugar de comentarios sociales de peso. Si bien el reggaeton puede haber comenzado como una versión en español del dancehall jamaiquino, en manos de artistas como Tego Calderón, Daddy Yankee, Don Omar y otros, pronto adquirió su sabor distintivo y hoy podría considerarse la música bailable más popular en el Caribe español, superando incluso a la salsa.
El reggaetón es un género musical que ha tenido un gran auge en Puerto Rico y en todo el mundo y que combina ritmos latinos, dancehall, hip-hop y música rap. El reggaetón se asocia frecuentemente con características de “machismo”, orgullo masculino fuerte o agresivo. Desde que las mujeres se han sumado a este género musical han estado poco representadas y han estado luchando por cambiar su imagen. Esto inevitablemente está causando controversia entre lo que era el género y lo que es ahora. El reggaetón ha pasado de ser una expresión musical con raíces jamaicanas y panameñas a ser “dembow”, un estilo más nuevo que ha cambiado el juego, que se escucha principalmente en República Dominicana. A pesar de su éxito, su reputación constante destaca la sexualidad en el baile, sus letras explícitas que tienen mujeres gritando frases sexualizadas de fondo y la ropa con la que se presentan a las mujeres. censurado en muchos países latinoamericanos por su ranchería y verdades. La censura puede verse como la forma del gobierno de reprimir a la gente y garantizar que la comunicación no sea fuerte entre la comunidad. Desde entonces, muchas mujeres se han unido al Reggaetón con la esperanza de cambiar los prejuicios. Muchas de ellas han allanado el camino y tienen carreras exitosas como Karol G, Natti Natasha y otras. Dembow ha recibido una población notable en Puerto Rico a pesar de ser originario de la República Dominicana, con influencias de Puerto Rico y Jamaica. Cuando Shabba Ranks lanzó la canción "Dem Bow" en 1990, no pasó mucho tiempo antes de que se formara el género dembow. Los principales elementos de la música dembow son su ritmo, que recuerda un poco al reggaeton y la música dancehall, pero con un ritmo más constante y más rápido que el reggaeton. Riddims se construyeron a partir de la canción y el sonido se convirtió en una parte popular del reggaeton. El ritmo y las melodías de la música dembow tienden a ser simples y repetitivas.
Ivy Queen nació como Martha Ivelisse Pesante el 4 de marzo de 1972 en Añasco, Puerto Rico. Después de escribir raps durante su juventud y competir en un club nocturno clandestino llamado The Noise, la llevó al comienzo de su carrera musical. Muchos la consideran la “Reina del Reggaeton”. Al comienzo de su carrera, fue muy difícil para ella ser tomada en serio en la industria del reggaetón porque este género musical es visto como misógino. Recientemente, ha habido controversia sobre cuán grande ha sido su influencia femenina en el género. Otro artista de reggaeton, Anuel AA, cuestionó su lugar como la "Reina del Reggaeton" ya que no había tenido un éxito en siete años. También insinuó que su novia, Karol G, debería ser la reina del reguetón. Ivy Queen respondió diciendo que su carrera allanó el camino para que las artistas femeninas prosperaran en este género. En reacción a los comentarios hechos por su novio Anuel AA, Karol G respondió con un video diciendo “Para Becky G, Natti Natasha, Anitta, Ivy Queen y todas las mujeres que me han mostrado respeto en todas mis redes sociales y entrevistas: Yo He tenido el honor de decirles en persona cuánto admiro su trabajo y trayectoria, pero todos somos dignos de lo que tenemos porque nadie le ha dado nada a nadie”. Ella continuó diciendo: “Esto es una corona, y nadie se la va a dar, por lo que han hecho. No busco un título, solo busco el éxito de mi carrera, como todos lo están haciendo todos los días. Levantarse por el sueño. A mi novio, solo quiero darle las gracias, porque sé lo que querías decir. Soy tu reina y me alegra mucho que me veas así de grande porque me motivas. Todos vamos a hacer lo que nos gusta y trabajar para ello”. En última instancia, Ivy Queen haría las paces con Anuel, y después de finalmente conocer a Karol G, Ivy continuaría apareciendo en el exitoso álbum de Karol de 2021 "KG0516" en la canción de varios artistas "Leyendas" ("Leyendas"). La canción, que también incluye a Zion, Nicky Jam y Wisin y Yandel, abre con Ivy Queen cantando partes memorables de su canción más importante hasta la fecha, “Yo Quiero Bailar” antes de que Karol se una.
Ivy Queen ha sido una influencia para otras mujeres como Cardi B y Farina. Incluso los hombres, como Bad Bunny, la han catalogado como una influencia para sus letras. Su habilidad para competir entre los hombres que dominaban el reggaetón dio esperanza a otras mujeres que tenían intereses similares en la industria de la música. Su influencia y su dominio en el género ha ayudado a otras mujeres a abrirse paso en la escena del reggaetón y abrió un lugar para el empoderamiento de la mujer no solo para la artista puertorriqueña sino también para otras latinas que son más nuevas en el juego, como Karol G y Natti Natasha, dejando a Ivy Queen para coronarse con el título de “La Reina”.
Karol G es una cantante de reggaeton colombiana que ha realizado colaboraciones con otros cantantes de reggaeton, como J Balvin, Bad Bunny y Maluma. A lo largo de su carrera, Karol G ha tenido problemas en la industria debido a que el reguetón es un género dominado por hombres. Cuenta cómo al iniciar su carrera notó que no había muchas oportunidades para ella en el género porque el reguetón estaba dominado por artistas masculinos. En 2018, el sencillo 'Mi Cama' de Karol G se hizo muy popular e hizo un remix con J Balvin y Nicky Jam. El remix de Mi cama apareció en el top 10 Hot Latin Songs y en el número 1 en las listas Latin Airplay. Este año ha colaborado con Maluma en su tema "Creeme" y con Anuel AA en la canción 'Culpables'. El sencillo, "Culpables" ha estado en el top 10 Hot Latin Songs durante 2 semanas consecutivas. El 3 de mayo de 2019, Karol G pudo lanzar su nuevo álbum llamado Ocean.
Natti Natasha es una cantante de reggaeton dominicana que también se ha unido a la industria del reggaeton y ha mencionado a Ivy Queen como una de sus influencias para su música. En 2017 hizo un sencillo llamado "Criminal" que presenta al artista de reggaeton, Ozuna. Su sencillo 'Criminal' se hizo muy popular en YouTube con más de 1.500 millones de visitas. En 2018 Natti Natasha colaboró con RKM y Ken Y en su sencillo 'Tonta'. Más tarde, también colaboró con Becky G en "Sin Pijama", que llegó al top 10 en las listas de canciones Hot Latin, Latin Airplay y Latin Pop Airplay. Luego de todas las colaboraciones que ha realizado Natti Natasha pudo lanzar su álbum llamado illumiNatti el 15 de febrero de 2019.
Influencias caribeñas
Bachata y Bachaton
Aunque se sabe que la bachata se originó en la República Dominicana, ha recibido un reconocimiento notable en Puerto Rico debido a sus fuertes lazos culturales con la República Dominicana. Incluso ha habido afirmaciones de que el género en sí fue inventado en Puerto Rico junto con la República Dominicana, principalmente a través de los músicos José Antonio Salamán (El Cantor del Pueblo), José Miguel Class (El Gallito de Manatí) y Odilio González (El Jíbarito de Lares).). Aunque otros han desmentido que lo que tocaban en cambio era más bien bolero y jíbaro. Todavía eran una influencia en el género y tuvieron un gran impacto en otros músicos. Una de las principales influencias de la bachata temprana incluye el bolero de Cuba y el jíbaro de Puerto Rico, junto con otras como el son cubano, el rock y el blues de Estados Unidos, la ranchera y el corrido de México y Merengue dominicano La aparición de estilos musicales dominicanos como la bachata y el merengue en el reggaetón coincidió con la llegada a Puerto Rico del equipo de producción dominicano de Luny Tunes, aunque no se les atribuye únicamente este desarrollo. En el 2000, recibieron la oportunidad de trabajar en el estudio de reggaeton de DJ Nelson. Comenzaron a producir una serie de lanzamientos exitosos para artistas de reggaeton como Ivy Queen, Tego Calderón y Daddy Yankee. "Pa' Que Retozen", una de las primeras canciones en combinar bachata y reggaeton apareció en el muy aclamado El Abayarde (2002) de Tego Calderón. Presenta los inconfundibles sonidos de guitarra de la bachata dominicana, aunque no fue producido por Luny Tunes por DJ Joe. Luny Tunes, sin embargo, en su álbum debut de estudio, Mas Flow (2003) incluyó un éxito de Calderón, "Métele Sazón". Mostró los arpegios de guitarra característicos de la bachata, así como los característicos riffs de piano del merengue. Luego del éxito inicial de estas canciones, otros artistas comenzaron a incorporar la bachata con el reggaeton. Artistas como Ivy Queen comenzaron a lanzar sencillos que presentaban el sonido de guitarra característico de la bachata, un ritmo romántico más lento y un estilo de canto emocional exagerado. Esto se refleja en los éxitos "Te He Querido, Te He Llorado" y 'La Mala'. 'Lo Que Paso, Paso' de Daddy Yankee y 'Dile' de Don Omar también reflejan esto. Otro uso de la bachata ocurrió en 2005 cuando los productores comenzaron a remezclar el reggaetón existente con los sonidos de guitarra característicos de la bachata, comercializándolo como bachatón y definiéndolo como "bachata, pero al estilo puertorriqueño".
Los artistas de Puerto Rico y/o de ascendencia puertorriqueña que han experimentado con la bachata y/o el bachatón incluyen a Fufi Santori, Daddy Yankee, Ivy Queen, Don Omar, Ozuna, Nicky Jam, Myke Towers, Bad Bunny, Romeo Santos, Toby Love, Alejandra Feliz, Yolandita Monge, Sonya Cortés, Domenic Marte, Tego Calderón, Héctor el Father, Tito El Bambino, Wisin & Yandel, Ángel &erio; Khriz, Chayanne, Ricky Martin, entre muchos otros.
Bolero
Aunque el bolero tiene sus orígenes en Cuba, ya había llegado a Puerto Rico en el siglo XX donde se popularizó en la isla a través de las primeras estaciones de radio en 1915 y estaba siendo tanto disfrutado como compuesto e interpretado por puertorriqueños, incluyendo figuras tan destacadas como Rafael Hernández, Daniel Santos, Pedro Flores, Johnny Albino, Odilio González, Noel Estrada, José Feliciano, Trio Vegabajeño y Tito Rodríguez, entre muchos otros. Similar al género bolero en Cuba, el bolero en Puerto Rico suele combinarse con otros géneros de origen cubano y puertorriqueño, como bomba, danza, plena, jíbaro, guaracha, mambo, rumba, cha-cha-cha y salsa..
Merengue
Aunque el merengue es un tipo de música y baile que tiene sus orígenes y también lleva una asociación muy fuerte con la República Dominicana, se generalizó por toda América Latina y los Estados Unidos, incluido Puerto Rico. La coreografía del merengue de salón es un dos pasos lateral básico, pero con un giro difícil de la cadera hacia la derecha, lo que hace que sea algo difícil de ejecutar. Los dos compañeros de baile se colocan en una posición de vals o vals. Luego, la pareja da un paso lateral, conocido como Paso de la empalizada o "paso de valla de palo" seguido de un giro en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario a las agujas del reloj. Durante todos los pasos de baile del merengue de salón, la pareja nunca se separa. El segundo tipo de merengue se llama Merengue de Figura o Merengue de Figura. La pareja ejecutante realiza giros individuales sin soltar las manos del compañero y aún manteniendo el ritmo del compás. Los artistas de merengue populares de Puerto Rico incluyen a Elvis Crespo, Olga Tañón, Gisselle, Manny Manuel, Grupo Mania, Limi-T 21, entre muchos otros. Merenhouse, que es un subgénero del merengue formado por el rap e incluye influencias de hip-hop, dancehall y latin house, se formó en la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1980. A Lisa M, quien fue la primera rapera latina importante que nació y se crió en San Juan, Puerto Rico, a menudo se le atribuye la creación de la primera canción del género merenhouse. Principalmente acreditada en su segundo álbum No Lo Derrumbes, que fue lanzado en 1990.
Guaracha y Salsa
La salsa es otro género cuya forma derivó de la fusión cubana/puertorriqueña del género, especialmente la música bailable cubana de la década de 1950, pero que en las décadas de 1960 y 1970 se convirtió en un género internacional, cultivado con especial celo y excelencia en Puerto Rico. y por puertorriqueños en la ciudad de Nueva York. Formas como la Charanga fueron muy populares entre los puertorriqueños y los nuyoricanos quienes, en efecto, rescataron este género que había estado estancado y limitado solo a Cuba en la década de 1960, dándole una nueva vida, un nuevo significado social y muchas innovaciones estilísticas nuevas. Salsa es el nombre adquirido por la forma modernizada de la música bailable de estilo cubano/puertorriqueño que fue cultivada y rearticulada a partir de fines de la década de 1960 por los puertorriqueños en la ciudad de Nueva York y, posteriormente, en Puerto Rico y otros lugares. Si bien la salsa pronto se convirtió en un fenómeno internacional, prosperando en Colombia, Venezuela y otros lugares, Nueva York y Puerto Rico siguieron siendo sus dos epicentros. Particularmente prominentes en la isla fueron El Gran Combo, Sonora Ponceña y Willie Rosario, así como la "salsa romántica" más orientada al pop. estrellas de las décadas de 1980 y 1990. (Para más información ver la entrada sobre "música salsa.")
Otros exponentes populares nuyoricanos y puertorriqueños de estos géneros han sido Tito Puente, Tito Rodríguez (cantante de guarachas y boleros), los pianistas Eddie Palmieri, Richie Ray y Papo Lucca, el conguero Ray Barreto, el trombonista y cantante Willie Colón, y los cantantes La India, Andy Montañez, Bobby Cruz, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Ismael Rivera, Tito Nieves, Pete El Conde Rodríguez y Gilberto Santa Rosa.
Reggae y Dance Hall
Puerto Rico ha tenido su escena musical tanto para artistas de reggae como de dancehall, además del género local de reggaetón, que había evolucionado en Puerto Rico principalmente a través de influencias de reggae y dancehall de Panamá y Jamaica. Artistas y bandas locales como Cultura Profética, Millo Torres y El Tercer Planeta, y Gomba Jahbari han recibido un reconocimiento notable en la isla, así como otros actos de reggae y dancehall en Puerto Rico. El reggae en Puerto Rico utiliza elementos como arreglos de trompetas intrincados y progresiones de acordes para distinguirlo de otros estilos de reggae, sobre todo del reggae jamaicano. También se canta principalmente en español y/o inglés, aunque el reggae puertorriqueño también se puede cantar en otros idiomas. Su variación del reggae también ha sido influenciada por otros géneros musicales como la salsa, que se originó en Puerto Rico, y la música jazz que vino de los Estados Unidos, ya que a los músicos locales de reggae y dancehall les gusta experimentar con otros géneros y combinarlos con sus estilo de reggae.
Música clásica
La isla alberga dos orquestas principales, la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico y la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico. El Festival Casals se lleva a cabo anualmente en San Juan y atrae a músicos clásicos de todo el mundo. Desde el siglo XIX ha habido diversos compositores puertorriqueños, entre ellos Felipe Gutiérrez Espinosa, Manuel Gregorio Tavárez, Juan Morel Campos, Aristides Chavier, Julio C. Arteaga y Braulio Dueño Colón. A principios del siglo XX encontramos a José Ignacio Quintón, Monsita Ferrer y José Enrique Pedreira. Pasando a mediados del siglo XX apareció una nueva ola de compositores, algunos de ellos con un importante grado de nacionalismo. En este grupo se encuentran Amaury Veray, Héctor Campos Parsi, Jack Delano y Luis Antonio Ramírez. Con lenguajes más contemporáneos llega la escena musical de Rafael Aponte Led y Luis Manuel Álvarez. A partir de la década de 1970, un buen número de músicos se suman a la lista y, aunque con diferentes estilos, todos tenían un sabor internacional imponente. A este grupo pertenecen Ernesto Cordero, Carlos Alberto Vázquez, Alfonso Fuentes, Raymond Torres-Santos, Alberto Rodríguez, William Ortiz-Alvarado, José Javier Peña Aguayo, Carlos Carrillo y Roberto Sierra.
Música hip-hop y rap
A medida que las condiciones sociales y el deterioro urbano afectaron los proyectos en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970, los negros y los puertorriqueños se vieron igualmente afectados. Como una forma de hacer frente al desorden que estaba ocurriendo en Nueva York, tanto los puertorriqueños como los negros trabajaron juntos para colaborar en la música rap que ayudaría a expresar su arte creativo. Como escribió Deborah Pacini Hernandez en su artículo, "Oye Como Va! Hibridez e Identidad en la Música Popular Latina," muchas de las formas en que los negros y los puertorriqueños enfrentaron sus luchas fue a través de "graffiti, DJ, maestros de ceremonias, break dance y la moda: la cultura elementos que comprenden hip-hop." (56) A medida que la música hip-hop saltó a la fama, quedó claro que los puertorriqueños tenían una influencia en la industria del hip-hop, desde el break dance hasta el sonido de la música.
"Hablar de los puertorriqueños en rap significa desafiar el sentido de la amnesia instantánea que envuelve la expresión cultural popular una vez que está atrapada en la lógica de la representación comercial. Se trata de dibujar en contextos históricos y secuencias, trazando tradiciones y antecedentes, y reconociendo hip-hop para ser más y diferente a las imágenes simuladas, poses y fórmulas que el discurso público del entretenimiento mediático tiende a reducirlo. La década y más de la vista proporcionada por la implicación puertorriqueña muestran que, en lugar de un nuevo género musical y sus atracos estilísticos acompañantes, el rap constituye un espacio para la articulación de la experiencia social. Desde esta perspectiva, lo que ha surgido como “Latin rap” tomó forma por primera vez como expresión del césped cultural compartido, y defendido por los afroamericanos y puertorriqueños durante sus décadas como vecinos, compañeros de trabajo y “homies” en las comunidades de la ciudad interior. – Juan Flores, Puerto Rocks: Rap, Roots y Amnesia
A pesar del hecho de que los puertorriqueños tuvieron un gran impacto en el auge del hip-hop a fines de la década de 1970, lucharon por recibir crédito ya que los medios de comunicación retrataban el hip-hop como un género predominantemente negro. En lugar de cambiar de género, tuvieron que encontrar otras formas de enmascarar sus identidades culturales. Por ejemplo, DJ Charlie Chase fue uno de los primeros artistas puertorriqueños en irrumpir en escena con su grupo, los Cold Crush Brothers, pero era la única persona del grupo original que no era negra. Dijo que sabía que tenía que cambiar su nombre porque si salía a actuar como Carlos Mendes, es posible que no hubiera recibido el crédito o la atención que merecía.
Sin embargo, raperos como DJ Charlie Chase prepararon el escenario para un mayor éxito comercial en el futuro. Debido al desarrollo de los puertorriqueños en el hip-hop, artistas como Big Pun, Daddy Yankee, Fat Joe, Swizz Beats, Young MA, Calle 13 (banda) se han vuelto más exitosos. Lin-Manuel Miranda logró la aclamación universal con su ópera-musical Hamilton (musical), que combina influencias clásicas y de rap.
Baile
La danza es un arte escénico relacionado con la expresión de ideas y valores. La actividad está asociada con el ejercicio debido a los movimientos requeridos para ejecutar patrones de baile específicos. En Puerto Rico, la danza se considera parte de la cultura que se transmite de generación en generación y se practica en fiestas y celebraciones familiares y comunitarias.
Influencias históricas
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La danza ha sido influenciada por las diferentes culturas de los indígenas taínos, los españoles y los esclavos africanos. Desde tiempos precolombinos, la danza siempre ha sido parte de la cultura de Puerto Rico y ha evolucionado de acuerdo a los cambios sociales y demográficos. Las danzas más antiguas documentadas por los primeros historiadores fueron las danzas taínas areyto que eran cantadas por un coro, con música y dirigidas por un guía. Practicaron la narración mientras el guía les indicaba los pasos y las canciones que debían repetir hasta terminar la historia. Las danzas de origen europeo también se hicieron populares entre la gente del campo y los pobladores de la parte central de la isla y rápidamente adquirieron características únicas de ritmo, instrumentación, interpretación e incluso moda.
A medida que disminuía la población taína, en la isla aparecieron danzas españolas, africanas y, a partir de 1898, norteamericanas, que se arraigaron y desarrollaron en las montañas, en la costa y en las ciudades.
Después de que España se hiciera cargo de la isla, la música y el baile de Puerto Rico consistieron en una combinación de estilos musicales armoniosos tomados de la cultura española, africana y de otras culturas europeas, creando el estilo característico de Puerto Rico. de baile latino.
Salsas
Se refiere a la mezcla de diferentes ritmos compuestos por diferentes bailes latinos, africanos y caribeños. Se dice que la salsa se creó por primera vez alrededor de la década de 1960 y se hizo popular drásticamente en el mundo no latino. El baile de salsa es similar al baile de mambo.
El baile de salsa está estructurado en patrones de seis pasos expresados en 8 tiempos de la música. Los 8 pasos diferentes incluyen 6 movimientos con 2 pausas. El patrón del baile es 1, 2, 3 y pausa para 4, movimiento para 5, 6, 7 y pausa para 8. Los pasos básicos son (1) adelante y atrás: este paso consta de dos pasos de rock que van hacia adentro y fuera de los movimientos. El segundo paso se conoce como el paso de baile lateral básico, es similar al primer paso excepto por este paso, los movimientos son hacia un lado. Las sensaciones y los giros de lado a lado son aspectos significativos del baile de salsa.
Cha Cha Cha
La danza Cha Cha Chá se originó en Cuba. Antes de que comience el baile, uno sabe contar el Cha Cha Chá. Los siguientes son los primeros pasos básicos: (1) Contar el Cha Cha Chá en "paso de roca, paso triple y luego paso de roca". (2) Finalmente, cuente hasta tres "1,2,3 Cha Cha Chá", lo que lleva a los tres tiempos completos y dos medios tiempos del baile. La segunda categoría se conoce como el lado básico Cha Cha Chá, el movimiento básico más utilizado del baile. Es similar al anterior excepto por el triple paso al costado en vez de en el lugar. El tercer paso se conoce como la "axila en Cha Cha Chá" y muestra cómo hacer los pasos de la axila de la dama hacia la derecha. Según el paso anterior, es posible que los hombres no tengan problemas, pero las mujeres deben conocer el punto de inflexión exacto. El baile lleva el nombre de los sonidos de raspado que producen los pies de los bailarines.
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