Música de la nueva era

New-age es un género musical destinado a crear inspiración artística, relajación y optimismo. Los oyentes lo utilizan para practicar yoga, masajes, meditación y lectura como método de manejo del estrés para lograr un estado de éxtasis en lugar de trance, o para crear una atmósfera pacífica en los hogares u otros entornos. A veces se asocia con el ambientalismo y la espiritualidad New Age; sin embargo, la mayoría de sus artistas no tienen nada que ver con la “espiritualidad New Age” y algunos incluso rechazan el término.

La música de la nueva era incluye tanto formas acústicas, con instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia variedad de instrumentos acústicos no occidentales, como formas electrónicas, que frecuentemente dependen de pads de sintetizador sostenidos o largas ejecuciones basadas en secuenciadores. Los arreglos vocales eran inicialmente raros en el género, pero a medida que evolucionó, las voces se han vuelto más comunes, especialmente aquellas que presentan cánticos con influencia de los nativos americanos, sánscritos o tibetanos, o letras basadas en la mitología, como las leyendas celtas.

No existe una definición exacta de música new age. Un artículo de la revista Billboard de 1987 comentaba que "la música New Age puede ser la música no definida de mayor éxito que jamás haya llegado a la conciencia pública". Muchos lo consideran un término general de marketing más que una categoría musical, y parte de una tendencia cultural compleja.

La música new age estuvo influenciada por una amplia gama de artistas de diversos géneros. Music for Zen Meditation (1964) de Tony Scott se considera la primera grabación de la nueva era. Paul Horn (comenzando con Inside de 1968) fue uno de sus predecesores importantes. La serie Environments de Irv Teibel (1969-1979) presentaba paisajes sonoros naturales, tintineos y canciones "Om" cánticos y fueron algunas de las primeras grabaciones psicoacústicas disponibles públicamente. La Spectrum Suite de Steven Halpern de 1975 fue una obra clave que inició el movimiento musical de la nueva era.

Definiciones

La música New Age se define más por el uso y efecto o sentimiento que produce que por los instrumentos y el género utilizados en su creación; puede ser acústico, electrónico o una mezcla de ambos. Los artistas de la nueva era abarcan desde actuaciones solistas o en conjunto utilizando instrumentos de música clásica que van desde el piano, la guitarra acústica, la flauta o el arpa hasta instrumentos musicales electrónicos, o desde instrumentos orientales como el sitar, la tabla y la tambora. También existe una importante superposición de sectores de la música new age con la música ambiental, clásica, jazz, electrónica, world, chillout, pop y espacial, entre otras.

Las dos definiciones típicamente asociadas con el género new age son:

• Música de nueva edad con un sonido ambiente que tiene el propósito explícito de ayudar a la meditación y la relajación, o ayudar y permitir diversas prácticas espirituales alternativas, como curación alternativa, práctica de yoga, meditación guiada o auditoría de chakra. Los proponentes de esta definición son casi siempre músicos que crean su música expresamente para estos propósitos. Para ser útil para la meditación, la música debe tener dinámica y textura repetitiva sin acordes o improvisaciones repentinas, lo que podría perturbar al meditador. Es minimalista en la concepción, y los músicos en el género son fundamentalmente instrumentalistas en lugar de vocalistas. Los mensajes subliminal también se utilizan en música de nueva edad, y el uso de instrumentos junto con sonidos de animales (como ballenas, lobos y águilas) y la naturaleza (cascadas, olas oceánicas, lluvia) también es popular. Flautist Dean Evenson fue uno de los primeros músicos en combinar música pacífica con los sonidos de la naturaleza, lanzando un género que se hizo popular para el masaje y el yoga. Otros artistas prominentes que crean música de nueva edad expresamente para la curación o meditación incluyen Irv Teibel, Paul Horn, Deuter, Steven Halpern, Paul Winter, Lawrence Ball, Karunesh, Krishna Das, Deva Premal, Bhagavan Das y Snatam Kaur.
• Música encontrada en las secciones de nueva edad de las tiendas de discos. Esta es en gran parte una definición de practicidad, dada la amplitud de la música clasificada como "nueva edad" por los minoristas que a menudo están menos interesados en distinciones finamente granuladas entre estilos musicales que los fans de esos estilos. La música que cae en esta definición generalmente no puede ser fácilmente clasificada en otras definiciones más comunes, pero puede contener casi cualquier tipo de música; es más de una consigna de marketing en lugar de categoría musical.

Debate y crítica

Stephen Hill, fundador de Hearts of Space, considera que "muchos de los artistas están muy sincera y plenamente comprometidos con las ideas y formas de vida New Age". Algunos compositores como Kitarō consideran que su música es parte de su crecimiento espiritual, además de expresar valores y dar forma a la cultura. Douglas Groothuis afirmó que el rechazo a toda la música etiquetada como "new age" sería caer presa de una mentalidad tabú, ya que la mayor parte de la música pertenece al estilo "progresivo" lado de la música new age, donde los compositores no necesariamente siempre tienen una cosmovisión New Age.

Sin embargo, a menudo se observa que la "música new age" es una mera designación popular que vende discos con éxito. J. Gordon Melton argumentó que no se refiere a un género musical específico, sino a la música utilizada con fines terapéuticos u otros fines de la nueva era. Kay Gardner consideró que la etiqueta "new age" una intención comercial inauténtica de la llamada música new age, diciendo que "mucha música new age es una tontería", y cómo debido a las ventas de discos, todos los que tienen un estudio en casa ponen sonidos de grillos, océanos o ríos como garantía de ventas. Lo que comenzó como música ambiental relacionada con la actividad de la nueva era se convirtió en un término para un conglomerado musical de jazz, folk, rock, étnico, clásico y electrónico, entre otros estilos, siendo el primero un movimiento musical y teórico marcadamente diferente.

Bajo el término general, algunos consideran que el álbum de rock progresivo de Mike Oldfield de 1973, Tubular Bells, es uno de los primeros álbumes al que se hace referencia bajo la descripción de género de new-age. Otros consideran que la música del compositor griego Vangelis y la fusión moderna general de jazz-rock ejemplifican el lado progresivo de la música new-age. Otros artistas incluidos son Jean-Michel Jarre (aunque sus excursiones electrónicas son anteriores al término), Andreas Vollenweider, George Winston, Mark Isham, Michael Hedges, Shadowfax, Mannheim Steamroller, Kitarō, Yanni, Enya, Clannad, Era y Enigma.

Sin embargo, muchos músicos y compositores descartan etiquetar su música como "new age". Cuando se creó por primera vez el premio Grammy al Mejor Álbum New Age en 1987, su primer ganador, Andreas Vollenweider, dijo: "No tengo ninguna intención de etiquetar mi música... Es ridículo". para darle un nombre a todo lo que es atemporal". Peter Bryant, director musical de WHYY-FM (90.9) y presentador de un programa new-age, señaló que "no me importa el término... New-age tiene una connotación negativa... En los círculos con los que entro en contacto, hay gente que trabaja en música, gente de la 'new-age'. es casi un insulto", que se refiere a "un tipo de música aburrida, muy insípida y soñadora... sin sustancia, forma o interés", y que el término se ha "atacado".;.

Harold Budd dijo: "Cuando escucho el término 'new-age' Cojo mi revólver... No me considero una persona que hace música que se supone que debe estar de fondo. Es vergonzoso que te asocien sin darte cuenta con algo que en el fondo sabes que es vacío." Vangelis considera que es un estilo que "dio la oportunidad a personas sin talento de hacer música muy aburrida". Yanni afirmó que “no quiero relajar al público; Quiero involucrarlos en la música, interesarlos”, y esa “nueva era implica una música más tenue y relajada que la que hago yo”. Mi música puede ser muy rítmica, muy enérgica e incluso muy étnica." David Van Tieghem, George Winston y Kitarō también rechazaron la etiqueta de artista new age. David Lanz dijo que "finalmente descubrió que la razón principal por la que a la gente no le gusta el término nueva era es porque es la única categoría musical que no es un término musical". Andreas Vollenweider señaló que "hemos vendido millones de discos en todo el mundo antes de que la categoría new age fuera realmente una categoría", y compartió la preocupación de que "las tiendas están teniendo este problema con la categorización".

Ron Goldstein, presidente de Private Music, coincidió con este punto de vista y explicó que "Windham Hill era el centro de todo este asunto". Debido a esa asociación, la nueva era ha llegado a ser percibida como algo de la costa oeste. Sin embargo, el director general de Windham Hill, Sam Sutherland, argumentó que incluso los fundadores de la marca, William Ackerman y Anne Robinson, "evitaron utilizar cualquier término idiomático o genérico". Siempre les pareció un poco sintético y dejaron de hacer cualquier tipo de protesta deliberada por el uso del término simplemente porque era inapropiado. Tanto Goldstein como Sutherland concluyeron que la etiqueta ayudó a mover la mercancía y que la música new age sería absorbida por el cuerpo general de la música pop unos años después de 1987.

The New York Times, Jon Pareles, señaló que la "música new-age" absorbió otros estilos en una forma más suave, pero esos mismos estilos bien definidos no necesitan la categoría new age, y esa "música new age" Se parece a otra música porque está destinada a ser un nicho de marketing: ser un "espectáculo de fórmula" diseñado para "ultraconsumidores" como accesorio de estatus; También dijo que las influencias de la música tradicional andina, asiática y africana evocan una sensación de "cosmopolitismo", mientras que la naturaleza en la obra de arte y el sonido del álbum evocan la "conexión con paisajes vírgenes".

Términos alternativos

Las fronteras de este género general no están bien definidas, pero las tiendas minoristas de música incluirán artistas de la "nueva era" categoría incluso si pertenecen a un género diferente, y esos propios artistas usan nombres diferentes para su estilo de música.

Kay Gardner calificó la música new-age original como "música curativa" o "espiritualidad femenina". Paul Winter, considerado un pionero de la música new age, también descartó el término y prefirió la "música terrestre".

El término "música instrumental" o "instrumental contemporáneo" Puede incluir artistas que no utilizan instrumentos electrónicos, como el pianista solista David Lanz. De manera similar, pianistas como Yanni y Bradley Joseph también usan este término, aunque usan teclados para incorporar texturas orquestales en capas en sus composiciones. Yanni ha distinguido el género musical del movimiento espiritual que lleva el mismo nombre. El término "música instrumental contemporánea" Andreas Vollenweider también sugirió que la "alternativa para adultos" de Gary L. Chappell, que era el término con el que Billboard llamaba a las listas de álbumes de new-age y world-music.

Historia

El concepto surgió con la participación de músicos profesionales en el movimiento New-Age. Inicialmente, no tenía ningún interés para la industria musical, por lo que los músicos y el personal relacionado fundaron sus propias pequeñas empresas discográficas independientes. Las ventas alcanzaron cifras significativas en puntos de venta inusuales como librerías, tiendas de regalos, tiendas naturistas y boutiques, así como por correo directo. Con la demanda de un gran mercado, las principales compañías discográficas comenzaron a promover la música new age en los años 1980.

La música new-age estuvo influenciada por una amplia gama de artistas de diversos géneros, por ejemplo, los instrumentistas folk John Fahey y Leo Kottke, los minimalistas Terry Riley, Steve Reich, La Monte Young y Philip Glass, el rock progresivo actos como Pink Floyd, el pionero del ambiente Brian Eno, el intérprete de sintetizadores Klaus Schulze y los artistas de jazz Keith Jarrett, Weather Report, Mahavishnu Orchestra, Paul Horn (a partir de Inside de 1968), Paul Winter (a partir de mediados de la década de 1960). con Paul Winter Consort) y Pat Metheny.

Music for Zen Meditation (1964) de Tony Scott a veces se considera la primera grabación de la nueva era, pero inicialmente fue popular principalmente en California y no se vendió a nivel nacional hasta la década de 1980. Otra escuela de música para meditación surgió entre los seguidores de Rajneesh; Deuter grabó D (1971) y Aum (1972), que mezclaban instrumentos acústicos y electrónicos con sonidos del mar. La canción de Kay Gardner Lunamuse (1974) y su primera grabación Mooncircles (1975), que eran una síntesis de música, sexualidad y espiritualidad Wiccan, fueron " música new-age antes de que se convirtiera en música new-age". Su A Rainbow Path (1984) abrazó la teoría de Halpern sobre la música curativa de esa época con la espiritualidad de las mujeres, y se convirtió en una de las artistas de música sacra de la nueva era más populares.. Mike Orme de Stylus Magazine escribe que muchos músicos clave de la escuela de Berlín ayudaron a popularizar la nueva era.

Missa Gaia/Earth Mass (1982) de Paul Winter se describe como "una obra maestra de la conciencia ecológica de la Nueva Era que celebra el carácter sagrado de la tierra, el cielo y el mar". 34;. Su trabajo en la costa este se considera una de las expresiones musicales más importantes de la espiritualidad de la nueva era. En la costa oeste, los músicos se concentraron más en la música para la curación y la meditación. El trabajo inicial más notable fue Spectrum Suite (1975) de Steven Halpern, cuyo propósito musical fue descrito como "hacer resonar áreas específicas del cuerpo... silencia el mente y cuerpo", y cuyo título se relaciona "con los siete tonos de la escala musical y los siete colores del arco iris con las siete fuentes de energía etérica (chakras) en nuestros cuerpos". En la década de 1970, su obra musical y el libro teórico Tuning the Human Instrument (1979) fueron pioneros en la práctica contemporánea de curación musical en los Estados Unidos.

En 1976 se fundó el sello discográfico Windham Hill Records, con una inversión inicial de 300 dólares, y recaudaría más de 26 millones de dólares anuales diez años después. A lo largo de los años se formaron muchos sellos discográficos que abrazaron o rechazaron la designación de la nueva era, como Narada Productions, Private Music, Music West, Lifestyle, Audion, Sonic Atmospheres, Living Music, Terra (Vanguard Records), Novus Records (que principalmente música de jazz grabada), FM (CBS Masterworks) y Cine (Capitol Records).

Entre los extremos intencionales de EE.UU.' En las costas se encuentran algunos de los artistas new-age más exitosos, como George Winston y R. Carlos Nakai. El éxito de ventas de Winston, Diciembre (1982), publicado por Windham Hill Records, fue muy popular. La mayor parte del trabajo de Nakai, con su primer lanzamiento Changes en 1983, consiste en canciones improvisadas en estilo nativo norteamericano. Durante la década de 1990, su música se convirtió en virtuales himnos de la espiritualidad de la nueva era.

En 1981, Tower Records en Mountain View, California, añadió una "nueva era" papelera. En 1985, las cadenas de tiendas minoristas de discos independientes estaban añadiendo secciones para la nueva era, y los grandes sellos comenzaron a mostrar interés en el género, tanto mediante la adquisición de algunos sellos de la nueva era existentes como Living Music de Paul Winter como mediante la firma de la llamada "nueva era" artistas como el compositor electrónico japonés Kitarō y el músico de jazz estadounidense Pat Metheny, ambos firmados por Geffen Records. La mayoría de los principales sellos discográficos aceptaron artistas de la nueva era a principios del año siguiente. A finales de la década de 1980, el género general era el género de más rápido crecimiento con una importante difusión radiofónica. Se consideró un negocio atractivo debido a los bajos costes de grabación.

Stephen Hill fundó el programa de radio new-age Hearts of Space en 1973. En 1983, NPR lo adquirió para su distribución a 230 afiliados a nivel nacional y, un año después, Hill fundó un sello discográfico., Corazones de registros espaciales. El día de San Valentín de 1987, la antigua estación de radio de rock de Los Ángeles, KMET, cambió a un formato de música new-age de tiempo completo con nuevas letras de identificación KTWV, con la marca The Wave. Durante el período de la nueva era de The Wave, la gerencia dijo a los empleados de la estación que se refirieran a The Wave como un "servicio de humor" en lugar de una "estación de radio". Los DJ dejaron de anunciar los títulos de las canciones y, en cambio, para mantener un estado de ánimo ininterrumpido, los oyentes podían llamar a un número de teléfono 1–800 para averiguar qué canción se estaba reproduciendo. Las noticias también fueron renombradas y denominadas "olas". Otros programas de radio especializados de la nueva era incluyeron Musical Starstreams de Forest y Echoes de John Diliberto. La mayoría de las principales redes de televisión por cable tienen canales que reproducen música sin imágenes, incluidos canales de New Age, como "Soundscapes" canal en Music Choice. Las dos empresas de radio por satélite Sirius Satellite Radio & XM Satellite Radio tenía cada uno sus propios canales que reproducían música new age. Sirius—Spa (Sirius XM) (73), XM—Audio Visions (77). Cuando los dos se fusionaron en noviembre de 2008 y se convirtieron en SiriusXM, el nombre Spa se mantuvo para el canal de música y se utilizó la mayor parte de la biblioteca de música de Audio Vision.

En 1987 se formó el Premio Grammy al Mejor Álbum New Age, mientras que en 1988 las listas semanales New Age del Billboard. En 1989, Suzanne Doucet produjo y celebró la primera conferencia internacional de música New-Age en Los Ángeles. En 1989, había más de 150 pequeños sellos discográficos independientes que lanzaban música new age, mientras que cientos de estaciones de radio comerciales y universitarias en los EE. UU. transmitían programas new age y alternativos para adultos, y más de 40 distribuidores vendían música new age. a través de catálogos de venta por correo.

En la década de 1990 surgieron en Japón muchos pequeños sellos discográficos de música de estilo new age, pero para este tipo de música instrumental los términos "relajante" o "curación" la música era más popular. Sadeness (Part I) de Enigma se convirtió en un éxito internacional, alcanzando el número uno en 24 países, incluido el Reino Unido, y también el número cinco en el Billboard Hot 100 de EE. UU., vendiendo más de 5 millones en todo el mundo. En ese momento, Holanda era el hogar de dos de los principales sellos europeos de la nueva era: Oreade y Narada Media. Oreade informó que en 1997 la última tendencia era la moda “angelical”. música, mientras que Narada Media predijo que el género se desarrollaría en la dirección de la música mundial (con influencias celtas, irlandesas y africanas). En 1995, algunas personas de la “nueva era” Compositores como Kitarō, Suzanne Ciani y Patrick O'Hearn pasaron de los sellos discográficos importantes a los independientes debido a la falta de promoción, la disminución de las ventas o la libertad limitada de creatividad.

En 2001, Windham Hill celebró su 25 aniversario, Narada y Higher Octave Music continuaron incursionando en la música mundial y etno-techno, y Valley Entertainment compró Hearts of Space Records. El 'único tiempo' de Enya alcanzó el puesto número 10 en la lista Billboard Hot 100, mientras que el álbum A Day Without Rain se ubicó en el puesto número 2 en la lista Billboard 200, siendo el artista new-age número uno del año.