Música de Hawai
La música de Hawái incluye una variedad de estilos tradicionales y populares, que van desde la música folclórica nativa de Hawái hasta el rock moderno y el hip hop. Los estilos como la guitarra slack-key son bien conocidos en todo el mundo, mientras que la música con tintes hawaianos es una parte frecuente de las bandas sonoras de Hollywood. Hawaii también hizo una contribución a la música country con la introducción de la guitarra de acero. Además, la música que comenzaron a tocar los puertorriqueños en Hawái a principios del siglo XX se llama música cachi cachi, en las islas de Hawái.
La música tradicional de la comunidad nativa hawaiana de Hawái es en gran medida de naturaleza religiosa e incluye cánticos y música bailable. La música hawaiana ha tenido un impacto notable en la música de otras islas polinesias; Peter Manuel llamó a la influencia de la música hawaiana un "factor unificador en el desarrollo de las músicas modernas del Pacífico".
Festivales y lugares de música
Los principales festivales de música de Hawái incluyen el Merrie Monarch Hula Festival, que reúne a grupos de hula de todo el mundo, así como una serie de festivales de slack-key y steel guitar: Big Island Slack Key Guitar Festival, Steel Guitar Association Festival y el Festival Gabby Pahinui/Atta Isaacs Slack Key. La Semana Aloha de abril es una atracción turística popular, al igual que el Festival de Música Moloka'i que se celebra alrededor del Día del Trabajo. También hubo un Festival Internacional de Jazz de Hawái, que se llevó a cabo desde 1993 hasta 2007. El Festival anual de Jazz de la Cuenca del Pacífico se lleva a cabo a mediados de otoño en el Centro de Convenciones de Hawái. El Manoa Jazz & Heritage Festival se lleva a cabo a principios de otoño en el Anfiteatro Andrews en el campus de Manoa de la Universidad de Hawái.
Hawái alberga numerosos hoteles, muchos de los cuales cuentan con música por la tarde o por la noche; algunos de los más destacados incluyen el Kahala Hilton, el Sheraton Moana Hotel, el Sheraton Waikiki, el Halekulani, Casanova's y el King Kamehameha Hotel. Los grandes lugares de música en Hawái incluyen la Universidad de Hawái en Hilo Performing Arts Center, que tiene 600 asientos y es el lugar más grande de la Isla Grande. Un lugar de 560 asientos y un centro de exhibición cultural en Kauai es el Kauai Community College Performing Arts Center. En Honolulu, el Neal S. Blaisdell Center Arena, Concert Hall y Exhibition Hall son tres de los lugares más grandes del estado. Otros lugares para la música hawaiana en Oahu incluyen Waikiki Shell, un establecimiento utilizado principalmente para conciertos y entretenimiento. A lo largo de los años, muchos artistas locales, así como internacionales, han adornado el escenario allí. Es un teatro al aire libre único ubicado en el Parque Kapiolani. Este recinto tiene capacidad para 2.400 personas, con capacidad para albergar hasta 6.000 más en la zona de césped. Los conciertos, las ceremonias de graduación y los espectáculos de hula son muy populares en este lugar, así como el Teatro Kennedy y el Anfiteatro Andrews en el campus de la Universidad de Hawái en Manoa, la Sala de Conciertos del Centro Blaisdell, el Teatro Hawái en el centro de Honolulu, el Red Elephant (un espacio de actuación y estudio de grabación en el centro de Honolulu), Paliku Theatre en el campus de Windward Community College y Leeward Community College Theatre. El histórico Teatro Lanai es un hito cultural en Lanai, que data de la década de 1930.
Instituciones e industria de la música
Hawái alberga varias instituciones musicales de renombre en varios campos. La Orquesta Sinfónica de Honolulu es una parte importante de la historia musical del estado y es la orquesta más antigua de los Estados Unidos al oeste de las Montañas Rocosas, fundada en 1900. La Orquesta ha colaborado con otras instituciones locales, como la Ópera de Hawái. Teatro y la Sociedad Coral de Oʻahu, que patrocina el Coro Sinfónico de Honolulu y el Coro de Cámara de Honolulu.
Se han creado numerosas empresas que respaldan los estilos musicales especiales y los instrumentos adecuados a la tradición musical hawaiana. The Guitar and Lute Workshop fue uno de los primeros fabricantes y defensores de guitarras especiales de tecla floja a principios de la década de 1970, y la compañía Kamaka Ukulele se estableció como fabricante clave de ukeleles para actos musicales hawaianos.
Música folclórica
La música folclórica hawaiana incluye varias variedades de cánticos (mele) y música destinada a la danza altamente ritualizada (hula). La música y la danza tradicionales hawaianas eran funcionales y se usaban para expresar elogios, comunicar genealogía y mitología, y acompañar juegos, festivales y otros eventos seculares. El idioma hawaiano no tiene una palabra que se traduzca precisamente como música, pero existe un vocabulario diverso para describir ritmos, instrumentos, estilos y elementos de producción de voz. La música folclórica hawaiana es simple en melodía y ritmo, pero es "compleja y rica" en la "poesía, acompañamiento de danza mimética (hula), y sutilezas de estilos vocales... incluso en las formas atenuadas en las que sobreviven hoy".
El canto (mele) suele ir acompañado de un ipu heke (una calabaza doble) y/o pahu (tambor cubierto de piel de tiburón). Algunas danzas requieren que los bailarines utilicen implementos de hula como ipu (una sola calabaza), ʻiliʻili (castañuelas de piedra de lava desgastada por el agua), ʻuliʻuli (calabaza emplumada sonajeros), pu`ʻili (palos de bambú partidos) o kalaʻau (palos de ritmo). El tipo más antiguo y formal de hula se llama kahiko, mientras que la versión moderna es ʻauana. También hay cantos religiosos llamados ʻoli; cuando se acompaña de baile y tambores, se llama mele hula pahu.
En el idioma hawaiano anterior al contacto, la palabra mele se refería a cualquier tipo de expresión poética, aunque ahora se traduce como canción. Los dos tipos de cánticos hawaianos eran mele oli y mele hula. Las primeras eran canciones individuales a capella, mientras que las segundas iban acompañadas de música bailable interpretada por un grupo. Los cantores eran conocidos como haku mele y eran compositores e intérpretes altamente capacitados. Algunos tipos de cánticos expresan emociones como angustia y afecto, o piden un favor a otra persona. Otros cantos son para propósitos específicos como nombrar, (mele inoa), oración (mele pule), navegar (mele he'e nalu) y recitaciones genealógicas (mele koihonua). Los cantos mele se regían por reglas estrictas y se realizaban en una serie de estilos que incluyen el rápido kepakepa y el enunciado koihonua.
Historia de la música
La documentación histórica de la música hawaiana no se extiende hasta finales del siglo XVIII, cuando los no hawaianos (haoles) llegaron a la isla. Desde 1778 en adelante, Hawai comenzó un período de aculturación con la introducción de numerosos estilos de música europea, incluidos los himnos (himeni) introducidos por coros de misioneros protestantes. Los vaqueros mexicanos de habla hispana (paniolos), fueron inmigrantes particularmente influyentes en el campo de la música, introduciendo instrumentos de cuerda como la guitarra y posiblemente también la técnica del canto de falsete, mientras que los inmigrantes portugueses trajeron el ukelele. braguina. también inmigrantes de todo el mundo habían traído sus propios instrumentos a las islas.
Elizabeth Tatar dividió la historia de la música hawaiana en siete períodos, comenzando con la llegada inicial de los europeos y sus culturas musicales, que abarca aproximadamente desde 1820 hasta 1872. El período posterior duró hasta principios del siglo XX y estuvo marcado por la creación de un estilo moderno aculturado pero característicamente hawaiano, mientras que los instrumentos europeos se extendieron por las islas. El tercer período de Tatar, desde 1900 hasta alrededor de 1915, vio la integración de la música hawaiana en el campo más amplio de la música popular estadounidense, con la invención de las canciones hapa haole, que utilizan el idioma inglés y solo elementos superficiales de la música hawaiana; El comienzo de la industria discográfica hawaiana fue en 1906, cuando Victor Talking Machine Company realizó las primeras 53 grabaciones en el territorio. Para 1912, la música hawaiana grabada había encontrado una audiencia en el continente americano. La inmigración puertorriqueña a Hawái comenzó cuando la industria azucarera de Puerto Rico fue devastada por dos huracanes en 1899. La devastación provocó una escasez mundial de azúcar y una gran demanda del producto desde Hawái. Los dueños de plantaciones de caña de azúcar en Hawai comenzaron a reclutar trabajadores desempleados, pero experimentados, en Puerto Rico. Se llevaron su música y, a principios del siglo XX, introdujeron lo que se conoce como música Cachi Cachi en las islas de Hawái.
De 1915 a 1930, el público mayoritario fuera de Hawái se enamoró cada vez más de la música hawaiana, aunque en ese momento las canciones comercializadas como hawaianas solo tenían aspectos periféricos de la música hawaiana real. La música tahitiana y samoana influyó en la música hawaiana durante este período, especialmente en sus ritmos más rápidos e intrincados. La siguiente era, desde alrededor de 1930 hasta 1960, se ha denominado la "Edad de oro de la música hawaiana". El locutor de radio nacional Webley Edwards, transmitiendo desde Honolulu, presentó por primera vez a la mayoría de los estadounidenses estilos auténticos y adaptados para orquesta y big band a través de su popular programa de radio de una hora Hawaii Calls. Artistas hawaianos como Lani McIntire, John Kameaaloha Almeida y Sol Hoʻopiʻi se convirtieron en estrellas principales como habituales en el programa y a través de presentaciones en vivo. En la década de 1960, la música de estilo hawaiano perdió popularidad en medio de una afluencia de actos de rock, soul y pop del continente estadounidense. Esta tendencia se revirtió en el período final de la historia de la música hawaiana, el período moderno que comenzó con el Renacimiento hawaiano en la década de 1970 y continuó con la fundación de una variedad de escenas musicales modernas en campos como el indie rock, el rap hawaiano (Na mele paleoleo) y Jawaiano.
Liliʻuokalani y Henri Berger
La reina Liliʻuokalani fue la última reina de Hawái antes de que la monarquía hawaiana fuera derrocada. También fue una música y compositora prolífica que escribió muchas obras musicales. Era mejor conocida por Aloha 'Oe. Una recopilación de sus obras, titulada "The Queen's Songbook", fue publicada en 1999 por The Queen Lili'uokalani Trust.
Lili'uokalani era uno de los muchos miembros de la familia real hawaiana con inclinaciones musicales. Estudiaron con un director de orquesta militar prusiano, Henri Berger, quien fue enviado por el Kaiser a pedido de Kamehameha V. Berger quedó fascinado por la música folclórica hawaiana y escribió mucha documentación sobre ella. Sin embargo, también aportó su propia formación musical en la música alemana y guió en gran medida a los músicos y compositores hawaianos con los que trabajó.
El rey Kamehameha V también, en 1847, envió a Alemania a buscar un "líder de banda" para "The Kings Own Band", ahora Royal Hawaiian Band, William Mersberg, de Weimar, Alemania. Es el bisabuelo de Henry Kaleialoha Allen. Henry Kaleialoha Allen es "uno de los tesoros vivientes de la música hawaiana de Hawái" y un maestro en educación musical y ha sido honrado muchas veces en el Pleno del Senado y por la Legislatura por ello.
Innovaciones de guitarra
Las guitarras podrían haber llegado a Hawái de varias fuentes: marineros, misioneros o viajeros hacia y desde California. La historia más contada es que acompañó a los vaqueros mexicanos (vaqueros) traídos por el rey Kamehameha III en 1832 para enseñar a los nativos cómo controlar una sobrepoblación de ganado. Los vaqueros hawaianos (paniolo) usaban guitarras en su música folclórica tradicional. Los portugueses introdujeron un instrumento llamado braguinha, una pequeña variante madeirense de cuatro cuerdas del cavaquinho; este instrumento fue un precursor del `ukelele.
Las guitarras con cuerdas de acero también llegaron con los portugueses en la década de 1860 y las guitarras slack-key se habían extendido por toda la cadena a fines de la década de 1880. Un barco llamado Ravenscrag llegó a Honolulu el 23 de agosto de 1879, trayendo trabajadores de campo portugueses de Madeira. Cuenta la leyenda que uno de los hombres, João Fernandes, luego un músico popular, trató de impresionar a los hawaianos tocando música folclórica con la braguinha de un amigo; también se dice que los hawaianos llamaron al instrumento `ukelele (pulga saltadora) en referencia a los rápidos dedos del hombre. Otros han afirmado que la palabra significa regalo que vino aquí o una corrupción de ukeke lele (ukeke bailando, un arco de tres cuerdas).
La popularidad durante la década de 1920 de la música hawaiana, con su estilo único de tocar la guitarra, impulsó la invención de la guitarra eléctrica en 1931, como una lap steel guitar, la "sartén", por Jorge Beauchamp. La amplificación eléctrica permitió que la guitarra de estilo hawaiano se escuchara en las presentaciones de bandas populares más grandes.
Finales del siglo XIX y principios del XX
En las décadas de 1880 y 1890, el rey David Kalakaua promovió la cultura hawaiana y también alentó la incorporación de nuevos instrumentos, como el ukelele y posiblemente la guitarra de acero; Kalakaua murió en 1891, por lo que es muy poco probable que lo haya escuchado. El sucesor de Kalakaua, su hermana Lili'uokalani, también fue un prolífico compositor y escribió varias canciones, como "Aloha 'Oe", que siguen siendo populares. Durante este período, la música hawaiana se convirtió en un "nuevo distintivo" estilo, usando los derivados de instrumentos europeos; Aparte de los instrumentos de cuerda generalizados, las bandas de música como la Royal Hawaiian Band interpretaron canciones hawaianas, así como marchas populares y ragtimes.
Alrededor de 1889, Joseph Kekuku comenzó a deslizar una pieza de acero por las cuerdas de una guitarra, inventando así la guitarra de acero (kika kila); Aproximadamente al mismo tiempo, la música tradicional hawaiana con letras en inglés se hizo popular. Las voces predominaron en la música hawaiana hasta el siglo XX, cuando la instrumentación asumió un papel principal. Gran parte de la guitarra slack-key moderna se ha vuelto completamente instrumental.
Desde aproximadamente 1895 hasta 1915, las bandas de baile de música hawaiana se volvieron cada vez más demandadas. Estos eran típicamente quintetos de cuerda. La música ragtime influyó en la música y las palabras en inglés se usaban comúnmente en las letras. Este tipo de música hawaiana, influenciada por la música popular y con letras que son una combinación de inglés y hawaiano (o totalmente inglés), se llama música hapa haole (literalmente: mitad blanca). En 1903, Albert "Sonny" Cunha compuso My Waikiki Mermaid, posiblemente la primera canción popular de hapa haole (la primera canción conocida de hapa haole, "Eating of the Poi", se publicó en Ka Buke o na Leo Mele Hawaii...o na Home Hawaii en Honolulu en 1888 [Ver Kanahele, George S., Hawaiian Music and Musicians pp 71–72]).
En 1927, Rose Moe (1908–1999), una cantante hawaiana, con su esposo Tau Moe (1908–2004), un guitarrista samoano, comenzaron a hacer giras con Madame Riviere's Hawaiians. En 1929 grabaron ocho canciones en Tokio. Rose y Tau continuaron de gira durante más de cincuenta años, viviendo en países como Alemania, Líbano e India. Incluso actuaron en Alemania en 1938, cuando el racismo nazi iba en aumento y las personas de color más oscuro eran consideradas personas inferiores; se dice que incluso actuaron para el mismo Adolf Hitler. Con sus hijos, la familia Tau Moe hizo mucho para difundir el sonido de la música folclórica hawaiana y la música hapa haole en todo el mundo. En 1988, la familia Tau Moe volvió a grabar las sesiones de 1929 con la ayuda del músico y etnomusicólogo Bob Brozman.
La década de 1920 también vio el desarrollo de un estilo de jazz exclusivamente hawaiano, innovado por artistas en los hoteles Moana y Royal Hawaiian.
Guitarra de tecla floja
La guitarra Slack-key (kī ho`alu en hawaiano) es un estilo de tocar con los dedos, llamado así por el hecho de que las cuerdas suelen estar "flojadas" o aflojado para crear un acorde abierto (sin dedos), ya sea un acorde mayor (el más común es G, que se llama afinación de "parche de taro") o una séptima mayor (llamada "wahine").; Afinación). Se podría inventar una afinación para tocar una canción en particular o facilitar un efecto en particular, y hasta la década de 1960 a menudo se trataban como secretos familiares y se transmitían de generación en generación. Sin embargo, en la época del Renacimiento hawaiano, el ejemplo de músicos como Auntie Alice Namakelua, Leonard Kwan, Raymond Kane y Keola Beamer había fomentado el intercambio de afinaciones y técnicas y probablemente salvó el estilo de la extinción. Las técnicas de juego incluyen "martillar", "arrancar", "campanillas" (armónicos), y "diapositivas," y estos efectos frecuentemente imitan los falsetes y las pausas vocales comunes en el canto hawaiano.
La guitarra ingresó a la cultura hawaiana desde varias direcciones: marineros, colonos, trabajadores por contrato. Una fuente importante del estilo fueron los vaqueros mexicanos contratados para trabajar en la Isla Grande de Hawái en la primera mitad del siglo XIX. Estos paniolo trajeron sus guitarras y su música, y cuando se fueron, los hawaianos desarrollaron su propio estilo de tocar el instrumento.
La guitarra Slack Key evolucionó para acompañar los ritmos del baile hawaiano y las melodías del canto hawaiano. La música hawaiana en general, que se promovió bajo el reinado del rey David Kalakaua como una cuestión de orgullo nacional y renacimiento cultural, extrajo ritmos de los ritmos hawaianos tradicionales y marchas militares europeas, y extrajo sus melodías de los himnos cristianos y de los pueblos cosmopolitas de las islas. (aunque principalmente estadounidense).
Popularización
A principios del siglo XX, los hawaianos comenzaron a hacer giras por los Estados Unidos, a menudo en pequeñas bandas. Un espectáculo de Broadway llamado Bird of Paradise presentó la música hawaiana a muchos estadounidenses en 1912 y la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco siguió en 1915; un año después, las grabaciones de música indígena hawaiana se vendieron más que todos los demás géneros musicales estadounidenses.
La creciente popularización de la música hawaiana influyó en los músicos de blues y country; esta conexión todavía se puede escuchar en el país moderno. A la inversa, músicos como Bennie Nawahi comenzaron a incorporar jazz en su música de guitarra de acero, ukelele y mandolina, mientras que el Kalama Quartet introdujo un estilo de canto grupal en falsete.
El músico Sol Hoʻopiʻi surgió durante este tiempo, tocando música hawaiana y jazz, swing occidental y country, y desarrollando la pedal steel guitar; sus grabaciones ayudaron a establecer el sonido de Nashville de la música country popular. Lani McIntire fue otro músico que infundió un sonido de guitarra hawaiana en la música popular estadounidense convencional a través de sus grabaciones con Jimmie Rodgers y Bing Crosby.
En las décadas de 1920 y 1930, la música hawaiana se convirtió en una parte integral del turismo local, y la mayoría de los hoteles y atracciones incorporaron música de una forma u otra. Entre las atracciones musicales más antiguas y populares se encontraba el Kodak Hula Show, patrocinado por Kodak, en el que un turista compraba una película Kodak y tomaba fotografías de bailarines y músicos. El espectáculo se desarrolló desde 1937 hasta 2002. Waikiki Records lanzó varios LP de vinilo con música del Kodak Hula Show, con fotografías a todo color de los artistas del espectáculo.
En la primera mitad del siglo XX, la mayoría de los hombres jóvenes que pasaban el rato en las playas de Honolulu, nadando y surfeando, llegaron a ser conocidos como los Waikiki Beachboys y sus fiestas se hicieron famosas en Hawái y en el extranjero; la mayoría tocaba el ukelele todo el día, se sentaba en la playa y eventualmente comenzó a trabajar para hoteles para entretener a los turistas.
La música popular hawaiana con versos en inglés (hapa haole) puede describirse en un sentido estricto. Generalmente, las canciones se cantan al ukelele o guitarra de acero. A veces acompaña una guitarra de cuerdas de acero. Las melodías a menudo presentan un salto interválico, como una cuarta u octava perfecta. Las voces de falsete son adecuadas para tales saltos y son comunes en el canto hawaiano, al igual que el uso de microtonos. El ritmo es principalmente en metro doble. Una escala musical que es exclusiva de la música hawaiana la impregna con su sensación distintiva, por lo que se la llama acertadamente escala hawaiana.
La Exposición Panamá-Pacífico en San Francisco en 1915 presentó la guitarra de acero hawaiana a los artistas de la música country continental y, en la década de 1930, las estrellas del country Hoot Gibson y Jimmy Davis estaban grabando discos con músicos hawaianos.
La llegada de miles de militares estadounidenses a Hawái durante la Segunda Guerra Mundial generó una demanda tanto de ritmos de swing populares como de sonidos country. El estilo de swing occidental, popular en el continente desde la década de 1930, empleó la guitarra de acero como elemento clave y, por lo tanto, fue una evolución natural. A partir de 1945, Bell Record Company de Honolulu respondió a la demanda con una serie de lanzamientos de la banda de swing occidental Fiddling Sam and his Hawaiian Buckaroos (dirigida por el violinista Homer H. Spivey, y que incluía a Lloyd C. Moore, Tiny Barton, Al Hittle, Calvert Duke, Tolbert E. Stinnett y Raymond 'Blackie' Barnes). Entre 1945 y 1950, Bell lanzó unos 40 lados de los Buckaroos hawaianos, incluido un conjunto de números de baile cuadrado.
Música moderna
En las últimas décadas, la música hawaiana tradicional ha experimentado un renacimiento, con un interés renovado tanto de los hawaianos étnicos como de otros. Las islas también han producido una serie de artistas bien considerados de rock, pop, hip hop (na mele paleoleo), dubstep, soul y reggae, y muchos músicos locales en los clubes de Waikiki y Honolulu tocan fuera de los diversos "Hawaiian& #34; géneros Hawái tiene su propia industria musical regional, con varios estilos distintivos de música popular grabada. La música popular hawaiana se basa en gran medida en la música popular estadounidense, pero tiene retenciones distintivas de la música tradicional hawaiana.
Renacimiento hawaiano
El Renacimiento hawaiano fue un resurgimiento del interés por la música hawaiana, especialmente la slack-key, entre los hawaianos étnicos. Intérpretes de larga trayectoria como Gabby Pahinui vieron sus carreras revitalizadas; Pahinui, que había comenzado a grabar en 1947, finalmente llegó al público general de los Estados Unidos cuando las sesiones en las que Ry Cooder tocó con él y su familia se publicaron como The Gabby Pahinui Hawaiian Band, vol. 1 en una de las principales discográficas del continente. Pahinui inspiró a una legión de seguidores que tocaron una mezcla de slack-key, reggae, country, rock y otros estilos. Los jugadores más tradicionales incluyeron a Leland "Atta" Isaacs, Sr., Sonny Chillingworth, Ray Kane, Leonard Kwan, Ledward Ka`apana, Dennis Pavao, mientras que Keola Beamer y Peter Moon han sido más eclécticos en su enfoque. Los hermanos Emerson reavivaron el sonido clásico de Sol Ho'opi'i con la guitarra de acero National en sus estilos vintage de la década de 1920. La Fundación Nacional de Música de Hawai de George Kanahele hizo mucho para difundir el slack-key y otras formas de música hawaiana, especialmente después de un gran concierto de 1972.
Don Ho (1930-2007), originario del pequeño barrio de Kaka'ako en Honolulu, fue el artista hawaiano más conocido de las últimas décadas del siglo XX. Aunque no jugó "tradicional" música hawaiana, Ho se convirtió en un embajador no oficial de la cultura hawaiana en todo el mundo, así como en el continente americano. El estilo de Ho a menudo combinaba elementos hawaianos tradicionales y música crooner al estilo de las décadas de 1950 y 1960 con un toque fácil de escuchar.
Loyal Garner también adoptó elementos hawaianos en su acto de salón estilo Las Vegas y en las canciones que grabó. Una tercera artista notable, Myra English, se hizo conocida como la "Champagne Lady" después de grabar la canción "Drinking Champagne" de Bill Mack en 1963 se convirtió en su canción insignia en Hawái y logró un éxito comercial considerable tanto a nivel local como en el extranjero.
Jawaiano
Jawaiian es un estilo hawaiano de música reggae. La música reggae es un género que evolucionó a fines de la década de 1960 y antes en Jamaica. Se ha vuelto popular en todo el mundo, especialmente entre los grupos étnicos y las razas históricamente oprimidas, como los nativos americanos, los isleños del Pacífico y los aborígenes australianos. En Hawái, los hawaianos étnicos y otros en el estado comenzaron a tocar una mezcla de reggae y música local a principios de la década de 1980, aunque no fue hasta finales de la década de 1980 que se reconoció como un nuevo género en la música local. Quiet Storm Records ha acreditado a la banda Simplisity como creadores del estilo Jawaiian, mientras que otras influencias incluyen a Walter Aipolani, conocido como el padre del reggae hawaiano. A fines de la década de 1980, Jawaiian llegó a dominar la escena musical local, además de generar una reacción violenta que el Honolulu Star-Bulletin comparó con la "disco apesta" Movimiento de finales de los 70.
La cultura reggae en su conjunto comenzó a dominar Hawái, ya que se puede ver a muchos lugareños luciendo recuerdos de Bob Marley, y muchas mercancías y recuerdos locales han sido adornados con los colores rojo, amarillo y verde de la soberanía hawaiana, así como del Bandera del León de Judá, un símbolo conocido del movimiento Rastafari. Los colores rasta se han convertido también en un símbolo del orgullo local.
Rock and roll
La música rock and roll ha sido popular durante mucho tiempo en Hawái: numerosos artistas de rock and roll pasaron sus años de desarrollo en Hawái (es decir, miembros de The Association, The Electric Prunes, 7th Order, Vicious Rumors, así como los guitarristas Marty Friedman y Charlie "Icarus" Johnson), y su popularidad local se remonta a los primeros días de la música rock. La carrera de Elvis Presley incluyó varias actuaciones y récords relacionados con Hawái: una actuación en vivo en marzo de 1961 para recaudar dinero para la construcción del USS Arizona Memorial en el Pearl Harbor Bloch Arena en marzo de 1961, su Aloha from Hawaii Via Satélite "regreso" disco y concierto en 1973, y tres de sus películas se desarrollaron en Hawái (Blue Hawaii, Girls! Girls! Girls! y Paradise, Hawaiian Style).
Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas como Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors, Eric Clapton, Deep Purple, Jeff Beck y muchos otros grandes artistas de rock.
Los Crater Festivals de tres días de duración (que se celebran durante las festividades de Año Nuevo y el 4 de julio) en Diamond Head en las décadas de 1960 y 1970 fueron muy concurridos a lo largo de la época y con frecuencia presentaban bandas populares como Fleetwood Mac, Journey y Santana (Carlos Santana y Buddy Miles lanzaron su actuación en el Crater Festival de 1972 en el LP Carlos Santana & Buddy Miles! Live!).
Jazz
Músicas
(feminine)Algunos músicos de jazz notables actuales y retirados en Hawái incluyen a Gabe Baltazar (saxofón), Martin Denny (piano), Arthur Lyman (vibráfono y marimba), Henry Allen (guitarra), vonBaron (batería), David Choy (saxofón), Rich Crandall (piano), Dan Del Negro (teclados), Pierre Grill (piano/teclados/trombón), Bruce Hamada (bajo), DeShannon Higa (trompeta), Jim Howard (piano), Steve Jones (bajo), John Kolivas (bajo), Noel Okimoto (batería/percusión/vibraciones), Michael Paulo (cañas), Rene Paulo (piano de cola acústico) fue un precursor de la grabación de música hawaiana en salas de jazz a principios de la década de 1960 y es uno de los artistas de Hawái. Grandes legendarios de la música, Robert Shinoda (guitarra), Arex Ikehara (bajo), Phil Bennett (batería), Aron Nelson (piano), Tennyson Stephens (piano), Dean Taba (bajo), Betty Loo Taylor (piano), Tim Tsukiyama (saxofón), Reggie Padilla (saxofón) y Abe Lagrimas Jr. (batería/ukelele/vibraciones).
Entre los vocalistas de jazz destacados de Hawái, tanto actuales como retirados, se encuentran Jimmy Borges, Rachel Gonzales, Azure McCall, Dana Land, Joy Woode e I. Mihana Souza. Aunque la vocalista hawaiana Melveen Leed es conocida principalmente por cantar hawaiano y "país hawaiano" música, también ha obtenido buenas críticas como cantante de jazz.
Hay actuaciones frecuentes de las bandas de jazz de la Universidad de Hawái.
Ukelele
El ukelele fue introducido en Hawái por inmigrantes de Madeira a fines del siglo XIX. Los portugueses trajeron un pequeño instrumento parecido a una guitarra, conocido como machete. El instrumento se hizo muy popular en la cultura hawaiana, y la mayoría de las canciones hawaianas incluyen el ukelele. En hawaiano, ukelele significa literalmente "pulga (uku) saltando (lele)." Se llamó así porque cuando se tocan, el tono alto de las cuerdas recuerda la imagen de una pulga saltando. Actualmente hay cuatro tamaños de ukelele; soprano, concierto, tenor y barítono.
La reina Liliuokalani, la última reina hawaiana, creía que el nombre del ukelele significa "El regalo que vino aquí". Ella creía esto debido a las palabras hawaianas "uku" que significa "regalo o recompensa" y "lele" que significa "venir."
El ukelele se puede tocar con rasgueos simples o elaborados, así como con el dedo.
La madera de koa es una de las maderas de mayor calidad que crea un sonido profundo y claro para el ukelele. Esto hace que los ukeleles Koa sean muy distinguibles por el sonido. Debido a esto, la madera de koa es conocida como una madera venerada para crear un ukelele. Los ukeleles de koa no solo se distinguen por el sonido, sino también por su apariencia. Tienen un patrón de grano y un color únicos que les permite destacarse más que la madera promedio.
‘Ūkēkē
El Ukeke es un arco musical hawaiano que se toca con la boca. Es el único instrumento de cuerda autóctono de Hawái.
'Ohe hano ihu
La 'ohe hano ihu, (hawaiano: `ohe = bambú +hano = aliento + ihu = nariz) o flauta de nariz hawaiana tradicional en inglés, es otro tipo de instrumento hawaiano que Tiene importancia cultural y musical. Está hecho de una sola sección de bambú. Según Arts and Crafts of Hawai`i de Te Rangi Hiroa, las flautas antiguas de la colección del Museo Bishop tienen un orificio en el área del nodo para la respiración y dos o tres orificios para los dedos. En la muestra de tres orificios para los dedos, se coloca un orificio para digitación cerca del orificio para respirar. Las longitudes varían de 10 a 21 pulgadas (250 a 530 mm). La tradición oral en varias familias establece que el número de agujeros de digitación variaba de uno a cuatro, y la ubicación de los agujeros variaba según el gusto musical del ejecutante.
Aunque principalmente es un instrumento de cortejo que se toca en privado y para el disfrute personal, también se puede usar junto con cánticos, canciones y hula. Se decía que los kumu hula (maestros de baile) podían hacer sonar la flauta como si estuviera cantando o cantar mientras tocaban. Kumu hula Leilehua Yuen es uno de los pocos músicos hawaianos contemporáneos que toca con la flauta nasal de esta manera.
En el siglo XIX y principios del XX, los hombres jóvenes todavía usaban el 'ohe hano ihu como una forma de ganarse el afecto y el amor de una mujer. Hoy, el `ohe hano ihu está disfrutando de un resurgimiento de popularidad.
Dos tradiciones orales diferentes explican el uso de la nariz para tocar el `ohe hano ihu. Según uno, el `ohe hano ihu se juega con el aire de la nariz en lugar de con el de la boca porque una persona'shā, la respiración, expresa el ser interior de la persona.. A medida que el hā viaja desde el na`ao, o tripa, a través de la boca, el hā puede usarse para mentir. Cuando el hā viaja por la nariz, no puede mentir. Por lo tanto, si un joven ama a una mujer, ese amor se expresará en la música que toca con su `ohe hano ihu. De acuerdo con la otra tradición, el instrumento se toca con la nariz para permitir que el jugador cante o cante suavemente mientras toca.
El folclore moderno dice que la flauta hawaiana expresa "aloha" porque para escuchar la flauta hay que acercarse al alo, "cara" o "presencia" del jugador para escuchar el hā, "aliento divino" y así el oyente experimenta "estar en la presencia del otro compartiendo el aliento divino". Si bien es útil como una forma de recordar la naturaleza contemplativa y personal de la flauta hawaiana tradicional, no hay evidencia etimológica real, ni hay evidencia en los cantos o historias tradicionales, para respaldar esta etimología. En el idioma hawaiano, hā, aliento, no está relacionado con la palabra ha, un prefijo causativo. una búsqueda de palabras afines en idiomas relacionados tampoco revela tales etimologías para la palabra "aloha".
Según el libro `Ohe, de Leilehua Yuen, el instrumento fue popularizado en la década de 1970 por miembros de la familia Beamer que lo tocaban durante presentaciones en giras por Norteamérica, así como en el islas hawaianas. Segmentos del programa de televisión educativo para niños, Barrio Sésamo, que mostraban a Keola Beamer y al Sr. Snuffalupagus, uno de los grandes personajes de marionetas, tocando `ohe hano ihu llamaron la atención nacional sobre el instrumento. Winona Beamer, la madre de Keola Beamer, una destacada kumu hula, también enseñó el uso de `ohe hano ihu en hula. Su hija hānai, Maile Beamer Loo, continúa preservando y enseñando ese legado, y documenta aspectos tan importantes de la herencia musical y escénica hawaiana a través de la Sociedad de Preservación de Hula.
Músicos notables de finales del siglo XX y principios del siglo XXI del `ohe hano ihu incluyen a Mahi Beamer, Nona Beamer, Keola Beamer, Kapono Beamer, Calvin Hoe, Nelson Kaai, Anthony Natividad y Manu Josiah.
Otro
Bruno Mars de Honolulu tiene 8 éxitos #1 en Billboard Hot 100, incluidos "Uptown Funk" en 2015.
Glenn Medeiros alcanzó el número 1 en el Hot 100 en 1990 con 'She Ain't Worth It'. con Bobby Brown.
Bette Midler, también de Honolulu, alcanzó el número 1 en el Hot 100 con "Wind Beneath My Wings" en 1989.
Tane Cain, que se crió en Hawái, alcanzó el puesto número 37 en la lista Hot 100 con "Holdin' en & # 34; en 1982.
Yvonne Elliman, de Honolulu, alcanzó el número 1 en el Hot 100 con la canción disco "If I Can't Have You" de Fiebre del sábado noche en 1978.