Musica de estados unidos
La música de los Estados Unidos refleja la población multiétnica del país a través de una diversa gama de estilos. Es una mezcla de música influenciada por la música de Europa, pueblos indígenas, África Occidental, América Latina, Medio Oriente, África del Norte, entre muchos otros lugares. Los géneros de mayor renombre internacional del país son el pop tradicional, el jazz, el blues, el country, el bluegrass, el rock, el rock and roll, el R&B, el pop, el hip-hop/rap, el soul, el funk, el religioso, el disco, el house, techno, ragtime, doo-wop, folk, americana, boogaloo, tejano, reggaeton, surf y salsa, entre muchos otros. La música estadounidense se escucha en todo el mundo. Desde principios del siglo XX, algunas formas de música popular estadounidense han ganado una audiencia casi global.
Los nativos americanos fueron los primeros habitantes de la tierra que hoy se conoce como Estados Unidos y tocaron su primera música. A partir del siglo XVII, comenzaron a llegar en gran número colonos del Reino Unido, Irlanda, España, Alemania y Francia, trayendo consigo nuevos estilos e instrumentos. Los esclavos de África Occidental trajeron sus tradiciones musicales, y cada ola posterior de inmigrantes contribuyó a un crisol.
También hay algunas influencias afroamericanas en la tradición musical de los colonos europeo-americanos, como el jazz, el blues, el rock, el country y el bluegrass. Estados Unidos también ha visto música folclórica documentada y música popular grabada producida en los estilos étnicos de las comunidades ucraniana, irlandesa, escocesa, polaca, hispana y judía, entre otras.
Muchas ciudades y pueblos estadounidenses tienen escenas musicales vibrantes que, a su vez, respaldan una serie de estilos musicales regionales. Todos los centros musicales de todo el país han producido y contribuido a los muchos estilos distintivos de la música estadounidense. Las tradiciones cajún y criolla en la música de Luisiana, los estilos folclóricos y populares de la música hawaiana y el bluegrass y la música antigua de los estados del sureste son algunos ejemplos de la diversidad en la música estadounidense.
Características
La música de los Estados Unidos se puede caracterizar por el uso de ritmos síncopados y asimétricos, melodías largas e irregulares, que se dice que "reflejan la amplia geografía abierta (del paisaje estadounidense)" y el "sentido de libertad personal característico de la vida estadounidense". Algunos aspectos distintivos de la música estadounidense, como el formato de llamada y respuesta, se derivan de técnicas e instrumentos africanos.
A lo largo de la última parte de la historia estadounidense y en los tiempos modernos, la relación entre la música estadounidense y la europea ha sido un tema discutido entre los estudiosos de la música estadounidense. Algunos han instado a la adopción de técnicas y estilos más puramente europeos, que a veces se perciben como más refinados o elegantes, mientras que otros han presionado por un sentido de nacionalismo musical que celebra los estilos distintivamente estadounidenses. El estudioso de la música clásica moderna, John Warthen Struble, ha contrastado la música estadounidense y la europea, y concluyó que la música de los Estados Unidos es intrínsecamente distinta porque los Estados Unidos no han tenido siglos de evolución musical como nación. En cambio, la música de los Estados Unidos es la de docenas o cientos de grupos indígenas e inmigrantes, todos los cuales se desarrollaron en gran medida en aislamiento regional hasta la Guerra Civil Estadounidense, cuando personas de todo el país se unieron en unidades del ejército, intercambiando estilos musicales. y prácticas. Struble consideró las baladas de la Guerra Civil "la primera música folclórica estadounidense con características discernibles que pueden considerarse exclusivas de Estados Unidos: la primera música 'estadounidense' música sonora, a diferencia de cualquier estilo regional derivado de otro país."
La Guerra Civil y el período posterior a ella vieron un florecimiento general del arte, la literatura y la música estadounidenses. Los conjuntos musicales aficionados de esta época pueden verse como el nacimiento de la música popular estadounidense. El autor musical David Ewen describe estas primeras bandas de aficionados como una combinación de "la profundidad y el drama de los clásicos con una técnica poco exigente, evitando la complejidad en favor de la expresión directa". Si fuera música vocal, las palabras estarían en inglés, a pesar de los snobs que declararon el inglés como un idioma no cantable. En cierto modo, fue parte de todo el despertar de Estados Unidos que ocurrió después de la Guerra Civil, una época en la que los pintores, escritores y 'serios' los compositores abordaron temas específicamente estadounidenses." Durante este período se formaron las raíces del blues, el gospel, el jazz y la música country; en el siglo XX, estos se convirtieron en el núcleo de la música popular estadounidense, que evolucionó aún más hacia estilos como el ritmo y el blues, el rock and roll y la música hip hop.
Identidad social
La música se entrelaza con aspectos de la identidad social y cultural estadounidense, incluso a través de la clase social, la raza y el origen étnico, la geografía, la religión, el idioma, el género y la sexualidad. La relación entre la música y la raza es quizás el determinante más potente del significado musical en los Estados Unidos. El desarrollo de una identidad musical afroamericana, a partir de fuentes dispares de África y Europa, ha sido un tema constante en la historia de la música de los Estados Unidos. Existe poca documentación de la música afroamericana de la época colonial, cuando estilos, canciones e instrumentos de África Occidental se mezclaron con estilos e instrumentos europeos, lo que llevó a la creación de nuevos géneros y la autoexpresión de las personas esclavizadas. A mediados del siglo XIX, una tradición folclórica distintivamente afroamericana era bien conocida y generalizada, y las técnicas, instrumentos e imágenes musicales afroamericanos se convirtieron en parte de la música estadounidense convencional a través de espirituales, espectáculos de trovadores y canciones de esclavos. Los estilos musicales afroamericanos se convirtieron en una parte integral de la música popular estadounidense a través del blues, el jazz, el rythm and blues, y luego el rock and roll, el soul y el hip hop; todos estos estilos fueron consumidos por estadounidenses de todas las razas, pero se crearon en estilos y modismos afroamericanos antes de volverse comunes en el desempeño y el consumo en todas las líneas raciales. Por el contrario, la música country se deriva de las tradiciones africanas y europeas, así como de los nativos americanos y hawaianos, y se ha percibido durante mucho tiempo como una forma de música blanca.
Las clases económicas y sociales separan la música estadounidense a través de la creación y el consumo de música, como el patrocinio de la clase alta de los asistentes a la sinfonía y los intérpretes generalmente pobres de músicas folclóricas rurales y étnicas. Sin embargo, las divisiones musicales basadas en la clase no son absolutas y, a veces, se perciben tanto como reales; La música country estadounidense popular, por ejemplo, es un género comercial diseñado para "apelar a una identidad de clase trabajadora, ya sea que sus oyentes sean o no de clase trabajadora". La música country también está entrelazada con la identidad geográfica, y es específicamente rural en origen y función; otros géneros, como el R&B y el hip hop, se perciben como inherentemente urbanos. Durante gran parte de la historia estadounidense, hacer música ha sido una "actividad feminizada". En el siglo XIX, el piano y el canto de aficionados se consideraban apropiados para mujeres de clase media y alta. Las mujeres también fueron una parte importante de la interpretación de la música popular temprana, aunque las tradiciones grabadas rápidamente se volvieron más dominadas por los hombres. La mayoría de los géneros de música popular dominados por hombres incluyen también a artistas femeninas, a menudo en un nicho que atrae principalmente a mujeres; estos incluyen gangsta rap y heavy metal.
Historia
Diversidad
A menudo se dice que Estados Unidos es un crisol de culturas, que recibe influencias de todo el mundo y crea nuevos métodos distintivos de expresión cultural. Aunque los aspectos de la música estadounidense se remontan a orígenes específicos, reclamar una cultura original en particular para un elemento musical es inherentemente problemático, debido a la constante evolución de la música estadounidense a través del trasplante y la hibridación de técnicas, instrumentos y géneros. Elementos de músicas extranjeras llegaron a los Estados Unidos tanto a través del patrocinio formal de eventos educativos y de divulgación por parte de individuos y grupos, como a través de procesos informales, como en el trasplante incidental de música de África Occidental a través de la esclavitud y la música irlandesa a través de la inmigración. Las músicas más claramente estadounidenses son el resultado de la hibridación intercultural a través del contacto cercano. La esclavitud, por ejemplo, mezcló a personas de numerosas tribus en viviendas estrechas, lo que resultó en una tradición musical compartida que se enriqueció a través de una mayor hibridación con elementos de la música indígena, latina y europea. La diversidad étnica, religiosa y racial estadounidense también ha producido géneros entremezclados como la música franco-africana de los criollos de Luisiana, la fusión de la música tejana nativa, mexicana y europea, y la guitarra slack-key completamente híbrida y otros estilos de la música hawaiana moderna..
El proceso de trasplante de música entre culturas no está exento de críticas. El renacimiento popular de mediados del siglo XX, por ejemplo, se apropió de las músicas de varios pueblos rurales, en parte para promover ciertas causas políticas, lo que ha provocado que algunos se cuestionen si el proceso provocó la "mercantilización comercial de otros pueblos" 39; canciones... y la inevitable dilución de la media" en las músicas apropiadas. El uso de técnicas, imágenes y conceptos musicales afroamericanos en la música popular en gran parte por y para estadounidenses blancos se ha generalizado desde al menos las canciones de mediados del siglo XIX de Stephen Foster y el auge de los espectáculos de trovadores. La industria de la música estadounidense ha intentado activamente popularizar a los intérpretes blancos de música afroamericana porque son más aceptables para los estadounidenses de clase media y corriente. Este proceso se ha relacionado con el surgimiento de estrellas tan variadas como Benny Goodman, Eminem y Elvis Presley, así como con estilos populares como el blue-eyed soul y el rockabilly.
Música folclórica
La música folclórica en los EE. UU. varía según los numerosos grupos étnicos del país. Las tribus nativas americanas tocan cada una sus propias variedades de música folclórica, la mayoría de naturaleza espiritual. La música afroamericana incluye blues y gospel, descendientes de la música de África occidental traída a las Américas por esclavos y mezclada con música de Europa occidental. Durante la era colonial, los estilos e instrumentos ingleses, franceses y españoles fueron traídos a las Américas. A principios del siglo XX, Estados Unidos se había convertido en un importante centro de música folclórica de todo el mundo, incluida la polka, el violín ucraniano y polaco, el ashkenazí, el klezmer y varios tipos de música latina.
Los nativos americanos tocaron la primera música folclórica en lo que hoy es Estados Unidos, utilizando una amplia variedad de estilos y técnicas. Sin embargo, algunos puntos en común son casi universales entre la música tradicional de los nativos americanos, especialmente la falta de armonía y polifonía, y el uso de vocablos y figuras melódicas descendentes. Las instrumentaciones tradicionales usan la flauta y muchos tipos de instrumentos de percusión, como tambores, sonajas y maracas. Desde que se estableció el contacto europeo y africano, la música folclórica nativa americana ha crecido en nuevas direcciones, en fusiones con estilos dispares como las danzas folclóricas europeas y la música tejana. La música nativa americana moderna puede ser mejor conocida por pow wows, reuniones pan-tribales en las que se realizan bailes y música de estilo tradicional.
Las Trece Colonias de los Estados Unidos originales eran antiguas posesiones inglesas, y la cultura anglosajona se convirtió en una base importante para la música folklórica y popular estadounidense. Muchas canciones populares estadounidenses son idénticas a las canciones británicas en los arreglos, pero con letras nuevas, a menudo como parodias del material original. Las canciones estadounidense-anglo también se caracterizan por tener menos melodías pentatónicas, un acompañamiento menos prominente (pero con un uso más intenso de drones) y más melodías en mayor. La música tradicional angloamericana también incluye una variedad de baladas, historias humorísticas y cuentos fantásticos, y canciones sobre desastres relacionados con la minería, los naufragios y los asesinatos. Héroes legendarios como Joe Magarac, John Henry y Jesse James forman parte de muchas canciones. Los bailes folclóricos de origen británico incluyen el baile cuadrado, descendiente de la cuadrilla, combinado con la innovación estadounidense de un llamador que instruye a los bailarines. La sociedad comunal religiosa conocida como Shakers emigró de Inglaterra durante el siglo XVIII y desarrolló su propio estilo de danza folclórica. Sus primeras canciones se remontan a los modelos de canciones populares británicas. Otras sociedades religiosas establecieron sus propias culturas musicales únicas a principios de la historia estadounidense, como la música de los Amish, la Sociedad de la Armonía y el Claustro de Ephrata en Pensilvania.
Los antepasados de la población afroamericana actual fueron traídos a los Estados Unidos como esclavos, trabajando principalmente en las plantaciones del sur. Procedían de cientos de tribus de África occidental y trajeron consigo ciertos rasgos de la música de África occidental, como voces de llamada y respuesta y música rítmica compleja, así como ritmos sincopados y acentos cambiantes. El enfoque musical africano en el canto y el baile rítmicos se llevó al Nuevo Mundo, donde se convirtió en parte de una cultura popular distinta que ayudó a los africanos a "mantener la continuidad con su pasado a través de la música". Los primeros esclavos en los Estados Unidos cantaban canciones de trabajo, gritos de campo y, después de la cristianización, himnos. En el siglo XIX, un gran despertar del fervor religioso se apoderó de la gente de todo el país, especialmente del sur. Los himnos protestantes escritos en su mayoría por predicadores de Nueva Inglaterra se convirtieron en una característica de las reuniones campestres celebradas entre los cristianos devotos en todo el sur. Cuando los negros comenzaron a cantar versiones adaptadas de estos himnos, se los llamó negros espirituales. Fue a partir de estas raíces, de canciones espirituales, canciones de trabajo y gritos de campo, que se desarrollaron el blues, el jazz y el gospel.
Blues y espirituales
Los espirituales eran principalmente expresiones de fe religiosa, cantados por esclavos en las plantaciones del sur. A mediados y finales del siglo XIX, los espirituales se extendieron desde el sur de los EE. UU. En 1871, la Universidad de Fisk se convirtió en el hogar de los Fisk Jubilee Singers, un grupo pionero que popularizó los espirituales en todo el país. A imitación de este grupo, surgieron cuartetos de gospel, seguidos de una diversificación cada vez mayor con el auge de los predicadores jackleg y cantantes a principios del siglo XX, de donde surgió el estilo popular de la música gospel.
Blues es una combinación de canciones de trabajo africanas, gritos y gritos de campo. Se desarrolló en el Sur rural en la primera década del siglo XX. Las características más importantes del blues es su uso de la escala de blues, con una tercera bemol o indeterminada, así como las letras típicamente lamentándose; aunque ambos elementos habían existido en la música folclórica afroamericana antes del siglo XX, la forma codificada del blues moderno (como la estructura AAB) no existió hasta principios del siglo XX.
Otras comunidades de inmigrantes
Estados Unidos es un crisol formado por numerosos grupos étnicos. Muchos de estos pueblos han mantenido vivas las tradiciones folclóricas de su tierra natal, a menudo produciendo estilos distintivos estadounidenses de música extranjera. Algunas nacionalidades han producido escenas locales en regiones del país donde se han agrupado, como la música caboverdiana en Nueva Inglaterra, la música armenia en California y la música italiana y ucraniana en la ciudad de Nueva York.
Los criollos son una comunidad con variada ascendencia no anglosajona, en su mayoría descendientes de personas que vivían en Luisiana antes de que EE. UU. la comprara. Los cajunes son un grupo de francófonos que llegaron a Luisiana después de dejar Acadia en Canadá. La ciudad de Nueva Orleans, Luisiana, al ser un puerto importante, ha actuado como un crisol de personas de toda la cuenca del Caribe. El resultado es un conjunto diverso y sincrético de estilos de música cajún y música criolla.
España y, posteriormente, México controlaron gran parte de lo que ahora es el oeste de los Estados Unidos hasta la guerra entre México y Estados Unidos, incluido todo el estado de Texas. Después de que Texas se unió a los Estados Unidos, los tejanos nativos que vivían en el estado comenzaron a desarrollarse culturalmente por separado de sus vecinos del sur y se mantuvieron culturalmente distintos de otros tejanos. Un elemento central de la evolución de la música tejana temprana fue la combinación de formas tradicionales mexicanas como el mariachi y el corrido, y los estilos europeos continentales introducidos por los colonos alemanes y checos a fines del siglo XIX. En particular, el acordeón fue adoptado por los músicos folclóricos tejanos a principios del siglo XX y se convirtió en un instrumento popular para los músicos aficionados en Texas y el norte de México.
Música clásica
La música clásica llegó a los Estados Unidos con algunos de los primeros colonos. La música clásica europea tiene sus raíces en las tradiciones del arte europeo, la música eclesiástica y de concierto. Las normas centrales de esta tradición se desarrollaron entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como el período de práctica común. Muchos compositores clásicos estadounidenses intentaron trabajar completamente dentro de los modelos europeos hasta finales del siglo XIX. Cuando Antonín Dvořák, un destacado compositor checo, visitó los Estados Unidos entre 1892 y 1895, reiteró la idea de que la música clásica estadounidense necesitaba sus propios modelos en lugar de imitar a los compositores europeos; ayudó a inspirar a los compositores posteriores a crear un estilo claramente estadounidense de música clásica. A principios del siglo XX, muchos compositores estadounidenses incorporaron elementos dispares en su trabajo, desde el jazz y el blues hasta la música de los nativos americanos.
Música clásica antigua
Durante la era colonial, había dos campos distintos de lo que ahora se considera música clásica. Uno estaba asociado con compositores y pedagogos aficionados, cuyo estilo se extrajo originalmente de himnos simples y ganó sofisticación con el tiempo. La otra tradición colonial fue la de las ciudades del Atlántico medio como Filadelfia y Baltimore, que produjeron una serie de destacados compositores que trabajaron casi por completo dentro del modelo europeo; estos compositores eran en su mayoría de origen inglés y trabajaron específicamente en el estilo de destacados compositores ingleses de la época.
La música clásica llegó a los Estados Unidos durante la era colonial. Muchos compositores estadounidenses de este período trabajaron exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como William Billings, Supply Belcher y Justin Morgan, también conocidos como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra, desarrollaron un estilo casi completamente independiente de modelos europeos. De estos compositores, Billings es el más recordado; también fue influyente "como el fundador del coro de la iglesia estadounidense, como el primer músico en usar una flauta y como el primero en introducir un violonchelo en el servicio de la iglesia". Muchos de estos compositores eran cantantes aficionados que desarrollaron nuevas formas de música sacra adecuadas para la interpretación de aficionados y, a menudo, utilizaban métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. Estos compositores' los estilos no fueron tocados por 'la influencia de sus sofisticados contemporáneos europeos', utilizando escalas o melodías modales o pentatónicas y evitando las reglas europeas de armonía.
A principios del siglo XIX, Estados Unidos produjo diversos compositores, como Anthony Heinrich, quien compuso en un estilo idiosincrásico e intencionalmente estadounidense y fue el primer compositor estadounidense en escribir para una orquesta sinfónica. Muchos otros compositores, los más famosos William Henry Fry y George Frederick Bristow, apoyaron la idea de un estilo clásico estadounidense, aunque sus obras tenían una orientación muy europea. Sin embargo, fue John Knowles Paine quien se convirtió en el primer compositor estadounidense en ser aceptado en Europa. El ejemplo de Paine inspiró a los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra, que incluía figuras como Amy Beach, Edward MacDowell y Horatio Parker.
Louis Moreau Gottschalk es quizás el compositor estadounidense mejor recordado del siglo XIX; el historiador musical Richard Crawford dice que es conocido por "traer temas y ritmos indígenas o folclóricos a la música para la sala de conciertos". La música de Gottschalk reflejaba la mezcla cultural de su ciudad natal, Nueva Orleans, Luisiana, que albergaba una variedad de música latina, caribeña, afroamericana, cajún y criolla. Fue bien reconocido como un pianista talentoso en su vida, y también fue un compositor conocido que sigue siendo admirado aunque se interprete poco.
Siglo XX
La escena de la música clásica de Nueva York incluía a Charles Griffes, originario de Elmira, Nueva York, quien comenzó a publicar su material más innovador en 1914. Sus primeras colaboraciones fueron intentos de utilizar temas musicales no occidentales. El compositor neoyorquino más conocido fue George Gershwin. Gershwin fue un compositor de Tin Pan Alley y los teatros de Broadway, y sus obras estuvieron fuertemente influenciadas por el jazz, o más bien, los precursores del jazz que existían en su época. El trabajo de Gershwin enfocó más la música clásica estadounidense y atrajo una cantidad inaudita de atención internacional. Siguiendo a Gershwin, el primer gran compositor fue Aaron Copland de Brooklyn, quien usó elementos de la música folclórica estadounidense, aunque siguió siendo europea en técnica y forma. Más tarde, se dedicó al ballet y luego a la música serial. Charles Ives fue uno de los primeros compositores clásicos estadounidenses de importancia internacional perdurable, produciendo música en un estilo estadounidense único, aunque su música fue mayormente desconocida hasta después de su muerte en 1954.
Muchos de los compositores de finales del siglo XX, como John Cage, John Corigliano, Terry Riley, Steve Reich, John Adams y Miguel del Aguila, utilizaron técnicas modernistas y minimalistas. Reich descubrió una técnica conocida como fase, en la que dos actividades musicales comienzan simultáneamente y se repiten, perdiendo gradualmente la sincronización, creando un sentido natural de desarrollo. Reich también estaba muy interesado en la música no occidental, incorporando técnicas rítmicas africanas en sus composiciones. Los compositores e intérpretes recientes están fuertemente influenciados por las obras minimalistas de Philip Glass, un nativo de Baltimore residente en Nueva York, Meredith Monk y otros.
Música popular
Estados Unidos ha producido muchos músicos y compositores populares en el mundo moderno. Comenzando con el nacimiento de la música grabada, los artistas estadounidenses han continuado liderando el campo de la música popular, que a partir de "todas las contribuciones hechas por los estadounidenses a la cultura mundial... ha sido tomada en serio por todo el mundo". La mayoría de las historias de la música popular comienzan con el ragtime estadounidense o Tin Pan Alley; otros, sin embargo, rastrean la música popular hasta el Renacimiento ya través de periódicos, baladas y otras tradiciones populares. Otros autores suelen buscar partituras populares, rastreando la música popular estadounidense hasta espirituales, espectáculos de juglares, vodevil y canciones patrióticas de la Guerra Civil.
Canción popular antigua
Las canciones laicas patrióticas de la Revolución Americana constituyeron el primer tipo de música popular convencional. Estos incluyeron "El árbol de la libertad" por Tomás Paine. Las primeras canciones patrióticas, impresas a bajo precio en forma de periódicos, se difundieron por las colonias y se interpretaban en los hogares y en las reuniones públicas. Las canciones de pífano se celebraron especialmente y se interpretaron en los campos de batalla durante la Revolución Americana. La más duradera de estas canciones de pífano es "Yankee Doodle", todavía muy conocida hoy en día. La melodía se remonta a 1755 y fue cantada tanto por tropas estadounidenses como británicas. Las canciones patrióticas se basaron principalmente en melodías inglesas, con nuevas letras añadidas para denunciar el colonialismo británico; otros, sin embargo, usaron melodías de Irlanda, Escocia o de otros lugares, o no utilizaron una melodía familiar. La canción "Hail, Columbia" fue una obra importante que siguió siendo un himno nacional no oficial hasta la adopción de "The Star-Spangled Banner". Gran parte de esta música estadounidense antigua aún sobrevive en Sacred Harp. Aunque relativamente desconocido fuera de Shaker Communities, Simple Gifts fue escrito en 1848 por el élder Joseph Brackett y desde entonces la melodía se ha vuelto internacionalmente famosa.
Durante la Guerra Civil, cuando los soldados de todo el país se mezclaron, las múltiples corrientes de la música estadounidense comenzaron a fertilizarse entre sí, un proceso que contó con la ayuda de la floreciente industria ferroviaria y otros desarrollos tecnológicos que facilitaron los viajes y las comunicaciones.. Las unidades del ejército incluían personas de todo el país, y rápidamente intercambiaron melodías, instrumentos y técnicas. La guerra fue un ímpetu para la creación de canciones claramente estadounidenses que se hicieron y siguieron siendo muy populares. Las canciones más populares de la era de la Guerra Civil incluyeron 'Dixie', escrita por Daniel Decatur Emmett. La canción, originalmente titulada "Dixie's Land", fue hecha para el cierre de un espectáculo de juglares; primero se extendió a Nueva Orleans, donde se publicó y se convirtió en "uno de los grandes éxitos musicales del período anterior a la Guerra Civil". Además de las canciones patrióticas populares, la era de la Guerra Civil también produjo una gran cantidad de piezas para bandas de música.
Después de la Guerra Civil, los espectáculos de juglares se convirtieron en la primera forma distintiva de expresión musical estadounidense. El espectáculo de juglares era una forma indígena de entretenimiento estadounidense que consistía en parodias cómicas, actos de variedades, baile y música, generalmente interpretados por personas blancas con la cara pintada de negro. Los espectáculos de juglares utilizaron elementos afroamericanos en actuaciones musicales, pero solo de manera simplificada; Las historias de los programas mostraban a los negros como esclavos y tontos natos, antes de eventualmente asociarse con el abolicionismo. El espectáculo de juglares fue inventado por Daniel Decatur Emmett y los Virginia Minstrels. Los espectáculos de Minstrel produjeron los primeros compositores populares bien recordados en la historia de la música estadounidense: Thomas D. Rice, Daniel Decatur Emmett y, el más famoso, Stephen Foster. Después de los espectáculos de trovadores' la popularidad se desvaneció, las canciones de mapaches, un fenómeno similar, se hicieron populares.
El compositor John Philip Sousa está estrechamente relacionado con la tendencia más popular de la música popular estadounidense justo antes del comienzo del siglo XX. Anteriormente director de orquesta de la United States Marine Band, Sousa escribió marchas militares como "The Stars and Stripes Forever" que reflejaba su "nostalgia por [su] hogar y país", dando a la melodía un "conmovedor carácter viril".
A principios del siglo XX, el teatro musical estadounidense era una fuente importante de canciones populares, muchas de las cuales influyeron en el blues, el jazz, el country y otros estilos existentes de música popular. El centro de desarrollo de este estilo estuvo en la ciudad de Nueva York, donde los teatros de Broadway se convirtieron en uno de los lugares más renombrados de la ciudad. Compositores teatrales y letristas como los hermanos George e Ira Gershwin crearon un estilo teatral exclusivamente estadounidense que utilizaba el habla y la música vernácula estadounidenses. Los musicales presentaban canciones populares y tramas de ritmo rápido que a menudo giraban en torno al amor y el romance.
Blues y góspel
El blues es un género de música folclórica afroamericana que es la base de gran parte de la música popular americana moderna. El blues puede verse como parte de un continuo de estilos musicales como el country, el jazz, el ragtime y el gospel; aunque cada género evolucionó en formas distintas, sus orígenes fueron a menudo confusos. Las primeras formas del blues evolucionaron en el delta del Mississippi y sus alrededores a finales del siglo XIX y principios del XX. La música blues más antigua era principalmente música vocal de llamada y respuesta, sin armonía ni acompañamiento y sin ninguna estructura musical formal. Los esclavos y sus descendientes crearon el blues adaptando los gritos y aullidos del campo, convirtiéndolos en apasionados solos. Cuando se mezcla con las canciones espirituales cristianas de las iglesias afroamericanas y las reuniones de avivamiento, el blues se convierte en la base de la música gospel. El evangelio moderno comenzó en las iglesias afroamericanas en la década de 1920, en la forma de fieles que proclamaban su fe de una manera improvisada, a menudo musical (testimonio). Compositores como Thomas A. Dorsey compusieron obras de gospel que utilizaron elementos de blues y jazz en himnos tradicionales y canciones espirituales.
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Ragtime fue originalmente un estilo de piano, con ritmos sincopados y cromatismos. Es principalmente una forma de música de baile que utiliza el bajo ambulante y generalmente se compone en forma de sonata. El ragtime es una forma refinada y evolucionada del baile cakewalk afroamericano, mezclada con estilos que van desde marchas europeas y canciones populares hasta jigs y otros bailes interpretados por grandes bandas afroamericanas en las ciudades del norte a finales del siglo XIX. El intérprete y compositor de ragtime más famoso fue Scott Joplin, conocido por obras como "Maple Leaf Rag".
El blues se convirtió en parte de la música popular estadounidense en la década de 1920, cuando las cantantes clásicas de blues como Bessie Smith se hicieron populares. Al mismo tiempo, las compañías discográficas lanzaron el campo de la música racial, que era principalmente blues dirigido a audiencias afroamericanas. El más famoso de estos actos inspiró gran parte del desarrollo popular posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluido el legendario músico de blues delta Robert Johnson y el músico de blues de Piedmont Blind Willie McTell. Sin embargo, a fines de la década de 1940, el blues puro era solo una parte menor de la música popular, después de haber sido subsumido por ramificaciones como el ritmo y la música. blues y el naciente estilo rock and roll. Algunos estilos de blues eléctrico impulsado por el piano, como el boogie-woogie, retuvieron una gran audiencia. Un estilo de gospel de blues también se hizo popular en la corriente principal de Estados Unidos en la década de 1950, liderado por la cantante Mahalia Jackson. El género de blues experimentó importantes resurgimientos en la década de 1950 con músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter, así como en la década de 1960 con la invasión británica y el renacimiento de la música folclórica estadounidense cuando se redescubrieron músicos de country blues como Mississippi John Hurt y Reverend Gary Davis.. Los músicos de blues seminales de estos períodos tuvieron una tremenda influencia en los músicos de rock como Chuck Berry en la década de 1950, así como en las escenas británicas de blues y blues rock de las décadas de 1960 y 1970, incluidos Eric Clapton en Gran Bretaña y Johnny Winter en Texas.
Jazz
El jazz es un tipo de música caracterizada por notas swing y blues, voces de llamada y respuesta, polirritmos e improvisación. Aunque originalmente era un tipo de música de baile, el jazz ha sido una parte importante de la música popular y también se ha convertido en un elemento importante de la música clásica occidental. El jazz tiene sus raíces en la expresión cultural y musical de África occidental y en las tradiciones musicales afroamericanas, incluidos el blues y el ragtime, así como en la música de bandas militares europeas. El jazz primitivo estaba estrechamente relacionado con el ragtime, con el que podía distinguirse por el uso de una improvisación rítmica más compleja. Las primeras bandas de jazz adoptaron gran parte del vocabulario del blues, incluidas las notas dobladas y azules y los "gruñidos" y frotis no utilizados de otro modo en instrumentos europeos. Las raíces del jazz provienen de la ciudad de Nueva Orleans, Luisiana, poblada por cajuns y criollos negros, quienes combinaron la cultura franco-canadiense de los cajuns con sus propios estilos de música en el siglo XIX. Las grandes bandas criollas que tocaban en funerales y desfiles se convirtieron en una base importante para el jazz temprano, que se extendió desde Nueva Orleans hasta Chicago y otros centros urbanos del norte.
Aunque el jazz había alcanzado una popularidad limitada hacía mucho tiempo, fue Louis Armstrong quien se convirtió en una de las primeras estrellas populares y una fuerza importante en el desarrollo del jazz, junto con su amigo el pianista Earl Hines. Armstrong, Hines y sus colegas fueron improvisadores, capaces de crear numerosas variaciones en una sola melodía. Armstrong también popularizó el canto scat, una técnica vocal de improvisación en la que se cantan sílabas sin sentido (vocablos). Armstrong y Hines influyeron en el surgimiento de una especie de big band de jazz pop llamada swing. El swing se caracteriza por una fuerte sección rítmica, que generalmente consta de contrabajo y batería, tempo medio a rápido y dispositivos rítmicos como la nota oscilante, que es común a la mayoría del jazz. El swing es principalmente una fusión del jazz de la década de 1930 fusionado con elementos del blues y Tin Pan Alley. El swing usaba bandas más grandes que otros tipos de jazz, lo que llevó a los líderes de la banda a organizar el material con precisión, lo que desalentaba la improvisación, que anteriormente era una parte integral del jazz. El swing se convirtió en una parte importante de la danza afroamericana y llegó a ser acompañado por una danza popular llamada swing dance.
El jazz influyó en muchos intérpretes de todos los estilos principales de la música popular posterior, aunque el jazz nunca volvió a ser una parte tan importante de la música popular estadounidense como durante la era del swing. Sin embargo, la escena del jazz estadounidense de finales del siglo XX produjo algunas estrellas cruzadas populares, como Miles Davis. A mediados del siglo XX, el jazz evolucionó hacia una variedad de subgéneros, comenzando con el bebop. El bebop es una forma de jazz caracterizada por tempos rápidos, improvisación basada en la estructura armónica en lugar de la melodía y el uso de la quinta bemol. El bebop se desarrolló a principios y mediados de la década de 1940 y luego evolucionó hacia estilos como el hard bop y el free jazz. Los innovadores del estilo incluyeron a Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes surgieron de pequeños clubes de jazz en la ciudad de Nueva York.
Música country
La música country es principalmente una fusión de blues y espirituales afroamericanos con la música folclórica de los Apalaches, adaptada para el público pop y popularizada a partir de la década de 1920. Los orígenes del country se encuentran en la música folclórica rural del sur, que era principalmente irlandesa y británica, con músicas africanas y europeas continentales. Las melodías angloceltas, la música dance y las baladas fueron los primeros predecesores del country moderno, entonces conocido como música hillbilly. El hillbilly temprano también tomó prestados elementos del blues y se basó en más aspectos de las canciones pop del siglo XIX a medida que la música hillbilly evolucionó hacia un género comercial conocido finalmente como country y western y luego simplemente country. La instrumentación country más antigua giraba en torno al violín de origen europeo y el banjo de origen africano, y más tarde se añadió la guitarra. Los instrumentos de cuerda como el ukelele y la guitarra de acero se volvieron comunes debido a la popularidad de los grupos musicales hawaianos a principios del siglo XX.
Las raíces de la música country comercial generalmente se remontan a 1927, cuando el buscador de talentos musicales Ralph Peer grabó Jimmie Rodgers y The Carter Family. El éxito popular fue muy limitado, aunque una pequeña demanda estimuló algunas grabaciones comerciales. Después de la Segunda Guerra Mundial, hubo un mayor interés en estilos especiales como la música country, lo que produjo algunas de las principales estrellas del pop. El músico de country más influyente de la época fue Hank Williams, un cantante de blues de Alabama. Sigue siendo reconocido como uno de los mejores compositores e intérpretes de la música country, visto como un "poeta popular" con un "arrogancia de honky-tonk" y "simpatías de la clase trabajadora". A lo largo de la década, la aspereza del honky-tonk se erosionó gradualmente a medida que el sonido de Nashville se orientó más hacia el pop. Productores como Chet Atkins crearon el sonido de Nashville eliminando los elementos hillbilly de la instrumentación y utilizando instrumentación suave y técnicas de producción avanzadas. Eventualmente, la mayoría de los discos de Nashville tenían este estilo, que comenzó a incorporar cuerdas y coros vocales.
Sin embargo, a principios de la década de 1960, muchos artistas y fanáticos más tradicionalistas percibían el sonido de Nashville como demasiado diluido, lo que resultó en una serie de escenas locales como el sonido de Bakersfield. Sin embargo, algunos artistas mantuvieron su popularidad, como el ícono cultural de larga data Johnny Cash. El sonido de Bakersfield comenzó a mediados o finales de la década de 1950 cuando artistas como Wynn Stewart y Buck Owens comenzaron a utilizar elementos del swing y el rock occidentales, como el breakbeat, en su música. En la década de 1960, artistas como Merle Haggard popularizaron el sonido. A principios de la década de 1970, Haggard también formó parte del outlaw country, junto con cantautores como Willie Nelson y Waylon Jennings. Outlaw country estaba orientado al rock y líricamente centrado en las travesuras criminales de los artistas, en contraste con los cantantes de country limpios del sonido de Nashville. A mediados de la década de 1980, las listas de música country estaban dominadas por cantantes pop, junto con un renacimiento naciente del estilo country honky-tonk con el surgimiento de artistas como Dwight Yoakam. La década de 1980 también vio el desarrollo de artistas de country alternativo como Uncle Tupelo, que se oponían al estilo más orientado al pop del country convencional. A principios de la década de 2000, los actos de country orientados al rock se mantuvieron entre los artistas más vendidos en los Estados Unidos, especialmente Garth Brooks.
Soul, R&B y funk
R&B, abreviatura de rhythm and blues, es un estilo que surgió en las décadas de 1930 y 1940. El R&B primitivo consistía en grandes unidades rítmicas que "se rompían detrás de los cantantes de blues que gritaban (que) tenían que gritar para ser escuchados por encima del sonido metálico y el rasgueo de los diversos instrumentos electrificados y las agitadas secciones rítmicas". El R&B no se grabó ni promocionó extensamente porque las compañías discográficas sintieron que no era adecuado para la mayoría de las audiencias, especialmente para los blancos de clase media, debido a las letras sugerentes y los ritmos de conducción. Líderes de banda como Louis Jordan innovaron el sonido de los primeros R&B, usando una banda con una pequeña sección de vientos e instrumentación rítmica prominente. A fines de la década de 1940, había tenido varios éxitos y ayudó a allanar el camino para contemporáneos como Wynonie Harris y John Lee Hooker. Muchas de las canciones de R&B más populares no se interpretaron con el estilo jovial de Jordan y sus contemporáneos; en cambio, fueron interpretados por músicos blancos como Pat Boone en un estilo convencional más aceptable, que se convirtió en éxitos pop. Sin embargo, a fines de la década de 1950, hubo una ola de artistas populares negros de blues rock y R&B con influencias country como Chuck Berry que ganaron una fama sin precedentes entre los oyentes blancos.
Motown Records tuvo un gran éxito a principios y mediados de la década de 1960 por producir música de raíces afroamericanas que desafiaba la segregación racial en la industria de la música y el mercado de consumo. El periodista musical Jerry Wexler (quien acuñó la frase 'rhythm and blues') dijo una vez de Motown: '[Ellos] hicieron algo que tendrías que decir en papel que es imposible. Tomaron música negra y la transmitieron directamente al adolescente estadounidense blanco." Berry Gordy fundó Motown en 1959 en Detroit, Michigan. Fue uno de los pocos sellos discográficos de R&B que buscaba trascender el mercado de R&B (que era definitivamente negro en la mentalidad estadounidense) y especializarse en música crossover. La compañía emergió como el principal productor (o "línea de montaje", una referencia a sus orígenes en la ciudad del motor) de música popular negra a principios de la década de 1960 y comercializó sus productos como "The Motown Sound" 34; o 'The Sound of Young America', que combinaba elementos de soul, funk, disco y R&B. Los actos notables de Motown incluyen Four Tops, Temptations, Supremes, Smokey Robinson, Stevie Wonder y Jackson 5. La representación visual fue fundamental para el ascenso de Motown; pusieron más énfasis en los medios visuales que otros sellos discográficos. La primera exposición de muchas personas a Motown fue por televisión y cine. Artistas de Motown' La imagen de estadounidenses negros exitosos que se comportaban con gracia y aplomo transmitía una forma distinta de negrura de clase media a las audiencias, que era particularmente atractiva para los blancos.
La música soul es una combinación de rhythm and blues y gospel que comenzó a fines de la década de 1950 en los Estados Unidos. Se caracteriza por el uso de dispositivos de música gospel, con un mayor énfasis en los vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de la década de 1950 de Ray Charles, Sam Cooke y James Brown se consideran comúnmente los comienzos del soul. Carlos' Los discos de Modern Sounds (1962) presentaban una fusión de soul y música country, country soul y cruzaron las barreras raciales en la música de la época. Una de las canciones más conocidas de Cooke 'A Change Is Gonna Come' (1964) fue aceptado como un clásico y un himno del Movimiento por los Derechos Civiles de Estados Unidos durante la década de 1960. Según AllMusic, James Brown fue crítico, a través de "la furia apasionada por el evangelio de su voz y los complejos polirritmos de sus ritmos", en "dos revoluciones en la música negra estadounidense". Fue una de las figuras más responsables de convertir el R&B en soul y, la mayoría estaría de acuerdo, la figura más responsable de convertir la música soul en el funk de finales de los 60 y principios de los 70. "
Pure soul fue popularizado por Otis Redding y los otros artistas de Stax Records en Memphis, Tennessee. A fines de la década de 1960, la artista de grabación de Atlantic Aretha Franklin se había convertido en la estrella de soul femenina más popular del país. También en ese momento, el soul se había dividido en varios géneros, influenciado por el rock psicodélico y otros estilos. El fermento social y político de la década de 1960 inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar álbumes con comentarios sociales contundentes, mientras que otra variedad se convirtió en música más orientada a la danza, evolucionando hacia el funk. A pesar de su anterior afinidad con temas líricos política y socialmente cargados, Gaye ayudó a popularizar la música y el funk con temas sexuales y románticos, mientras que sus grabaciones de los 70, incluidas Let's Get It On (1973) y I Want You (1976) ayudó a desarrollar el sonido y el formato de Quiet Storm. Uno de los álbumes más influyentes jamás grabados, Sly & the Family Stone's Hay un motín en marcha' On (1971) ha sido considerado uno de los primeros y mejores ejemplos de la versión madura de la música funk, después de instancias prototípicas del sonido en el trabajo anterior del grupo. Artistas como Gil Scott-Heron y The Last Poets practicaron una mezcla ecléctica de poesía, jazz-funk y soul, con comentarios políticos y sociales críticos con sentimiento afrocéntrico. El trabajo de proto-rap de Scott-Heron, que incluye "The Revolution Will Not Be Televised" (1971) y Winter in America (1974), ha tenido un impacto considerable en los artistas de hip hop posteriores, mientras que su sonido único con Brian Jackson influyó en los artistas de neo soul.
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A mediados de la década de 1970, bandas muy hábiles y comerciales como el grupo de soul de Filadelfia The O'Jays y el grupo de soul de ojos azules Hall & Oates logró el éxito principal. A fines de la década de 1970, la mayoría de los géneros musicales, incluido el soul, tenían influencias disco. Con la introducción de influencias de la música electrónica y el funk a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, la música soul se volvió menos cruda y más hábilmente producida, lo que dio como resultado un género musical que nuevamente se denominó R&B. por lo general se distingue del R&B anterior identificándolo como R&B contemporáneo.
Las primeras estrellas del R&B contemporáneo surgieron en la década de 1980, con la estrella del dance-pop Michael Jackson, el cantante de influencia funk Prince y una ola de vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston. Michael Jackson y Prince han sido descritos como las figuras más influyentes en el R&B contemporáneo y la música popular debido a su uso ecléctico de elementos de una variedad de géneros. Prince fue en gran parte responsable de crear el sonido de Minneapolis: "una combinación de trompetas, guitarras y sintetizadores electrónicos respaldados por un ritmo constante y rebotante". El trabajo de Jackson se centró en baladas suaves o música dance con influencia disco; como artista, "sacó la música dance del estancamiento disco con su debut en solitario para adultos de 1979, Off the Wall, fusionó R&B con rock en Thriller, e introdujo pasos estilizados como el robot y el moonwalk a lo largo de su carrera." Jackson es a menudo reconocido como el "Rey del Pop" por sus logros.
En 1983, el concepto de mezcla de música popular se asoció de manera inextricable con Michael Jackson. Thriller tuvo un éxito sin precedentes, vendiendo más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos. En 1984, el álbum obtuvo más de 140 premios de oro y platino y fue reconocido por el Libro Guinness de los Récords Mundiales como el disco más vendido de todos los tiempos, un título que aún conserva. La transmisión de MTV de "Billie Jean" fue el primero para cualquier artista negro, rompiendo así la "barrera del color" de la música pop en la pequeña pantalla. Thriller sigue siendo el único video musical reconocido por el Registro Nacional de Cine.
Janet Jackson colaboró con los antiguos socios de Prince Jimmy Jam y Terry Lewis en su tercer álbum de estudio Control (1986); el segundo sencillo del álbum, "Nasty" ha sido descrito como el origen del nuevo sonido jack swing, un género innovado por Teddy Riley. El trabajo de Riley en Make It Last Forever (1987) de Keith Sweat, Guy de Guy (1988) y Bobby Brown's Don't Be Cruel (1998) convirtió al new jack swing en un elemento básico del R&B contemporáneo a mediados de la década de 1990. El new jack swing era un estilo y una tendencia de la música vocal, que a menudo presentaba versos rapeados y cajas de ritmos. El atractivo cruzado de los primeros artistas contemporáneos de R&B en la música popular convencional, incluidas las obras de Prince, Michael y Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker y The Pointer Sisters, se convirtió en un punto de inflexión para los artistas negros de la industria, ya que su éxito "fue quizás el primer indicio de que el mayor cosmopolitismo de un mercado mundial podría producir algunos cambios en la complexión de la música popular".
El uso de melisma, una tradición góspel adaptada por las vocalistas Whitney Houston y Mariah Carey, se convertiría en la piedra angular de los cantantes de R&B contemporáneos a partir de finales de los 80 y durante los 90. Los éxitos de R&B de Whitney Houston incluyeron "All the Man That I Need" (1990) y "Siempre te amaré" (1992), más tarde se convirtió en el sencillo físico más vendido por un acto femenino de todos los tiempos, con ventas de más de 20 millones de copias en todo el mundo. Su exitosa banda sonora de 1992, The Bodyguard, pasó 20 semanas en la cima del Billboard Hot 200, vendió más de 45 millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el álbum de bandas sonoras más vendido de todos los tiempos.
El hip hop influyó en el R&B contemporáneo más adelante en la década de 1980, primero a través del new jack swing y luego en una serie de subgéneros relacionados llamados hip hop soul y neo soul. El hip hop soul y el neo soul se desarrollaron más tarde, en la década de 1990. Tipificado por el trabajo de Mary J. Blige, R. Kelly y Bobby Brown, el primero es una mezcla de R&B contemporáneo con ritmos de hip hop, mientras que las imágenes y los temas del gangsta rap pueden estar presentes. Este último es una combinación más experimental, más atrevida y, en general, menos convencional de voces soul al estilo de los años 60 y 70 con cierta influencia del hip hop, y se ha ganado cierto reconocimiento general a través del trabajo de D'Angelo, Erykah Badu, Alicia Keys, y Lauryn Hill. El álbum Voodoo (2000) de D'Angelo, aclamado por la crítica, ha sido reconocido por escritores musicales como una obra maestra y la piedra angular del género neo soul.
Música popular
La música pop es un género de música popular que se originó en su forma moderna a mediados de la década de 1950 en los Estados Unidos y el Reino Unido. Durante las décadas de 1950 y 1960, la música pop abarcó el rock and roll y los estilos orientados a la juventud en los que influyó. Rock y pop siguieron siendo sinónimos hasta finales de la década de 1960, después de lo cual pop se asoció con música que era más comercial, efímera y accesible. Aunque gran parte de la música que aparece en las listas de éxitos se considera música pop, el género se distingue de la música de las listas. Bing Crosby fue uno de los primeros artistas en ser apodado "Rey de la canción" o "Rey de la Música Popular". El indie pop, que se desarrolló a fines de la década de 1970, marcó otro alejamiento del glamour de la música pop contemporánea, con bandas de guitarras formadas sobre la premisa entonces novedosa de que uno podía grabar y lanzar su propia música sin tener que obtener un contrato discográfico de una de las principales. etiqueta. A principios de la década de 1980, la promoción de la música pop se había visto muy afectada por el surgimiento de canales de televisión musicales como MTV, que "favorecía a artistas como Michael Jackson y Madonna que tenían un fuerte atractivo visual". La década de 1980 es comúnmente recordada por un aumento en el uso de la grabación digital, asociada con el uso de sintetizadores, con música synth-pop y otros géneros electrónicos con instrumentos no tradicionales cada vez más populares. Para 2014, la música pop en todo el mundo estaba impregnada de música electrónica de baile. En 2018, investigadores de la Universidad de California, Irvine, concluyeron que la música pop se ha vuelto 'más triste' desde la década de 1980. Los elementos de felicidad y brillo finalmente han sido reemplazados por ritmos electrónicos que hacen que la música pop sea más "triste pero bailable". Kelly Clarkson es la única cantante estadounidense en ganar dos veces el premio Grammy al Mejor Álbum Vocal Pop a partir de 2021, siendo Clarkson la primera en ganar dos veces. Clarkson y Justin Timberlake han sido nominados cinco veces, más que cualquier otro artista, aunque Clarkson es el único artista que tiene la mayor cantidad de álbumes en solitario nominados. Tres de Timberlake son solos, dos son de NSYNC.
Rock, metal y punk
El rock and roll se desarrolló a partir del country, el blues y el R&B. Los orígenes exactos del rock y sus primeras influencias han sido objeto de acalorados debates y son objeto de muchos estudios. Aunque directamente en la tradición del blues, el rock tomó elementos de las técnicas musicales afrocaribeñas y latinas. El rock fue un estilo urbano, formado en áreas donde diversas poblaciones dieron como resultado la mezcla de géneros afroamericanos, latinos y europeos que van desde el blues y el country hasta la polka y el zydeco. El rock and roll entró por primera vez en la música popular a través de un estilo llamado rockabilly, que fusionaba el sonido naciente con elementos de la música country. El rock and roll interpretado por negros había tenido anteriormente un éxito generalizado limitado, pero fue el intérprete blanco Elvis Presley quien atrajo por primera vez al público general con un estilo de música negro, convirtiéndose en uno de los músicos con más ventas de la historia y trajo el rock and roll. al público de todo el mundo.
La década de 1960 vio varios cambios importantes en la música popular, especialmente en el rock. Muchos de estos cambios tuvieron lugar durante la invasión británica, donde bandas como The Beatles, The Who y The Rolling Stones se hicieron inmensamente populares y tuvieron un profundo efecto en la cultura y la música estadounidenses. Estos cambios incluyeron el paso de canciones compuestas profesionalmente al cantautor, y la comprensión de la música popular como un arte, en lugar de una forma de comercio o entretenimiento puro. Estos cambios llevaron al surgimiento de movimientos musicales relacionados con objetivos políticos, como el Movimiento por los Derechos Civiles de los Estados Unidos y la oposición a la Guerra de Vietnam. El rock estuvo al frente de este cambio.
A principios de la década de 1960, el rock generó varios subgéneros, comenzando con el surf. El surf era un género de guitarra instrumental caracterizado por un sonido distorsionado, asociado con la cultura juvenil del surf del sur de California. Inspirados por el enfoque lírico del surf, The Beach Boys comenzaron a grabar en 1961 con un sonido armónico, elaborado y amigable con el pop. A medida que crecía su fama, The Beach Boys' El compositor Brian Wilson experimentó con nuevas técnicas de estudio y se asoció con la contracultura. La contracultura fue un movimiento que abrazó el activismo político y estaba estrechamente relacionado con la subcultura hippie. Los hippies se asociaron con el folk rock, el country rock y el rock psicodélico. El folk y el country rock se asociaron con el surgimiento de la música folclórica politizada, liderada por Pete Seeger y otros, especialmente en la escena musical de Greenwich Village en Nueva York. El folk rock ingresó a la corriente principal a mediados de la década de 1960, cuando el cantautor Bob Dylan comenzó su carrera. El editor de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, atribuye a The Beatles & # 39; cambio hacia la composición de canciones introspectivas a mediados de la década de 1960 a la influencia de Bob Dylan en ese momento. Le siguieron varias bandas de country-rock y cantautores suaves y folclóricos. El rock psicodélico era un tipo duro de rock basado en la guitarra, estrechamente asociado con la ciudad de San Francisco. Aunque Jefferson Airplane fue la única banda local que tuvo un gran éxito nacional, Grateful Dead, una banda de improvisación con sabor a country y bluegrass, se convirtió en una parte icónica de la contracultura psicodélica, asociada con los hippies, el LSD y otros símbolos de esa época. Algunos dicen que Grateful Dead fue verdaderamente la banda de rock más patriótica estadounidense que jamás haya existido; formando y moldeando una cultura que define a los estadounidenses de hoy.
Tras los turbulentos cambios políticos, sociales y musicales de la década de 1960 y principios de la de 1970, la música rock se diversificó. Lo que anteriormente era un género discreto conocido como rock and roll evolucionó a una categoría general llamada simplemente música rock, que llegó a incluir diversos estilos desarrollados en los EE. UU. como el punk rock. Durante la década de 1970, la mayoría de estos estilos evolucionaron en la escena musical clandestina, mientras que el público general comenzó la década con una ola de cantautores que se inspiraron en las letras profundamente emotivas y personales del folk rock de la década de 1960. El mismo período vio el surgimiento de grandilocuentes bandas de rock de arena, grupos de rock sureño de blues y estrellas de rock suave y suave. A partir de finales de la década de 1970, el cantante y compositor de rock Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, con canciones épicas y letras densas e inescrutables que celebraban a los pobres y la clase trabajadora.
El punk era una forma de rock rebelde que comenzó en la década de 1970 y era ruidoso, agresivo y, a menudo, muy simple. El punk comenzó como una reacción contra la música popular de la época, especialmente el disco y el arena rock. Las bandas estadounidenses en el campo incluyeron, las más famosas, The Ramones y Talking Heads, este último tocando un estilo más vanguardista que estaba estrechamente asociado con el punk antes de evolucionar hacia la nueva ola convencional. Otros actos importantes incluyen Blondie, Patti Smith y Television. En la década de 1980, algunos fanáticos y bandas del punk se desilusionaron con la creciente popularidad del estilo, lo que resultó en un estilo aún más agresivo llamado hardcore punk. El hardcore era una forma de punk escaso, que consistía en canciones cortas, rápidas e intensas que hablaban de la juventud descontenta, con bandas tan influyentes como Bad Religion, Bad Brains, Black Flag, Dead Kennedys y Minor Threat. Hardcore comenzó en metrópolis como Washington, D.C., aunque la mayoría de las principales ciudades estadounidenses tenían sus propias escenas locales en la década de 1980.
El hardcore, el punk y el rock de garaje fueron las raíces del rock alternativo, una agrupación diversa de subgéneros de rock que se oponían explícitamente a la música convencional y que surgieron de los estilos punk y post-punk. En los Estados Unidos, muchas ciudades desarrollaron escenas locales de rock alternativo, incluidas Minneapolis y Seattle. La escena local de Seattle produjo música grunge, un estilo oscuro y melancólico inspirado en el hardcore, la psicodelia y el rock alternativo. Con la adición de un elemento más melódico al sonido de bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden y Alice in Chains, el grunge se hizo muy popular en los Estados Unidos en 1991. Tres años más tarde, bandas como Green Day, The Offspring, Rancid, Bad Religion y NOFX llegan a la corriente principal (con sus respectivos álbumes entonces nuevos Dookie, Smash, Let's Go, < i>Stranger than Fiction y Punk in Drublic) y dieron a conocer la escena punk de California en todo el mundo.
El heavy metal se caracteriza por ritmos agresivos y apasionantes, guitarras amplificadas y distorsionadas, letras grandiosas e instrumentación virtuosa. Los orígenes del heavy metal se encuentran en las bandas de hard rock que tomaron el blues y el rock y crearon un sonido pesado basado en la guitarra y la batería. Las primeras bandas estadounidenses importantes llegaron a principios de la década de 1970, como Blue Öyster Cult, KISS y Aerosmith. El heavy metal siguió siendo, sin embargo, un fenómeno en gran medida clandestino. Durante la década de 1980 surgió el primer estilo importante de pop-metal y dominó las listas durante varios años, iniciado por el acto de metal Quiet Riot y dominado por bandas como Mötley Crüe y Ratt; esto era glam metal, una fusión de hard rock y pop con un espíritu estridente y una estética visual influenciada por el glam. Algunas de estas bandas, como Bon Jovi, se convirtieron en estrellas internacionales. La banda Guns N' Roses saltó a la fama cerca del final de la década con una imagen que fue una reacción contra la estética del glam metal.
A mediados de la década de 1980, el heavy metal se había ramificado en tantas direcciones diferentes que los fanáticos, las compañías discográficas y los fanzines crearon numerosos subgéneros. Estados Unidos era especialmente conocido por uno de estos subgéneros, el thrash metal, que fue innovado por bandas como Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax, siendo Metallica la de mayor éxito comercial. Estados Unidos fue conocido como uno de los lugares de nacimiento del death metal durante mediados y finales de la década de 1980. La escena de Florida fue la más conocida, con bandas como Death, Cannibal Corpse, Morbid Angel, Deicide y muchas otras. Ahora hay innumerables bandas de death metal y deathgrind en todo el país.
Hip-hop
El hip hop es un movimiento cultural del que la música forma parte. La música hip hop en su mayor parte se compone de dos partes: rapear, la entrega de voces rápidas, altamente rítmicas y líricas; y ser DJ y/o producir, la producción de instrumentación a través de muestreo, instrumentación, turntablism o beatboxing, la producción de sonidos musicales a través de tonos vocalizados. El hip hop surgió a principios de la década de 1970 en el Bronx, Nueva York. El inmigrante jamaicano DJ Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; trajo consigo de Jamaica la práctica de brindar al ritmo de canciones populares. Los maestros de ceremonias surgieron originalmente para presentar las canciones de soul, funk y R&B que tocaban los DJ y para mantener a la multitud emocionada y bailando; Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar la pausa de percusión de las canciones (cuando el ritmo llega al clímax), produciendo un ritmo repetido que los maestros de ceremonias rapeaban.
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A diferencia de Motown, que basaba su éxito generalizado en el atractivo de clase de sus actos que volvían irrelevante la identidad racial, el hip hop de la década de 1980, en particular el hip hop que pasó al rock and roll, se basaba en su (implícito pero enfático) identificación primaria con identidad negra. A principios de la década de 1980, había canciones populares de hip hop y las celebridades de la escena, como LL Cool J, ganaron renombre en la corriente principal. Otros artistas experimentaron con letras politizadas y conciencia social, o fusionaron hip hop con jazz, heavy metal, techno, funk y soul. A finales de la década de 1980 aparecieron nuevos estilos, como el hip hop alternativo y la fusión de jazz rap estrechamente relacionada, iniciada por raperos como De La Soul.
El gangsta rap es un tipo de hip hop, caracterizado principalmente por un enfoque lírico en la sexualidad machista, el físico y una imagen criminal peligrosa. Aunque los orígenes del gangsta rap se remontan al estilo de mediados de la década de 1980 de Schoolly D de Filadelfia y Ice-T de la costa oeste, el estilo se amplió y se aplicó a muchas regiones diferentes del país., a raperos de Nueva York, como Notorious B.I.G. y el influyente grupo de hip hop Wu-Tang Clan, y raperos de la costa oeste, como Too Short y N.W.A. Una escena de rap distintiva de la costa oeste generó el sonido G-funk de principios de la década de 1990, que combinó letras de rap gangsta con un sonido denso y confuso, a menudo de muestras de funk de la década de 1970; los defensores más conocidos fueron los raperos 2Pac, Dr. Dre, Ice Cube y Snoop Dogg. El rap gangsta siguió ejerciendo una presencia importante en la música popular estadounidense hasta finales de la década de 1990 y principios del siglo XXI.
El dominio del gangsta rap en el hip-hop convencional fue suplantado a finales de la década de 2000, en gran parte debido al éxito generalizado de artistas de hip-hop como Kanye West. El resultado de una competencia de ventas muy publicitada entre el lanzamiento simultáneo de su tercer álbum de estudio y el del rapero gangsta 50 Cent, Graduation y Curtis respectivamente, ha sido acreditado desde entonces. al declive. La competencia resultó en récords de ventas de ambos álbumes y West vendió más que 50 Cent, vendiendo casi un millón de copias de Graduation solo en la primera semana. Los observadores de la industria comentan que la victoria de West sobre 50 Cent demostró que la música rap no tenía que ajustarse a las convenciones del gangsta-rap para tener éxito comercial. West allanó el camino para una nueva ola de artistas de hip-hop, incluidos Drake, Kendrick Lamar y J. Cole, que no siguieron el molde de gánsteres incondicionales y se convirtieron en artistas con ventas de platino.
Jay-Z se convirtió en un icono del hip hop de renombre internacional tras la muerte de The Notorious B.I.G. y Tupac Shakur a mediados de la década de 1990. Kanye West fue asesorado por Jay-Z y producido para él, antes de alcanzar un nivel similar de éxito.
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Las raperas Nicki Minaj, Cardi B, Saweetie, Doja Cat, Iggy Azalea, City Girls y Megan Thee Stallion también ingresaron a la corriente principal. Son muchas las mujeres que han influido notablemente en la cultura hip hop. Sin embargo, algunos nombres que no pueden dejar de mencionarse son MC Sha-rock, MC Lyte, Queen Latifah, Lauryn Hill, Missy Elliot, Lil Kim, Erykah Badu, Foxy Brown y muchos más. De esta lista, MC Sha-rock es considerada la historiadora/pionera de la cultura hip-hop femenina. Comenzó su carrera como bailarina de breakdance en el Bronx, Nueva York, y más tarde se convirtió en la primera rapera/maestra de la cultura del hip-hop. Su carrera ha sido larga. De ser un ex miembro de Funky 4+1 más a tener batallas de rimas de MC con grupos como Grandmaster Flash y Furious 5. Otra pionera notable del hip-hop femenino es la famosa Queen Latifah, nacida como Dana Elaine Owens en Newark, Nueva Jersey.. Queen Latifah comenzó su carrera desde una edad temprana, a los 17 años. Pero, poco después de que comenzó, pronto despegó. Lanzó su primer álbum de larga duración, All Hail the Queen, en 1989. A medida que continuaba lanzando música, se hizo cada vez más popular y su fama aumentó en medio de la cultura hip-hop. Sin embargo, Queen Latifah no era una rapera cualquiera. Ella rapeó sobre los problemas relacionados con ser una mujer negra y los problemas generales de injusticia social que aparecen en la industria de la música. Estas pioneras lideraron la cultura del rap femenino e impactaron a las artistas de hip-hop femeninas más populares de la actualidad. Por ejemplo, estos artistas populares pueden incluir a Cardi B, Megan Thee Stallion, Miss Mulatto, Flo Milli, Cupcakke y muchos otros. Cada artista tiene su propia identidad en el juego del rap, sin embargo, a medida que evoluciona el hip-hop, también lo hace el estilo de música. El primer álbum de estudio de Cardi B, Invasion of Privacy (2018), debutó en el número uno en el Billboard 200 y fue nombrado el álbum de rap femenino número uno de la década de 2010 por Billboard . Aclamado por la crítica, convirtió a Cardi B en la única mujer en ganar el Premio Grammy al Mejor Álbum de Rap como solista, y marcó el primer álbum de rap femenino en quince años en ser nominado a Álbum del Año.
Otros estilos de nicho y música latinoamericana
La industria musical estadounidense está dominada por grandes empresas que producen, comercializan y distribuyen ciertos tipos de música. Por lo general, estas empresas no producen, o producen solo en cantidades muy limitadas, grabaciones en estilos que no atraen a audiencias muy grandes. Las compañías más pequeñas a menudo llenan el vacío, ofreciendo una amplia variedad de grabaciones en estilos que van desde la polka hasta la salsa. Muchas industrias musicales pequeñas se construyen alrededor de una base de fans central que puede estar basada en gran medida en una región, como la música tejana o hawaiana, o puede estar muy dispersa, como la audiencia del klezmer judío.
Entre los músicos hispanoamericanos que fueron pioneros en las primeras etapas del rock and roll se encuentran Ritchie Valens, quien obtuvo varios éxitos, entre los que destaca "La Bamba" y Herman Santiago escribieron la letra de la icónica canción de rock and roll 'Por qué los tontos se enamoran'. Las canciones que se hicieron populares en los Estados Unidos y se escuchan durante la temporada navideña/navideña son "¿Dónde Está Santa Claus?" es una canción navideña novedosa con Augie Ríos, de 12 años, que fue un éxito récord en 1959 y contó con la orquesta de Mark Jeffrey. 'Feliz Navidad' (1970) de José Feliciano es otra famosa canción latina.
La industria de nicho más grande se basa en la música latina. La música latina ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense y fue una parte especialmente crucial del desarrollo del jazz. Los estilos pop latinos modernos incluyen una amplia gama de géneros importados de toda América Latina, incluida la cumbia colombiana, el reggaeton puertorriqueño y el corrido mexicano. La música popular latina en los Estados Unidos comenzó con una ola de bandas de baile en las décadas de 1930 y 1950. Los estilos más populares incluían la conga, la rumba y el mambo. En la década de 1950, Pérez Prado hizo famoso el cha-cha-cha, y el auge del jazz afrocubano abrió muchos oídos a las posibilidades armónicas, melódicas y rítmicas de la música latina. Sin embargo, la forma estadounidense más famosa de música latina es la salsa. La salsa incorpora muchos estilos y variaciones; el término puede usarse para describir la mayoría de las formas de géneros populares derivados de Cuba. Más específicamente, sin embargo, salsa se refiere a un estilo particular que fue desarrollado por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños del área de la ciudad de Nueva York a mediados de la década de 1970, y descendientes estilísticos como la salsa romántica de la década de 1980. Los ritmos de salsa son complicados, con varios patrones tocados simultáneamente. El ritmo de la clave forma la base de las canciones de salsa y los intérpretes lo utilizan como base rítmica común para sus propias frases.
La música latinoamericana ha influido durante mucho tiempo en la música popular estadounidense, el jazz, el rythm and blues e incluso en la música country. Esto incluye música de países y territorios de habla hispana, portuguesa y (a veces) francesa de América Latina.
Hoy en día, la industria discográfica estadounidense define la música latina como cualquier tipo de lanzamiento con letras mayoritariamente en español. Los artistas y productores convencionales tienden a presentar más canciones de artistas latinos y también es más probable que las canciones en inglés se transmitan a la radio en español y viceversa.
Estados Unidos jugó un papel importante en el desarrollo de la música dance electrónica, específicamente house y techno, que se originaron en Chicago y Detroit, respectivamente.
Hoy, la música latinoamericana se ha convertido en un término para la música interpretada por latinos, independientemente de si tiene un elemento latino o no. Actos como Shakira, Jennifer Lopez, Enrique Iglesias, Pitbull, Selena Gomez, Christina Aguilera, Gloria Estefan, Demi Lovato, Mariah Carey, Becky G, Paulina Rubio y Camila Cabello se destacan en las listas de éxitos. Iglesias, quien tiene el récord de más #1 en Hot Latin Tracks de Billboard, lanzó un álbum bilingüe, inspirado en actos urbanos, lanza dos canciones completamente diferentes en formatos latino y pop al mismo tiempo.
Gobierno, política y derecho
El gobierno de los Estados Unidos regula la industria de la música, hace cumplir las leyes de propiedad intelectual y promueve y recopila determinados tipos de música. Según la ley estadounidense de derechos de autor, las obras musicales, incluidas las grabaciones y las composiciones, están protegidas como propiedad intelectual tan pronto como se fijan en una forma tangible. Los titulares de derechos de autor a menudo registran su trabajo en la Biblioteca del Congreso, que mantiene una colección del material. Además, la Biblioteca del Congreso ha buscado activamente materiales cultural y musicológicamente significativos desde principios del siglo XX, por ejemplo, enviando investigadores para grabar música folclórica. Estos investigadores incluyen al pionero coleccionista estadounidense de canciones folklóricas Alan Lomax, cuyo trabajo ayudó a inspirar el renacimiento de las raíces de mediados del siglo XX. El gobierno federal también financia los Fondos Nacionales para las Artes y las Humanidades, que asigna subvenciones a músicos y otros artistas, la Institución Smithsonian, que lleva a cabo programas educativos y de investigación, y la Corporación para la Radiodifusión Pública, que financia emisoras de televisión y sin fines de lucro.
La música ha afectado durante mucho tiempo la política de los Estados Unidos. Los partidos y movimientos políticos utilizan con frecuencia la música y las canciones para comunicar sus ideales y valores, y para brindar entretenimiento en las funciones políticas. La campaña presidencial de William Henry Harrison fue la primera en beneficiarse enormemente de la música, después de lo cual se convirtió en una práctica estándar para los principales candidatos el uso de canciones para despertar el entusiasmo del público. En décadas más recientes, los políticos a menudo eligieron temas musicales, algunos de los cuales se han vuelto icónicos; la canción "Happy Days Are Here Again", por ejemplo, se ha asociado con el Partido Demócrata desde la campaña de 1932 de Franklin D. Roosevelt. Sin embargo, desde la década de 1950, la música ha perdido importancia en la política, reemplazada por campañas televisivas con poca o ninguna música. Ciertas formas de música se asociaron más estrechamente con la protesta política, especialmente en la década de 1960. Estrellas del gospel como Mahalia Jackson se convirtieron en figuras importantes del Movimiento por los Derechos Civiles, mientras que el resurgimiento del folclore estadounidense ayudó a difundir la contracultura de la década de 1960 y la oposición a la Guerra de Vietnam.
Industria y economía
Estados Unidos tiene el mercado musical más grande del mundo con un valor minorista total de 4900 millones de dólares en 2014. La industria musical estadounidense incluye varios campos, que van desde compañías discográficas hasta estaciones de radio y orquestas comunitarias. Los ingresos totales de la industria ascienden a unos 40 000 millones de dólares en todo el mundo y a unos 12 000 millones de dólares en los Estados Unidos. La mayoría de las principales compañías discográficas del mundo tienen su sede en los Estados Unidos; están representados por la Asociación de la Industria de Grabación de América (RIAA). Las principales compañías discográficas producen material de artistas que han firmado con uno de sus sellos discográficos, una marca a menudo asociada con un género o productor discográfico en particular. Las compañías discográficas también pueden promocionar y comercializar a sus artistas, a través de publicidad, presentaciones y conciertos públicos y apariciones en televisión. Las compañías discográficas pueden estar afiliadas con otras compañías de medios musicales, que producen un producto relacionado con la música popular grabada. Estos incluyen canales de televisión como MTV, revistas como Rolling Stone y estaciones de radio. En los últimos años, la industria de la música se ha visto envuelta en turbulencias por el auge de las descargas de Internet de música con derechos de autor; muchos músicos y la RIAA han tratado de castigar a los fanáticos que descargan música con derechos de autor ilegalmente.
Las estaciones de radio en los Estados Unidos a menudo transmiten música popular. Cada estación de música tiene un formato o una categoría de canciones para reproducir; estos son generalmente similares pero no iguales a la clasificación genérica ordinaria. Muchas estaciones de radio en los Estados Unidos son de propiedad y operación local, y pueden ofrecer una variedad ecléctica de grabaciones; muchas otras estaciones son propiedad de grandes empresas como Clear Channel y, por lo general, están formateadas en listas de reproducción más pequeñas y repetitivas. Las ventas comerciales de grabaciones son rastreadas por la revista Billboard, que compila una serie de listas musicales para varios campos de ventas de música grabada. Billboard Hot 100 es la lista de música pop más importante para sencillos, una grabación que consta de un puñado de canciones; las grabaciones pop más largas son álbumes y están registradas en Billboard 200. Aunque la música grabada es un lugar común en los hogares estadounidenses, muchos de los ingresos de la industria musical provienen de un pequeño número de devotos; por ejemplo, el 62 % de las ventas de álbumes provienen de menos del 25 % de la audiencia que compra música. Las ventas totales de CD en los Estados Unidos superaron los 705 millones de unidades vendidas en 2005, y las ventas de sencillos apenas superaron los tres millones.
Aunque las principales compañías discográficas dominan la industria musical estadounidense, existe una industria musical independiente (música indie). La mayoría de los sellos discográficos independientes tienen una distribución minorista limitada, si es que tienen alguna, fuera de una región pequeña. Los artistas a veces graban para un sello independiente y obtienen suficiente reconocimiento como para firmar con un sello importante; otros eligen permanecer en un sello independiente durante toda su carrera. La música independiente puede tener estilos generalmente similares a la música convencional, pero a menudo es inaccesible, inusual o poco atractiva para muchas personas. Los músicos independientes a menudo lanzan algunas o todas sus canciones a través de Internet para que los fanáticos y otras personas las descarguen y escuchen. Además de los artistas de grabación de muchos tipos, existen numerosos campos de maestría musical en los Estados Unidos, muchos de los cuales rara vez graban, incluidas orquestas comunitarias, cantantes y bandas de bodas, cantantes de salón y DJ de clubes nocturnos. La Federación Estadounidense de Músicos es el sindicato estadounidense más grande de músicos profesionales. Sin embargo, solo el 15% de los miembros de la Federación tienen un empleo musical estable.
Educación y becas
La música es una parte importante de la educación en los Estados Unidos y forma parte de la mayoría o de todos los sistemas escolares del país. La educación musical es generalmente obligatoria en las escuelas primarias públicas y es optativa en años posteriores.
El estudio académico de la música en los Estados Unidos incluye trabajos que relacionan la música con la clase social, la identidad racial, étnica y religiosa, el género y la sexualidad, así como estudios de historia de la música, musicología y otros temas. El estudio académico de la música estadounidense se remonta a fines del siglo XIX, cuando investigadores como Alice Fletcher y Francis La Flesche estudiaron la música de los pueblos de Omaha, trabajando para la Oficina de Etnología Estadounidense y el Museo Peabody de Arqueología y Etnología. En la década de 1890 y principios del siglo XX, se realizaron grabaciones musicológicas entre pueblos indígenas, hispanos, afroamericanos y angloamericanos de los Estados Unidos. Muchos trabajaron para la Biblioteca del Congreso, primero bajo el liderazgo de Oscar Sonneck, jefe de las Divisiones de Música de la Biblioteca. Estos investigadores incluyeron a Robert W. Gordon, fundador del Archive of American Folk Song, y John y Alan Lomax; Alan Lomax fue el más destacado de varios coleccionistas de canciones populares que ayudaron a inspirar el renacimiento de las raíces de la cultura popular estadounidense en el siglo XX.
El análisis académico de principios del siglo XX de la música estadounidense tendía a interpretar las tradiciones clásicas derivadas de Europa como las más dignas de estudio, con la música folclórica, religiosa y tradicional de la gente común denigrada como de clase baja y de poco valor artístico o social.. La historia de la música estadounidense se comparó con el registro histórico mucho más largo de las naciones europeas, y se encontró deficiente, lo que llevó a escritores como el compositor Arthur Farwell a reflexionar sobre qué tipo de tradiciones musicales podrían surgir de la cultura estadounidense, en su Music in America< de 1915. /i>. En 1930, Our American Music de John Tasker Howard se convirtió en un análisis estándar, centrándose en gran medida en la música de concierto compuesta en los Estados Unidos. Desde el análisis del musicólogo Charles Seeger a mediados del siglo XX, la historia de la música estadounidense a menudo se ha descrito como íntimamente relacionada con las percepciones de raza y ascendencia. Bajo este punto de vista, los diversos antecedentes raciales y étnicos de los Estados Unidos han promovido un sentido de separación musical entre las razas, al mismo tiempo que fomentan la aculturación constante, ya que los elementos de las músicas europeas, africanas e indígenas se han desplazado entre campos. America's Music, from the Pilgrims to the Present, de Gilbert Chase, fue el primer trabajo importante en examinar la música de todo Estados Unidos y reconocer las tradiciones populares como culturalmente más significativas. que la música para la sala de conciertos. El análisis de Chase de una identidad musical estadounidense diversa ha seguido siendo la visión dominante entre el establecimiento académico. Sin embargo, hasta las décadas de 1960 y 1970, la mayoría de los estudiosos de la música en los Estados Unidos continuaron estudiando la música europea, limitándose solo a ciertos campos de la música estadounidense, especialmente los estilos clásicos y operísticos de origen europeo y, a veces, el jazz afroamericano. Los musicólogos y etnomusicólogos más modernos han estudiado temas que van desde la identidad musical nacional hasta los estilos y técnicas individuales de comunidades específicas en un momento particular de la historia estadounidense. Destacados estudios recientes de la música estadounidense incluyen Music in the New World de Charles Hamm de 1983 y America's Musical Life de Richard Crawford de 2001..
Fiestas y festivales
La música es una parte importante de varias festividades estadounidenses, especialmente en la celebración invernal de la Navidad. La música de la festividad incluye canciones religiosas como "O Holy Night" y canciones seculares como "Jingle Bells". Canciones patrióticas como el himno nacional, "The Star-Spangled Banner", son una parte importante de las celebraciones del Día de la Independencia. La música también juega un papel importante en muchas festividades regionales que no se celebran en todo el país, siendo la más famosa el Mardi Gras, un desfile y festival de música y danza en Nueva Orleans, Luisiana.
Estados Unidos alberga numerosos festivales de música, que muestran estilos que van desde el blues y el jazz hasta el indie rock y el heavy metal. Algunos festivales de música tienen un alcance estrictamente local, incluyen pocos o ningún artista con reputación nacional, y generalmente son operados por promotores locales. Las grandes compañías discográficas operan sus propios festivales de música, como Lollapalooza y Ozzfest, que atraen a grandes multitudes.
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