Música clásica

La música clásica generalmente se refiere a la tradición musical formal del mundo occidental, considerada distinta de la música folclórica occidental o las tradiciones musicales populares. A veces se distingue como música clásica occidental , ya que el término "música clásica" también puede referirse a tradiciones no occidentales que exhiben cualidades formales similares. Además de la formalidad, la música clásica a menudo se caracteriza por la complejidad en su forma musical y organización armónica, particularmente con el uso de la polifonía. Desde al menos el siglo IX ha sido principalmente una tradición escrita,generando un sofisticado sistema de notación, así como acompañando la literatura en prácticas analíticas, críticas, historiográficas, musicológicas y filosóficas. Un componente fundamental de la cultura occidental, la música clásica se ve con frecuencia desde la perspectiva de individuos o grupos de compositores, cuyas composiciones, personalidades y creencias han moldeado fundamentalmente su historia.

Arraigada en el patrocinio de iglesias y cortes reales en Europa occidental, la música medieval temprana era principalmente religiosa, monofónica y vocal, con la música de la antigua Grecia y Roma influyendo en su pensamiento y teoría. Los manuscritos de música más antiguos que existen datan del Imperio carolingio (800–888), alrededor de la época en que el canto llano occidental se unificó gradualmente en lo que se denomina canto gregoriano. Existían centros musicales en la Abadía de Saint Gall, la Abadía de Saint Martial y la Abadía de Saint Emmeram, mientras que el siglo XI vio el desarrollo de la notación de pentagrama y el aumento de la producción de los teóricos de la música medieval. A mediados del siglo XII, Francia se convirtió en el principal centro musical europeo:la escuela religiosa de Notre-Dame primero exploró completamente los ritmos organizados y la polifonía, mientras que la música secular floreció con las tradiciones de trovadores y trouvères dirigidas por nobles poetas y músicos. Esto culminó con el ars nova francés patrocinado por la corte y el Trecento italiano, que se convirtió en ars subtilior , un movimiento estilístico de extrema diversidad rítmica. A principios del siglo XV, los compositores renacentistas de la influyente escuela franco-flamenca se basaron en los principios armónicos de la contenance angloise inglesa , llevando la música sacra a nuevos estándares, en particular la misa y el motete.El norte de Italia pronto emergió como la región musical central, donde la Escuela Romana se involucró en métodos altamente sofisticados de polifonía en géneros como el madrigal, que inspiró la breve English Madrigal School.

El período barroco (1580-1750) vio la relativa estandarización de la tonalidad de práctica común, así como la creciente importancia de los instrumentos musicales, que se convirtieron en conjuntos de tamaño considerable. Italia siguió siendo dominante, siendo el lugar de nacimiento de la ópera, el género de concierto centrado en el solista, la forma de sonata organizada, así como los géneros de oratorio y cantata centrados en la voz a gran escala. La técnica de la fuga defendida por Johann Sebastian Bach ejemplificó la tendencia barroca a la complejidad y, como reacción, se desarrollaron la música galante más simple y parecida a una canción y los estilos empfindsamkeit . En el período clásico más corto pero fundamental (1730-1820), compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven crearon representantes ampliamente admirados de la música absoluta,incluyendo sinfonías, cuartetos de cuerda y conciertos. La música romántica posterior (1800-1910) se centró en cambio en la música programática, para la cual la canción artística, el poema sinfónico y varios géneros pianísticos fueron recipientes importantes. Durante este tiempo se celebró el virtuosismo, se alentó la inmensidad, mientras se incrustaban la filosofía y el nacionalismo, aspectos todos que convergían en las óperas de Richard Wagner. En el siglo XX, la unificación estilística se disipó gradualmente mientras la prominencia de la música popular aumentaba exponencialmente. Muchos compositores evitaron activamente las técnicas y los géneros del pasado en la lente del modernismo, y algunos abandonaron la tonalidad en lugar del serialismo, mientras que otros encontraron una nueva inspiración en las melodías populares o los sentimientos impresionistas. Después de la Segunda Guerra Mundial, por primera vez los miembros de la audiencia valoraron la música antigua sobre las obras contemporáneas.Las tendencias de mediados del siglo XX hasta la actualidad incluyen la nueva simplicidad, la nueva complejidad, el minimalismo, la música espectral y, más recientemente, la música posmoderna y el posminimalismo. Cada vez más a nivel mundial, los practicantes de las Américas, África y Asia han obtenido papeles cruciales, mientras que las orquestas sinfónicas y los teatros de ópera ahora aparecen en todo el mundo.

Terminología y definición

Orígenes ideológicos

Tanto el término inglés "clásico" como el equivalente alemán klassik se desarrollaron a partir del francés classique , derivado de la palabra latina classicus , que originalmente se refería a la clase más alta de ciudadanos de la Antigua Roma. En el uso romano, el término se convirtió más tarde en un medio para distinguir figuras literarias veneradas; el autor romano Aulo Gelio elogió a escritores como Demóstenes y Virgilio como clásicos . Para el Renacimiento, el adjetivo había adquirido un significado más general: una entrada en A Dictionarie of the French and English Tongues de Randle Cotgrave de 1611 se encuentra entre las primeras definiciones existentes, traduciendo classique como "clásico, formal [sic ], ordenanza, en rango debido o apto; también, aprobado, authenticall, chiefe, principall". El musicólogo Daniel Heartz resume esto en dos definiciones: 1) una "disciplina formal" y 2) un "modelo de excelencia". Al igual que Gellius, los estudiosos posteriores del Renacimiento que escribieron en latín usaron classicus en referencia a los escritores de la antigüedad clásica; sin embargo, este significado solo se desarrolló gradualmente y estuvo durante un tiempo subordinado a los ideales clásicos más amplios de formalidad y excelencia.La literatura y las artes, para las que existían ejemplos sustanciales de la Grecia antigua y la Roma antigua, finalmente adoptaron el término "clásico" en relación con la antigüedad clásica, pero prácticamente ninguna música de esa época estaba disponible para los músicos del Renacimiento, lo que limitaba la conexión entre la música clásica y el Greco. -Mundo romano. Es por esto que el movimiento del Neoclasicismo de mediados del siglo XVIII estuvo muy extendido en campos como la arquitectura y la pintura, pero no en la música.

Fue en la Inglaterra del siglo XVIII cuando el término "'clásico' pasó a significar por primera vez un canon particular de obras interpretadas". Londres había desarrollado una importante escena musical de conciertos públicos, sin precedentes ni igualada por otras ciudades europeas. La corte real había perdido gradualmente su monopolio de la música, en gran parte debido a la inestabilidad que la disolución de la Commonwealth de Inglaterra y la Revolución Gloriosa promulgaron en los músicos de la corte. En 1672, el ex músico de la corte John Banister comenzó a dar conciertos públicos populares en una taberna de Londres; su popularidad inauguró rápidamente la prominencia de los conciertos públicos en Londres.Surgió la concepción de "clásica", o más a menudo "música antigua", que todavía se basaba en los principios de formalidad y excelencia, y según Heartz, "el ritual cívico, la religión y el activismo moral figuraron significativamente en esta construcción novedosa del gusto musical". ". La interpretación de dicha música fue especializada por la Academia de Música Antigua y más tarde en la serie Conciertos de Música Antigua, donde se presentó el trabajo de compositores seleccionados de los siglos XVI y XVII, especialmente George Frideric Handel. En Francia, el reinado de Luis XIV ( r.  1638-1715 ) vio un renacimiento cultural, al final del cual se consideró que escritores como Molière, Jean de La Fontaine y Jean Racine habían superado los logros de la antigüedad clásica.Por lo tanto, se caracterizaron como "clásicas", al igual que la música de Jean-Baptiste Lully (y más tarde Christoph Willibald Gluck), siendo designadas como "l'opéra française classique". En el resto de Europa continental, el abandono de definir "clásico" como análogo al mundo grecorromano fue más lento, principalmente porque la formación de repertorios canónicos fue mínima o exclusiva de las clases altas.

Muchos comentaristas europeos de principios del siglo XIX encontraron una nueva unificación en su definición de música clásica: yuxtaponer a los compositores más antiguos Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y (excluyendo algunas de sus obras posteriores) Ludwig van Beethoven como "clásicos" frente a los emergentes. estilo de música romántica. Estos tres compositores en particular se agruparon en la Primera Escuela Vienesa, a veces llamados los "clásicos vieneses", un acoplamiento que sigue siendo problemático debido a que ninguno de los tres nació en Viena y el tiempo mínimo que Haydn y Mozart pasaron en la ciudad.Si bien esta fue una caracterización expresada con frecuencia, no fue estricta. En 1879 el compositor Charles Kensington Salaman definió como clásicos a los siguientes compositores: Bach, Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber, Spohr y Mendelssohn. En términos más generales, algunos escritores utilizaron el término "clásico" para elogiar en general las producciones bien consideradas de varios compositores, en particular aquellos que produjeron muchas obras en un género establecido.

Comprensión contemporánea

La comprensión contemporánea del término "música clásica" sigue siendo vaga y multifacética. Otros términos como "música de arte", "música canónica", "música culta" y "música seria" son en gran parte sinónimos. El término "música clásica" a menudo se indica o implica que se refiere únicamente al mundo occidental y, a la inversa, en muchas historias académicas el término "música occidental" excluye la música occidental no clásica. Otra complicación radica en que la "música clásica" se usa a veces para describir la música artística no occidental que exhibe características complejas y duraderas similares; los ejemplos incluyen música clásica india (música carnática e indostaní), música gamelana,Por lo tanto, a finales del siglo XX, se utilizaron términos como "música clásica occidental" y "música artística occidental" para abordar este problema. El musicólogo Ralph P. Locke señala que ninguno de los dos términos es ideal, ya que crean una "complicación intrigante" al considerar "ciertos practicantes de géneros musicales de arte occidental que provienen de culturas no occidentales".

La complejidad en la forma musical y la organización armónica son rasgos típicos de la música clásica. El Oxford English Dictionary ( OED ) ofrece tres definiciones para la palabra "clásico" en relación con la música:

1. "de reconocida excelencia"
2. "de, relacionado con, o característico de una tradición musical formal, a diferencia de la música popular o folclórica"
3. y más específicamente, "perteneciente o relativo a la música europea formal de finales del siglo XVIII y principios del XIX, caracterizada por la armonía, el equilibrio y la adherencia a formas compositivas establecidas".

La última definición se refiere a lo que ahora se denomina período clásico, una era estilística específica de la música europea desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX.

Historia

Las principales divisiones temporales de la música clásica hasta 1900 son el período de la música antigua, que incluye las épocas medieval (500–1400) y renacentista (1400–1600), y el período de práctica común, que incluye el barroco (1600–1750), el clásico (1750–1820) y Romántico (1810–1910). El período actual abarca el siglo XX y XXI hasta la fecha e incluye la era musical Modernista y la era musical Contemporánea o Posmoderna, cuyas fechas son a menudo discutidas. Las fechas son generalizaciones, ya que los períodos y las eras se superponen y las categorías son algo arbitrarias, hasta el punto de que algunas autoridades invierten las terminologías y se refieren a una "era" de práctica común que comprende "períodos" barrocos, clásicos y románticos.

Raíces

La tradición clásica occidental comienza formalmente con música creada por y para la Iglesia cristiana primitiva. Es probable que la Iglesia primitiva quisiera desvincularse de la música predominante de las antiguas Grecia y Roma, ya que era un recordatorio de la religión pagana que había perseguido y por la que había sido perseguido. Como tal, no está claro en qué medida la música de la Iglesia cristiana y, por lo tanto, la música clásica occidental en su conjunto, fue influenciada por la música antigua anterior. La actitud general hacia la música fue adoptada por los teóricos y comentaristas de la música griega y romana antigua; Al igual que en la sociedad grecorromana, la música se consideraba un elemento central de la educación y se incluía en el quadrivium que, en combinación con el trivium, compuso la educación estándar en artes liberales de la Edad Media. Esta alta consideración por la música fue promovida por primera vez por los eruditos Casiodoro, Isidoro de Sevilla y particularmente Boecio, cuya transmisión y expansión de las perspectivas de la música de Pitágoras, Aristóteles y Platón fueron cruciales en el desarrollo del pensamiento musical medieval. Sin embargo, los eruditos, los teóricos de la música medieval y los compositores solían malinterpretar o malinterpretar los escritos de sus predecesores griegos y romanos. Esto se debió a la ausencia total de obras musicales grecorromanas sobrevivientes disponibles para los músicos medievales, hasta el punto de que Isidoro de Sevilla ( c.  559 - 636) declaró "a menos que el hombre recuerde los sonidos, perecerán, porque no se pueden escribir", sin darse cuenta de las prácticas de notación sistemáticas de la antigua Grecia siglos antes. El musicólogo Gustave Reese señala, sin embargo, que muchos textos grecorromanos todavía pueden considerarse influyentes en la música clásica occidental, ya que los músicos medievales leían sus obras con regularidad, independientemente de si lo hacían correctamente.

Sin embargo, hay algunas continuaciones musicales indiscutibles del mundo antiguo. Aspectos básicos como la monofonía, la improvisación y el predominio del texto en los escenarios musicales son destacados tanto en la música altomedieval como en casi todas las civilizaciones antiguas. Las influencias griegas en particular incluyen los modos de la iglesia (que eran descendientes de los desarrollos de Aristóxeno y Pitágoras), la teoría acústica básica de la afinación pitagórica, así como la función central de los tetracordios. Los instrumentos griegos antiguos como el aulos (un instrumento de lengüeta) y la lira (un instrumento de cuerda similar a un arpa pequeña) finalmente dieron lugar a varios instrumentos modernos de una orquesta sinfónica.Sin embargo, Donald Jay Grout señala que intentar crear una conexión evolutiva directa desde la música antigua hasta la Edad Media temprana no tiene fundamento, ya que estuvo influenciado casi exclusivamente por la teoría de la música grecorromana, no por la interpretación o la práctica.

Música antigua

Medieval

La música medieval incluye música de Europa Occidental desde después de la caída del Imperio Romano Occidental en 476 hasta alrededor de 1400. El canto monofónico, también llamado canto llano o canto gregoriano, fue la forma dominante hasta alrededor de 1100. Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea en para estandarizar la liturgia en toda la Iglesia. La música polifónica (de varias voces) se desarrolló a partir del canto monofónico a lo largo de la Baja Edad Media y hasta el Renacimiento, incluidas las voces más complejas de los motetes. Durante el período medieval anterior, la música vocal del género litúrgico, predominantemente el canto gregoriano, era monofónica y utilizaba una sola línea de melodía vocal sin acompañamiento.Los géneros vocales polifónicos, que usaban múltiples melodías vocales independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval, prevaleciendo a finales del siglo XIII y principios del XIV. Los compositores medievales notables incluyen a Hildegard de Bingen, Léonin, Pérotin, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Francesco Landini y Johannes Ciconia.

Todavía existen muchos instrumentos musicales medievales, pero en diferentes formas. Los instrumentos medievales incluían la flauta, la flauta dulce e instrumentos de cuerda pulsada como el laúd. Además, existían versiones tempranas del órgano y el violín (o vielle). Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado con mayor frecuencia solos, a menudo acompañados de una nota de zumbido, u ocasionalmente en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV, hubo una división de instrumentos en haut (instrumentos ruidosos, estridentes, al aire libre) y bajos (instrumentos más silenciosos e íntimos). Varios instrumentos tienen raíces en predecesores orientales que fueron adoptados del mundo islámico medieval.Por ejemplo, el rebab árabe es el antepasado de todos los instrumentos europeos de cuerda frotada, incluidos la lira, el rabel y el violín.

Renacimiento

La era del Renacimiento fue de 1400 a 1600. Se caracterizó por un mayor uso de la instrumentación, múltiples líneas melódicas entrelazadas y el uso de los primeros instrumentos de bajo. El baile social se generalizó, por lo que las formas musicales apropiadas para acompañar el baile comenzaron a estandarizarse. Es en este tiempo que la notación de música en un pentagrama y otros elementos de la notación musical comenzaron a tomar forma. Este invento hizo posible la separación de la composición de una pieza musical de su transmisión ; sin música escrita, la transmisión era oral y estaba sujeta a cambios cada vez que se transmitía. Con una partitura musical, una obra musical podría ejecutarse sin la presencia del compositor.La invención de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV tuvo consecuencias de gran alcance en la preservación y transmisión de la música.

Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que ya existían con anterioridad. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados para interpretar música con instrumentos de época. Como en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera. Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales que eran miembros de gremios e incluían la trompeta deslizante, la corneta de madera, la trompeta sin válvula y el saco. Los instrumentos de cuerda incluían la viola, el rabel, la lira con forma de arpa, la zanfoña, el laúd, la guitarra, la cítara, la bandora y el orfarión. Los instrumentos de teclado con cuerdas incluían el clavicordio y el clavicordio. Los instrumentos de percusión incluyen el triángulo, el arpa judía, la pandereta, las campanas, el timbal y varias clases de tambores. Los instrumentos de viento de madera incluían la chirimía de doble lengüeta (uno de los primeros miembros de la familia del oboe), la flauta de lengüeta, la gaita, la flauta travesera, la flauta dulce, el dulcián y el crumhorn. Existían órganos de tubos simples, pero en gran parte estaban confinados a las iglesias, aunque había variedades portátiles.La impresión permitió la estandarización de las descripciones y especificaciones de los instrumentos, así como la instrucción en su uso.

La música vocal en el Renacimiento se destaca por el florecimiento de un estilo polifónico cada vez más elaborado. Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños. Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio. Alrededor de 1597, el compositor italiano Jacopo Peri escribió Dafne , la primera obra que hoy se llama ópera. También compuso Eurídice , la primera ópera que ha sobrevivido hasta nuestros días.

Los compositores renacentistas notables incluyen a Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, John Dunstaple, Johannes Ockeghem, Orlande de Lassus, Guillaume Du Fay, Gilles Binchois, Thomas Tallis, William Byrd, Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, John Dowland, Jacob Obrecht, Adrian Willaert. , Jacques Arcadelt y Cipriano de Rore.

Período de práctica común

El período de práctica común se define típicamente como la era entre la formación y la disolución de la tonalidad de práctica común. El término generalmente abarca aproximadamente dos siglos y medio, abarcando los períodos barroco, clásico y romántico.

Barroco

La música barroca se caracteriza por el uso de un contrapunto tonal complejo y el uso de un bajo continuo, una línea de bajo continua. La música se volvió más compleja en comparación con las canciones simples de todos los períodos anteriores. Los comienzos de la forma sonata tomaron forma en la canzona, al igual que una noción más formalizada de tema y variaciones. Las tonalidades de mayor y menor como medios para gestionar la disonancia y el cromatismo en la música tomaron plena forma.

Durante la era barroca, la música de teclado tocada en el clavicémbalo y el órgano de tubos se hizo cada vez más popular, y la familia de instrumentos de cuerda del violín tomó la forma que se ve generalmente en la actualidad. La ópera como drama musical escenificado comenzó a diferenciarse de las formas musicales y dramáticas anteriores, y las formas vocales como la cantata y el oratorio se hicieron más comunes. Los vocalistas por primera vez comenzaron a agregar notas adicionales a la música.

Las teorías que rodean el temperamento igual comenzaron a ponerse en práctica más ampliamente, especialmente porque permitía una gama más amplia de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado difíciles de afinar. Aunque JS Bach no usó el temperamento igual, como generalmente se afina un piano moderno, los cambios en los temperamentos del sistema de tono medio, común en ese momento, a varios temperamentos que hicieron musicalmente aceptable la modulación entre todas las teclas, hicieron posible su Clave bien temperado. .

Los instrumentos barrocos incluían algunos instrumentos de períodos anteriores (p. ej., la zanfoña y la flauta dulce) y varios instrumentos nuevos (p. ej., el oboe, el fagot, el violonchelo, el contrabajo y el fortepiano). Algunos instrumentos de épocas anteriores cayeron en desuso, como la chirimía, la cítara, la raqueta y la corneta de madera. Los instrumentos barrocos clave para cuerdas incluían el violín, la viola, la viola, la viola de amor, el violonchelo, el contrabajo, el laúd, la tiorba (que a menudo tocaba las partes del bajo continuo), la mandolina, la guitarra barroca, el arpa y la zanfoña. Los instrumentos de viento de madera incluían la flauta barroca, el oboe barroco, la flauta dulce y el fagot. Los instrumentos de metal incluían la corneta, la trompa natural, la trompeta natural, la serpiente y el trombón. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio, el piano tangente, el clavicémbalo, el órgano de tubos y, más adelante en el período, el fortepiano (una versión temprana del piano). Los instrumentos de percusión incluían los timbales, la caja, la pandereta y las castañuelas.

Una diferencia importante entre la música barroca y la era clásica que la siguió es que los tipos de instrumentos utilizados en los conjuntos barrocos estaban mucho menos estandarizados. Un conjunto barroco podría incluir uno de varios tipos diferentes de instrumentos de teclado (p. ej., órgano de tubos o clavicémbalo), instrumentos de cuerda de cuerda adicionales (p. ej., un laúd), cuerdas frotadas, instrumentos de viento de madera e instrumentos de metal, y un número no especificado de instrumentos de bajo interpretando el bajo continuo, (por ejemplo, un violonchelo, contrabajo, viola, fagot, serpiente, etc.).

Los desarrollos vocales en la era barroca incluyeron el desarrollo de tipos de ópera como la ópera seria y la opéra comique, y formas relacionadas como los oratorios y las cantatas.

Compositores importantes de esta era incluyen a Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Henry Purcell, Claudio Monteverdi, Barbara Strozzi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully y Heinrich Schütz.

Clásico

Aunque el término "música clásica" incluye toda la música de arte occidental desde la era medieval hasta la década de 2000, la era clásica fue el período de la música de arte occidental desde la década de 1750 hasta principios de la de 1820, la era de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig. Van Beethoven.

La era clásica estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo, y fue también cuando el piano se convirtió en el instrumento de teclado predominante. Las fuerzas básicas requeridas para una orquesta se estandarizaron un poco (aunque crecerían a medida que se desarrollara el potencial de una gama más amplia de instrumentos en los siglos siguientes). La música de cámara creció para incluir conjuntos con hasta 8 a 10 intérpretes para serenatas. La ópera siguió desarrollándose, con estilos regionales en Italia, Francia y países de habla alemana. la ópera bufa, una forma de ópera cómica, ganó popularidad. La sinfonía se convirtió en una forma musical y el concierto se desarrolló como un vehículo para exhibiciones de habilidades de interpretación virtuosa. Las orquestas ya no requerían un clavicémbalo (que había sido parte del continuo tradicional en el estilo barroco) y, a menudo, estaban dirigidas por el violinista principal (ahora llamado concertino).

Los músicos de la época clásica continuaron utilizando muchos de los instrumentos de la época barroca, como el violonchelo, el contrabajo, la flauta dulce, el trombón, los timbales, el fortepiano (el precursor del piano moderno) y el órgano. Mientras que algunos instrumentos barrocos cayeron en desuso (por ejemplo, la tiorba y el rackett), muchos instrumentos barrocos se cambiaron a las versiones que todavía se usan hoy en día, como el violín barroco (que se convirtió en violín), el oboe barroco (que se convirtió en oboe) y la trompeta barroca, que hizo la transición a la trompeta regular con válvulas. Durante la era clásica, los instrumentos de cuerda utilizados en la orquesta y la música de cámara, como los cuartetos de cuerda, se estandarizaron como los cuatro instrumentos que forman la sección de cuerdas de la orquesta: el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Los instrumentos de cuerda de la era barroca, como las violas con arco y trastes, fueron eliminados. Los instrumentos de viento de madera incluían el clarinete basset, el cuerno basset, la clarinette d'amour, el clarinete clásico, el chalumeau, la flauta, el oboe y el fagot. Los instrumentos de teclado incluían el clavicordio y el fortepiano. Si bien el clavicordio todavía se usaba como acompañamiento de bajo continuo en las décadas de 1750 y 1760, dejó de usarse a fines de siglo. Los instrumentos de metal incluían el buccin, el oficleido (un reemplazo del bajo de serpiente, que fue el precursor de la tuba) y el cuerno natural.

Los instrumentos de viento se volvieron más refinados en la era clásica. Mientras que los instrumentos de lengüeta doble como el oboe y el fagot se estandarizaron un poco en el Barroco, la familia del clarinete de lengüeta simple no se usó mucho hasta que Mozart amplió su papel en configuraciones orquestales, de cámara y de concierto.

Los principales compositores de este período incluyen a Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi, Antonio Salieri y Johann Nepomuk Hummel.

Romántico

La música de la era romántica, desde aproximadamente la primera década del siglo XIX hasta principios del siglo XX, se caracterizó por una mayor atención a una línea melódica extendida, así como elementos expresivos y emocionales, en paralelo con el romanticismo en otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a romper con las formas de la era clásica (incluso mientras se codificaban), y se escribieron piezas de forma libre como nocturnos, fantasías y preludios donde se ignoraron o minimizaron las ideas aceptadas sobre la exposición y el desarrollo de los temas. La música se volvió más cromática, disonante y tonalmente colorida, con tensiones (con respecto a las normas aceptadas de las formas más antiguas) sobre el aumento de las armaduras. La canción de arte (o Lied) llegó a la madurez en esta época, al igual que las escalas épicas de la gran ópera, superadas en última instancia por el ciclo Ring de Richard Wagner.

En el siglo XIX, las instituciones musicales surgieron del control de mecenas adinerados, ya que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. El creciente interés en la música por parte de las crecientes clases medias en toda Europa occidental estimuló la creación de organizaciones para la enseñanza, interpretación y preservación de la música. El piano, que logró su construcción moderna en esta era (en parte debido a los avances industriales en la metalurgia) se hizo muy popular entre la clase media, cuyas demandas por el instrumento estimularon a muchos constructores de pianos. Muchas orquestas sinfónicas fechan su fundación en esta época. Algunos músicos y compositores fueron las estrellas del día; algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, cumplieron ambos roles.

Las ideas e instituciones culturales europeas comenzaron a seguir la expansión colonial a otras partes del mundo. También hubo un aumento, especialmente hacia el final de la era, del nacionalismo en la música (haciéndose eco, en algunos casos, de los sentimientos políticos de la época), ya que compositores como Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvořák se hicieron eco de la música tradicional. de sus patrias en sus composiciones.

En la era romántica, el piano moderno, con un tono más potente y sostenido y un rango más amplio, reemplazó al fortepiano con un sonido más delicado. En la orquesta, se mantuvieron los instrumentos y las secciones clásicas existentes (sección de cuerdas, instrumentos de viento de madera, metales y percusión), pero estas secciones normalmente se ampliaron para producir un sonido más completo y más grande. Por ejemplo, mientras que una orquesta barroca puede haber tenido dos contrabajistas, una orquesta romántica podría tener hasta diez. "A medida que la música se volvió más expresiva, la paleta orquestal estándar no era lo suficientemente rica para muchos compositores románticos".

Las familias de instrumentos utilizados, especialmente en las orquestas, se hicieron más grandes; un proceso que culminó a principios del siglo XX con orquestas muy grandes utilizadas por compositores del romanticismo tardío y del modernismo. Comenzó a aparecer una gama más amplia de instrumentos de percusión. Los instrumentos de metal asumieron un papel más importante, ya que la introducción de válvulas rotativas les permitió tocar una gama más amplia de notas. El tamaño de la orquesta (típicamente alrededor de 40 en la era clásica) creció a más de 100. La Sinfonía n. ° 8 de Gustav Mahler de 1906, por ejemplo, se ha interpretado con más de 150 instrumentistas y coros de más de 400.Se agregaron nuevos instrumentos de viento de madera, como el contrafagot, el clarinete bajo y el flautín, y se agregaron nuevos instrumentos de percusión, incluidos xilófonos, tambores, celestas (un instrumento de teclado parecido a una campana), campanas y triángulos, grandes arpas orquestales e incluso instrumentos de viento. Máquinas para efectos de sonido. Los saxofones aparecen en algunas partituras desde finales del siglo XIX en adelante, generalmente presentados como un instrumento solista en lugar de como parte integral de la orquesta.

La tuba de Wagner, un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . También tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner y también se utiliza en varias obras del romanticismo tardío y modernista de Richard Strauss, Béla Bartók y otros. Las cornetas aparecen regularmente en partituras del siglo XIX, junto con trompetas que se consideraban como menos ágil, al menos hasta finales de siglo.

Los compositores destacados de esta época incluyen a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Hector Berlioz, Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Franz Liszt, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Johannes Brahms, Edvard Grieg y Johann Strauss II. Gustav Mahler y Richard Strauss son comúnmente considerados como compositores de transición cuya música combina elementos del romanticismo tardío y del modernismo temprano.

Siglos XX y XXI

Modernista

Abarcando una amplia variedad de estilos posrománticos, la música clásica modernista incluye estilos de composición románticos tardíos, impresionistas, expresionistas y neoclásicos. El modernismo marcó una era en la que muchos compositores rechazaron ciertos valores del período de práctica común, como la tonalidad, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. Algunos historiadores de la música consideran el modernismo musical como una era que se extiende desde aproximadamente 1890 hasta 1930. Otros consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. Aún otras autoridades afirman que el modernismo no está asociado con ninguna era histórica, sino que es "una actitud del compositor; una construcción viva que puede evolucionar con los tiempos".A pesar de su declive en el último tercio del siglo XX, al final del siglo quedó un núcleo activo de compositores que continuaron avanzando en las ideas y formas del modernismo, como Pierre Boulez, Pauline Oliveros, Toru Takemitsu, George Benjamin, Jacob Druckman, Brian Ferneyhough, George Perle, Wolfgang Rihm, Richard Wernick, Richard Wilson y Ralph Shapey.

Dos movimientos musicales que fueron dominantes durante este tiempo fueron el impresionista que comenzó alrededor de 1890 y el expresionista que comenzó alrededor de 1908. Fue un período de reacciones diversas al desafiar y reinterpretar categorías musicales más antiguas, innovaciones que conducen a nuevas formas de organizar y abordar la armonía. aspectos melódicos, sonoros y rítmicos de la música, y cambios en las cosmovisiones estéticas en estrecha relación con el período identificable más amplio del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada con ella es "innovación". Su característica principal es una "pluralidad lingüística", lo que quiere decir que ningún género musical único asumió nunca una posición dominante.

La orquesta siguió creciendo en tamaño durante los primeros años de la era modernista, alcanzando su punto máximo en las dos primeras décadas del siglo XX. Los saxofones que aparecieron solo en raras ocasiones durante el siglo XIX se usaron más comúnmente como instrumentos complementarios, pero nunca se convirtieron en miembros centrales de la orquesta. Si bien aparece solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras como Romeo y Julieta Suites 1 y 2 de Sergei Prokofiev y muchas otras Trabaja como miembro del conjunto orquestal. En algunas composiciones como el Boléro de Ravel, se utilizan dos o más saxofones de diferentes tamaños para crear una sección completa como las otras secciones de la orquesta. El bombardino aparece en algunas obras del romanticismo tardío y del siglo XX, generalmente interpretando partes marcadas como "tuba tenor", incluidos Los planetas de Gustav Holst y Ein Heldenleben de Richard Strauss .

Los compositores destacados de principios del siglo XX incluyen a Igor Stravinsky, Claude Debussy, Sergei Rachmaninoff, Sergei Prokofiev, Arnold Schoenberg, Nikos Skalkottas, Heitor Villa-Lobos, Anton Webern, Alban Berg, Cécile Chaminade, Paul Hindemith, Aram Khachaturian, George Gershwin, Amy Beach, Béla Bartók y Dmitri Shostakovich, junto con los ya mencionados Mahler y Strauss como figuras de transición del siglo XIX.

Posmoderno/contemporáneo

La música posmoderna es un período de la música que comenzó en 1930 según algunas autoridades. Comparte características con el arte posmodernista, es decir, el arte que viene después y reacciona contra el modernismo.

Algunas otras autoridades han equiparado más o menos la música posmoderna con la "música contemporánea" compuesta mucho después de 1930, desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. Algunos de los diversos movimientos de la era posmoderna/contemporánea incluyen el neorromántico, neomedieval, minimalista y posminimalista.

A menudo se consideraba que la música clásica contemporánea de principios del siglo XXI incluía todas las formas musicales posteriores a 1945. Una generación más tarde, este término ahora se refiere propiamente a la música de hoy escrita por compositores que aún están vivos; música que cobró protagonismo a mediados de la década de 1970. Incluye diferentes variaciones de música modernista, posmoderna, neorromántica y pluralista.

Rendimiento

Se dice que los artistas que han estudiado extensamente la música clásica tienen "entrenamiento clásico". Esta formación puede provenir de lecciones privadas de profesores de instrumento o voz o de la finalización de un programa formal ofrecido por un Conservatorio, colegio o universidad, como una Licenciatura en Música o una Maestría en Música (que incluye lecciones individuales de profesores). En la música clásica, "... se requiere una amplia educación y formación musical formal, a menudo hasta el nivel de posgrado [maestría]".

La interpretación del repertorio de música clásica requiere competencia en lectura a primera vista y ejecución en conjunto, principios armónicos, fuerte entrenamiento auditivo (para corregir y ajustar los tonos de oído), conocimiento de la práctica de interpretación (p. ej., ornamentación barroca) y familiaridad con el estilo/ lenguaje musical que se espera de un determinado compositor u obra musical (p. ej., una sinfonía de Brahms o un concierto de Mozart).

La característica clave de la música clásica europea que la distingue de la música popular, la música folclórica y algunas otras tradiciones musicales clásicas, como la música clásica india, es que el repertorio tiende a escribirse en notación musical, creando una parte o partitura musical.Esta partitura generalmente determina los detalles del ritmo, el tono y, cuando participan dos o más músicos (ya sean cantantes o instrumentistas), cómo se coordinan las distintas partes. La calidad escrita de la música ha permitido un alto nivel de complejidad dentro de ellos: las fugas, por ejemplo, logran un notable matrimonio de líneas melódicas audazmente distintivas que se entretejen en contrapunto pero crean una lógica armónica coherente. El uso de la notación escrita también conserva un registro de las obras y permite a los músicos clásicos interpretar música de muchos siglos atrás.

Aunque la música clásica en la década de 2000 ha perdido la mayor parte de su tradición de improvisación musical, desde la era barroca hasta la era romántica, hay ejemplos de intérpretes que podían improvisar al estilo de su época. En la época barroca, los intérpretes de órgano improvisaban preludios, los intérpretes de teclados que tocaban el clavicémbalo improvisaban acordes a partir de los símbolos de bajo figurados debajo de las notas de bajo de la parte de bajo continuo y tanto los intérpretes vocales como los instrumentales improvisaban adornos musicales. Johann Sebastian Bach se destacó particularmente por sus complejas improvisaciones. Durante la era clásica, el compositor e intérprete Wolfgang Amadeus Mozart se destacó por su habilidad para improvisar melodías en diferentes estilos.Durante la era clásica, algunos solistas virtuosos improvisaban las secciones de cadencia de un concierto. Durante la época romántica, Ludwig van Beethoven improvisaba al piano.

Mujeres en la música clásica

Casi todos los compositores que se describen en los libros de texto de música clásica y cuyas obras se interpretan ampliamente como parte del repertorio estándar de conciertos son compositores masculinos, aunque ha habido un gran número de mujeres compositoras a lo largo del período de la música clásica. La musicóloga Marcia Citron ha preguntado "¿[p]or qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio 'clásico' estándar?"Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del 'canon' recibido de las obras musicales interpretadas". Ella argumenta que en la década de 1800, las mujeres compositoras solían escribir canciones artísticas para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en un gran salón, y estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran notables como compositoras. En la "... Historia concisa de la música de Oxford , Clara S[c]humann es una de las únicas [ sic ] compositoras mencionadas".Abbey Philips afirma que "[d]urante el siglo XX, las mujeres que componían/tocaban atrajeron mucha menos atención que sus homólogos masculinos".

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayoría o en su totalidad por músicos hombres. Uno de los primeros casos de mujeres contratadas en orquestas profesionales fue en el puesto de arpista. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008. La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín. . Todavía en febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury, le dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionelle Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente".En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las ausencias esperadas" de la licencia por maternidad sería un problema.

En 1997, la Filarmónica de Viena "enfrentaba protestas durante una gira [por los Estados Unidos]" de la Organización Nacional para la Mujer y la Alianza Internacional para la Mujer en la Música. Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista. " A partir de 2013, la orquesta tiene seis integrantes femeninas; una de ellas, la violinista Albena Danailova se convirtió en una de las concertinos de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese cargo. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de VPO, Clemens Hellsberg, dijo que VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente evaluadas.

En 2013, un artículo en Mother Jones declaró que si bien "[m]uchas orquestas prestigiosas tienen una membresía femenina significativa (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional, la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidas por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo, metales y percusión de las principales orquestas "... siguen siendo predominantemente masculinas". Un artículo de la BBC de 2014 declaró que "... la introducción de audiciones 'ciegas', en las que un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no pueda ejercer prejuicios raciales o de género, ha visto el equilibrio de género de la sinfonía tradicionalmente dominada por hombres. las orquestas cambian gradualmente".

Relación con otras tradiciones musicales

Musica Popular

La música clásica a menudo ha incorporado elementos o material de la música popular de la época del compositor. Los ejemplos incluyen música ocasional como el uso de Brahms de canciones de estudiantes bebiendo en su Obertura del Festival Académico , géneros ejemplificados por The Threepenny Opera de Kurt Weill , y la influencia del jazz en compositores de principios y mediados del siglo XX, incluido Maurice Ravel, ejemplificado por el movimiento titulado "Blues" en su sonata para violín y piano. Algunos compositores clásicos posmodernos, minimalistas y posminimalistas reconocen una deuda con la música popular.

Numerosos ejemplos muestran una influencia en la dirección opuesta, incluidas las canciones populares basadas en la música clásica, el uso que se le ha dado al Canon de Pachelbel desde la década de 1970 y el fenómeno del cruce musical, donde los músicos clásicos han logrado el éxito en el campo de la música popular. En el heavy metal, varios guitarristas principales (que tocan la guitarra eléctrica), incluidos Ritchie Blackmore y Randy Rhoads, modelaron sus estilos de interpretación en la música instrumental barroca o clásica.

Música folk

Los compositores de música clásica a menudo han hecho uso de la música folclórica (música creada por músicos que generalmente no tienen una formación clásica, a menudo de una tradición puramente oral). Algunos compositores, como Dvořák y Smetana, han utilizado temas folclóricos para impartir un sabor nacionalista a su obra, mientras que otros, como Bartók, han utilizado temas específicos sacados completamente de sus orígenes musicales folclóricos. Khachaturian incorporó ampliamente en su obra la música folclórica de su Armenia natal, pero también de otros grupos étnicos de Oriente Medio y Europa del Este.

Comercialización

Ciertos elementos básicos de la música clásica a menudo se usan comercialmente (ya sea en publicidad o en bandas sonoras de películas). En los comerciales de televisión, varios pasajes se han convertido en clichés, particularmente la apertura de Also sprach Zarathustra de Richard Strauss (que se hizo famosa en la película 2001: A Space Odyssey ) y la sección de apertura "O Fortuna" de Carmina Burana de Carl Orff ; otros ejemplos incluyen "Dies irae" del Réquiem de Verdi, "En el salón del rey de la montaña" de Edvard Grieg de Peer Gynt , los primeros compases de la Sinfonía n.° 5 de Beethoven, "La cabalgata de las valquirias" de Wagner de Die Walküre , Rimsky - "El vuelo del abejorro" de Korsakov, y extractos de Aaron Copland'Varias obras de la Edad de Oro de la Animación combinaron la acción con la música clásica. Ejemplos notables son Fantasía de Walt Disney, Johann Mouse de Tom y Jerry y Warner Bros. Conejo de Sevilla y ¿Qué es la ópera, doc?

Del mismo modo, las películas y la televisión a menudo recurren a extractos estándar y cliché de música clásica para transmitir refinamiento u opulencia: algunas de las piezas más escuchadas en esta categoría incluyen la Suite para violonchelo n.° 1 de Bach, Eine kleine Nachtmusik de Mozart, Las cuatro estaciones de Vivaldi. , Noche en la montaña calva de Mussorgsky (orquestada por Rimsky-Korsakov) y " Obertura de Guillermo Tell " de Rossini . Shawn Vancour argumenta que la comercialización de la música clásica a principios del siglo XX puede haber dañado la industria de la música a través de una representación inadecuada.

Educación

Durante la década de 1990, varios trabajos de investigación y libros populares escribieron sobre lo que se denominó "efecto Mozart": una pequeña elevación temporal observada de las puntuaciones en ciertas pruebas como resultado de escuchar las obras de Mozart. El enfoque se ha popularizado en un libro de Don Campbell y se basa en un experimento publicado en Nature que sugiere que escuchar a Mozart aumentó temporalmente el coeficiente intelectual de los estudiantes entre 8 y 9 puntos. Esta versión popularizada de la teoría fue expresada sucintamente por el columnista de música del New York Times Alex Ross: "los investigadores... han determinado que escuchar a Mozart en realidad te hace más inteligente".Los promotores comercializaron CD que afirmaban inducir el efecto. Florida aprobó una ley que obligaba a los niños pequeños de las escuelas estatales a escuchar música clásica todos los días, y en 1998 el gobernador de Georgia presupuestó 105.000 dólares al año para proporcionar a todos los niños nacidos en Georgia una cinta o un CD de música clásica. Uno de los coautores de los estudios originales del efecto Mozart comentó: "No creo que pueda doler. Estoy a favor de exponer a los niños a maravillosas experiencias culturales. Pero creo que el dinero podría gastarse mejor en educación musical". programas".