Música barroca

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Pintura de Evaristo Baschenis de instrumentos barrocos, incluyendo un cítrico, viola da gamba, violín y dos lutes

Música barroca (o) se refiere al período o estilo dominante de la música clásica occidental compuesta entre 1600 y 1750 aproximadamente. El estilo barroco siguió al Renacimiento y, tras una breve transición, al Clásico (el estilo galante). El Barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. Superpuestas en el tiempo, se datan convencionalmente de 1580 a 1650, de 1630 a 1700 y de 1680 a 1750. La música barroca constituye una parte importante del canon de la «música clásica» y continúa siendo ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. El término «barroco» proviene del portugués «barroco», que significa «perla deforme». Los compositores clave de la época barroca incluyen a Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemann, Domenico Scarlatti, Claudio Monteverdi, Alessandro Stradella, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Arcangelo Corelli, François Couperin, Heinrich Schütz, Dieterich Buxtehude y Heinrich Ignaz Franz Biber.

El Barroco presenció la formalización de la tonalidad habitual, un enfoque musical en el que una canción o pieza se escribe en una tonalidad específica. Este tipo de armonía se ha seguido utilizando ampliamente en la música clásica y popular occidental. Durante el Barroco, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas solistas como de acompañamiento. Los conciertos barrocos solían ir acompañados por un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas de acordes, como clavecinistas y laudistas, que improvisaban acordes a partir de una parte de bajo cifrado), mientras que un grupo de bajos (viola, violonchelo y contrabajo) tocaba la línea de bajo. Una forma característica del Barroco era la suite de danza. Mientras que las piezas de una suite de danza se inspiraban en la música de danza propiamente dicha, las suites de danza estaban diseñadas exclusivamente para ser escuchadas, no para acompañar a los bailarines.Durante este período, los compositores experimentaron buscando un sonido más pleno para cada parte instrumental (creando así la orquesta), introdujeron cambios en la notación musical (desarrollando el bajo cifrado como una forma rápida de anotar la progresión de acordes de una canción o pieza) y desarrollaron nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas vocales e instrumentales mixtas de la ópera, la cantata y el oratorio, así como las formas instrumentales del concierto solista y la sonata como géneros musicales. La música polifónica densa y compleja, en la que se interpretaban simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes (un ejemplo popular de esto es la fuga), fue una parte importante de muchas obras corales e instrumentales del Barroco. En general, la música barroca fue una herramienta de expresión y comunicación.

Etimología y definición

Johann Sebastian Bach, 1748
La etimología de barroco probablemente proviene del francés baroque (que originalmente significaba perla de forma irregular) y del portugués barroco (perla irregular); también están relacionados el español barrueco y el italiano barocco. El origen del término es incierto, pero posiblemente proviene del latín verrūca (verruga) o posiblemente de Baroco, un término técnico de la lógica escolástica.El término «barroco» se utiliza generalmente entre los historiadores musicales para describir una amplia gama de estilos de una extensa región geográfica, principalmente europea, compuestos a lo largo de un período de unos 150 años. Aunque durante mucho tiempo se creyó que el término, como término crítico, se aplicó primero a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de «Hippolyte et Aricie» de Rameau, publicada en el «Mercure de France» en mayo de 1734. El crítico insinuó que la novedad de esta ópera era «du barrocque», quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, estaba llena de disonancias constantes, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica, y utilizaba con rapidez todos los recursos compositivos.Jean-Jacques Rousseau, músico, compositor y filósofo, escribió en 1768 en la Encyclopédie: «La música barroca es aquella en la que la armonía es confusa y está llena de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y artificial, la entonación difícil y el movimiento limitado». Parece que el término proviene de la palabra «barroco», usada por los lógicos. Rousseau se refería al término filosófico «barroco», usado desde el siglo XIII para describir un tipo de argumento académico elaborado y, para algunos, innecesariamente complicado.La aplicación sistemática del término «barroco» a la música de este período por parte de los historiadores es relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs fue el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del Barroco de Heinrich Wölfflin. Sin embargo, los críticos cuestionaron rápidamente el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX, Manfred Bukofzer (en Alemania y, tras su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) realizaron intentos independientes de utilizar análisis técnicos autónomos en lugar de abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación a la música de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura. Todos estos esfuerzos resultaron en un desacuerdo considerable sobre los límites temporales del período, especialmente en cuanto a su inicio. En inglés, el término adquirió vigencia recién en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang.Incluso en 1960, aún existía una considerable controversia en círculos académicos, sobre todo en Francia y Gran Bretaña, sobre si tenía sentido agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una misma rúbrica. Sin embargo, el término se ha generalizado y aceptado para esta amplia gama musical. Puede resultar útil distinguir el Barroco de los períodos de la historia musical, tanto el anterior (Renacimiento) como el posterior (Clásico).

Historia

A lo largo del Barroco, los nuevos desarrollos musicales surgieron en Italia, tras lo cual transcurrieron hasta 20 años antes de que se adoptaran ampliamente en el resto de la práctica musical clásica occidental. Por ejemplo, los compositores italianos adoptaron el estilo galante alrededor de 1730, mientras que compositores alemanes como Johann Sebastian Bach continuaron escribiendo en gran medida en estilo barroco hasta 1750.
Fases de la música barroca
Subperíodo Hora En Italia En otro lugar
Barroco temprano 1580-1650
  • Gabrieli
  • Monteverdi
  • Frescobaldi
  • M. Praetorius
  • Sweelinck
  • O. Gibbons
  • Schütz
Barroco medio 1630-1700
  • Cavalli
  • Carissimi
  • Legrenzi
  • Lully
  • Biber
  • Buxtehude
  • Purcell
  • Pachelbel
Barroca tardía 1680–1750
  • Corelli
  • Vivaldi
  • Pergolesi
  • Telemann
  • Rameau
  • Handel
  • J. S. Bach

Música barroca temprana (1580-1650)

Claudio Monteverdi en 1640
La Camerata Florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia del Renacimiento tardío que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para debatir y orientar las tendencias artísticas, especialmente la música y el teatro. En cuanto a la música, basaban sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente de la antigua Grecia) que valoraba el discurso y la oratoria. En consecuencia, rechazaban el uso que sus contemporáneos hacían de la polifonía (múltiples líneas melódicas independientes) y la música instrumental, y debatían recursos musicales de la antigua Grecia como la monodia, que consistía en un canto solista acompañado por una cítara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). Las primeras realizaciones de estas ideas, incluyendo Dafne y L'Euridice de Jacopo Peri, marcaron el inicio de la ópera, que fue un catalizador para la música barroca.En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo cifrado (también conocido como bajo continuo) representa la creciente importancia de la armonía como base lineal de la polifonía. La armonía es el resultado del contrapunto, y el bajo cifrado es una representación visual de las armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Con el bajo cifrado, se colocaban números, alteraciones o símbolos sobre la línea de bajo que leían los intérpretes de instrumentos de teclado, como los clavecinistas u organistas (o laudistas). Los números, alteraciones o símbolos indicaban al teclista qué intervalos debían tocarse sobre cada nota grave. El teclista improvisaba una sonoridad de acorde para cada nota grave. Los compositores comenzaron a interesarse por las progresiones armónicas y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, para crear disonancia (se utilizaba en el acorde de séptima dominante y el acorde disminuido). También existía un interés por la armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo. Sin embargo, el uso de la armonía, orientado a la tonalidad (un enfoque en una tonalidad musical que se convierte en la nota central de una pieza), en lugar de la modalidad, marca la transición del Renacimiento al Barroco. Esto dio origen a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza: una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad.Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo musical renacentista al barroco. Desarrolló dos estilos de composición: la herencia de la polifonía renacentista (prima pratica) y la nueva técnica del bajo continuo barroco (seconda pratica). En el bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que acompañaban a una melodía. El grupo de bajo continuo solía contar con uno o más teclistas y un laudista que tocaba la línea de bajo e improvisaba los acordes, y varios instrumentos bajos (p. ej., viola baja, violonchelo, contrabajo) que la interpretaban. Con la composición de las óperas «L'Orfeo» y «L'incoronazione di Poppea», entre otras, Monteverdi atrajo considerable atención a este nuevo género. Este estilo veneciano fue llevado fácilmente a Alemania por Heinrich Schütz, cuyo estilo diverso también evolucionó en el período posterior.Las texturas instrumentales idiomáticas adquirieron cada vez mayor prominencia. En particular, el estilo luthé —la ruptura irregular e impredecible de las progresiones de acordes, en contraste con la regularidad de los acordes rotos—, conocido desde principios del siglo XX como estilo brisé, fue establecido como una textura consistente en la música francesa por Robert Ballard, en sus libros para laúd de 1611 y 1614, y por Ennemond Gaultier. Esta figuración idiomática del laúd se trasladó posteriormente al clavicémbalo, por ejemplo, en la música para teclado de Louis Couperin y Jean-Henri D'Anglebert, y continuó ejerciendo una importante influencia en la música para teclado a lo largo de los siglos XVIII y principios del XIX (en, por ejemplo, la música de Johann Sebastian Bach y Frédéric Chopin).

Música barroca media (1630-1700)

El auge de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo palaciego y el sistema cortesano de costumbres y artes que impulsó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. La realidad del creciente mecenazgo eclesiástico y estatal generó la demanda de música pública organizada, a medida que la creciente disponibilidad de instrumentos generó la demanda de música de cámara, es decir, música para un pequeño conjunto de instrumentistas.
Jean-Baptiste Lully de Paul Mignard
Un ejemplo preeminente de compositor de estilo cortesano es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey francés e impedir que otros las representaran. Completó 15 tragedias líricas y dejó inconclusa Achille et Polyxène. Lully fue un ejemplo temprano de director de orquesta; marcaba el compás con un gran pentagrama para mantener la cohesión de sus conjuntos.Musicalmente, no estableció la norma de las orquestas dominadas por cuerdas, heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco voces (violines, violas —en tamaños de hautes-contre, tailles y quintes— y violines bajos) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, sí introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las voces altas a menudo dobladas por flautas dulces, flautas y oboes, y las bajas por fagotes. A menudo se añadían trompetas y timbales para las escenas heroicas.El Barroco medio en Italia se define por el surgimiento de los estilos vocales de cantata, oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó la música a la par con la letra, que anteriormente se consideraba preeminente. La monodia florida y coloratura del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construían a partir de ideas breves y cadenciosamente delimitadas, a menudo basadas en patrones de danza estilizados extraídos de la zarabanda o la courante. Las armonías también podían ser más simples que en la monodia del Barroco temprano, para mostrar una expresión más ligera en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas. Las líneas de bajo que acompañaban estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que posteriormente condujo al recurso de una anticipación inicial del bajo de la melodía del aria. Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo mecanismo formal: la diferenciación del recitativo (una parte más hablada de la ópera) y el aria (una parte de la ópera que utilizaba melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi, compositores principalmente de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli, compositor principalmente de ópera. Entre los artistas posteriores más importantes de este estilo se encuentran Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella, quien además originó el estilo del concerto grosso en sus Sonate di viole.Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el ámbito de la técnica musical —como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín— y en la música puramente instrumental, en particular por su defensa y desarrollo del concierto grosso. Mientras que Lully se asentaba en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y cuya música se interpretó en toda Europa. Al igual que la estilización y organización de la ópera de Lully, el concierto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Secciones rápidas y lentas se yuxtaponían. Entre sus alumnos se encuentra Antonio Vivaldi, quien posteriormente compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas para trío y los conciertos de Corelli.A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era un ser de la corte, sino un músico de iglesia, ocupando los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus funciones como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y administrador de la iglesia, mientras que su puesto como organista incluía tocar en todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, también remunerados por la iglesia. Totalmente al margen de sus funciones eclesiásticas oficiales, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sacras consideradas por sus contemporáneos como equivalentes a las óperas.Francia:
  • Denis Gaultier
  • Jean-Henri d'Anglebert
  • Jacques Champion de Chambonnières
  • Louis Couperin

Música barroca tardía (1680-1750)

George Frideric Handel

Inicio

Italia:
  • Alessandro Scarlatti (Neapolitan School, Naapolitan mass)
  • Arcangelo Corelli (Trio sonata, Concerto grosso, La Folia)
  • Giuseppe Torelli (Solo concerto)
Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier
Francia:
  • Henri Dumont
  • Pierre Robert
  • François Couperin
  • André Campra
  • Michel-Richard Delalande
  • Marc-Antoine Charpentier
  • Henri Desmarest
  • Marin Marais
  • Jean Féry Rebel

Adopción más favorable

Italia:
  • Giovanni Bononcini
  • Antonio Vivaldi
  • Tomaso Albinoni
  • Benedetto Marcello
  • Francesco Geminiani
  • Pietro Locatelli
  • Giovanni Battista Pergolesi
  • Nicola Porpora
  • Giuseppe Tartini
  • Francesco Maria Veracini
Proliferación:
  • Erdmann Neumeister
  • Estienne Roger, L'estro armonico
  • Visitando Italia, por ejemplo Johann Kuhnau, Johann David Heinichen, Gottfried Heinrich Stölzel
  • Italianos en el extranjero, por ejemplo, Domenico Scarlatti, Antonio Caldara, Antonio Lotti, Pietro Torri
Francia:
  • Jean-Philippe Rameau
  • Jean-Marie Leclair
  • Jean Joseph de Mondonville
  • Jean-Baptiste Senaillé
  • Joseph Bodin de Boismortier
  • Michel Corrette
  • Francés en el extranjero: por ejemplo Louis Marchand
Alemania:
  • Johann Georg Pisendel
  • Georg Philipp Telemann
  • Johann Sebastian Bach
  • Johann Friedrich Fasch
  • Johann Joseph Fux
  • Johann Pachelbel
  • Christoph Graupner
  • Johann David Heinichen
  • Sylvius Leopold Weiss
  • Alemán en el extranjero, por ejemplo George Frideric Handel, Johann Adolf Scheibe
Bohemia:
  • Jan Dismas Zelenka
Polonia:
  • Adam Jarzębski

Transición a la era clásica

Música galante:
  • Georg Philipp Telemann
  • Johann Mattheson
  • Johann Joachim Quantz
  • František Benda
  • Jiří Antonín Benda
  • Johann Gottlieb Janitsch
  • Johann Adolph Hasse
  • Carl Heinrich Graun
  • Johann Gottlieb Graun
  • Jean-Marie Leclair
  • Francesco Maria Veracini
  • Giovanni Battista Sammartini
  • Baldassare Galuppi
Hijos mayores y discípulos de Bach:
  • Wilhelm Friedemann Bach
  • Carl Philipp Emanuel Bach (Emanuel Bach)empfindsamer Stil)
  • Johann Gottlieb Goldberg
Escuela de Mannheim:
  • Johann Stamitz


Línea de tiempo de los compositores

Jean-Joseph de MondonvilleGiovanni Battista PergolesiBaldassare GaluppiCarlos SeixasJohann Adolf HasseRiccardo BroschiJohann Joachim QuantzPietro LocatelliGiuseppe TartiniLeonardo VinciJohann Friedrich FaschFrancesco GeminianiNicola PorporaSilvius Leopold WeissGeorge Frideric HandelDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachJohann Gottfried WaltherJean-Philippe RameauJohann David HeinichenGeorg Philipp TelemannJan Dismas ZelenkaAntonio VivaldiTomaso AlbinoniJohann Caspar Ferdinand FischerTurlough O'CarolanAntonio CaldaraFrançois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellMichel Richard DelalandeMarin MaraisArcangelo CorelliJohann PachelbelHeinrich Ignaz BiberDieterich BuxtehudeMarc Antoine CharpentierJean-Baptiste LullyJean-Henri d'AnglebertJohann Heinrich SchmelzerBarbara StrozziJohann Jakob FrobergerGiacomo CarissimiAntonio BertaliFrancesco CavalliWilliam LawesHeinrich SchützSamuel ScheidtGregorio AllegriGirolamo FrescobaldiClaudio MonteverdiJacopo PeriMichael PraetoriusJan Pieterszoon Sweelinck

Instrumentos

Pendientes

Harpsichord doble-manual de Vital Julian Frey, después de Jean-Claude Goujon (1749)
Música individual para un arpa del siglo XVII.
  • Violino piccolo
  • Violin
  • Viol
  • Violación
  • Viola d'amore
  • Viola pomposa
  • violín de tenor
  • Cello
  • Violone
  • Bass violin
  • Contrabass
  • Lute
  • Theorbo
  • Archlute
  • Mandora
  • Bandora
  • Angélique
  • Mandolin
  • Cittern
  • Guitarra
  • Harp
  • Hurdy-gurdy

Vientos de madera

  • Fluido barroco
  • Chalumeau
  • Kortholt (también conocido como Cortolt, Cortol, Curtall)
  • Dulcian
  • Musette de cour
  • Baroque oboe
  • Rackett
  • Grabadora
  • Bassoon

Brass

  • Cornett
  • Bocina natural
  • Trompeta barroca
  • Tromba da tirarsi (también llamado tromba spezzata)
  • trompeta plana
  • Serpiente
  • Sackbut (nombre del siglo XVI y principios del siglo XVII para FR: saquebute, saqueboute; ES: Salbuche; IT: trombone; MHG: busaun, busîne, busune / DE (desde principios del siglo XVII) Posaune)
  • Trombone (nombre inglés para el mismo instrumento, desde principios del siglo XVIII)

Teclados

  • Clavichord
  • Piano tangente
  • Fortepiano – una versión temprana del piano inventado c.1700, pero no se hizo popular durante la era barroca
  • Harpsichord
  • Organ

Percusión

  • Timpani
  • Tambourine
  • Castanets

Estilos y formas

Suite de baile

Un gran conjunto instrumental de actuación en el lavish Teatro Argentina, representado por Panini (1747)
Una característica del estilo barroco fue la suite de danza. Algunas suites de danza de Bach se llaman partitas, aunque este término también se utiliza para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una suite de danza se inspiraron en música de danza propiamente dicha, las suites de danza estaban pensadas para ser escuchadas, no para acompañar a los bailarines. Los compositores emplearon diversos movimientos en sus suites de danza. Una suite de danza suele tener los siguientes movimientos:
  • Overture – La suite barroca a menudo comenzó con una overture francesa ("Ouverture" en francés), un lento movimiento seguido por una sucesión de principalmente cuatro tipos diferentes de bailes:
  • Allemande – A menudo el primer baile de una suite instrumental, el allemande era un baile muy popular que tenía sus orígenes en la era del Renacimiento Alemán. El allemande fue jugado en un tempo moderado y podría empezar en cualquier golpe de la barra.
  • Courante – El segundo baile es el courante, en triple metro. Puede ser rápido, animado o lento y estacional. La versión italiana se llama corrente.
  • Sarabande – El sarabande, un baile español, es el tercero de los cuatro bailes básicos, y es uno de los bailes más lentos de los barrocos. También está en triple medidor y puede comenzar en cualquier ritmo de la barra, aunque hay un énfasis en el segundo ritmo, creando el característico 'halting', o el ritmo iambico del sarabande.
  • Gigue – La giga es un baile alegre y alegremente barroco en el metro compuesto, típicamente el movimiento final de una suite instrumental, y el cuarto de sus tipos de baile básicos. El gigue puede comenzar en cualquier ritmo de la barra y es fácilmente reconocido por su sensación rítmica. La giga se originó en la Isla Británica. Su contraparte en la música popular es el jig.
Los cuatro tipos de danza (allemanda, courante, zarabanda y giga) conforman la mayoría de las suites del siglo XVII. Las suites posteriores intercalan una o más danzas adicionales entre la zarabanda y la giga:
  • Gavotte – La gavotte está en duple metre, con frases que comienzan en un offbeat. La gavotte se juega a un tempo moderado, aunque los de estilo italiano pueden ser más rápidos.
  • Bourrée – El bourrée es similar a la gavotte como está en 2
    2     tiempo, aunque comienza en la segunda mitad del último latido del bar, creando una sensación diferente al baile. El bourrée se juega comúnmente en un tempo moderado, aunque para algunos compositores, como Handel, se puede tomar en un tempo mucho más rápido.
  • Minuet – en triple metro a tempo moderado. No tiene un análisis. El minueto italiano era típicamente más rápido, con frases más largas.
  • Passepied – El Passepied es un baile rápido en forma binaria y triple medidor que se originó como un baile de la corte en Bretaña.
  • Rigaudon – El rigaudon es un animado baile francés en metro dúplex, similar al bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas del sur-francés estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociada a las provincias de Vavarais, Languedoc, Dauphiné y Provenza.
Hay muchas otras formas de danza, así como otras piezas que podrían incluirse en una suite, como la Polonesa, el Louré, el Scherzo, el Aire, etc.

Otras características

  • Preludio – una suite podría ser iniciada por un preludio, una pieza lenta escrita en un estilo improvisador. Algunos preludios barrocos no estaban completamente escritos; en cambio, se indicó una secuencia de acordes, con la expectativa de que el instrumentalista sería capaz de improvisar una parte melódica utilizando el marco armónico indicado. El preludio no se basó en un tipo de baile.
  • Entrée – A veces un entrée se compone como parte de una suite; pero hay música puramente instrumental y no se realiza ningún baile. Es una introducción, una pieza de marcha tocada durante la entrada de un grupo de baile, o tocada antes de un ballet. Por lo general 4
    4     tiempo. Está relacionado con la "intrada" italiana.
  • Basso continuo – una especie de acompañamiento continuo notado con un nuevo sistema de notación musical, bajo calculado, generalmente para uno o más instrumentos de bajo sustentante (por ejemplo, cello) y uno o más instrumentos de juego de acordes (por ejemplo, instrumentos de teclado como harpsichord, órgano de tubería o lute)
  • El concierto (un solo con acompañamiento orquestal) y el concierto burdo
  • Monody – una canción individual italiana acompañada, un crecimiento de los arreglos de música ensemble para instrumentos individuales a finales del siglo XVI
  • Homofonía – música con una voz melódica y acompañamiento coral rítmicamente similar (y subordinado) (esta y monodia se contrastan con la textura renacentista típica, la polifonía)
  • formas musicales dramáticas como la ópera, dramma per musica
  • Formas instrumentales-vocales combinadas, como el oratorio y cantatata, ambas emplearon cantantes y orquestas
  • Nuevas técnicas instrumentales como tremolo y pizzicato
  • El da capo aria se había convertido en la forma dominante de aria para 1680
  • El Ritornello aria – repetidas interrupciones instrumentales cortas de pasajes vocales.
  • El estilo concertato – contraste entre grupos de instrumentos.
  • La ornamentación extensiva, que normalmente fue improvisada por cantantes e instrumentalistas (por ejemplo, trills, mordentes, etc.)

Genres

Vocal

  • Opera
    • Singspiel
    • Ópera de Ballad
    • Semi-opera
    • Zarzuela
    • Intermezzo
    • Opera buffa
    • Opera seria
    • Opéra comique
    • Opera-ballet
    • Tragédie en musique
  • Ballet de cour
  • Masca
  • Oratorio
  • Pasión (música)
  • Cantata
  • Mass (music)
  • Anthem
  • Monody
  • Chorale

Instrumental

  • Composición del cóleo
  • Concerto
    • Concerto grosso
  • Fugue
  • Suite
    • Allemande
    • Courante
    • Sarabande
    • Gigue
    • Gavotte
    • Minuet
  • Sonata
    • Sonata da cámara
    • Sonata da chiesa
    • Trio sonata
  • Partita
  • Canzona
  • Sinfonia
  • Fantasia
  • Ricercar
  • Toccata
  • Preludio
  • Chaconne
  • Passacaglia
  • El preludio del coro
  • Stylus fantasticus

Notas

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  • Handel Harpsichord Sala – grabaciones gratuitas de la música harpsichord de la era barroca
  • Renacimiento & barroco Cronología musical: Compositores
  • Orpheon Foundation in Vienna, Austria
  • Marcas gratis de varios compositores barrocos en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
  • Música, Afecto y Fuego: Tesis sobre Teoría Afectada con Fuego como tema especial
  • Répertoire International des Sources Musicales (RISM), una base de datos gratuita y de búsqueda en todo el mundo para manuscritos musicales hasta c.1800.
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