Musica afroamericana

Música afroamericana es un término general que abarca una amplia gama de música y géneros musicales desarrollados en gran medida por los afroamericanos y su cultura. Sus orígenes se encuentran en formas musicales que se desarrollaron como resultado de la esclavitud de los afroamericanos antes de la Guerra Civil estadounidense. Se ha dicho que "todo género que nace en América tiene raíces negras".

Los dueños de esclavos blancos subyugaron a sus esclavos física, mental y espiritualmente mediante actos brutales y degradantes. Los estadounidenses blancos consideraron a los afroamericanos separados y desiguales durante siglos, y llegaron a extremos extraordinarios para mantenerlos oprimidos. Los esclavos afroamericanos crearon un tipo de música distintivo que jugó un papel importante en la era de la esclavitud. Las canciones de esclavos, comúnmente conocidas como canciones de trabajo, se utilizaban para combatir las penurias del trabajo físico. Las canciones de trabajo también se utilizaban para comunicarse con otros esclavos sin que el dueño los escuchara. La canción "Wade in the Water" Fue cantada por esclavos para advertir a otros que intentaban irse que usaran el agua para oscurecer su rastro. Después de la Guerra Civil, los afroamericanos que tocaban música europea en bandas militares desarrollaron un nuevo estilo llamado ragtime que gradualmente evolucionó hasta convertirse en jazz. El jazz incorporó la sofisticada estructura polirrítmica de la danza y la música folclórica de los pueblos del África occidental y subsahariana. Estas formas musicales tuvieron una amplia influencia en el desarrollo de la música en los Estados Unidos y en todo el mundo durante el siglo XX.

Analizar la música africana a través de la lente de la musicología europea puede dejar de lado gran parte del uso cultural del sonido y los métodos de creación musical. Algunos métodos de creación musical africana se traducen más claramente a través de la música misma y no en forma escrita.

El blues y el ragtime se desarrollaron a finales del siglo XIX mediante la fusión de vocalizaciones de África occidental, que empleaban series armónicas naturales y notas azules. “Si se consideran los cinco criterios dados por Waterman como características agrupadas de la música de África occidental, se encuentra que tres han sido bien documentados como característicos de la música afroamericana. Los procedimientos organizativos de llamada y respuesta, el predominio de un enfoque musical de percusión y el fraseo fuera de ritmo de los acentos melódicos se han citado como típicos del género en prácticamente todos los estudios de cualquier tipo de música afroamericana, desde canciones de trabajo, de campo o de música. Llamadas callejeras, gritos y espirituales hasta blues y jazz."

Las primeras grabaciones de jazz y blues se realizaron en la década de 1920, y los músicos afroamericanos desarrollaron estilos relacionados, como el rythm and blues, en la década de 1940. En la década de 1960, los intérpretes de soul tuvieron una gran influencia en los cantantes blancos estadounidenses y británicos. A mediados de la década de 1960, los músicos negros desarrollaron el funk y fueron figuras destacadas del género de fusión de finales de la década de 1960 y 1970. En las décadas de 1970 y 1980, los artistas negros desarrollaron el hip-hop, y en la década de 1980 introdujeron el estilo de baile con infusión disco conocido como música house.

Rasgos históricos

La mayoría de los esclavos llegaron a América desde la costa occidental de África. Esta área abarca la actual Nigeria, Ghana, Costa de Marfil, Senegal, Gambia y partes de Sierra Leona. Las características armónicas y rítmicas de estas áreas, la instrumentación musical europea y la esclavitud impuesta a los afroamericanos contribuyeron a su música.

Muchas de las formas musicales características que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas anteriores incluyen: gritos de campo, beat boxing, palabra hablada de canciones de trabajo, rap, scatting, llamada y respuesta, vocalidad (o efecto vocal especial: efectos guturales, vocalidad interpolada, falsete, melisma, ritmización vocal), improvisación, notas azules, polirritmos (síncopa, concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota swing), textura (antifonía, homofonía, polifonía, heterofonía) y armonía (progresiones vernáculas; armonía compleja de varias partes, como en los espirituales, el Doo Wop y la música de barbería).

El compositor estadounidense Olly Wilson describe "ideales de sonido heterogéneos" que definen patrones tradicionales y comunes en la música africana, como el uso del timbre, el tono, el volumen y la duración, y la incorporación del cuerpo al hacer música. Sus hallazgos incluyen usos de llamada y respuesta y la importancia de las interjecciones de la audiencia para expresar satisfacción o insatisfacción. Estos ideales sonoros heterogéneos también se encuentran en muchos otros tipos de música.

Historia

Siglo XVIII

A finales del siglo XVIII, los espirituales populares se originaron entre los esclavos del sur después de su conversión al cristianismo. Los esclavos reinterpretaron la práctica del cristianismo de una manera que tenía significado para ellos como africanos en América. A menudo cantaban a los espirituales en grupos mientras trabajaban en los campos de las plantaciones. Los espirituales afroamericanos (espirituales negros) se crearon en iglesias invisibles e iglesias negras regulares. Los himnos, la melodía y los ritmos eran similares a las canciones que se escuchaban en África occidental. Los negros esclavizados y libres crearon sus propias palabras y melodías. Los temas incluyen las dificultades de la esclavitud y la esperanza de libertad.

Los espirituales de la era de la esclavitud se llaman Slave Shout Songs. Estas canciones de gritos las cantan hoy el pueblo Gullah Geechee y otros afroamericanos en iglesias y casas de alabanza. Durante la esclavitud, estas canciones eran mensajes codificados que hablaban de escapar de la esclavitud en el Ferrocarril Subterráneo y eran cantadas por afroamericanos esclavizados en los campos de las plantaciones para enviar mensajes codificados a otros esclavos, sin que los propietarios de esclavos lo supieran. Harriet Tubman cantó mensajes codificados a su madre y a otros esclavos en el campo para hacerles saber que estaba escapando en el ferrocarril subterráneo. Tubman cantó: "Lo siento, te voy a dejar, adiós, oh adiós; Pero te encontraré en la mañana, adiós, oh adiós, te encontraré en la mañana, me dirijo a la tierra prometida, al otro lado del Jordán, con destino a lo prometido. Terreno."

Los esclavos también usaban tambores para comunicar mensajes de escape. En África occidental, los tambores se utilizan para comunicaciones, celebraciones y ceremonias espirituales. Los africanos occidentales esclavizados en los Estados Unidos continuaron fabricando tambores para enviar mensajes codificados a otros esclavos en las plantaciones. La fabricación y el uso de tambores por parte de africanos esclavizados fue prohibida después de la rebelión Stono en Carolina del Sur en 1739. Los afroamericanos esclavizados utilizaron tambores para enviar mensajes codificados para iniciar revueltas de esclavos, y los propietarios de esclavos blancos prohibieron la creación y el uso de tambores. Después de la prohibición de los tambores, los esclavos hacían música rítmica golpeándose las rodillas, los muslos, los brazos y otras partes del cuerpo, una práctica llamada pattin Juba. La danza Juba fue originalmente traída por los esclavos Kongo a Charleston, Carolina del Sur, y se convirtió en una danza afroamericana de las plantaciones interpretada por esclavos durante las reuniones cuando los instrumentos rítmicos estaban prohibidos.

Los espirituales populares, a diferencia de muchos evangelios blancos, a menudo eran enérgicos. Los esclavos añadían al canto el baile (más tarde conocido como "el grito") y otros movimientos corporales. También cambiaron las melodías y los ritmos de los salmos y los himnos, acelerando el tempo, agregando estribillos y coros repetidos y reemplazando textos por otros nuevos que a menudo combinaban palabras y frases en inglés y africano. Originalmente transmitidos oralmente, los espirituales populares han sido fundamentales en la vida de los afroamericanos durante más de tres siglos y han cumplido funciones religiosas, culturales, sociales, políticas e históricas.

Los espirituales folclóricos se crearon espontáneamente y se interpretaron en un estilo repetitivo e improvisado. Las estructuras de canciones más comunes son la llamada y respuesta ("Blow, Gabriel") y los estribillos repetitivos ("He Rose from the Dead"). La llamada y respuesta es un intercambio alterno entre el solista y los demás cantantes. El solista suele improvisar una línea a la que responden los demás cantantes, repitiendo la misma frase. La interpretación de canciones incorpora interjecciones de gemidos, llantos, gritos y cambios de timbres vocales, y puede ir acompañada de aplausos y pisotones.

Las grabaciones Folkways del Instituto Smithsonian tienen muestras de canciones de gritos de esclavos afroamericanos.

Siglo XIX

La influencia de los afroamericanos en la música estadounidense convencional comenzó en el siglo XIX con la llegada del juglar de cara negra. El banjo, de origen africano, se convirtió en un instrumento popular y Stephen Foster y otros compositores incorporaron sus ritmos de origen africano a canciones populares. Con el tiempo la construcción del banjo adoptó algunas tradiciones europeas como el diapasón plano. Algunos banjos tenían cinco cuerdas, a diferencia de la versión de tres cuerdas de África occidental. Esto resultó en la creación de varios tipos diferentes de banjos en los Estados Unidos.

En la década de 1830, el Segundo Gran Despertar provocó un aumento de los avivamientos cristianos, especialmente entre los afroamericanos. Basándose en canciones de trabajo tradicionales, los afroamericanos esclavizados originaron e interpretaron una amplia variedad de música espiritual y otra música cristiana. Algunas de estas canciones eran mensajes codificados de subversión contra los propietarios de esclavos o señales para escapar.

Durante el período posterior a la Guerra Civil, continuó la difusión de la música afroamericana. Los Jubilee Singers de la Universidad Fisk realizaron una gira por primera vez en 1871. Artistas como Jack Delaney ayudaron a revolucionar la música afroamericana de la posguerra en el centro-este de los Estados Unidos. En los años siguientes, el "jubileo" Las tropas se formaron y viajaron. La primera compañía negra de comedia musical, Hyers Sisters Comic Opera Co., se organizó en 1876. En la segunda mitad del siglo XIX, las barberías a menudo servían como centros comunitarios, donde se reunían los hombres. Los cuartetos de barbería se originaron con hombres afroamericanos que socializaban en barberías; armonizaban mientras esperaban su turno, cantando espirituales, canciones folklóricas y canciones populares. Esto generó un nuevo estilo de canto sin acompañamiento en cuatro partes y en estrecha armonía. Más tarde, los cantantes juglares blancos se robaron el estilo y, en los primeros días de la industria discográfica, sus interpretaciones se grababan y vendían. A finales del siglo XIX, la música afroamericana era una parte integral de la cultura estadounidense dominante.

Principios del siglo XX (décadas de 1900 a 1930)

El primer musical escrito y producido por afroamericanos, por Bob Cole y Billy Johnson, debutó en Broadway en 1898. La primera grabación de músicos negros fue de Bert Williams y George Walker en 1901, con música de musicales de Broadway. Theodore Drury ayudó a los artistas negros a desarrollarse en la ópera. Fundó la Drury Opera Company en 1900 y utilizó una orquesta blanca, pero contó con cantantes negros en papeles principales y coros. La compañía sólo estuvo activa hasta 1908, pero marcó la primera participación negra en compañías de ópera. La ópera de Scott Joplin Treemonisha, única como ópera folklórica de ragtime, se representó por primera vez en 1911.

La primera parte del siglo XX vio un aumento en la popularidad del blues y el jazz. La música afroamericana en esta época se clasificaba como "música racial". Ralph Peer, director musical de Okeh Records, considera que los discos realizados por artistas "extranjeros" grupos bajo esa etiqueta. En el momento "carrera" era un término comúnmente utilizado por la prensa afroamericana para hablar de la comunidad en su conjunto con un punto de vista empoderador, como una persona de "raza" Estaba involucrado en la lucha por la igualdad de derechos. Los artistas de ragtime como Scott Joplin se hicieron populares y algunos se asociaron con el Renacimiento de Harlem y los primeros activistas de los derechos civiles. También fueron visibles intérpretes blancos y latinos de música afroamericana. La música afroamericana a menudo fue alterada y diluida para que fuera más aceptable para el público blanco, que no habría aceptado intérpretes negros, lo que dio lugar a géneros como la música swing.

A principios del siglo XX, los afroamericanos también se estaban convirtiendo en parte de la música clásica. Originalmente excluidos de las principales orquestas sinfónicas, los músicos negros podían estudiar en conservatorios de música fundados en la década de 1860, como la Escuela de Música de Oberlin, el Conservatorio Nacional de Música y el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Los negros también formaron orquestas sinfónicas en ciudades importantes como Chicago, Nueva Orleans y Filadelfia. Varias orquestas negras comenzaron a actuar regularmente a finales de la década de 1890 y principios del siglo XX. En 1906, se estableció en Filadelfia la primera orquesta negra incorporada. A principios de la década de 1910, se fundaron en Nueva York escuelas de música exclusivamente para negros, como la Music School Settlement for Colored y la Martin-Smith School of Music.

El Music School Settlement for Colored se convirtió en patrocinador de la orquesta Clef Club de Nueva York. La Orquesta Sinfónica del Clef Club atrajo a audiencias blancas y negras a conciertos en el Carnegie Hall de 1912 a 1915. Dirigida por James Reese Europe y William H. Tyers, la orquesta incluía banjos, mandolinas y trompas de barítono. Los conciertos incluyeron música escrita por compositores negros, en particular Harry T. Burleigh y Will Marion Cook. Otras series anuales de conciertos negros incluyen "All-Colored Composers" de William Hackney. conciertos en Chicago y los festivales de música de colores de Atlanta.

El regreso del musical negro a Broadway se produjo en 1921 con Shuffle Along de Sissle y Eubie Blake. En 1927, se realizó un concierto sobre música negra en el Carnegie Hall que incluía jazz, música espiritual y la música sinfónica de la orquesta de W. C. Handy y los Jubilee Singers. La primera película musical importante con un elenco negro fue Hallelujah de King Vidor de 1929. En el musical Show Boat (que tenía un papel) participaron artistas afroamericanos. escrita para Paul Robeson y un coro de Jubilee Singers), y especialmente óperas exclusivamente para negros como Porgy and Bess y Cuatro santos en tres actos de Virgil Thomson de 1934.

La primera sinfonía de un compositor negro interpretada por una orquesta importante fue la Sinfonía Afroamericana de William Grant Still (1930) por la Filarmónica de Nueva York. La Sinfonía en mi menor de Florence Beatrice Price fue interpretada en 1933 por la Orquesta Sinfónica de Chicago. En 1934, la Orquesta de Filadelfia interpretó la Sinfonía Folklórica Negra de William Dawson.

Mediados del siglo XX (décadas de 1940 a 1960)

Billboard comenzó a hacer una lista separada de éxitos de la música afroamericana en octubre de 1942 con el "Harlem Hit Parade", que se cambió en 1945 a " Race Records", y luego en 1949 a "Rhythm and Blues Records".

En la década de 1940, las versiones de canciones afroamericanas eran comunes y con frecuencia encabezaban las listas, mientras que las versiones originales no llegaban a la corriente principal. En 1955, Thurman Ruth convenció a un grupo de gospel para que cantara en el Teatro Apollo. Esta presentación de la música gospel en un entorno secular fue un éxito y organizó caravanas de gospel que viajaron por todo el país tocando en lugares que los cantantes de ritmo y blues habían popularizado. Mientras tanto, los intérpretes de jazz comenzaron a alejarse del swing hacia una música con arreglos más complejos, más improvisación y formas técnicamente desafiantes. Esto culminó con el bebop, el jazz modal de Miles Davis y el free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane.

Los músicos afroamericanos de las décadas de 1940 y 1950 estaban convirtiendo el ritmo y el blues en rock and roll, que presentaba un fuerte ritmo de fondo. Entre los exponentes destacados de este estilo se encuentran Louis Jordan y Wynonie Harris. Sin embargo, la música rock and roll tuvo éxito comercial con grabaciones de músicos blancos, como Bill Haley y Elvis Presley, que tocaban una fusión de rock and roll negro y rockabilly basada en la guitarra. La música rock se asoció más con artistas blancos, aunque algunos artistas negros como Chuck Berry y Bo Diddley tuvieron éxito comercial.

En 2017, National Public Radio escribió sobre la carrera de la hermana Rosetta Tharpe y concluyó con estos comentarios: Tharpe "era una cantante de gospel de corazón que se convirtió en una celebridad al forjar un nuevo camino musical... A través de su inolvidable Con un estilo cruzado de voz y swing gospel, Tharpe influyó en una generación de músicos, incluidos Aretha Franklin, Chuck Berry y muchos otros... Ella fue, y es, una artista inigualable."

A medida que la década de 1940 llegaba a su fin, otros afroamericanos intentaron concertar conciertos como músicos clásicos en un esfuerzo por trascender las barreras raciales y nacionalistas en la era de la posguerra. En 1948, Henry Lewis se convirtió en el primer instrumentista afroamericano de una destacada orquesta sinfónica estadounidense, uno de los primeros "embajadores musicales" en apoyo de la diplomacia cultural en Europa, y el primer director afroamericano de un importante conjunto sinfónico estadounidense en 1968.

El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de los años 50, "el componente sexual se había reducido lo suficiente como para que simplemente se convirtiera en un término aceptable". para bailar".

El R&B fue una fuerte influencia en el rock and roll, según muchas fuentes, incluido un artículo del Wall Street Journal de 1985 titulado "¡Rock!" Sigue siendo Rhythm and Blues". El autor afirma que los "dos términos se utilizaron indistintamente", hasta aproximadamente 1957.

Fats Domino no estaba convencido de que existiera algún género nuevo. En 1957 dijo: "Lo que llaman rock 'n' El rollo ahora es ritmo y blues. Llevo 15 años jugando en Nueva Orleans. Según Rolling Stone, "esta es una afirmación válida... todos los rockeros de los cincuenta, blancos y negros, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron fundamentalmente influenciados por el R&B, la música popular negra". de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta". El reconocimiento de Elvis Presley de la importancia de artistas como Fats Domino fue significativo, según un artículo de 2017: la "defensa de los músicos negros como parte de una narrativa que vio muchos aspectos positivos en el creciente interés de los jóvenes blancos por África". Estilos musicales de origen americano". En un evento de prensa en 1969, Presley presentó a Fats Domino y dijo: "Ese es el verdadero Rey del Rock 'n' Roll"... fue una gran influencia para mí cuando comencé".

A mediados de la década de 1950, muchas canciones de R&B estaban siendo "cubiertas" por artistas blancos y las grabaciones obtuvieron más difusión en las principales estaciones de radio. Por ejemplo, "Presley cubrió rápidamente "Tutti Frutti"... y lo mismo hizo Pat Boone", según New Yorker. "En 1956, el setenta y seis por ciento de los principales R.&.B. las canciones también llegaron a las listas de éxitos; en 1957, el ochenta y siete por ciento llegó a las listas de éxitos; en 1958, era el noventa y cuatro por ciento. El mercado marginal se había convertido en el mercado principal y las grandes empresas habían entrado en acción."

La década de 1950 también vio una mayor popularidad del blues, tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, en el estilo de principios del siglo XX. El doo-wop también se hizo popular en la década de 1950. El doo-wop se había desarrollado a través de la armonía de un grupo vocal, empleando diferentes partes vocales, sílabas sin sentido, poca o ninguna instrumentación y letras simples. Por lo general, se trataba de artistas solteros que aparecían con un grupo de acompañamiento. Se otorgó la facturación solista a los cantantes principales que eran más destacados en el arreglo musical. A mediados de la década de 1950 también se desarrolló una forma secularizada de música gospel estadounidense llamada soul, con pioneros como Ray Charles, Jackie Wilson y Sam Cooke a la cabeza. El soul y el R&B se convirtieron en una gran influencia en la música surf y en grupos de chicas que encabezaron las listas, incluidos The Angels y The Shangri-Las. En 1959, Hank Ballard lanzó una canción para el nuevo estilo de baile "The Twist", que se convirtió en una nueva moda de baile a principios de los años 60.

En 1959, Berry Gordy fundó Motown Records, el primer sello discográfico que presentaba principalmente artistas afroamericanos, cuyo objetivo era lograr un éxito cruzado. El sello desarrolló un estilo de música soul innovador y comercialmente exitoso con elementos pop distintivos. Su lista inicial incluía The Miracles, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations y The Supremes. Divas negras como Aretha Franklin se convirtieron en estrellas cruzadas de los años 60. En el Reino Unido, el blues británico se convirtió gradualmente en un fenómeno generalizado, regresando a los Estados Unidos en la forma de British Invasion, un grupo de bandas lideradas por The Beatles y The Rolling Stones que interpretaban blues y pop inspirado en el R&B con estilos tradicionales. y aspectos modernos. WGIV en Charlotte, Carolina del Norte, fue una de las pocas estaciones de radio dedicadas a la música afroamericana que comenzaron durante este período.

La invasión británica eliminó a muchos artistas negros de las listas pop estadounidenses, aunque a algunos, como Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin y varios artistas de Motown, les siguió yendo bien. La música soul, sin embargo, siguió siendo popular entre los negros a través de nuevas formas como el funk, desarrollado a partir de las innovaciones de James Brown. En 1961, Stevland Hardaway Morris, de 11 años, hizo su primer disco bajo el sello Tamla de Motown como Stevie Wonder.

En 1964, la Ley de Derechos Civiles prohibió formas importantes de discriminación hacia los afroamericanos y las mujeres. A medida que las tensiones comenzaron a disminuir, más músicos afroamericanos pasaron a la corriente principal. Algunos artistas que se cruzaron con éxito fueron Aretha Franklin, James Brown y Ella Fitzgerald en los mundos del pop y el jazz, y Leontyne Price y Kathleen Battle en la música clásica.

A finales de la década, los negros eran parte de la psicodelia y las primeras tendencias del heavy metal, particularmente a través de los omnipresentes Beatles. influencia y las innovaciones en la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix. Hendrix fue uno de los primeros guitarristas en utilizar retroalimentación de audio, fuzz y otros pedales de efectos como el pedal wah wah para crear un sonido de solo de guitarra único. El soul psicodélico, una mezcla de rock psicodélico y soul, comenzó a florecer con la cultura de los años sesenta. Aún más popular entre los negros, y con más atractivo cruzado, fue el soul orientado a los álbumes a finales de los años 1960 y principios de los 1970, que revolucionó la música afroamericana. Las letras inteligentes e introspectivas del género, a menudo con un tono socialmente consciente, fueron creadas por artistas como Marvin Gaye en What's Going On y Stevie Wonder en Songs. en la Llave de la Vida.

Década de 1970

En la década de 1970, el soul orientado a los álbumes continuó su popularidad, mientras que músicos como Smokey Robinson ayudaron a convertirlo en música de Quiet Storm. El funk evolucionó en dos vertientes, una fusión pop-soul-jazz-bass de la que Sly & Family Stone y una fusión más psicodélica personificada por George Clinton y su conjunto de P-Funk. La música disco evolucionó a partir de músicos negros que creaban música soul con una melodía acelerada. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer y otros ayudaron a popularizar la música disco, que obtuvo un gran éxito.

Algunos artistas afroamericanos, incluidos The Jackson 5, Roberta Flack, Teddy Pendergrass, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O'Jays, Gladys Knight & los Pips, y Earth, Wind & Fire encontró audiencias cruzadas, mientras que los oyentes blancos preferían el country rock, los cantautores, el rock de estadio, el soft rock, el glam rock y, hasta cierto punto, el heavy metal y el punk rock.

Durante la década de 1970, The Dozens, una tradición afroamericana urbana que utilizaba bromas ridículas y rimadas, se convirtió en jive callejero a principios de la década de 1970, que a su vez inspiró el hip-hop a finales de la década de 1970. Artistas de palabra hablada como The Watts Prophets, The Last Poets, Gil Scott-Heron y Melvin Van Peebles fueron algunos de los innovadores del hip-hop temprano. Muchos jóvenes del Bronx utilizaron este medio para comunicar la injusticia que enfrentaban las minorías en ese momento. Los DJ tocaban discos, típicamente funk, mientras que los MC presentaban las pistas al público que bailaba. Con el tiempo, los DJ comenzaron a aislar y repetir los descansos de percusión, produciendo un ritmo constante y eminentemente bailable, sobre el cual los MC comenzaron a rapear, usando rimas y letras sostenidas. El hip-hop se convertiría en un movimiento multicultural en una América joven y negra, liderada por artistas como Kurtis Blow y Run-DMC.

Década de 1980

Michael Jackson batió récords de éxito con sus álbumes de los años 80 Off the Wall, Bad y el álbum más vendido de todos los tiempos, Thriller. Jackson allanó el camino para otros solistas negros crossover exitosos como Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston y Janet Jackson (la hermana de Michael). El pop y el dance-soul de esta época inspiraron el nuevo jack swing a finales de la década.

El hip-hop se extendió por todo el país y se diversificó. Techno, dance, bajo de Miami, post-disco, house de Chicago, hardcore de Los Ángeles y Washington, D.C. El go-go se desarrolló durante este período, y solo el bajo de Miami logró el éxito general. En poco tiempo, el bass de Miami quedó relegado principalmente al sureste de Estados Unidos, mientras que el house de Chicago había logrado grandes avances en los campus universitarios y los estadios de baile (es decir, el sonido de almacén, el rave). El Go-go de Washington atrajo una modesta atención nacional con canciones como Da Butt (1988) de E.U., pero resultó ser un fenómeno principalmente regional. El sonido house de Chicago se había expandido al entorno musical de Detroit y comenzó a utilizar sonidos más electrónicos e industriales, creando el techno, el acid y el Jungle de Detroit. La combinación de estos sonidos experimentales, generalmente orientados a DJ, con el sonido disco multiétnico de Nueva York de las décadas de 1970 y 1980 creó una marca de música que fue más apreciada en las grandes discotecas de las grandes ciudades. El público europeo adoptó este tipo de música electrónica de baile con más entusiasmo que sus homólogos norteamericanos.

A partir de 1986 aproximadamente, el rap entró en la corriente principal con Raising Hell de Run-D.M.C. y los Beastie Boys' Con licencia para Ill. Licensed to Ill fue el primer álbum de rap que entró en el puesto número 1 del Billboard 200 y abrió la puerta a los raperos blancos. Ambos grupos mezclaron rap y rock, atrayendo a ambos públicos. El hip-hop despegó desde sus raíces y floreció la época dorada del hip hop, con artistas como Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane y Salt-N-Pepa. El hip-hop se hizo popular en los Estados Unidos y se convirtió en un fenómeno mundial a finales de los años 1990. La escena de la edad de oro terminaría a principios de la década de 1990 cuando el gangsta rap y el G-funk tomaron el control, con los artistas de la costa oeste Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G y Ice Cube, los artistas de la costa este Notorious B.I.G., Wu-Tang Clan y Mobb. Profundo, y los sonidos de la bravuconería, la compasión y la conciencia social de los hombres negros urbanos.

Si bien la música heavy metal fue creada casi exclusivamente por artistas blancos en las décadas de 1970 y 1980, hubo algunas excepciones. En 1988, la banda de heavy metal totalmente negra Living Color logró un gran éxito con su álbum debut Vivid, alcanzando el puesto número 6 en el Billboard 200, gracias a su sencillo Top 20. "Culto a la Personalidad". La música de la banda contenía letras que atacaban lo que percibían como eurocentrismo y racismo en Estados Unidos. Una década después, más artistas negros como Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper y muchos otros empezarían a tocar rock nuevamente.

Décadas de 1990, 2000, 2010 y hoy

El R&B contemporáneo, la versión post-disco de la música soul, siguió siendo popular durante las décadas de 1980 y 1990. Grupos vocales masculinos como The Temptations y The O'Jays fueron particularmente populares, así como New Edition, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet y Jagged Edge. Los grupos de chicas, incluidos TLC, Destiny's Child, SWV y En Vogue, también tuvieron mucho éxito.

¡Cantautores como R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D'Angelo, Aaliyah y Raphael Saadiq de Tony! ¡Toñi! ¡Tono! También fueron populares durante la década de 1990. Mary J. Blige, Faith Evans y BLACKstreet popularizaron una mezcla de fusión conocida como hip-hop soul. El movimiento neo soul de los años 1990, con influencias del soul clásico, fue popularizado a finales de los años 1990 y principios de los años 2000 por artistas como D'Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, India.Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal y Musiq Soulchild. Una reseña discográfica afirmó que el álbum aclamado por la crítica de D'Angelo, Voodoo (2000), “representa la música afroamericana en una encrucijada... Para llamarlo simplemente neo- soul clásico... sería [ignorar] los elementos del vodevil jazz, los vientos de Memphis, el ragtime blues, el funk y los ritmos del bajo, sin mencionar el hip-hop, que se escapa de cada poro de estas canciones embrujadas." El soul de ojos azules es música soul interpretada por artistas blancos, incluidos Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael y Anastacia.

Junto con la influencia del cantautor en el hip-hop y el R&B, hubo un aumento en la creatividad y la expresión a través de la música Rap. Tupac, el notorio B.I.G. ("Biggie"), N.W.A, Lil Kim, Snoop Dog y Nas irrumpieron en la industria musical. El rap de los 90 introdujo muchos otros subgéneros, incluido el rap gangsta, el rap consciente y el rap pop. Gangsta rap se centró en la violencia de las pandillas, el tráfico de drogas y la pobreza. También fue un actor importante en la rivalidad entre el hip hop entre la costa este y la costa oeste. Los principales actores de esta rivalidad fueron Tupac y Suge Knight en la costa oeste y The Notorious B.I.G. y Diddy en la costa este.

A principios de la década de 2000, el R&B comenzó a centrarse en artistas solistas con atractivo pop, incluidos Usher, Beyoncé y Rihanna, nacida en el Caribe. Esta música estuvo acompañada de videos musicales creativos y únicos como "Crazy in Love" de Beyoncé, "Pon de Replay" de Rihanna y "Pon de Replay" de Usher. "Atrapado". Estos videos ayudaron al R&B a ser más rentable y más popular de lo que había sido en los años 1990. La línea entre hip-hop, R&B y pop fue desdibujada por productores como Timbaland y Lil Jon, y por artistas como Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon y OutKast.

El hip-hop sigue siendo un género creado y dominado por afroamericanos. En sus primeros años, las letras trataban sobre las dificultades de ser negro en los Estados Unidos. Los sellos discográficos de propiedad blanca controlaron cómo se comercializaba el hip-hop, lo que resultó en cambios en las letras y la cultura del hip-hop para adaptarse al público blanco. Los académicos y creadores de hip-hop afroamericanos notaron este cambio. El hip-hop se utiliza para vender automóviles, teléfonos móviles y otras mercancías.

El movimiento hip-hop se ha vuelto cada vez más común a medida que la industria musical ha tomado el control de él. Esencialmente, "desde el momento en que 'Rapper's Delight' se convirtió en platino, el hiphop, la cultura popular, se convirtió en el hiphop, el espectáculo secundario de la industria del entretenimiento estadounidense.

A principios de la década de 2000, 50 Cent era uno de los artistas afroamericanos más populares. En 2005, su álbum The Massacre vendió más de un millón de álbumes en su primera semana. En 2008, el álbum de Lil Wayne Tha Carter III también vendió más de un millón de copias en su primera semana.

Un año después de la inesperada muerte de Michael Jackson en 2009, su patrimonio generó 1.400 millones de dólares en ingresos. El 28 de octubre de 2009 se estrenó un documental que contiene imágenes de ensayo de la gira This Is It programada de Jackson, titulada Michael Jackson's This Is It. y se convirtió en la película de concierto más taquillera de la historia.

En 2013, ningún músico afroamericano tuvo un número uno en el Billboard Hot 100, el primer año en el que no hubo un disco número uno de un afroamericano en la lista' 55 años de historia. J. Cole, Beyonce, Jay Z y el medio canadiense Drake fueron los artistas musicales más vendidos este año, pero ninguno llegó al número uno del Billboard Hot 100, lo que generó mucho debate.

La música de protesta negra se generalizó en la década de 2010. Beyoncé, su hermana Solange, Kanye West, Frank Ocean y Rihanna lanzaron álbumes de protesta negra. Beyoncé lanzó su primera "protesta negra" álbum Lemonade en 2016.

A finales de la década de 2010, el rap entre dientes, que se originó en el inglés vernáculo afroamericano, se hizo popular entre artistas como Playboi Carti, Young Thug y Lil Baby. Mumble rap se centra en la melodía de la canción más que en la letra y tiene una gran base instrumental. En una conversación con el conocido rapero HipHopDx, Future dijo: "Cuando hago estilo libre, sé que hay partes que realmente no entiendes, pero para eso te gusta, de eso se trata". para mí, eso es arte."

Impacto cultural