Música
La música es el arte de ordenar los sonidos en el tiempo a través de los elementos de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre.Es uno de los aspectos culturales universales de todas las sociedades humanas. Las definiciones generales de música incluyen elementos comunes como el tono (que gobierna la melodía y la armonía), el ritmo (y sus conceptos asociados tempo, métrica y articulación), la dinámica (volumen y suavidad) y las cualidades sonoras del timbre y la textura (que son a veces denominado el "color" de un sonido musical). Diferentes estilos o tipos de música pueden enfatizar, quitar énfasis u omitir algunos de estos elementos. La música se interpreta con una amplia gama de instrumentos y técnicas vocales que van desde el canto hasta el rap; hay piezas únicamente instrumentales, piezas únicamente vocales (como canciones sin acompañamiento instrumental) y piezas que combinan canto e instrumentos. La palabra deriva del griego μουσική, mousiké, '(arte) de las Musas'.
En su forma más general, las actividades que describen la música como forma de arte o actividad cultural incluyen la creación de obras musicales (canciones, melodías, sinfonías, etc.), la crítica musical, el estudio de la historia de la música y El examen estético de la música. Los antiguos filósofos griegos e indios definieron la música en dos partes: las melodías, como tonos ordenados horizontalmente, y las armonías, como tonos ordenados verticalmente. Dichos comunes como "la armonía de las esferas" y "es música para mis oídos" apuntan a la noción de que la música a menudo es ordenada y agradable de escuchar. Sin embargo, el compositor del siglo XX, John Cage, pensó que cualquier sonido puede ser música y dijo, por ejemplo, "No hay ruido, solo sonido".
La creación, interpretación, significado e incluso la definición de música varían según la cultura y el contexto social. De hecho, a lo largo de la historia, algunas nuevas formas o estilos de música han sido criticados por "no ser música", incluido el cuarteto de cuerdas Grosse Fuge de Beethoven en 1825, el jazz temprano a principios del siglo XX y el hardcore punk en la década de 1980.Hay muchos tipos de música, incluida la música popular, la música tradicional, la música artística, la música escrita para ceremonias religiosas y las canciones de trabajo, como los chanteys. La música abarca desde composiciones estrictamente organizadas, como las sinfonías de música clásica de los siglos XVIII y XIX, hasta música de improvisación interpretada espontáneamente, como el jazz, y estilos vanguardistas de música contemporánea basada en el azar de los siglos XX y XXI.
La música se puede dividir en géneros (p. ej., música country) y los géneros se pueden dividir en subgéneros (p. ej., country alternativo y country pop son dos de los muchos subgéneros country), aunque las líneas divisorias y las relaciones entre los géneros musicales suelen ser sutiles. a veces abierto a la interpretación personal y ocasionalmente controvertido. Por ejemplo, puede ser difícil trazar la línea entre el hard rock y el heavy metal de principios de la década de 1980. Dentro de las artes, la música puede clasificarse como un arte escénico, una bella arte o un arte auditivo. La música puede tocarse o cantarse y escucharse en vivo en un concierto de rock o en una actuación de orquesta, escucharse en vivo como parte de una obra dramática (un espectáculo de teatro musical u ópera), o puede grabarse y escucharse en una radio, reproductor de MP3, CD reproductor, teléfono inteligente o como partitura de película o programa de televisión.
En muchas culturas, la música es una parte importante de la forma de vida de las personas, ya que desempeña un papel clave en los rituales religiosos, las ceremonias de rito de iniciación (p. ej., graduación y matrimonio), las actividades sociales (p. ej., el baile) y las actividades culturales que van desde aficionados cantar en karaoke, tocar en una banda de funk amateur o cantar en un coro comunitario. Las personas pueden hacer música como pasatiempo, como un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria de la música incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como escritores y compositores), personas que interpretan música (que incluyen músicos de orquesta, banda de jazz y banda de rock, cantantes y directores), personas que graban música (productores de música y ingenieros de sonido), personas que organizan giras de conciertos y personas que venden grabaciones, partituras y partituras a los clientes. Incluso una vez que se ha interpretado una canción o una pieza, los críticos musicales, los periodistas musicales y los estudiosos de la música pueden valorar y evaluar la pieza y su interpretación.
Etimología
La palabra 'música' se deriva del griego antiguo μουσική (mousiké) '(arte) de las Musas'. En la mitología griega, las nueve Musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y las artes y que eran la fuente del conocimiento incorporado en la poesía, las letras de canciones y los mitos de la cultura griega. Según el Diccionario de etimología en línea, el término música se deriva de "mediados del s. XIII, musike, del francés antiguo musique (s. XII) y directamente del latín musica 'el arte de la música', que también incluye poesía (también [la] fuente de música española, musica italiana, mosica altoalemana antigua, Musik alemán, muziek holandés, musik danés)." Esto se deriva del "... mousike griego (techne) '(arte) de las musas', de fem. de mousikos 'perteneciente a las Musas', de Mousa 'Musa' (ver musa (n.)). La ortografía moderna [fecha] de [la] década de 1630. En la Grecia clásica, [el término 'música' se refiere a] cualquier arte presidido por las Musas, pero especialmente la música y la poesía lírica".
Historia
Prehistoria
La música prehistórica solo puede teorizarse en base a los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas, talladas en huesos en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que estos han sido soplados en un extremo como el shakuhachi japonés. Se cree que la flauta Divje Babe, tallada en un fémur de oso de las cavernas, tiene al menos 40.000 años, aunque existe un debate considerable sobre si es realmente un instrumento musical o un objeto formado por animales. Se han recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el Ravanahatha, de los sitios arqueológicos de la Civilización del Valle del Indo.
India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo: las referencias a la música clásica india (marga) se encuentran en los Vedas, escrituras antiguas de la tradición hindú. La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre 7000 y 6600 a. El "Himno hurrita a Nikkal", que se encuentra en tablillas de arcilla que datan de aproximadamente 1400 a. C., es la obra musical anotada más antigua que se conserva.
Antiguo Egipto
La evidencia material y representacional más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Reino Antiguo cuando se tocaban arpas, flautas y clarinetes dobles. El Reino Medio añadió instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los címbalos frecuentemente acompañaban la música y la danza, como todavía lo hacen hoy en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género musical contemporáneo más cercano a la música egipcia antigua, ya que ha conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.
Culturas asiáticas
La música asiática cubre una amplia franja de culturas musicales encuestadas en los artículos sobre Arabia, Asia Central, Asia Oriental, Asia Meridional y Sudeste Asiático. Varios tienen tradiciones que se remontan a la antigüedad.
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro mediante excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para indicar la métrica y el modo de cantar. La música clásica india (marga) es monofónica y se basa en una sola línea de melodía o raga organizada rítmicamente a través de talas. Silappadhikaram de Ilango Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente.La música hindi actual estuvo influenciada por la música tradicional persa y los mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.
La música de Indonesia se ha formado desde que la cultura de la Edad del Bronce emigró al archipiélago de Indonesia en los siglos II y III a. La música tradicional de Indonesia a menudo utiliza instrumentos de percusión, especialmente kendang y gongs. Algunos de ellos desarrollaron instrumentos musicales elaborados y distintivos, como el instrumento de cuerda sasando en la isla de Rote, el angklung de Sundanese y las complejas y sofisticadas orquestas gamelan de Java y Bali. Indonesia es el hogar del carillón de gong, el carillón de gong es un término general para un conjunto de pequeños gongs de tono alto. Los gongs generalmente se colocan en orden de nota, con el jefe en una cuerda sostenida en un marco de madera bajo. La forma más popular y famosa de música indonesia es probablemente el gamelán, un conjunto de instrumentos de percusión afinados que incluyen metalófonos, tambores,
La música clásica china, el arte tradicional o música cortesana de China, tiene una historia que se extiende a lo largo de unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos musicales y estilos o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, con una escala de doce notas por octava (5 + 7 = 12), al igual que la música de influencia europea.
Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la antigua Grecia, de hecho, era una de las principales materias que se enseñaban a los niños. La educación musical se consideraba importante para el desarrollo del alma de un individuo. Los músicos y cantantes tenían un papel destacado en el teatro griego y los que recibían una educación musical eran vistos como nobles y en perfecta armonía (como se puede leer en la República, Platón) Coros mixtos realizados para entretenimiento, celebración y ceremonias espirituales.. La música sagrada griega antigua se considera un ejemplo de perfección y pureza. Los instrumentos incluían los aulos de doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado cítara.. La música era una parte importante de la educación, ya los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música griega incluía los modos musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega. El epitafio de Seikilos es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo. El trabajo sobreviviente más antiguo escrito sobre el tema de la teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristoxenus.
Clásico occidental
Edad media
La era medieval (476 a 1400), que tuvo lugar durante la Edad Media, comenzó con la introducción del canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la Iglesia Católica Romana. La notación musical se usó desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida por primera vez por la iglesia católica para que las melodías de los cantos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el mundo católico. imperio. El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma escrita desde antes del año 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia Católica Romana, cuya tradición central se llamaba canto gregoriano. Junto a estas tradiciones de música sacra y eclesiástica existía una vibrante tradición de canto secular (cantos no religiosos).
Renacimiento
La música renacentista (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares (no religiosos), como el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, lo que hizo que las partituras impresas fueran mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música escrita se copiaba a mano). La mayor disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más grande. Músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y los pueblos. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la iglesia siguió siendo un importante mecenas de la música. A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se entretejían simultáneamente diferentes líneas melódicas. Los compositores destacados de esta época incluyen a Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley y Orlande de Lassus. A medida que la actividad musical pasó de la iglesia a las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos de los principales compositores importantes procedían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Son los llamados compositores franco-flamencos. Ocuparon cargos importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una vibrante actividad musical incluyeron Alemania, Inglaterra y España.
Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico barroco floreció en toda Europa; y durante este tiempo, la música se expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la era barroca, la música de contrapunto polifónico, en la que se usaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo importante (el contrapunto era importante en la música vocal de la era medieval). Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales y instrumentos de viento de madera, así como para coros e instrumentos de teclado como órgano de tubos, clavicordio y clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención,El estilo barroco tardío era polifonicamente complejo y ricamente ornamentado. Compositores importantes de la era barroca incluyen a Johann Sebastian Bach (Suites para violonchelo), George Frideric Handel (Mesías), Georg Philipp Telemann y Antonio Lucio Vivaldi (Las cuatro estaciones).
Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) pretendía imitar lo que se consideraban los elementos clave del arte y la filosofía de la antigua Grecia y Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada. (Nota: la música del período clásico no debe confundirse con la música clásica en general, un término que se refiere a la música de arte occidental desde el siglo V hasta la década de 2000, que incluye el período clásico como uno de varios períodos). La música del período clásico tiene una textura más ligera, más clara y considerablemente más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal era la homofonía,donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinada son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros, y el fortepiano, el precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de tubos de la era barroca como principal instrumento de teclado (aunque el órgano de tubos siguió utilizándose en la música sacra, como las Misas).
Se dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor desarrollo de las formas musicales definidas inicialmente en el período barroco: la sonata, el concierto y la sinfonía. Otros géneros principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de sonata es completamente distinto. Todas las principales formas instrumentales de la era clásica, desde cuartetos de cuerda hasta sinfonías y conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los instrumentos utilizados por la música de cámara y la orquesta se estandarizaron más. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que consistía en clavicémbalo, órgano o laúd junto con una serie de instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder del grupo (p. ej., viola, violonchelo, tiorba, serpiente), los grupos de cámara clásica utilizaban instrumentos estandarizados y específicos (por ejemplo, un cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un violonchelo). La interpretación de acordes improvisada de la era barroca del teclista de continuo o del laúd se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes que se produjeron en el período clásico fue el desarrollo de los conciertos públicos. La aristocracia todavía desempeñaba un papel importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reinas o príncipes. La creciente popularidad de la música clásica condujo a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales hizo necesaria la construcción de grandes espacios públicos para actuaciones. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical del ballet y los géneros vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más populares.
Los compositores más conocidos del Clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se consideran compositores en la última parte de la era clásica, cuando comenzó a moverse hacia el romanticismo.
Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo XIX tenía muchos elementos en común con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió más allá de los rígidos estilos y formas de la era clásica hacia piezas y canciones más expresivas, dramáticas y apasionadas. Compositores románticos como Wagner y Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder de su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con los poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o paisajes usando música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica.
Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la historia (figuras históricas y leyendas) o la naturaleza misma. El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del período clásico (p. ej., la forma de sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando la música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.
En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los motivos breves, desarrollados orgánicamente, reemplazaron a la melodía como la unidad compositiva más importante (un ejemplo es la distintiva figura de cuatro notas utilizada en su Quinta Sinfonía). Compositores románticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores exploraron alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como acordes extendidos y acordes alterados, que crearon nuevos "colores" de sonido. El final del siglo XIX vio una expansión dramática en el tamaño de la orquesta, y la revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música teatral, incluida la opereta, la comedia musical y otras formas de teatro musical.
Siglo 20 y 21
En el siglo XIX, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música aficionados de clase media interpretaban en casa con su piano u otros instrumentos comunes, como el violín. Con la música del siglo XX, la invención de nuevas tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad masiva de discos de gramófono en el mercado hizo que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se convirtieran en la principal forma para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganaba popularidad y los fonógrafos se usaban para reproducir y distribuir música, porque mientras que en el siglo XIX, el enfoque en las partituras restringió el acceso a la nueva música a las personas de clase media y alta que sabían leer música y que poseían pianos e instrumentos, en el siglo XX, cualquier persona con una radio o un tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas justo en su propia sala de estar. Esto permitió que las personas de bajos ingresos, que nunca podrían pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónica, escucharan esta música. También significó que la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. que nunca podría pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónica para escuchar esta música. También significó que la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales. que nunca podría pagar una entrada para un concierto de ópera o sinfónica para escuchar esta música. También significó que la gente podía escuchar música de diferentes partes del país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no podían permitirse el lujo de viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir los estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Los horrores de la Primera Guerra Mundial influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música clásica. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg y John Cage fueron compositores influyentes en la música artística del siglo XX. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de editar música dieron lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica acusmática y Musique concrète. La grabación de sonido también tuvo una gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock, porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían posibles en una presentación en vivo.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo XX, y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios del siglo XX en las comunidades afroamericanas del sur de los Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África occidental del estilo es evidente en el uso de notas azules, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota oscilante.
La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and roll, el rockabilly, el blues y la música country de la década de 1950. El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o la guitarra acústica, y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos de solo. En su "forma más pura", "tiene tres acordes, un contratiempo fuerte e insistente y una melodía pegadiza".La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico, la batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el sintetizador DX-7, cajas de ritmos electrónicas como el TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez mayor de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizados y software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los sintetizadores suaves y las aplicaciones de música por computadora hacen posible que los productores de dormitorio creen y graben algunos tipos de música, como música de baile electrónica en su propia casa, agregando instrumentos digitales y de muestra y editando la grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJ crean música manipulando música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, utilizando un mezclador de DJ.
La innovación en tecnología musical continuó en el siglo XXI, incluido el desarrollo de teclados isomórficos y Dynamic Tonality.
Arte y entretenimiento
La música se compone y se ejecuta con muchos fines, que van desde el placer estético, fines religiosos o ceremoniales, o como un producto de entretenimiento para el mercado. Cuando la música solo estaba disponible a través de partituras, como durante las épocas clásica y romántica, los amantes de la música compraban las partituras de sus piezas y canciones favoritas para poder interpretarlas en casa al piano. Con la llegada del fonógrafo, los discos de canciones populares, en lugar de las partituras, se convirtieron en la forma dominante en que los amantes de la música disfrutaban de sus canciones favoritas. Con la llegada de las grabadoras caseras en la década de 1980 y la música digital en la década de 1990, los amantes de la música podían hacer cintas o listas de reproducción de sus canciones favoritas y llevarlas consigo en un reproductor de casetes o MP3 portátil. Algunos amantes de la música crean cintas mixtas de sus canciones favoritas,
Los músicos aficionados pueden componer o interpretar música para su propio placer y obtener sus ingresos de otra parte. Los músicos profesionales son empleados por una variedad de instituciones y organizaciones, incluidas las fuerzas armadas (en bandas de música, bandas de conciertos y grupos de música popular), iglesias y sinagogas, orquestas sinfónicas, empresas de producción cinematográfica o de radiodifusión y escuelas de música. Los músicos profesionales a veces trabajan como autónomos o músicos de sesión, buscando contratos y compromisos en una variedad de entornos. A menudo hay muchos vínculos entre músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados principiantes toman lecciones con músicos profesionales. En entornos comunitarios, los músicos aficionados avanzados actúan con músicos profesionales en una variedad de conjuntos, como bandas de conciertos comunitarias y orquestas comunitarias.
A menudo se hace una distinción entre la música interpretada para una audiencia en vivo y la música que se interpreta en un estudio para que pueda grabarse y distribuirse a través del sistema de venta de música o el sistema de transmisión. Sin embargo, también hay muchos casos en los que también se graba y distribuye una actuación en vivo frente a una audiencia. Las grabaciones de conciertos en vivo son populares tanto en la música clásica como en formas de música popular como el rock, donde los amantes de la música aprecian los conciertos en vivo grabados ilegalmente. En la escena de las bandas improvisadas, se prefieren las sesiones improvisadas en vivo a las grabaciones de estudio.
Composición
"Composición" es el acto o práctica de crear una canción, una pieza musical instrumental, una obra tanto con canto como con instrumentos, u otro tipo de música. En muchas culturas, incluida la música clásica occidental, el acto de componer también incluye la creación de notación musical, como una "partitura" de una partitura, que luego es interpretada por el compositor o por otros cantantes o músicos. En la música popular y la música tradicional, el acto de componer, que generalmente se llama composición de canciones, puede implicar la creación de un esquema básico de la canción, llamado partitura principal, que establece la melodía, la letra y la progresión de acordes. En la música clásica, el compositor suele orquestar sus propias composiciones, pero en el teatro musical y en la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que haga la orquestación. En algunos casos, un compositor puede no usar notación en absoluto y, en cambio, componer la canción en su mente y luego reproducirla o grabarla de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones notables de artistas influyentes reciben el peso que tienen las partituras escritas en la música clásica.
Incluso cuando la música se escribe con relativa precisión, como en la música clásica, hay muchas decisiones que un intérprete debe tomar, porque la notación no especifica todos los elementos de la música con precisión. El proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos que se eligen y el estilo de ejecución o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y cantautores que presentan su propia música están interpretando sus canciones, tanto como aquellos que interpretan la música de otros. El cuerpo estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento dado y en un lugar dado se conoce como práctica de ejecución,
Aunque una composición musical suele utilizar notación musical y tiene un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener múltiples compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical, cuando una persona escribe las melodías, una segunda persona escribe las letras y una tercera persona orquesta las canciones.. En algunos estilos de música, como el blues, un compositor puede crear, interpretar y grabar nuevas canciones o piezas sin siquiera escribirlas en notación musical. Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o programas de computadora que explican o anotan cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Los ejemplos van desde música de vanguardia que utiliza notación gráfica hasta composiciones de texto como Aus den sieben Tagen., hasta programas informáticos que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y está asociada con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage, Morton Feldman y Witold Lutosławski. Un ejemplo más conocido de música basada en el azar es el sonido de campanas de viento tintineando con la brisa.
El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para incluir la creación de canciones y piezas instrumentales de música popular y música tradicional, así como obras espontáneamente improvisadas como las de intérpretes de free jazz y percusionistas africanos como los bateristas Ewe.
Notación
En la década de 2000, la notación musical generalmente significaba la expresión escrita de notas musicales y ritmos en papel usando símbolos. Cuando se escribe música, se anotan los tonos y el ritmo de la música, como las notas de una melodía. La notación musical también suele proporcionar instrucciones sobre cómo interpretar la música. Por ejemplo, la partitura de una canción puede indicar que la canción es un "blues lento" o un "swing rápido", lo que indica el tempo y el género. Para leer la notación musical, una persona debe comprender la teoría musical, la armonía y la práctica de interpretación asociada con una canción o género en particular.
La notación escrita varía según el estilo y el período de la música. En la década de 2000, la música notada se produce como partitura o, para personas con programas de partituras de computadora, como una imagen en una pantalla de computadora. En la antigüedad, la notación musical se ponía en tablillas de piedra o arcilla. Para interpretar música a partir de la notación, un cantante o instrumentista requiere una comprensión de los elementos rítmicos y tonales incorporados en los símbolos y la práctica de interpretación asociada con una pieza musical o un género. En los géneros que requieren improvisación musical, el intérprete a menudo toca música en la que solo se escriben los cambios de acordes y la forma de la canción, lo que requiere que el intérprete tenga una gran comprensión de la estructura de la música, la armonía y los estilos de un género en particular (p. ej., jazz o música country).
En la música de arte occidental, los tipos más comunes de notación escrita son las partituras, que incluyen todas las partes musicales de una pieza de conjunto, y las partes, que son la notación musical para los intérpretes o cantantes individuales. En la música popular, el jazz y el blues, la notación musical estándar es la partitura principal, que anota la melodía, los acordes, la letra (si se trata de una pieza vocal) y la estructura de la música. Los libros falsos también se usan en el jazz; pueden consistir en partituras principales o simplemente tablas de acordes, que permiten a los miembros de la sección rítmica improvisar una parte de acompañamiento de canciones de jazz. Las partituras y las partes también se utilizan en la música popular y el jazz, particularmente en grandes conjuntos como las "grandes bandas" de jazz. En la música popular, los guitarristas y bajistas eléctricos a menudo leen música anotada en tablatura (a menudo abreviada como "pestaña"), que indica la ubicación de las notas a tocar en el instrumento mediante un diagrama del diapasón de guitarra o bajo. La tablatura también se usó en la era barroca para escribir música para el laúd, un instrumento de cuerda con trastes.
Improvisación
La improvisación musical es la creación de música espontánea, a menudo dentro (o basada en) un marco armónico preexistente o una progresión de acordes. Los improvisadores usan las notas del acorde, varias escalas que están asociadas con cada acorde y adornos cromáticos y tonos de paso que pueden no ser tonos de acorde ni de las escalas típicas asociadas con un acorde. La improvisación musical se puede hacer con o sin preparación. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música, como el blues, el jazz y el jazz fusión, en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento.
En la tradición de la música de arte occidental, la improvisación fue una habilidad importante durante la era barroca y durante la era clásica. En la era barroca, los intérpretes improvisaban adornos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basadas en la notación de bajo cifrada. Además, se esperaba que los mejores solistas pudieran improvisar piezas como preludios. En la era clásica, los solistas y cantantes improvisaban cadencias virtuosas durante los conciertos.
Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la interpretación de música de arte occidental de "práctica común" se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha desempeñado un papel menor, ya que cada vez más música se anotaba en partituras y partes para músicos para tocar. Al mismo tiempo, algunos compositores de música artística de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo. En la música clásica india, la improvisación es un componente central y un criterio esencial de las interpretaciones.
Teoría
La teoría musical abarca la naturaleza y los mecanísmos de la musica. A menudo implica identificar patrones que rigen las técnicas de los compositores y examinar el lenguaje y la notación de la música. En un sentido amplio, la teoría musical destila y analiza los parámetros o elementos de la música: ritmo, armonía (función armónica), melodía, estructura, forma y textura. En términos generales, la teoría musical puede incluir cualquier afirmación, creencia o concepción de la música o sobre ella. Las personas que estudian estas propiedades se conocen como teóricos de la música y, por lo general, trabajan como profesores en colegios, universidades y conservatorios de música. Algunos han aplicado la acústica, la fisiología humana y la psicología para explicar cómo y por qué se percibe la música. Los teóricos de la música publican sus investigaciones en revistas de teoría musical y libros de prensa universitaria.
Elementos
La música tiene muchos fundamentos o elementos diferentes. Según la definición de "elemento" que se utilice, estos pueden incluir tono, compás o pulso, tempo, ritmo, melodía, armonía, textura, estilo, asignación de voces, timbre o color, dinámica, expresión, articulación, forma y estructura.. Los elementos de la música ocupan un lugar destacado en los planes de estudio de música de Australia, el Reino Unido y los Estados Unidos. Los tres currículos identifican el tono, la dinámica, el timbre y la textura como elementos, pero los otros elementos identificados de la música están lejos de estar universalmente aceptados. A continuación se muestra una lista de las tres versiones oficiales de los "elementos de la música":
- Australia: tono, timbre, textura, dinámica y expresión, ritmo, forma y estructura.
- Reino Unido: tono, timbre, textura, dinámica, duración, tempo, estructura.
- USA: tono, timbre, textura, dinámica, ritmo, forma, armonía, estilo/articulación.
En relación con el plan de estudios del Reino Unido, en 2013 se agregó el término: "notaciones musicales apropiadas" a su lista de elementos y el título de la lista se cambió de "elementos de la música" a "dimensiones interrelacionadas de la música". Las dimensiones interrelacionadas de la música se enumeran como: tono, duración, dinámica, tempo, timbre, textura, estructura y notaciones musicales apropiadas.
La frase "los elementos de la música" se usa en varios contextos diferentes. Los dos contextos más comunes se pueden diferenciar describiéndolos como los "elementos rudimentarios de la música" y los "elementos perceptivos de la música".
Rudimentario
En la década de 1800, las frases "los elementos de la música" y "los rudimentos de la música" se usaban indistintamente. Los elementos descritos en estos documentos se refieren a aspectos de la música que se necesitan para convertirse en músico. Escritores recientes como Espie Estrella parecen estar usando la frase "elementos de la música" de manera similar. Una definición que refleja con mayor precisión este uso es: "los principios rudimentarios de un arte, ciencia, etc.: los elementos de la gramática". El cambio del plan de estudios del Reino Unido a las "dimensiones interrelacionadas de la música" parece ser un regreso al uso de los elementos rudimentarios de la música.
Perceptivo
Desde el surgimiento del estudio de la psicoacústica en la década de 1930, la mayoría de las listas de elementos de la música se han relacionado más con la forma en que escuchamos la música que con la forma en que aprendemos a tocarla o estudiarla. CE Seashore, en su libro Psicología de la música, identificó cuatro "atributos psicológicos del sonido". Estos fueron: "tono, volumen, tiempo y timbre" (p. 3). No los llamó los "elementos de la música", sino que se refirió a ellos como "componentes elementales" (p. 2). No obstante, estos componentes elementales se vinculan precisamente con cuatro de los elementos musicales más comunes: "Tono" y "timbre" coinciden exactamente, "volumen" se vincula con la dinámica y "tiempo" se vincula con los elementos basados en el tiempo de ritmo, duración y tempo. Este uso de la frase "La definición de elemento del Webster's New 20th Century Dictionary es: "una sustancia que no se puede dividir en una forma más simple mediante métodos conocidos" y las listas de elementos de las instituciones educativas generalmente también se alinean con esta definición.
Aunque los escritores de listas de "elementos rudimentarios de la música" pueden variar sus listas según sus prioridades personales (o institucionales), los elementos de percepción de la música deben consistir en una lista establecida (o comprobada) de elementos discretos que pueden manipularse de forma independiente para lograr un efecto musical deseado. Parece que en esta etapa todavía hay investigación por hacer en esta área.
Una forma ligeramente diferente de abordar la identificación de los elementos de la música es identificar los "elementos del sonido" como: tono, duración, volumen, timbre, textura sonora y ubicación espacial, y luego definir los "elementos de la música" como: sonido, estructura e intención artística.
Descripciones
Tono y melodía
El tono es un aspecto de un sonido que podemos escuchar, reflejando si un sonido, nota o tono musical es "más alto" o "más bajo" que otro sonido, nota o tono musical. Podemos hablar de la altura o la gravedad del tono en un sentido más general, como la forma en que un oyente escucha una nota de flautín penetrantemente alta o un tono sibilante como más alto que el golpe profundo de un bombo. También hablamos de tono en el sentido preciso asociado con melodías musicales, líneas de bajo y acordes. El tono preciso solo se puede determinar en sonidos que tienen una frecuencia lo suficientemente clara y estable para distinguirlos del ruido. Por ejemplo, es mucho más fácil para los oyentes discernir el tono de una sola nota tocada en un piano que tratar de discernir el tono de un platillo crash que se golpea.
Una melodía (también llamada "melodía") es una serie de tonos (notas) que suenan en sucesión (uno tras otro), a menudo en un patrón ascendente y descendente. Las notas de una melodía generalmente se crean utilizando sistemas de tono como escalas o modos. Las melodías también suelen contener notas de los acordes utilizados en la canción. Las melodías de las canciones folklóricas sencillas y de las canciones tradicionales pueden utilizar únicamente las notas de una sola escala, la escala asociada a la nota tónica o tonalidad de una determinada canción. Por ejemplo, una canción folclórica en la tonalidad de do (también conocida como do mayor) puede tener una melodía que use solo las notas de la escala de do mayor (las notas individuales do, re, mi, fa, sol, la, si, y C; estas son las "notas blancas" en el teclado de un piano. Por otro lado,♯, G ♯ y A ♯). Una línea musical baja y profunda tocada por instrumentos de bajo como el contrabajo, el bajo eléctrico o la tuba se llama línea de bajo.
Armonía y acordes
La armonía se refiere a los sonidos "verticales" de los tonos en la música, lo que significa tonos que se tocan o cantan juntos al mismo tiempo para crear un acorde. Por lo general, esto significa que las notas se tocan al mismo tiempo, aunque la armonía también puede estar implícita en una melodía que describe una estructura armónica (es decir, mediante el uso de notas melódicas que se tocan una tras otra, delineando las notas de un acorde). En la música escrita con el sistema de tonalidad mayor-menor ("tonalidades"), que incluye la mayoría de la música clásica escrita entre 1600 y 1900 y la mayoría de la música pop, rock y tradicional occidental, la tonalidad de una pieza determina la "nota inicial" o tónica a la que generalmente se resuelve la pieza, y el carácter (por ejemplo, mayor o menor) de la escala en uso. Se escriben piezas clásicas sencillas y muchas canciones de música pop y tradicional para que toda la música esté en un solo tono. Las canciones y piezas de música clásica, pop y tradicional más complejas pueden tener dos claves (y en algunos casos tres o más claves). La música clásica de la época romántica (escrita aproximadamente entre 1820 y 1900) a menudo contiene varias tonalidades, al igual que el jazz, especialmente el bebop jazz de la década de 1940, en el que la tonalidad o "nota inicial" de una canción puede cambiar cada cuatro compases o incluso cada dos barras
Ritmo
El ritmo es la disposición de los sonidos y los silencios en el tiempo. La métrica anima el tiempo en agrupaciones de pulsos regulares, llamadas compases o compases, que en la música clásica, popular y tradicional occidental a menudo agrupan notas en conjuntos de dos (p. ej., 2/4 de tiempo), tres (p. ej., 3/4 de tiempo, también conocido como como tiempo de vals, o tiempo de 3/8), o cuatro (por ejemplo, tiempo de 4/4). Los compases se hacen más fáciles de escuchar porque las canciones y piezas a menudo (pero no siempre) ponen énfasis en el primer tiempo de cada grupo. Existen excepciones notables, como el backbeat que se usa en mucho pop y rock occidental, en el que una canción que usa un compás que consta de cuatro tiempos (llamado 4/4 de tiempo o tiempo común) tendrá acentos en los tiempos dos y cuatro, que son típicamente interpretado por el baterista en la caja, un instrumento de percusión fuerte y de sonido distintivo. En el pop y el rock,
Textura
La textura musical es el sonido general de una pieza musical o canción. La textura de una pieza o canción está determinada por cómo se combinan los materiales melódicos, rítmicos y armónicos en una composición, determinando así la naturaleza general del sonido en una pieza. La textura a menudo se describe en relación con la densidad, el grosor, el rango o el ancho entre los tonos más bajos y más altos, en términos relativos, y se distingue más específicamente según el número de voces o partes y la relación entre estas voces. (ver tipos comunes a continuación). Por ejemplo, una textura gruesa contiene muchas 'capas' de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerdas u otro metal. El grosor también se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos.
- monofonía: una sola melodía (o "melodía") sin acompañamiento instrumental ni parte armónica. Una madre cantándole una canción de cuna a su bebé sería un ejemplo.
- heterofonía: dos o más instrumentos o cantantes que tocan/cantan la misma melodía, pero cada intérprete varía ligeramente el ritmo o la velocidad de la melodía o agrega diferentes adornos a la melodía. Dos violinistas de bluegrass que tocan juntos la misma melodía tradicional de violín normalmente variarán la melodía en algún grado y cada uno agregará diferentes adornos.
- polifonía: múltiples líneas melódicas independientes que se entrelazan, que se cantan o tocan al mismo tiempo. La música coral escrita en la era de la música del Renacimiento se escribía típicamente en este estilo. Una ronda, que es una canción como "Row, Row, Row Your Boat", que diferentes grupos de cantantes comienzan a cantar en un momento diferente, es un ejemplo de polifonía.
- homofonía: una melodía clara apoyada por un acompañamiento de cuerdas. La mayoría de las canciones de música popular occidental del siglo XIX en adelante están escritas con esta textura.
Generalmente se dice que la música que contiene un gran número de partes independientes (p. ej., un concierto doble acompañado por 100 instrumentos orquestales con muchas líneas melódicas entrelazadas) tiene una textura "más espesa" o "más densa" que una obra con pocas partes (p. ej., un melodía de flauta solista acompañada de un solo violonchelo).
Timbre o "color de tono"
El timbre, a veces llamado "color" o "color de tono", es la calidad o el sonido de una voz o instrumento.El timbre es lo que hace que un sonido musical en particular sea diferente de otro, incluso cuando tienen el mismo tono y volumen. Por ejemplo, una nota A de 440 Hz suena diferente cuando se toca con oboe, piano, violín o guitarra eléctrica. Incluso si diferentes ejecutantes del mismo instrumento tocan la misma nota, sus notas pueden sonar diferentes debido a diferencias en la técnica instrumental (p. ej., diferentes embocaduras), diferentes tipos de accesorios (p. ej., boquillas para instrumentistas de metales, lengüetas para oboe y fagotistas) o cuerdas hechas de diferentes materiales para músicos de cuerdas (p. ej., cuerdas de tripa frente a cuerdas de acero). Incluso dos instrumentistas que tocan la misma nota en el mismo instrumento (uno tras otro) pueden sonar diferentes debido a las diferentes formas de tocar el instrumento (por ejemplo, dos músicos de cuerda pueden sostener el arco de manera diferente).
Las características físicas del sonido que determinan la percepción del timbre incluyen el espectro, la envolvente y los armónicos de una nota o sonido musical. Para los instrumentos eléctricos desarrollados en el siglo XX, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y el piano eléctrico, el intérprete también puede cambiar el tono ajustando los controles del ecualizador, los controles de tono del instrumento y usando unidades de efectos electrónicos como los pedales de distorsión. El tono del órgano Hammond eléctrico se controla ajustando tiradores.
Expresión
Las cualidades expresivas son aquellos elementos en la música que crean cambios en la música sin cambiar los tonos principales o cambiar sustancialmente los ritmos de la melodía y su acompañamiento. Los intérpretes, incluidos cantantes e instrumentistas, pueden agregar expresión musical a una canción o pieza agregando fraseo, agregando efectos como vibrato (con voz y algunos instrumentos, como guitarra, violín, instrumentos de metal y de viento), dinámicas (la sonoridad o suavidad de una pieza o una sección de ella), fluctuaciones de tempo (por ejemplo, ritardando o accelerando, que son, respectivamente, ralentizando y acelerando el tempo), agregando pausas o fermatas en una cadencia, y cambiando la articulación de las notas (p. ej., hacer notas más pronunciadas o acentuadas, hacer notas más legato, lo que significa que se conectan suavemente, o hacer notas más cortas).
La expresión se logra a través de la manipulación del tono (como inflexión, vibrato, diapositivas, etc.), volumen (dinámica, acento, trémolo, etc.), duración (fluctuaciones de tempo, cambios rítmicos, cambio de duración de nota como con legato y staccato, etc..), timbre (p. ej., cambiar el timbre vocal de una voz ligera a una voz resonante) y, a veces, incluso textura (p. ej., duplicar la nota del bajo para obtener un efecto más rico en una pieza de piano). Por lo tanto, la expresión puede verse como una manipulación de todos los elementos para transmitir "una indicación de estado de ánimo, espíritu, carácter, etc.". y como tal no puede incluirse como un elemento perceptivo único de la música, aunque puede considerarse un elemento rudimentario importante de la música.
Forma
En música, la forma describe la estructura general o el plan de una canción o pieza musical, y describe el diseño de una composición dividida en secciones. A principios del siglo XX, las canciones de Tin Pan Alley y las canciones musicales de Broadway a menudo tenían la forma AABA de 32 compases, en la que las secciones A repetían la misma melodía de ocho compases (con variaciones) y la sección B proporcionaba una melodía o armonía contrastante para ocho compases.. Desde la década de 1960 en adelante, las canciones de pop y rock occidentales a menudo tienen forma de verso-estribillo, que comprende una secuencia de secciones de verso y estribillo ("estribillo"), con letras nuevas para la mayoría de los versos y letras repetidas para los estribillos. La música popular a menudo hace uso de la forma estrófica, a veces junto con el blues de doce compases.
En la décima edición de The Oxford Companion to Music, Percy Scholes define la forma musical como "una serie de estrategias diseñadas para encontrar un punto medio exitoso entre los extremos opuestos de repetición y alteración sin alivio". Los ejemplos de formas comunes de la música occidental incluyen la fuga, la invención, la sonata-allegro, el canon, la estrofa, el tema y las variaciones y el rondó.
Scholes afirma que la música clásica europea tenía solo seis formas independientes: binario simple, ternario simple, binario compuesto, rondó, aire con variaciones y fuga (aunque el musicólogo Alfred Mann enfatizó que la fuga es principalmente un método de composición que a veces ha tomado en ciertas convenciones estructurales).
Cuando una pieza no se puede dividir fácilmente en unidades seccionales (aunque podría tomar prestada alguna forma de un poema, una historia o un programa), se dice que está completamente compuesta. Tal suele ser el caso de una fantasía, preludio, rapsodia, estudio (o estudio), poema sinfónico, Bagatelle, improvisado, etc. El profesor Charles Keil clasificó las formas y los detalles formales como "seccionales, de desarrollo o variacionales".
Análisis de estilos
Algunos estilos de música ponen énfasis en algunos de estos fundamentos, mientras que otros ponen menos énfasis en ciertos elementos. Para dar un ejemplo, mientras que el jazz de la era Bebop hace uso de acordes muy complejos, que incluyen dominantes alteradas y progresiones de acordes desafiantes, con acordes que cambian dos o más veces por compás y tonos que cambian varias veces en una melodía, el funk pone la mayor parte de su énfasis en ritmo y ritmo, con canciones enteras basadas en un vampiro en un solo acorde. Mientras que la música clásica de la era romántica de mediados a finales del siglo XIX hace un gran uso de cambios dramáticos de dinámica, desde secciones susurrantes en pianissimo hasta secciones estruendosas en fortissimo, algunas suites enteras de danza barroca para clavecín de principios del siglo XVIII pueden usar una sola dinámica. Para dar otro ejemplo, mientras que algunas piezas musicales artísticas, como las sinfonías, son muy largas,
Actuación
La interpretación es la expresión física de la música, que se produce cuando se canta una canción o cuando los músicos tocan una pieza de piano, una melodía de guitarra eléctrica, una sinfonía, un ritmo de batería u otra parte musical. En la música clásica, un compositor escribe una obra musical en notación musical y luego se interpreta una vez que el compositor está satisfecho con su estructura e instrumentación. Sin embargo, a medida que se interpreta, la interpretación de una canción o pieza puede evolucionar y cambiar. En la música clásica, los intérpretes instrumentales, los cantantes o los directores pueden modificar gradualmente el fraseo o el tempo de una pieza. En la música popular y tradicional, los intérpretes tienen mucha más libertad para realizar cambios en la forma de una canción o pieza. Como tal, en los estilos de música popular y tradicional, incluso cuando una banda toca una versión de una canción,
Una interpretación puede planificarse y ensayarse (practicarse), que es la norma en la música clásica, con grandes bandas de jazz y muchos estilos de música popular, o improvisarse sobre una progresión de acordes (una secuencia de acordes), que es la norma en pequeños grupos de jazz y blues. Los ensayos de orquestas, bandas de concierto y coros están dirigidos por un director. Las bandas de rock, blues y jazz suelen estar dirigidas por el director de la banda. Un ensayo es una repetición estructurada de una canción o pieza por parte de los intérpretes hasta que se pueda cantar o tocar correctamente y, si se trata de una canción o pieza para más de un músico, hasta que las partes estén juntas desde una perspectiva rítmica y de afinación. La improvisación es la creación de una idea musical, una melodía u otra línea musical, creada en el momento, a menudo basada en escalas o riffs melódicos preexistentes.
Muchas culturas tienen fuertes tradiciones de interpretación en solitario (en las que actúa un cantante o instrumentista), como en la música clásica india y en la tradición de la música artística occidental. Otras culturas, como en Bali, incluyen fuertes tradiciones de actuación en grupo. Todas las culturas incluyen una mezcla de ambos, y la actuación puede variar desde tocar solos improvisados hasta actuaciones muy planificadas y organizadas, como el concierto de música clásica moderna, las procesiones religiosas, los festivales de música clásica o los concursos de música. La música de cámara, que es música para un conjunto pequeño con solo unos pocos de cada tipo de instrumento, a menudo se considera más íntima que las grandes obras sinfónicas.
Tradición oral y auditiva
Muchos tipos de música, como el blues tradicional y la música folclórica, no estaban escritos en partituras; en cambio, originalmente se conservaron en la memoria de los intérpretes, y las canciones se transmitieron oralmente, de un músico o cantante a otro, o de forma auditiva, en la que un intérprete aprende una canción "de oído". Cuando ya no se conoce al compositor de una canción o pieza, esta música suele clasificarse como "tradicional" o como "canción folclórica". Las diferentes tradiciones musicales tienen diferentes actitudes sobre cómo y dónde realizar cambios en el material original, desde las más estrictas hasta las que exigen improvisación o modificación de la música. La historia y las historias de una cultura también pueden transmitirse de oído a través de canciones.
Ornamentación
En música, un adorno consiste en notas añadidas que proporcionan decoración a una melodía, línea de bajo u otra parte musical. El detalle incluido explícitamente en la notación musical varía entre géneros y períodos históricos. En general, la notación musical artística de los siglos XVII al XIX requería que los intérpretes tuvieran un gran conocimiento contextual sobre los estilos de interpretación. Por ejemplo, en los siglos XVII y XVIII, la música escrita para intérpretes solistas normalmente indicaba una melodía simple y sin adornos. Se esperaba que los intérpretes supieran cómo agregar adornos estilísticamente apropiados para agregar interés a la música, como trinos y giros. Diferentes estilos de música usan diferentes adornos. Un flautista barroco podría agregar mordentes, que son notas cortas que se tocan antes de la nota principal de la melodía, ya sea por encima o por debajo de la nota principal de la melodía. Un guitarrista de blues que toque la guitarra eléctrica podría doblar las cuerdas para agregar expresión; un guitarrista de heavy metal podría usar hammer-ons y pull-offs.
En el siglo XIX, la música artística para intérpretes solistas puede dar una instrucción general, como interpretar la música de manera expresiva, sin describir en detalle cómo debe hacerlo el intérprete. Se esperaba que el intérprete supiera cómo usar los cambios de tempo, la acentuación y las pausas (entre otros recursos) para obtener este estilo de interpretación "expresivo". En el siglo XX, la notación musical artística a menudo se volvió más explícita y utilizó una variedad de marcas y anotaciones para indicar a los intérpretes cómo debían tocar o cantar la pieza. En la música popular y los estilos musicales tradicionales, se espera que los intérpretes sepan qué tipos de adornos son estilísticamente apropiados para una canción o pieza determinada, y los intérpretes suelen añadirlos de manera improvisada. Una excepción son los solos nota por nota, en los que algunos músicos recrean con precisión una versión famosa de un solo.
Filosofía y estética
La filosofía de la música es un subcampo de la filosofía. La filosofía de la música es el estudio de cuestiones fundamentales relacionadas con la música. El estudio filosófico de la música tiene muchas conexiones con cuestiones filosóficas en metafísica y estética. Algunas cuestiones básicas en la filosofía de la música son:
- ¿Cuál es la definición de música? (¿Cuáles son las condiciones necesarias y suficientes para clasificar algo como música?)
- ¿Cuál es la relación entre la música y la mente?
- ¿Qué nos revela la historia de la música sobre el mundo?
- ¿Cuál es la conexión entre la música y las emociones?
- ¿Qué es el significado en relación con la música?
En la antigüedad, como con los antiguos griegos, la estética de la música exploró las dimensiones matemáticas y cosmológicas de la organización rítmica y armónica. En el siglo XVIII, el enfoque se centró en la experiencia de escuchar música y, por lo tanto, en las preguntas sobre su belleza y el disfrute humano (plaisir y jouissance) de la música. El origen de este cambio filosófico a veces se atribuye a Alexander Gottlieb Baumgarten en el siglo XVIII, seguido por Immanuel Kant. A través de su escritura, el antiguo término 'estética', que significa percepción sensorial, recibió su connotación actual. En la década de 2000, los filósofos han tendido a enfatizar temas además de la belleza y el disfrute. Por ejemplo, la capacidad de la música para expresar emociones ha sido un tema central.
En el siglo XX, Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton y Stephen Davies hicieron contribuciones importantes. Sin embargo, muchos músicos, críticos musicales y otros no filósofos han contribuido a la estética de la música. En el siglo XIX, surgió un importante debate entre Eduard Hanslick, crítico musical y musicólogo, y el compositor Richard Wagner sobre si la música puede expresar significado. Harry Partch y algunos otros musicólogos, como Kyle Gann, han estudiado y tratado de popularizar la música microtonal y el uso de escalas musicales alternativas. También muchos compositores modernos como La Monte Young, Rhys Chatham y Glenn Branca prestaron mucha atención a una escala llamada entonación justa.
A menudo se piensa que la música tiene la capacidad de afectar nuestras emociones, intelecto y psicología; puede mitigar nuestra soledad o incitar nuestras pasiones. El filósofo Platón sugiere en La República que la música tiene un efecto directo sobre el alma. Por tanto, propone que en el régimen ideal la música estaría estrechamente regulada por el Estado (Libro VII). En la Antigua China, el filósofo Confucio creía que la música y los rituales o ritos están interconectados y en armonía con la naturaleza; afirmó que la música era la armonización del cielo y la tierra, mientras que el orden lo traía el orden de los ritos, haciéndolos funciones extremadamente cruciales en la sociedad.
Ha habido una fuerte tendencia en la estética de la música a enfatizar la importancia primordial de la estructura compositiva; sin embargo, otros temas relacionados con la estética de la música incluyen el lirismo, la armonía, el hipnotismo, la emotividad, la dinámica temporal, la resonancia, el juego y el color (ver también desarrollo musical).
Psicología
La psicología musical moderna tiene como objetivo explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical. La investigación en este campo y sus subcampos es principalmente empírica; su conocimiento tiende a avanzar sobre la base de las interpretaciones de los datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con los participantes humanos. Además de su enfoque en las percepciones fundamentales y los procesos cognitivos, la psicología musical es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluidas la interpretación musical, la composición, la educación, la crítica y la terapia, así como las investigaciones sobre la aptitud, la habilidad y la inteligencia humanas., la creatividad y el comportamiento social.
Neurociencia
La neurociencia cognitiva de la música es el estudio científico de los mecanismos cerebrales involucrados en los procesos cognitivos que subyacen a la música. Estos comportamientos incluyen escuchar música, interpretar, componer, leer, escribir y actividades auxiliares. También se preocupa cada vez más por la base del cerebro para la estética musical y la emoción musical. El campo se distingue por su dependencia de las observaciones directas del cerebro, utilizando técnicas como la resonancia magnética funcional (fMRI), la estimulación magnética transcraneal (TMS), la magnetoencefalografía (MEG), la electroencefalografía (EEG) y la tomografía por emisión de positrones (PET)..
Musicología cognitiva
La musicología cognitiva es una rama de la ciencia cognitiva que se ocupa de modelar computacionalmente el conocimiento musical con el objetivo de comprender tanto la música como la cognición. El uso de modelos informáticos proporciona un medio interactivo exacto en el que formular y probar teorías y tiene sus raíces en la inteligencia artificial y la ciencia cognitiva.
Este campo interdisciplinario investiga temas como los paralelismos entre el lenguaje y la música en el cerebro. Los modelos de computación de inspiración biológica a menudo se incluyen en la investigación, como las redes neuronales y los programas evolutivos. Este campo busca modelar cómo se representa, almacena, percibe, ejecuta y genera el conocimiento musical. Mediante el uso de un entorno informático bien estructurado, se pueden investigar las estructuras sistemáticas de estos fenómenos cognitivos.
Psicoacústica
La psicoacústica es el estudio científico de la percepción del sonido. Más específicamente, es la rama de la ciencia que estudia las respuestas psicológicas y fisiológicas asociadas con el sonido (incluyendo el habla y la música). Se puede clasificar además como una rama de la psicofísica.
Musicología evolutiva
La musicología evolutiva se ocupa de los "orígenes de la música, la cuestión del canto de los animales, las presiones de selección que subyacen a la evolución de la música" y la "evolución de la música y la evolución humana". Busca comprender la percepción y la actividad de la música en el contexto de la teoría evolutiva. Charles Darwin especuló que la música puede haber tenido una ventaja adaptativa y funcionado como un protolenguaje, una visión que ha generado varias teorías en competencia sobre la evolución de la música. Una visión alternativa ve la música como un subproducto de la evolución lingüística; una especie de "pastel de queso auditivo" que agrada a los sentidos sin proporcionar ninguna función adaptativa. Esta opinión ha sido contrarrestada directamente por numerosos investigadores musicales.
Efectos culturales
La cultura o etnia de un individuo juega un papel en su cognición musical, incluidas sus preferencias, reacción emocional y memoria musical. Las preferencias musicales están sesgadas hacia tradiciones musicales culturalmente familiares que comienzan en la infancia, y la clasificación de la emoción de una pieza musical por parte de los adultos depende de características estructurales culturalmente específicas y universales. Además, las habilidades de memoria musical de los individuos son mayores para la música culturalmente familiar que para la música culturalmente desconocida.
Aspectos sociológicos
Pintura de la dinastía Song (960-1279),
Night Revels of Han Xizai, que muestra a músicos chinos entreteniendo a los invitados en una fiesta en una casa del siglo X
Muchos estudios etnográficos demuestran que la música es una actividad participativa basada en la comunidad.Los individuos experimentan la música en una variedad de entornos sociales que van desde estar solos hasta asistir a un gran concierto, formando una comunidad musical, que no puede entenderse como una función de la voluntad o el accidente individual; incluye participantes comerciales y no comerciales con un conjunto compartido de valores comunes. Las representaciones musicales toman diferentes formas en diferentes culturas y entornos socioeconómicos. En Europa y América del Norte, a menudo existe una división entre los tipos de música que se consideran de "alta cultura" y "baja cultura". Los tipos de música de "alta cultura" suelen incluir música de arte occidental, como sinfonías, conciertos y obras solistas barrocas, clásicas, románticas y modernas, y normalmente se escuchan en conciertos formales en salas de conciertos e iglesias, con el público sentado en silencio. en asientos
Otros tipos de música, incluidos, entre otros, jazz, blues, soul y country, a menudo se interpretan en bares, clubes nocturnos y teatros, donde el público puede beber, bailar y expresarse animando. Hasta finales del siglo XX, la división entre formas musicales "altas" y "bajas" era ampliamente aceptada como una distinción válida que separaba la "música artística" más avanzada y de mejor calidad de los estilos populares de música que se escuchaban en bares y salas de baile.
Sin embargo, en las décadas de 1980 y 1990, los musicólogos que estudiaron esta división percibida entre géneros musicales "altos" y "bajos" argumentaron que esta distinción no se basa en el valor musical o la calidad de los diferentes tipos de música. Más bien, argumentaron que esta distinción se basaba en gran medida en la posición socioeconómica o la clase social de los intérpretes o la audiencia de los diferentes tipos de música. Por ejemplo, mientras que la audiencia de conciertos de música clásica sinfónica suele tener ingresos por encima del promedio, la audiencia de un concierto de rap en un área del centro de la ciudad puede tener ingresos por debajo del promedio.Aunque los artistas, el público o el lugar donde se interpreta música no "artística" pueden tener un nivel socioeconómico más bajo, la música que se interpreta, como blues, rap, punk, funk o ska, puede ser muy compleja y sofisticada.
Cuando los compositores introducen estilos de música que rompen con las convenciones, puede haber una fuerte resistencia por parte de los expertos académicos en música y la cultura popular. Los cuartetos de cuerda de Beethoven del período tardío, las partituras de ballet de Stravinsky, el serialismo, el jazz de la era del bebop, el hip hop, el punk rock y la electrónica han sido considerados no musicales por algunos críticos cuando se introdujeron por primera vez. Estos temas se examinan en la sociología de la música. El estudio sociológico de la música, a veces llamado sociomusicología, a menudo se realiza en departamentos de sociología, estudios de medios o música, y está estrechamente relacionado con el campo de la etnomusicología.
Papel de la mujer
Las mujeres han desempeñado un papel importante en la música a lo largo de la historia, como compositoras, compositoras, intérpretes instrumentales, cantantes, directoras, académicas musicales, educadoras musicales, críticas musicales/periodistas musicales y otras profesiones musicales. Asimismo, describe movimientos musicales, eventos y géneros relacionados con la mujer, la problemática de la mujer y el feminismo. En la década de 2010, mientras que las mujeres constituyen una proporción significativa de cantantes de música popular y música clásica, y una proporción significativa de compositores (muchos de ellos cantautores), hay pocas mujeres productoras de discos, críticas de rock e instrumentistas de rock. Aunque ha habido una gran cantidad de mujeres compositoras en la música clásica, desde la época medieval hasta la actualidad, las mujeres compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado. libros de texto de historia de la música y enciclopedias musicales; por ejemplo, en elConcise Oxford History of Music, Clara Schumann es una de las pocas compositoras que se menciona.
Las mujeres comprenden una proporción significativa de los solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas va en aumento. Sin embargo, un artículo de 2015 sobre solistas de conciertos en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orchestre Symphonique de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres todavía constituían solo el 6% de la orquesta Filarmónica de Viena mejor clasificada. Las mujeres son menos comunes como instrumentistas en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal, aunque ha habido una serie de instrumentistas femeninas notables y bandas exclusivamente femeninas. Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros de metal extremo.En la escena de la música pop de la década de 1960, "[como] la mayoría de los aspectos del... negocio de la música, [en la década de 1960], la composición de canciones era un campo dominado por hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres....fueron vistos principalmente como consumidores:... Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una niña, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no estaba hecho". Las mujeres jóvenes "... no fueron socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]".
Las mujeres también están insuficientemente representadas en dirección orquestal, crítica musical/periodismo musical, producción musical e ingeniería de sonido. Si bien en el siglo XIX se desanimó a las mujeres a componer y hay pocas mujeres musicólogas, las mujeres se involucraron en la educación musical "... hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo 20."
Según Jessica Duchen, escritora musical de The Independent de Londres, las mujeres músicas en la música clásica son "... demasiado a menudo juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento" y se enfrentan a la presión "... para verse sexys en el escenario y en las fotos".." Duchen afirma que si bien "[h] ay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia,... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria de la música ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en funciones de actuación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres tengan puestos de autoridad, como ser directora de orquesta.En la música popular, si bien hay muchas mujeres cantantes grabando canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio actuando como productoras musicales, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. Una de las artistas más grabadas es Asha Bhosle, una cantante india más conocida como cantante de reproducción en el cine hindi.
Medios y tecnología
La música que hacen los compositores y cantautoras se puede escuchar a través de varios medios; la forma más tradicional es escucharlo en vivo, en presencia de los músicos (o como uno de los músicos), en un espacio interior o exterior como un anfiteatro, sala de conciertos, sala de cabaret, teatro, pub o cafetería. Desde el siglo XX, la música en directo también puede emitirse por radio, televisión o Internet, o grabarse y escucharse en un reproductor de CD o Mp3.
Algunos estilos musicales se enfocan en producir canciones y piezas para presentaciones en vivo, mientras que otros se enfocan en producir una grabación que mezcla sonidos que nunca se tocaron "en vivo". Incluso en estilos esencialmente en vivo como el rock, los ingenieros de grabación a menudo utilizan la capacidad de editar, unir y mezclar para producir grabaciones que pueden considerarse "mejores" que la interpretación en vivo real. Por ejemplo, algunos cantantes se graban a sí mismos cantando una melodía y luego graban múltiples partes de armonía usando sobregrabación, creando un sonido que sería imposible de hacer en vivo.
La tecnología ha influido en la música desde tiempos prehistóricos, cuando la gente de las cavernas usaba herramientas simples para perforar flautas de hueso hace 41 000 años. La tecnología continuó influyendo en la música a lo largo de la historia de la música, ya que permitió el uso de nuevos instrumentos y sistemas de reproducción de notación musical, siendo uno de los momentos decisivos en la notación musical la invención de la imprenta en el siglo XV, lo que significó que las partituras musicales no ya tenía que ser copiado a mano. En el siglo XIX, la tecnología musical condujo al desarrollo de un piano más potente y ruidoso y condujo al desarrollo de nuevos instrumentos de viento de válvulas.
A principios del siglo XX (finales de la década de 1920), cuando surgieron las películas sonoras a principios del siglo XX, con sus pistas musicales pregrabadas, un número cada vez mayor de músicos de orquestas de cine se quedaron sin trabajo. Durante la década de 1920, las actuaciones musicales en vivo de orquestas, pianistas y organistas de teatro eran comunes en los teatros de estreno. Con la llegada de las películas sonoras, esas actuaciones destacadas fueron eliminadas en gran medida. La Federación Estadounidense de Músicos (AFM, por sus siglas en inglés) publicó anuncios en los periódicos que protestaban por el reemplazo de músicos en vivo con dispositivos mecánicos para tocar. Un anuncio de 1929 que apareció en el Pittsburgh Presspresenta una imagen de una lata con la etiqueta "Música enlatada / Marca de gran ruido / Garantizado para no producir reacciones intelectuales o emocionales de ningún tipo"
Desde que se introdujo la legislación para ayudar a proteger a los artistas intérpretes o ejecutantes, compositores, editores y productores, incluida la Ley de grabación casera de audio de 1992 en los Estados Unidos, y la Convención de Berna revisada de 1979 para la protección de las obras literarias y artísticas en el Reino Unido, las grabaciones y las actuaciones en vivo también se han vuelto más accesibles a través de computadoras, dispositivos e Internet en una forma que se conoce comúnmente como Música a pedido.
En muchas culturas, hay menos distinción entre tocar y escuchar música, ya que prácticamente todo el mundo está involucrado en algún tipo de actividad musical, a menudo en un entorno comunitario. En los países industrializados, escuchar música a través de una forma grabada, como la grabación de sonido en un disco o en la radio, se volvió más común que experimentar una interpretación en vivo, aproximadamente a mediados del siglo XX. En la década de 1980, ver videos musicales era una forma popular de escuchar música y ver a los artistas.
A veces, las actuaciones en vivo incorporan sonidos pregrabados. Por ejemplo, un disc jockey usa discos para rascar, y algunas obras del siglo XX tienen un solo para un instrumento o voz que se interpreta junto con música pregrabada en una cinta. Algunas bandas de pop usan pistas de acompañamiento grabadas. Las computadoras y muchos teclados se pueden programar para producir y reproducir música de interfaz digital de instrumentos musicales (MIDI). El público también puede convertirse en artista participando en el karaoke, una actividad de origen japonés centrada en un dispositivo que reproduce versiones con voz eliminada de canciones conocidas. La mayoría de las máquinas de karaoke también tienen pantallas de video que muestran las letras de las canciones que se están interpretando; los artistas pueden seguir la letra mientras cantan sobre las pistas instrumentales.
Internet
La llegada de Internet y el acceso generalizado a la banda ancha de alta velocidad ha transformado la experiencia de la música, en parte a través de la mayor facilidad de acceso a las grabaciones de música a través de la transmisión de video y una gran variedad de opciones de música para los consumidores. Chris Anderson, en su libro The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More, sugiere que mientras el modelo económico tradicional de oferta y demanda describe la escasez, el modelo minorista de Internet se basa en la abundancia. Los costos de almacenamiento digital son bajos, por lo que una empresa puede permitirse el lujo de hacer que todo su inventario de grabaciones esté disponible en línea, brindando a los clientes tantas opciones como sea posible. Por lo tanto, se ha vuelto económicamente viable ofrecer grabaciones de música que interesan a muy pocas personas. La creciente conciencia de los consumidores sobre sus mayores opciones da como resultado una asociación más estrecha entre los gustos de escucha y la identidad social, y la creación de miles de nichos de mercado.
Otro efecto de Internet surgió con las comunidades en línea y los sitios web de medios sociales como YouTube y Facebook, un servicio de redes sociales. Estos sitios facilitan que los aspirantes a cantantes y las bandas amateur distribuyan videos de sus canciones, se conecten con otros músicos y capten el interés de la audiencia. Los músicos profesionales también utilizan YouTube como editor gratuito de material promocional. Los usuarios de YouTube, por ejemplo, ya no solo descargan y escuchan archivos MP3, sino que también crean activamente los suyos propios. Según Don Tapscott y Anthony D. Williams, en su libro Wikinomics, ha habido un cambio de un rol de consumidor tradicional a lo que ellos llaman un rol de "prosumidor", un consumidor que crea contenido y consume. Las manifestaciones de esto en la música incluyen la producción de mashes, remixes y videos musicales por parte de los fans.
Negocio
La industria de la música se refiere a los negocios relacionados con la creación y venta de música. Se compone de cantautores y compositores que crean nuevas canciones y piezas musicales, productores de música e ingenieros de sonido que graban canciones y piezas, sellos discográficos y editores que distribuyen productos de música grabada y partituras a nivel internacional y que a menudo controlan los derechos de esos productos. Algunas discográficas son "independientes", mientras que otras son subsidiarias de entidades corporativas más grandes o grupos de medios internacionales. En la década de 2000, la creciente popularidad de escuchar música como archivos de música digital en reproductores de MP3, iPods o computadoras, y de intercambiar música en sitios web para compartir archivos o comprarla en línea en forma de archivos digitales tuvo un gran impacto en la música tradicional. negocio. Muchas tiendas de CD independientes más pequeñas cerraron debido a que los compradores de música redujeron sus compras de CD, y muchas discográficas tuvieron ventas de CD más bajas. Sin embargo, a algunas empresas les fue bien con el cambio a un formato digital, como iTunes de Apple, una tienda de música en línea que vende archivos digitales de canciones a través de Internet.
Leyes de propiedad intelectual
A pesar de algunos tratados internacionales de derechos de autor, determinar qué música es de dominio público es complicado debido a la variedad de leyes nacionales de derechos de autor que pueden ser aplicables. La ley de derechos de autor de EE. UU. protegía anteriormente la música impresa publicada después de 1923 durante 28 años y con renovación por otros 28 años, pero la Ley de derechos de autor de 1976 hizo que la renovación fuera automática y la Ley de derechos de autor del milenio digital cambió el cálculo del plazo de los derechos de autor a 70 años después de la muerte. del creador El sonido grabado cae bajo licencias mecánicas, a menudo cubiertas por un mosaico confuso de leyes estatales; la mayoría de las versiones de portada tienen licencia a través de la Agencia Harry Fox. Los derechos de ejecución pueden ser obtenidos por los artistas intérpretes o ejecutantes o por el lugar de la presentación; las dos organizaciones principales para la concesión de licencias son BMI y ASCAP.
Educación
No profesional
La incorporación de alguna formación en música o canto en la educación general desde preescolar hasta la educación postsecundaria es común en América del Norte y Europa. Se cree que la participación en tocar y cantar música enseña habilidades básicas como la concentración, el conteo, la comprensión auditiva y la cooperación, al mismo tiempo que promueve la comprensión del idioma, mejora la capacidad de recordar información y crea un entorno más propicio para el aprendizaje en otras áreas.En las escuelas primarias, los niños suelen aprender a tocar instrumentos como la flauta dulce, cantar en coros pequeños y aprender sobre la historia de la música artística occidental y la música tradicional. Algunos niños de primaria también aprenden sobre estilos musicales populares. En las escuelas religiosas, los niños cantan himnos y otras músicas religiosas. En las escuelas secundarias (y menos comúnmente en las escuelas primarias), los estudiantes pueden tener la oportunidad de actuar en algunos tipos de conjuntos musicales, como coros (un grupo de cantantes), bandas de música, bandas de conciertos, bandas de jazz u orquestas. En algunos sistemas escolares, se pueden proporcionar lecciones de música sobre cómo tocar instrumentos. Algunos estudiantes también toman lecciones privadas de música después de la escuela con un profesor de canto o de instrumentos. Los músicos aficionados suelen aprender rudimentos musicales básicos (p. ej.,
A nivel universitario, los estudiantes en la mayoría de los programas de artes y humanidades pueden recibir crédito por tomar algunos cursos de música, que generalmente toman la forma de un curso general sobre la historia de la música, o un curso de apreciación musical que se enfoca en escuchar música y aprender. sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas tienen algunos tipos de conjuntos musicales en los que los estudiantes de artes y humanidades pueden participar, como coros, bandas de música, bandas de conciertos u orquestas. El estudio de la música artística occidental es cada vez más común fuera de América del Norte y Europa, como el Instituto de Artes de Indonesia en Yogyakarta, Indonesia, o los programas de música clásica que están disponibles en países asiáticos como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo,
Profesional
Las personas que aspiran a convertirse en músicos, cantantes, compositores, escritores de canciones, profesores de música y practicantes de otras profesiones relacionadas con la música, como profesores de historia de la música, ingenieros de sonido, etc., estudian en programas postsecundarios especializados ofrecidos por colegios, universidades y conservatorios de música.. Algunas instituciones que capacitan a personas para carreras musicales ofrecen capacitación en una amplia gama de profesiones, como es el caso de muchas de las mejores universidades de EE. UU., que ofrecen títulos en interpretación musical (incluidos el canto y la ejecución de instrumentos), historia de la música, composición musical, educación musical (para personas que aspiran a convertirse en profesores de música de primaria o secundaria) y, en algunos casos, dirección. Por otro lado, es posible que algunas universidades pequeñas solo ofrezcan capacitación en una sola profesión (por ejemplo, grabación de sonido).
Si bien la mayoría de los programas de música de las universidades y los conservatorios se centran en capacitar a los estudiantes en música clásica, hay varias universidades y facultades que capacitan a los músicos para carreras como músicos y compositores de jazz o música popular, con ejemplos notables en EE. UU. que incluyen la Escuela de Música de Manhattan y Berklee. Facultad de Música. Dos importantes escuelas de Canadá que ofrecen formación profesional en jazz son la Universidad McGill y el Humber College. Las personas que buscan carreras en algunos tipos de música, como la música heavy metal, la música country o el blues, tienen menos probabilidades de convertirse en profesionales al obtener títulos o diplomas en colegios o universidades. En su lugar, normalmente aprenden sobre su estilo de música cantando o tocando en muchas bandas (a menudo comenzando en bandas de aficionados, bandas de covers y bandas tributo), estudiando grabaciones disponibles en CD, DVD e Internet y trabajando con profesionales ya establecidos en su estilo de música, ya sea a través de tutorías informales o lecciones de música regulares. Desde la década de 2000, la creciente popularidad y disponibilidad de los foros de Internet y los videos instructivos de YouTube han permitido que muchos cantantes y músicos de metal, blues y géneros similares mejoren sus habilidades. Muchos cantantes de pop, rock y country entrenan informalmente con entrenadores vocales y profesores de canto.
De licenciatura
Los títulos universitarios de pregrado en música, que incluyen la Licenciatura en Música, la Licenciatura en Educación Musical y la Licenciatura en Artes (con especialización en música) suelen tardar unos cuatro años en completarse. Estos títulos brindan a los estudiantes una base en teoría musical e historia de la música, y muchos estudiantes también estudian un instrumento o aprenden técnicas de canto como parte de su programa. Los graduados de programas de pregrado en música pueden buscar empleo o continuar sus estudios en programas de posgrado en música. Los graduados de licenciatura también son elegibles para postularse a algunos programas de posgrado y escuelas profesionales fuera de la música (por ejemplo, administración pública, administración de empresas, biblioteconomía y, en algunas jurisdicciones, facultad de profesores, facultad de derecho o facultad de medicina).
Graduado
Los títulos de posgrado en música incluyen la Maestría en Música, la Maestría en Artes (en musicología, teoría musical u otro campo musical), el Doctorado en Filosofía (Ph.D.) (p. ej., en musicología o teoría musical) y, más recientemente, el Doctor en Artes Musicales, o DMA. El título de Maestría en Música, que dura de uno a dos años, generalmente se otorga a los estudiantes que estudian la interpretación de un instrumento, la educación, la voz (canto) o la composición. El título de Maestría en Artes, que se completa en uno o dos años y, a menudo, requiere una tesis, generalmente se otorga a estudiantes que estudian musicología, historia de la música, teoría de la música o etnomusicología.
El doctorado, que se requiere para los estudiantes que quieren trabajar como profesores universitarios en musicología, historia de la música o teoría de la música, toma de tres a cinco años de estudio después de la maestría, tiempo durante el cual el estudiante completará cursos avanzados y emprenderá investigaciones para una tesis. El DMA es un título relativamente nuevo que se creó para brindar una credencial a los intérpretes o compositores profesionales que desean trabajar como profesores universitarios en interpretación o composición musical. El DMA toma de tres a cinco años después de una maestría e incluye cursos avanzados, proyectos y actuaciones. En la época medieval, el estudio de la música era uno de los Quadrivium de las siete artes liberales y se consideraba vital para la educación superior. Dentro del Quadrivium cuantitativo, la música, o más precisamente los armónicos,
Musicología
La musicología, el estudio académico del tema de la música, se estudia en universidades y conservatorios de música. Las primeras definiciones del siglo XIX definieron tres subdisciplinas de la musicología: musicología sistemática, musicología histórica y musicología comparativa o etnomusicología. En la erudición de la era de 2010, es más probable encontrar una división de la disciplina en teoría de la música, historia de la música y etnomusicología. La investigación en musicología a menudo se ha enriquecido con trabajos interdisciplinarios, por ejemplo, en el campo de la psicoacústica. El estudio de la música de las culturas no occidentales y el estudio cultural de la música se denomina etnomusicología. Los estudiantes pueden realizar estudios de pregrado en musicología, etnomusicología, historia de la música y teoría de la música a través de varios tipos diferentes de títulos, incluidos títulos de licenciatura, maestría.
Teoría musical
La teoría musical es el estudio de la música, generalmente de una manera altamente técnica fuera de otras disciplinas. En términos más generales, se refiere a cualquier estudio de la música, generalmente relacionado de alguna forma con cuestiones de composición, y puede incluir matemáticas, física y antropología. Lo que se enseña más comúnmente en las clases de teoría musical para principiantes son pautas para escribir en el estilo del período de práctica común, o música tonal. La teoría, incluso de la música del período de práctica común, puede tomar muchas otras formas. La teoría de conjuntos musicales es la aplicación de la teoría de conjuntos matemática a la música, primero aplicada a la música atonal. La teoría musical especulativa, en contraste con la teoría musical analítica, se dedica al análisis y síntesis de materiales musicales, por ejemplo, sistemas de afinación, generalmente como preparación para la composición.
Zoomusicología
La zoomusicología es el estudio de la música de animales no humanos, o los aspectos musicales de los sonidos producidos por animales no humanos. Como preguntó George Herzog (1941), "¿los animales tienen música?" Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) de François-Bernard Mâche, un estudio de "ornitomusicología" utilizando una técnica de Langage, musique, poésie de Nicolas Ruwet(1972) análisis de segmentación paradigmática, muestra que los cantos de las aves se organizan de acuerdo con un principio de repetición-transformación. Jean-Jacques Nattiez (1990), sostiene que “en última instancia, es un ser humano quien decide qué es y qué no es musical, aun cuando el sonido no sea de origen humano. Si reconocemos que el sonido no está organizado y conceptualizado (es decir, hecha para formar música) simplemente por su productor, sino por la mente que la percibe, entonces la música es exclusivamente humana".
Etnomusicología
En Occidente, gran parte de la historia de la música que se enseña trata sobre la música artística de la civilización occidental, que se conoce como música clásica. La historia de la música en culturas no occidentales ("música del mundo" o el campo de la "etnomusicología"), que generalmente cubre música de África y Asia, también se enseña en universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de los países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música folclórica o indígena de varias otras culturas. Los estilos populares o folclóricos de música en los países no occidentales variaban mucho de una cultura a otra y de un período a otro. Diferentes culturas enfatizaron diferentes instrumentos, técnicas, estilos de canto y usos de la música. La música se ha utilizado para entretenimiento, ceremonias, rituales, fines religiosos y para la comunicación práctica y artística. La música no occidental también se ha utilizado con fines propagandísticos, como fue el caso de la ópera china durante la Revolución Cultural.
Hay una gran cantidad de clasificaciones musicales para la música no occidental, muchas de las cuales están atrapadas en el debate sobre la definición de música. Entre los más grandes se encuentra la división entre música clásica (o música "artística") y música popular (o música comercial, incluidos estilos no occidentales de rock, country y estilos relacionados con la música pop). Algunos géneros no encajan perfectamente en una de estas clasificaciones de "dos grandes" (como la música folclórica, la música mundial o la música relacionada con el jazz).
A medida que las culturas del mundo han entrado en mayor contacto global, sus estilos musicales autóctonos a menudo se han fusionado con otros estilos, lo que produce nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo bluegrass de los Estados Unidos contiene elementos de las tradiciones instrumentales y vocales angloirlandesas, escocesas, irlandesas, alemanas y africanas, que pudieron fusionarse en la sociedad multiétnica de los Estados Unidos. Algunos tipos de música del mundo contienen una mezcla de estilos indígenas no occidentales con elementos de la música pop occidental. Los géneros musicales están determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música real. Algunas obras, como Rhapsody in Blue de George Gershwin, son reclamadas tanto por el jazz como por la música clásica, mientras que Porgy and Bess de Gershwin y West Side Story de Leonard Bernsteinson reivindicados tanto por la ópera como por la tradición musical de Broadway. Muchos festivales de música actuales para música no occidental incluyen bandas y cantantes de un género musical en particular, como la música mundial.
La música india, por ejemplo, es uno de los tipos de música más antiguos y longevos, y todavía se escucha y se interpreta ampliamente en el sur de Asia, así como a nivel internacional (especialmente desde la década de 1960). La música india tiene principalmente tres formas de música clásica, estilos indostaní, carnático y dhrupad. También tiene un gran repertorio de estilos, que involucran solo música de percusión, como las actuaciones de talavadya famosas en el sur de la India.
Terapia
La musicoterapia es un proceso interpersonal en el que un terapeuta capacitado utiliza la música y todas sus facetas (física, emocional, mental, social, estética y espiritual) para ayudar a los clientes a mejorar o mantener su salud. En algunos casos, las necesidades del cliente se abordan directamente a través de la música; en otros, se abordan a través de las relaciones que se desarrollan entre el cliente y el terapeuta. La musicoterapia se usa con personas de todas las edades y con una variedad de condiciones, que incluyen: trastornos psiquiátricos, problemas médicos, discapacidades físicas, deficiencias sensoriales, discapacidades del desarrollo, problemas de abuso de sustancias, trastornos de comunicación, problemas interpersonales y envejecimiento. También se utiliza para mejorar el aprendizaje, desarrollar la autoestima, reducir el estrés, apoyar el ejercicio físico y facilitar una serie de otras actividades relacionadas con la salud.
En el siglo X, el filósofo Al-Farabi describió cómo la música vocal puede estimular los sentimientos y el alma de los oyentes. La música se ha utilizado durante mucho tiempo para ayudar a las personas a lidiar con sus emociones. En el siglo XVII, The Anatomy of Melancholy, del erudito Robert Burton, argumentó que la música y la danza eran fundamentales para tratar las enfermedades mentales, especialmente la melancolía. Señaló que la música tiene un "poder excelente... para expulsar muchas otras enfermedades" y la llamó "un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía". Señaló que en la Antigüedad, Cano, un violinista rodio, usó la música para "hacer feliz a un hombre melancólico,... a un amante más enamorado, a un hombre religioso más devoto". En el Imperio Otomano, las enfermedades mentales se trataban con música.En noviembre de 2006, el Dr. Michael J. Crawford y sus colegas también descubrieron que la musicoterapia ayudaba a los pacientes esquizofrénicos.
Albert Einstein tuvo un amor de toda la vida por la música (particularmente por las obras de Bach y Mozart), afirmando una vez que la vida sin tocar música sería inconcebible para él. En algunas entrevistas, Einstein incluso atribuyó gran parte de su intuición científica a la música, contando su hijo Hans que "siempre que sentía que había llegado al final del camino o en una situación difícil en su trabajo, se refugiaba en la música, y eso generalmente resolvería todas sus dificultades". Algo en la música, según Michele y Robert Root-Bernstein en Psychology Today, "guiaría sus pensamientos en direcciones nuevas y creativas".Se ha dicho que Einstein consideraba que la música de Mozart revelaba una armonía universal que Einstein creía que existía en el universo, "como si el gran Wolfgang Amadeus no hubiera 'creado' su música bellamente clara en absoluto, sino que simplemente hubiera descubierto que ya estaba hecha". Esta perspectiva es paralelo, notablemente, a las opiniones de Einstein sobre la máxima simplicidad de la naturaleza y su explicación y declaración a través de expresiones matemáticas esencialmente simples". Una revisión sugiere que la música puede ser efectiva para mejorar la calidad subjetiva del sueño en adultos con síntomas de insomnio. La música también se está utilizando en la rehabilitación clínica de trastornos cognitivos y motores.
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