Muerte de la Virgen (Caravaggio)

Muerte de la Virgen (1606) es una pintura del maestro barroco italiano Caravaggio que representa la muerte de la Virgen María. Forma parte de la colección permanente del Musée du Louvre, en París.

Historia

Cuando pintó La muerte de la Virgen (c. 1601-06), Caravaggio llevaba quince años trabajando en Roma. La pintura fue encargada por Laerzio Cherubini, un abogado papal, para su capilla en la iglesia carmelita de Santa Maria della Scala en Trastevere, Roma; la pintura no pudo haberse terminado antes de 1605-06. La representación de la Muerte de la Virgen causó revuelo en la época y fue rechazada por la parroquia por considerarla inadecuada.

Giulio Mancini pensó que Caravaggio modeló a una prostituta, posiblemente su amante, como la Virgen. Giovanni Baglione y Gian Pietro Bellori atribuyeron el rechazo a la aparición de la Virgen. La violación del decoro provocó el rechazo del cuadro por parte de los padres de Santa María della Scala y su sustitución por un cuadro de Carlo Saraceni, un seguidor cercano de Caravaggio.

Por recomendación de Peter Paul Rubens, quien la elogió como una de las mejores obras de Caravaggio, la pintura fue comprada por Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua. Giovanni Magni, embajador del duque, expuso brevemente el cuadro en su casa de la Via del Corso, entre el 1 y el 7 de abril de 1607. La copia estaba absolutamente prohibida.

La colección del duque fue vendida a Carlos I de Inglaterra en 1627. Después de su ejecución, la Commonwealth inglesa puso su colección a la venta en 1649, y la pintura fue comprada por Everhard Jabach, quien en 1671 la vendió a Luis XIV para la Colección Real Francesa, que después de la Revolución Francesa pasó a ser propiedad del Estado. Hoy cuelga en el Louvre. Antes de salir de Roma, estuvo expuesta en la Academia de Pintores durante menos de dos semanas. Sin embargo, Caravaggio había huido de Roma para entonces y nunca regresó públicamente. (Durante una de sus frecuentes peleas en Roma, el voluble e impulsivo Caravaggio había matado a un hombre, Ranuccio Tomassoni, en una pelea con espadas después de un partido de tenis).

Descripción

La pintura recuerda el Entierro de Caravaggio en el Vaticano por su alcance, sobriedad y naturalismo fotográfico. Las figuras son casi de tamaño natural. María yace reclinada, vestida con un sencillo vestido rojo. La cabeza inclinada, el brazo colgando, los pies hinchados y abiertos representan una visión cruda y realista de los restos mortales de la Virgen. Caravaggio abandona por completo la iconografía utilizada tradicionalmente para indicar la santidad de la Virgen. En este cuerpo desechado no queda nada de la representación respetuosa que se encuentra en las pinturas devocionales.

Composición

La composición se organiza en torno a la Virgen, tema central del cuadro. Rodeando a la Virgen se ven vencidas María Magdalena y los apóstoles. Otros se acercan detrás de ellos. La masa compacta del conjunto y las posturas de las figuras guían la mirada del espectador hacia el cuerpo abandonado. Expresa el mayor dolor de los primeros no con un rostro más emotivo, sino ocultando sus rostros. A Caravaggio, maestro de los lienzos desolados y oscuros, no le interesa un ejercicio manierista que capture una variedad de emociones. En cierto modo, se trata de un duelo silencioso, no es un velorio para los que lloran. Los sollozos se producen en un silencio emocional sin rostro. La santidad de la Virgen se descubre por su aureola filiforme. Suprimiendo todo detalle anecdótico, Caravaggio confiere a esta tenue escena una extraordinaria monumentalidad a través de la sola presencia de estas figuras y la intensidad de sus emociones. El cortinaje teatral de tela color rojo sangre se alza en la parte superior del lienzo; un motivo común en la pintura de deposiciones, que aquí se utiliza para realzar el efecto dramático de la escena.

Uso de luces y sombras

El pintor hace uso de los matices de luces y sombras para modelar los volúmenes de los objetos, figuras y vestimentas. Pero sobre todo acentúa, a través de este proceso, la presencia física de la Virgen, iluminada por una luz deslumbrante. El artista crea la ilusión de profundidad a través de una serie de áreas más claras: desde la nuca de María Magdalena en primer plano, la mirada penetra más profundamente en la pintura, pasando del rostro de María a las manos y cabezas. de los apóstoles.

Tratamiento del tema

Esta pintura se completó en un momento en que el dogma de la Asunción de María aún no había sido enunciado formalmente ex cátedra por el Papa, pero había ido ganando terreno durante algunos siglos. El Papa Pío XII, en su constitución apostólica Munificentissimus Deus (1950), que definió dogmáticamente la Asunción, dejó abierta la cuestión de si María realmente sufrió o no la muerte en relación con su partida, pero alude a la hecho de su muerte al menos cinco veces. El Nuevo Testamento no menciona el asunto en absoluto. Cómo dejó este mundo es y, por lo tanto, no fue una cuestión de dogma católico, aunque en el siglo XVII la creencia convencional entre los católicos era que se la suponía viva, como se muestra en la gran mayoría de las pinturas contemporáneas sobre el tema. Para entonces, la mayoría creía que no sentía dolor ni enfermedad, y que asumida estaba sana, aunque envejecida, en cuerpo y alma antes de la "muerte". Sin embargo, durante una audiencia general el 25 de junio de 1997, el Papa Juan Pablo II afirmó que María experimentó efectivamente la muerte natural antes de su asunción al cielo.

La pintura de Caravaggio es la última obra de arte católica importante en la que María está claramente muerta. Caravaggio no representa una suposición sino su muerte. La figura, como la de casi todos los Supuestos del Renacimiento y el Barroco, parece mucho más joven que una mujer de unos 50 años o más; Las representaciones medievales de la muerte eran a menudo más realistas a este respecto.

Influencia

Esta pintura ilustra la revolución iconográfica y formal que Caravaggio instigó a finales del siglo XVI y principios del XVII. Alejándose de la preciosa y afectada moda manierista, el artista inauguró un estilo franco, robusto y enérgico. Asumió la tarea de traducir la realidad y las emociones de las personas sin preocuparse por las convenciones de las representaciones de lo sagrado. Su impacto en la evolución de las concepciones pictóricas en el siglo XVII fue considerable.