Movimiento de artes y oficios

El movimiento de artes y oficios fue una tendencia internacional en las bellas artes y la decoración que se desarrolló más temprana y plenamente en las Islas Británicas y posteriormente se extendió por todo el Imperio Británico y el resto de Europa y América.

Iniciado como reacción contra el empobrecimiento percibido de las artes decorativas y las condiciones en las que se producían, el movimiento floreció en Europa y América del Norte entre 1880 y 1920. Es la raíz del estilo moderno, la expresión británica de lo que vino más tarde. llamarse el movimiento Art Nouveau, al que influyó fuertemente. En Japón surgió en la década de 1920 como el movimiento Mingei. Representaba la artesanía tradicional y, a menudo, utilizaba estilos de decoración medievales, románticos o folclóricos. Abogaba por la reforma económica y social y era antiindustrial en su orientación. Tuvo una fuerte influencia en las artes en Europa hasta que fue desplazado por el Modernismo en la década de 1930, y su influencia continuó entre los artesanos, diseñadores y urbanistas mucho tiempo después.

El término fue utilizado por primera vez por TJ Cobden-Sanderson en una reunión de la Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios en 1887, aunque los principios y el estilo en los que se basa se han estado desarrollando en Inglaterra durante al menos 20 años. Se inspiró en las ideas del arquitecto Augustus Pugin, el escritor John Ruskin y el diseñador William Morris. En Escocia se asocia con figuras clave como Charles Rennie Mackintosh.

Orígenes e influencias

Reforma de diseño

El movimiento Arts and Crafts surgió del intento de reformar el diseño y la decoración a mediados del siglo XIX en Gran Bretaña. Fue una reacción contra una disminución percibida en los estándares que los reformadores asociaron con la maquinaria y la producción industrial. Su crítica se agudizó por las piezas que vieron en la Gran Exposición de 1851, que consideraron excesivamente ornamentadas, artificiales e ignorantes de las cualidades de los materiales utilizados. El historiador de arte Nikolaus Pevsner escribe que las exhibiciones mostraban "ignorancia de esa necesidad básica en la creación de patrones, la integridad de la superficie", además de mostrar "vulgaridad en los detalles". La reforma del diseño comenzó con los organizadores de la exposición Henry Cole (1808–1882), Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) y Richard Redgrave (1804–1888),todos los cuales desaprobaban el adorno excesivo y las cosas poco prácticas o mal hechas. Los organizadores fueron "unánimes en su condena de las exhibiciones". Owen Jones, por ejemplo, se quejaba de que "el arquitecto, el tapicero, el teñidor de papel, el tejedor, el impresor de percal y el alfarero" producían "novedad sin belleza, o belleza sin inteligencia". De estas críticas a los productos manufacturados surgieron varias publicaciones que exponían lo que los escritores consideraban los principios correctos del diseño. El Informe complementario sobre diseño de Richard Redgrave (1852) analizó los principios del diseño y la ornamentación y abogó por "más lógica en la aplicación de la decoración". Otros trabajos siguieron en una vena similar, como Wyatt'Artes industriales del siglo XIX (1853), Wissenschaft, Industrie und Kunst ("Ciencia, industria y arte") de Gottfried Semper (1852), Análisis del ornamento de Ralph Wornum (1856), Manual de diseño de Redgrave (1876) y Gramática de Jones de Ornamento (1856). La Gramática del Ornamento fue particularmente influyente, se distribuyó generosamente como un premio para estudiantes y tuvo nueve reimpresiones en 1910.

Jones declaró que el adorno "debe ser secundario a la cosa decorada", que debe haber "adecuación en el adorno a la cosa ornamentada", y que los papeles pintados y las alfombras no deben tener ningún patrón "que sugiera algo más que un nivel o plano". Una tela o papel tapiz en la Gran Exposición podría estar decorado con un motivo natural hecho para parecer lo más real posible, mientras que estos escritores abogaban por motivos naturales planos y simplificados. Redgrave insistió en que el "estilo" exigía una construcción sólida antes que la ornamentación y una conciencia adecuada de la calidad de los materiales utilizados. " La utilidad debe tener precedencia sobre la ornamentación".

Sin embargo, los reformadores del diseño de mediados del siglo XIX no fueron tan lejos como los diseñadores del movimiento Arts and Crafts. Estaban más preocupados por la ornamentación que por la construcción, tenían una comprensión incompleta de los métodos de fabricación y no criticaban los métodos industriales como tales. Por el contrario, el movimiento Arts and Crafts fue tanto un movimiento de reforma social como de reforma del diseño, y sus principales practicantes no separaron a los dos.

AWN-Pugin

Algunas de las ideas del movimiento fueron anticipadas por AWN Pugin (1812–1852), un líder en el renacimiento gótico en la arquitectura. Por ejemplo, abogó por la verdad del material, la estructura y la función, al igual que los artistas de Arts and Crafts. Pugin articuló la tendencia de los críticos sociales a comparar las fallas de la sociedad moderna con la Edad Media, como el crecimiento descontrolado de las ciudades y el trato a los pobres, una tendencia que se convirtió en rutina con Ruskin, Morris y el movimiento Arts and Crafts. Su libro Contrastes(1836) extrajo ejemplos de malos edificios y urbanismo modernos en contraste con buenos ejemplos medievales, y su biógrafa Rosemary Hill señala que "llegó a conclusiones, casi de pasada, sobre la importancia de la artesanía y la tradición en la arquitectura que se llevaría el resto". del siglo y los esfuerzos combinados de Ruskin y Morris para trabajar en detalle". Ella describe los muebles de repuesto que especificó para un edificio en 1841, "sillas de junco, mesas de roble", como "el interior de Arts and Crafts en embrión".

Juan Ruskin

La filosofía Arts and Crafts se derivó en gran medida de la crítica social de John Ruskin, profundamente influenciada por el trabajo de Thomas Carlyle. Ruskin relacionó la salud moral y social de una nación con las cualidades de su arquitectura y con la naturaleza de su trabajo. Ruskin consideró que el tipo de producción mecanizada y división del trabajo que se había creado en la revolución industrial era "trabajo servil", y pensó que una sociedad sana y moral requería trabajadores independientes que diseñaran las cosas que fabricaban. Creía que los trabajos hechos en fábrica eran "deshonestos" y que el trabajo manual y la artesanía fusionaban la dignidad con el trabajo.Sus seguidores favorecían la producción artesanal sobre la fabricación industrial y estaban preocupados por la pérdida de las habilidades tradicionales, pero estaban más preocupados por los efectos del sistema fabril que por la maquinaria misma. La idea de "artesanía" de William Morris era esencialmente trabajo sin división del trabajo en lugar de trabajo sin ningún tipo de maquinaria.

William morris

William Morris (1834–1896) fue la figura destacada del diseño de finales del siglo XIX y la principal influencia en el movimiento Arts and Crafts. La visión estética y social del movimiento surgió de las ideas que desarrolló en la década de 1850 con el Birmingham Set, un grupo de estudiantes de la Universidad de Oxford que incluía a Edward Burne-Jones, que combinaba el amor por la literatura romántica con un compromiso social. reforma. John William Mackail señala que "el pasado y el presente de Carlyle estuvieron al lado de los pintores modernos [de Ruskin] como una verdad inspirada y absoluta". El medievalismo de la Morte d'Arthur de Malory estableció el estándar para su estilo temprano. En palabras de Burne-Jones, tenían la intención de "librar una guerra santa contra la era".

Morris comenzó a experimentar con varias artesanías y a diseñar muebles e interiores. Participó personalmente en la fabricación y el diseño, que era el sello distintivo del movimiento Arts and Crafts. Ruskin había argumentado que la separación del acto intelectual de diseño del acto manual de creación física era social y estéticamente dañina. Morris desarrolló aún más esta idea, insistiendo en que no se debe realizar ningún trabajo en sus talleres antes de haber dominado personalmente las técnicas y los materiales apropiados, argumentando que "sin una ocupación humana digna y creativa, las personas se desconectan de la vida".

En 1861, Morris comenzó a fabricar muebles y objetos decorativos comercialmente, modelando sus diseños en estilos medievales y utilizando formas atrevidas y colores fuertes. Sus patrones se basaban en la flora y la fauna, y sus productos se inspiraban en las tradiciones vernáculas o domésticas de la campiña británica. Algunos se dejaron deliberadamente sin terminar para mostrar la belleza de los materiales y el trabajo del artesano, creando así una apariencia rústica. Morris se esforzó por unir todas las artes dentro de la decoración del hogar, enfatizando la naturaleza y la simplicidad de las formas.

Principios sociales y de diseño.

A diferencia de sus contrapartes en los Estados Unidos, la mayoría de los practicantes de Artes y Oficios en Gran Bretaña tenían sentimientos negativos fuertes, ligeramente incoherentes, sobre la maquinaria. Pensaron en 'el artesano' como libre, creativo y trabajando con sus manos, 'la máquina' como sin alma, repetitiva e inhumana. Estas imágenes contrastantes se derivan en parte de The Stones of Venice de John Ruskin (1819-1900), una historia arquitectónica de Venecia que contiene una poderosa denuncia del industrialismo moderno al que los diseñadores de Arts and Crafts regresaron una y otra vez. La desconfianza hacia la máquina estaba detrás de los muchos pequeños talleres que dieron la espalda al mundo industrial alrededor de 1900, utilizando técnicas preindustriales para crear lo que llamaron 'artesanía'.- Alan Crawford, "WAS Benson, Maquinaria y el Movimiento de Artes y Oficios en Gran Bretaña"

Crítica de la industria

William Morris compartió la crítica de Ruskin a la sociedad industrial y en un momento u otro atacó la fábrica moderna, el uso de maquinaria, la división del trabajo, el capitalismo y la pérdida de los métodos artesanales tradicionales. Pero su actitud hacia la maquinaria era inconsistente. Dijo en un momento que la producción con maquinaria era "completamente un mal", pero en otras ocasiones estaba dispuesto a encargar el trabajo a los fabricantes que pudieran cumplir con sus estándares con la ayuda de máquinas. Morris dijo que en una "verdadera sociedad", donde no se fabrican lujos ni basura barata, la maquinaria se puede mejorar y utilizar para reducir las horas de trabajo. Fiona MacCarthy dice que "a diferencia de los fanáticos posteriores como Gandhi, William Morris no tenía objeciones prácticas al uso de maquinaria per se.siempre y cuando las máquinas produjeran la calidad que necesitaba".

Morris insistió en que el artista debería ser un artesano-diseñador que trabajara a mano y abogó por una sociedad de artesanos libres, como creía que había existido durante la Edad Media. "Debido a que los artesanos disfrutaban de su trabajo", escribió, "la Edad Media fue un período de grandeza en el arte de la gente común... Los tesoros de nuestros museos ahora son solo los utensilios comunes utilizados en los hogares de esa época., cuando cientos de iglesias medievales, cada una de ellas una obra maestra, fueron construidas por campesinos sin sofisticación". El arte medieval fue el modelo para gran parte del diseño de Arts and Crafts, y el movimiento idealizó la vida, la literatura y la construcción medievales.

Los seguidores de Morris también tenían puntos de vista diferentes sobre la maquinaria y el sistema fabril. Por ejemplo, C. R. Ashbee, una figura central en el movimiento Arts and Crafts, dijo en 1888 que "no rechazamos la máquina, le damos la bienvenida. Pero desearíamos verla dominada". Después de enfrentar sin éxito a su Gremio y Escuela de Artesanía contra los métodos modernos de fabricación, reconoció que "la civilización moderna se basa en la maquinaria", pero continuó criticando los efectos nocivos de lo que llamó "mecanismo", diciendo que "la producción de ciertos productos mecánicos es tan malo para la salud nacional como lo es la producción de caña cultivada por esclavos o artículos sudados por niños". William Arthur Smith Benson, por otro lado, no tuvo reparos en adaptar el estilo Arts and Crafts al trabajo en metal producido en condiciones industriales. (Ver cuadro de cotización).

Morris y sus seguidores creían que la división del trabajo de la que dependía la industria moderna no era deseable, pero la medida en que el diseñador debería llevar a cabo cada diseño era un tema de debate y desacuerdo. No todos los artistas de Arts and Crafts llevaron a cabo todas las etapas de la fabricación de los productos por sí mismos, y fue solo en el siglo XX que eso se volvió esencial para la definición de artesanía. Aunque Morris era famoso por adquirir experiencia práctica en muchos oficios (incluidos el tejido, el teñido, la impresión, la caligrafía y el bordado), no consideró que la separación del diseñador y el ejecutor en su fábrica fuera problemática. Walter Crane, un socio político cercano de Morris, tenía una visión poco comprensiva de la división del trabajo tanto por motivos morales como artísticos. y defendió firmemente que el diseño y la fabricación deben venir de la misma mano. Lewis Foreman Day, amigo y contemporáneo de Crane, tan generoso como Crane en su admiración por Morris, estaba en total desacuerdo con Crane. Pensó que la separación de diseño y ejecución no solo era inevitable en el mundo moderno, sino también que solo ese tipo de especialización permitía lo mejor en diseño y lo mejor en fabricación. Pocos de los fundadores de la Arts and Crafts Exhibition Society insistieron en que el diseñador también debería ser el creador. Peter Floud, escribiendo en la década de 1950, dijo que "Los fundadores de la Sociedad... nunca ejecutaron sus propios diseños, sino que invariablemente los entregaron a firmas comerciales". La idea de que el diseñador debe ser el hacedor y el hacedor el diseñador deriva "no de Morris o de las primeras enseñanzas de Artes y Oficios, sino más bien de la doctrina de la elaboración de segunda generación elaborada en la primera década del siglo [xx] por hombres como como WR Lethaby".

Socialismo

Muchos de los diseñadores del movimiento Arts and Crafts eran socialistas, incluidos Morris, TJ Cobden Sanderson, Walter Crane, CR Ashbee, Philip Webb, Charles Faulkner y AH Mackmurdo. A principios de la década de 1880, Morris dedicaba más tiempo a promover el socialismo que a diseñar y fabricar. Ashbee estableció una comunidad de artesanos llamada Guild of Handicraft en el este de Londres, y luego se mudó a Chipping Campden. Aquellos adherentes que no eran socialistas, como Alfred Hoare Powell, abogaban por una relación más humana y personal entre empleador y empleado. Lewis Foreman Day fue otro exitoso e influyente diseñador de Arts and Crafts que no era socialista, a pesar de su larga amistad con Crane.

Asociación con otros movimientos de reforma

En Gran Bretaña, el movimiento se asoció con la reforma del vestido, el ruralismo, el movimiento de la ciudad jardín y el renacimiento de la canción popular. Todos estaban vinculados, en algún grado, por el ideal de "la Vida Sencilla". En Europa continental, el movimiento se asoció con la preservación de las tradiciones nacionales en la construcción, las artes aplicadas, el diseño doméstico y el vestuario.

Desarrollo

Los diseños de Morris rápidamente se hicieron populares y atrajeron el interés cuando el trabajo de su compañía se exhibió en la Exposición Internacional de 1862 en Londres. Gran parte del trabajo inicial de Morris & Co fue para iglesias y Morris ganó importantes encargos de diseño de interiores en el Palacio de St James y el Museo de South Kensington (ahora el Museo Victoria and Albert). Más tarde, su trabajo se hizo popular entre las clases media y alta, a pesar de su deseo de crear un arte democrático, y a fines del siglo XIX, el diseño Arts and Crafts en casas e interiores domésticos era el estilo dominante en Gran Bretaña, copiado en productos hechos por métodos industriales convencionales.

La difusión de las ideas de Arts and Crafts durante finales del siglo XIX y principios del XX resultó en el establecimiento de muchas asociaciones y comunidades artesanales, aunque Morris tuvo poco que ver con ellas debido a su preocupación por el socialismo en ese momento. Ciento treinta organizaciones de Artes y Oficios se formaron en Gran Bretaña, la mayoría entre 1895 y 1905.

En 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler y otros iniciaron la Home Arts and Industries Association para alentar a las clases trabajadoras, especialmente a las de las áreas rurales, a dedicarse a la artesanía bajo supervisión, sin fines de lucro, sino para brindarles herramientas útiles. ocupaciones y mejorar su gusto. En 1889 contaba con 450 clases, 1.000 profesores y 5.000 alumnos.

En 1882, el arquitecto AHMackmurdo formó Century Guild, una asociación de diseñadores que incluía a Selwyn Image, Herbert Horne, Clement Heaton y Benjamin Creswick.

En 1884, el Art Workers Guild fue iniciado por cinco jóvenes arquitectos, William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney y Gerald C. Horsley, con el objetivo de unir las bellas artes y las artes aplicadas y elevar el estatus de estas últimas. Fue dirigida originalmente por George Blackall Simonds. En 1890, el gremio tenía 150 miembros, lo que representaba el creciente número de practicantes del estilo Arts and Crafts. Todavía existe.

Los grandes almacenes londinenses Liberty & Co., fundados en 1875, eran un destacado minorista de productos del estilo y de la "vestimenta artística" favorecida por los seguidores del movimiento Arts and Crafts.

En 1887, la Arts and Crafts Exhibition Society, que dio su nombre al movimiento, se formó con Walter Crane como presidente y celebró su primera exposición en la New Gallery de Londres en noviembre de 1888. Fue la primera muestra de artes decorativas contemporáneas en Londres desde la Exposición de Invierno de Grosvenor Gallery de 1881. Morris & Co. estuvo bien representada en la exposición con muebles, telas, alfombras y bordados. Edward Burne-Jones observó, "aquí por primera vez se puede medir un poco el cambio que ha ocurrido en los últimos veinte años". La sociedad todavía existe como la Sociedad de Diseñadores Artesanos.

En 1888, CRAshbee, uno de los principales practicantes del estilo en Inglaterra, fundó Guild and School of Handicraft en el East End de Londres. El gremio era una cooperativa artesanal inspirada en los gremios medievales y tenía la intención de dar satisfacción a los trabajadores en su artesanía. Los artesanos expertos, que trabajaban según los principios de Ruskin y Morris, debían producir artículos hechos a mano y administrar una escuela para aprendices. La idea fue recibida con entusiasmo por casi todos excepto por Morris, quien ahora estaba involucrado en la promoción del socialismo y pensó que el plan de Ashbee era trivial. De 1888 a 1902, el gremio prosperó y empleó a unos 50 hombres. En 1902, Ashbee trasladó el gremio fuera de Londres para comenzar una comunidad experimental en Chipping Campden en los Cotswolds. El trabajo del gremio se caracteriza por superficies lisas de plata martillada, Alambre fluido y piedras de colores en ambientes sencillos. Ashbee diseñó joyas y vajillas de plata. El gremio floreció en Chipping Camden pero no prosperó y fue liquidado en 1908. Algunos artesanos se quedaron, contribuyendo a la tradición de la artesanía moderna en el área.

CFA Voysey (1857–1941) fue un arquitecto de artes y oficios que también diseñó telas, azulejos, cerámica, muebles y trabajos en metal. Su estilo combinó la sencillez con la sofisticación. Sus papeles pintados y textiles, con formas estilizadas de aves y plantas en contornos audaces con colores planos, se utilizaron ampliamente.

El pensamiento de Morris influyó en el distributismo de GK Chesterton e Hilaire Belloc.

A finales del siglo XIX, los ideales de las artes y los oficios habían influido en la arquitectura, la pintura, la escultura, la gráfica, la ilustración, la elaboración de libros y la fotografía, el diseño doméstico y las artes decorativas, incluidos muebles y carpintería, vidrieras, marroquinería, encajes, bordados, fabricación y tejido de alfombras, joyería y orfebrería, esmaltado y cerámica. En 1910, había una moda para las "Artes y oficios" y todo lo hecho a mano. Hubo una proliferación de artesanías de aficionados de calidad variable y de imitadores incompetentes que hicieron que el público considerara a Arts and Crafts como "algo menos, en lugar de más, competente y adecuado para un propósito que un artículo ordinario producido en masa".

La Sociedad de Exposiciones de Artes y Oficios realizó once exposiciones entre 1888 y 1916. Al estallar la guerra en 1914, estaba en declive y enfrentaba una crisis. Su exposición de 1912 había sido un fracaso financiero. Mientras los diseñadores de Europa continental innovaban en el diseño y se aliaban con la industria a través de iniciativas como Deutsche Werkbund y en Gran Bretaña los Talleres Omega y la Asociación de Diseño en Industrias tomaban nuevas iniciativas, la Sociedad de Exhibición de Artes y Oficios, ahora bajo la dirección de control de una vieja guardia, se estaba retirando del comercio y la colaboración con los fabricantes hacia el trabajo manual purista y lo que Tania Harrod describe como "desmercantilización". Su rechazo de un papel comercial se ha visto como un punto de inflexión en su fortuna. Nikolaus Pevsner en su libroPioneers of Modern Design presenta el movimiento Arts and Crafts como radicales de diseño que influyeron en el movimiento moderno, pero no lograron cambiar y finalmente fueron reemplazados por él.

Influencias posteriores

El artista ceramista británico Bernard Leach trajo a Inglaterra muchas ideas que había desarrollado en Japón con el crítico social Yanagi Soetsu sobre el valor moral y social de las artesanías simples; ambos eran lectores entusiastas de Ruskin. Leach fue un activo propagandista de estas ideas, que tocaron la fibra sensible de los practicantes de los oficios en los años de entreguerras, y las expuso en A Potter's Book, publicado en 1940, que denunciaba la sociedad industrial en términos tan vehementes como los de Ruskin. y Morris. Así, la filosofía Arts and Crafts se perpetuó entre los artesanos británicos en las décadas de 1950 y 1960, mucho después de la desaparición del movimiento Arts and Crafts y en la marea alta del Modernismo. Los muebles utilitarios británicos de la década de 1940 también se derivaron de los principios de Arts and Crafts.Uno de sus principales promotores, Gordon Russell, presidente del Panel de Diseño de Muebles Utilitarios, estaba imbuido de ideas de Artes y Oficios. Fabricó muebles en Cotswold Hills, una región de fabricación de muebles Arts and Crafts desde Ashbee, y fue miembro de la Arts and Crafts Exhibition Society. La biógrafa de William Morris, Fiona MacCarthy, detectó la filosofía Arts and Crafts incluso detrás del Festival of Britain (1951), la obra del diseñador Terence Conran (n. 1931) y la fundación del British Crafts Council en la década de 1970.

Por región

Las islas britanicas

Escocia

Los comienzos del movimiento Arts and Crafts en Escocia se encuentran en el renacimiento de las vidrieras de la década de 1850, iniciado por James Ballantine (1808–1877). Sus principales obras incluyeron la gran ventana oeste de la Abadía de Dunfermline y el esquema de la Catedral de St. Giles, Edimburgo. En Glasgow fue iniciado por Daniel Cottier (1838-1891), quien probablemente había estudiado con Ballantine, y fue influenciado directamente por William Morris, Ford Madox Brown y John Ruskin. Sus obras clave incluyeron el Bautismo de Cristo en Paisley Abbey, (c. 1880). Sus seguidores incluyeron a Stephen Adam y su hijo del mismo nombre.El diseñador y teórico nacido en Glasgow Christopher Dresser (1834-1904) fue uno de los primeros y más importantes diseñadores independientes, una figura fundamental en el Movimiento Estético y un importante contribuyente al movimiento anglo-japonés aliado. El movimiento tuvo un "florecimiento extraordinario" en Escocia, donde estuvo representado por el desarrollo del 'Glasgow Style', que se basó en el talento de la Escuela de Arte de Glasgow. El renacimiento celta se afianzó aquí y se popularizaron motivos como la rosa de Glasgow. Charles Rennie Mackintosh (1868–1928) y la Escuela de Arte de Glasgow influirían en otros en todo el mundo.

Gales

La situación en Gales era diferente a la del resto del Reino Unido. En lo que respecta a la artesanía, Arts and Crafts fue una campaña de avivamiento. Pero en Gales, al menos hasta la Primera Guerra Mundial, aún existía una genuina tradición artesanal. Los materiales locales, piedra o arcilla, se siguieron utilizando de forma habitual.

Escocia se hizo conocida en el movimiento Arts and Crafts por sus vidrieras; Gales se haría conocido por su cerámica. A mediados del siglo XIX, los pesados ​​vidriados de sal utilizados durante generaciones por los artesanos locales habían pasado de moda, sobre todo porque la cerámica producida en masa reducía los precios. Pero el Movimiento de Artes y Oficios trajo una nueva apreciación a su trabajo. Horace W Elliot, un galerista inglés, visitó Ewenny Pottery (que data del siglo XVII) en 1885, tanto para encontrar piezas locales como para fomentar un estilo compatible con el movimiento. Las piezas que trajo a Londres durante los siguientes veinte años revivieron el interés por el trabajo de la cerámica galesa.

Un promotor clave del movimiento Arts and Crafts en Gales fue Owen Morgan Edwards. Edwards fue un político reformador dedicado a renovar el orgullo galés al exponer a su gente a su propio idioma e historia. Para Edwards, "no hay nada que Gales requiera más que una educación en artes y oficios". – aunque Edwards estaba más inclinado a resucitar el nacionalismo galés que a admirar los esmaltes o la integridad rústica.

En arquitectura, Clough Williams-Ellis buscó renovar el interés en la construcción antigua, reviviendo la construcción de "tierra apisonada" o pisé [1] en Gran Bretaña.

Irlanda

El movimiento se extendió a Irlanda, representando un momento importante para el desarrollo cultural de la nación, una contraparte visual del renacimiento literario de la misma época y fue una publicación del nacionalismo irlandés. El uso de vidrieras en Arts and Crafts fue popular en Irlanda, con Harry Clarke como el artista más conocido y también con Evie Hone. La arquitectura del estilo está representada por la Capilla Honan (1916) en la ciudad de Cork en los terrenos del University College Cork.Otros arquitectos que ejercieron en Irlanda incluyeron a Sir Edwin Lutyens (Heywood House en Co. Laois, Lambay Island y Irish National War Memorial Gardens en Dublín) y Frederick 'Pa' Hicks (edificios y torre redonda del castillo de Malahide). Los motivos celtas irlandeses fueron populares en el movimiento en platería, diseño de alfombras, ilustraciones de libros y muebles tallados a mano.

Continente europeo

En Europa continental, el renacimiento y la preservación de los estilos nacionales fue un motivo importante de los diseñadores de Arts and Crafts; por ejemplo, en Alemania, después de la unificación en 1871 bajo el impulso del Bund für Heimatschutz (1897) y el Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerkfundada en 1898 por Karl Schmidt; y en Hungría, Károly Kós revivió el estilo vernáculo de la construcción de Transilvania. En Europa central, donde varias nacionalidades diversas vivieron bajo imperios poderosos (Alemania, Austria-Hungría y Rusia), el descubrimiento de la lengua vernácula se asoció con la afirmación del orgullo nacional y la lucha por la independencia y, mientras que para los practicantes de Artes y Oficios en Gran Bretaña el estilo ideal había que buscarlo en la Edad Media, en Europa central se buscaba en pueblos campesinos remotos.

Ampliamente exhibido en Europa, la simplicidad del estilo Arts and Crafts inspiró a diseñadores como Henry van de Velde y estilos como el Art Nouveau, el grupo holandés De Stijl, la Secesión de Viena y, finalmente, el estilo Bauhaus. Pevsner consideró el estilo como un preludio del Modernismo, que usaba formas simples sin ornamentación.

La primera actividad de Arts and Crafts en Europa continental fue en Bélgica alrededor de 1890, donde el estilo inglés inspiró a artistas y arquitectos como Henry Van de Velde, Gabriel Van Dievoet, Gustave Serrurier-Bovy y un grupo conocido como La Libre Esthétique (Estética libre)..

Los productos Arts and Crafts fueron admirados en Austria y Alemania a principios del siglo XX y, bajo su inspiración, el diseño avanzó rápidamente mientras se estancaba en Gran Bretaña.El Wiener Werkstätte, fundado en 1903 por Josef Hoffmann y Koloman Moser, estuvo influenciado por los principios de Arts and Crafts de la "unidad de las artes" y lo hecho a mano. La Deutscher Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos) se formó en 1907 como una asociación de artistas, arquitectos, diseñadores e industriales para mejorar la competitividad global de las empresas alemanas y se convirtió en un elemento importante en el desarrollo de la arquitectura moderna y el diseño industrial a través de su promoción. de producción estandarizada. Sin embargo, sus principales miembros, van de Velde y Hermann Muthesius, tenían opiniones encontradas sobre la estandarización. Muthesius creía que era esencial que Alemania se convirtiera en una nación líder en comercio y cultura. Van de Velde, que representa una actitud más tradicional de artes y oficios,

En Finlandia, Herman Gesellius, Armas Lindgren y Eliel Saarinen diseñaron una colonia de artistas idealistas en Helsinki, quienes trabajaron en el estilo romántico nacional, similar al renacimiento gótico británico.

En Hungría, bajo la influencia de Ruskin y Morris, un grupo de artistas y arquitectos, incluidos Károly Kós, Aladár Körösfői-Kriesch y Ede Toroczkai Wigand, descubrieron el arte popular y la arquitectura vernácula de Transilvania. Muchos de los edificios de Kós, incluidos los del zoológico de Budapest y la finca Wekerle en la misma ciudad, muestran esta influencia.

En Rusia, Viktor Hartmann, Viktor Vasnetsov, Yelena Polenova y otros artistas asociados con Abramtsevo Colony buscaron revivir la calidad de las artes decorativas rusas medievales de manera bastante independiente del movimiento en Gran Bretaña.

En Islandia, el trabajo de Sölvi Helgason muestra la influencia de Arts and Crafts.

América del norte

En los Estados Unidos, el estilo Arts and Crafts inició una variedad de intentos de reinterpretar los ideales europeos de Arts and Crafts para los estadounidenses. Estos incluyeron la arquitectura, muebles y otras artes decorativas de estilo "Craftsman", como los diseños promovidos por Gustav Stickley en su revista, The Craftsman y los diseños producidos en el campus de Roycroft como se publicita en The Fra de Elbert Hubbard. Ambos hombres usaron sus revistas como un vehículo para promocionar los productos producidos con el taller Craftsman en Eastwood, NY y el campus Roycroft de Elbert Hubbard en East Aurora, NY. Una gran cantidad de imitadores de los muebles de Stickley (cuyos diseños a menudo se etiquetan erróneamente como "Estilo de la misión") incluyeron tres empresas establecidas por sus hermanos.

Los términos American Craftsman o Craftsman style se utilizan a menudo para denotar el estilo de arquitectura, diseño de interiores y artes decorativas que prevaleció entre las eras dominantes del Art Nouveau y el Art Deco en los EE. UU., o aproximadamente el período de 1910 a 1925. El movimiento fue particularmente notable por las oportunidades profesionales que abrió para las mujeres como artesanas, diseñadoras y empresarias que fundaron y dirigieron, o fueron empleadas por, empresas tan exitosas como Kalo Shops, Pewabic Pottery, Rookwood Pottery y Tiffany Studios. En Canadá predomina el término Arts and Crafts, pero también se reconoce Craftsman.

Mientras que los europeos intentaron recrear las artesanías virtuosas reemplazadas por la industrialización, los estadounidenses intentaron establecer un nuevo tipo de virtud para reemplazar la producción artesanal heroica: hogares de clase media bien decorados. Afirmaron que la estética simple pero refinada de las artes decorativas Arts and Crafts ennoblecería la nueva experiencia del consumismo industrial, haciendo que los individuos sean más racionales y la sociedad más armoniosa. El movimiento American Arts and Crafts fue la contrapartida estética de su filosofía política contemporánea, el progresismo. De manera característica, cuando la Sociedad de Artes y Oficios comenzó en octubre de 1897 en Chicago, estaba en Hull House, una de las primeras casas de asentamiento estadounidenses para la reforma social.

Los ideales de Artes y Oficios difundidos en Estados Unidos a través de la redacción de revistas y periódicos se complementaron con sociedades que patrocinaron conferencias.El primero se organizó en Boston a fines de la década de 1890, cuando un grupo de influyentes arquitectos, diseñadores y educadores decidieron llevar a Estados Unidos las reformas de diseño iniciadas en Gran Bretaña por William Morris; se reunieron para organizar una exposición de objetos artesanales contemporáneos. La primera reunión se realizó el 4 de enero de 1897 en el Museo de Bellas Artes (MFA) de Boston para organizar una exposición de artesanía contemporánea. Cuando los artesanos, consumidores y fabricantes se dieron cuenta del potencial estético y técnico de las artes aplicadas, comenzó el proceso de reforma del diseño en Boston. Estuvieron presentes en esta reunión el General Charles Loring, Presidente de los Fideicomisarios de la MFA; William Sturgis Bigelow y Denman Ross, coleccionistas, escritores y fideicomisarios de la MFA; Ross Turner, pintor; Sylvester Baxter, crítico de arte del Boston Transcript; Howard Baker, AW Longfellow Jr.; y Ralph Clipson Sturgis, arquitecto.

La primera Exposición de Artes y Oficios Estadounidenses comenzó el 5 de abril de 1897 en Copley Hall, Boston, con más de 1000 objetos hechos por 160 artesanos, la mitad de los cuales eran mujeres.Algunos de los defensores de la exhibición fueron Langford Warren, fundador de la Escuela de Arquitectura de Harvard; Sra. Richard Morris Hunt; Arthur Astor Carey y Edwin Mead, reformadores sociales; y Will H. Bradley, diseñador gráfico. El éxito de esta exposición resultó en la incorporación de The Society of Arts and Crafts (SAC), el 28 de junio de 1897, con el mandato de "desarrollar y fomentar estándares más altos en las artesanías". Los 21 fundadores afirmaron estar interesados ​​en algo más que las ventas y enfatizaron alentar a los artistas a producir obras con la mejor calidad de mano de obra y diseño. Este mandato pronto se amplió a un credo, posiblemente escrito por el primer presidente del SAC, Charles Eliot Norton, que decía:

Esta Sociedad se constituyó con el propósito de promover el trabajo artístico en todas las ramas de la artesanía. Espera llevar a Diseñadores y Trabajadores a relaciones de ayuda mutua, y animar a los trabajadores a ejecutar sus propios diseños. Se esfuerza por estimular en los trabajadores una apreciación de la dignidad y el valor del buen diseño; para contrarrestar la impaciencia popular de Ley y Forma, y ​​el deseo de exceso de ornamentación y originalidad engañosa. Insistirá en la necesidad de sobriedad y moderación, o arreglo ordenado, de la debida consideración por la relación entre la forma de un objeto y su uso, y de armonía y adecuación en la decoración puesta sobre él.

Construido en 1913-14 por el arquitecto de Boston J. Williams Beal en las montañas Ossipee de New Hampshire, la propiedad en la cima de la montaña de Tom y Olive Plant, Castle in the Clouds, también conocida como Lucknow, es un excelente ejemplo del estilo American Craftsman en Nueva Inglaterra.

También influyeron la comunidad de Roycroft iniciada por Elbert Hubbard en Buffalo y East Aurora, Nueva York, Joseph Marbella, comunidades utópicas como Byrdcliffe Colony en Woodstock, Nueva York y Rose Valley, Pensilvania, desarrollos como Mountain Lakes, Nueva Jersey, con grupos de bungalows y casas chateau construidas por Herbert J. Hapgood, y el estilo artesanal de estudio contemporáneo. Cerámica de estudio: ejemplificada por Grueby Faience Company, Newcomb Pottery en Nueva Orleans, Marblehead Pottery, Teco Pottery, Overbeck y Rookwood Pottery y Mary Chase Perry Stratton's Pewabic Pottery en Detroit, la compañía Van Briggle Pottery en Colorado Springs, Colorado, así como los mosaicos artísticos hechos por Ernest A. Batchelder en Pasadena, California, y los muebles idiosincrásicos de Charles Rohlfs demuestran la influencia de Arts and Crafts.

Arquitectura y Arte

La "Escuela de la pradera" de Frank Lloyd Wright, George Washington Maher y otros arquitectos de Chicago, el movimiento Country Day School, el bungalow y el último estilo de casas de bungalow popularizado por Greene y Greene, Julia Morgan y Bernard Maybeck son algunos ejemplos de la Estilo de arquitectura American Arts and Crafts y American Craftsman. Los ejemplos restaurados y protegidos por hitos todavía están presentes en Estados Unidos, especialmente en California en Berkeley y Pasadena, y las secciones de otras ciudades se desarrollaron originalmente durante la era y no experimentaron la renovación urbana de la posguerra. Mission Revival, Prairie School y los estilos de construcción residencial 'bungalow de California' siguen siendo populares en los Estados Unidos en la actualidad.

Como teóricos, educadores y artistas prolíficos en medios que van desde el grabado hasta la cerámica y el pastel, dos de las figuras más influyentes fueron Arthur Wesley Dow (1857–1922) en la costa este y Pedro Joseph de Lemos (1882–1954) en California. Dow, quien enseñó en la Universidad de Columbia y fundó la Escuela de Arte de Verano de Ipswich, publicó en 1899 su composición histórica, que destiló en un enfoque claramente estadounidense la esencia de la composición japonesa, combinando en una armoniosa amalgama decorativa tres elementos: simplicidad de línea, " notan" (el equilibrio de las zonas claras y oscuras) y la simetría del color. Su propósito era crear objetos finamente elaborados y bellamente representados. Su alumno de Lemos, quien se convirtió en director del Instituto de Arte de San Francisco, director del Museo y Galería de Arte de la Universidad de Stanford y editor en jefe de la revista School Arts, amplió y revisó sustancialmente las ideas de Dow en más de 150 monografías y artículos para escuelas de arte en los Estados Unidos y Gran Bretaña. Entre sus muchas enseñanzas poco ortodoxas estaba su creencia de que los productos manufacturados podían expresar "la belleza sublime" y que se podía encontrar una gran percepción en las "formas de diseño" abstractas de las civilizaciones precolombinas.

Museos

El Museo del Movimiento Americano de Artes y Oficios en St. Petersburg, Florida, abrió sus puertas en 2019.

Asia

En Japón, Yanagi Sōetsu, creador del movimiento Mingei que promovió el arte popular a partir de la década de 1920, fue influenciado por los escritos de Morris y Ruskin. Al igual que el movimiento Arts and Crafts en Europa, Mingei buscó preservar las artesanías tradicionales frente a la modernización de la industria.

Arquitectura

El movimiento... representa en cierto sentido una revuelta contra la dura mecánica de la vida convencional y su insensibilidad ante la belleza (cosa muy distinta al ornamento). Es una protesta contra ese llamado progreso industrial que produce mercancías de mala calidad, cuya baratura se paga con la vida de sus productores y la degradación de sus usuarios. Es una protesta contra la transformación de los hombres en máquinas, contra las distinciones artificiales en el arte y contra hacer del valor de mercado inmediato, o la posibilidad de beneficio, la principal prueba del mérito artístico. También promueve el derecho de todos y cada uno a la posesión común de la belleza en las cosas comunes y familiares, y despertaría el sentido de esta belleza, adormecida y deprimida como ahora demasiado a menudo, ya sea por un lado por lujos superfluos, o por el otro por la ausencia de las necesidades más comunes y la ansiedad que carcome por los medios de subsistencia; por no hablar de las fealdades cotidianas a las que tenemos acostumbrados nuestros ojos, confundidos por la corriente del falso gusto, u oscurecidos por la vida apresurada de las ciudades modernas en las que existen grandes agregaciones de humanidad, igualmente alejadas tanto del arte como de la naturaleza y sus amables e influencias refinadoras.-- Walter Crane, "Of The Revival of Design and Handicraft", en Arts and Crafts Essays, por miembros de la Arts and Crafts Exhibition Society, 1893

Muchos de los líderes del movimiento Arts and Crafts se formaron como arquitectos (por ejemplo, William Morris, AH Mackmurdo, CR Ashbee, WR Lethaby) y fue en la construcción donde el movimiento tuvo su influencia más visible y duradera.

Red House, en Bexleyheath, Londres, diseñada para Morris en 1859 por el arquitecto Philip Webb, ejemplifica el estilo Arts and Crafts temprano, con sus formas sólidas bien proporcionadas, amplios porches, techo empinado, arcos de ventanas apuntados, chimeneas de ladrillo y accesorios de madera. Webb rechazó los renacimientos clásicos y de otro tipo de estilos históricos basados ​​en grandes edificios y basó su diseño en la arquitectura vernácula británica, expresando la textura de materiales ordinarios, como piedra y azulejos, con una composición de construcción asimétrica y pintoresca.

El suburbio londinense de Bedford Park, construido principalmente en las décadas de 1880 y 1890, tiene alrededor de 360 ​​casas de estilo Arts and Crafts y alguna vez fue famoso por sus residentes estéticos. Se construyeron varias casas de beneficencia al estilo Arts and Crafts, por ejemplo, Whiteley Village, Surrey, construida entre 1914 y 1917, con más de 280 edificios, y Dyers Almshouses, Sussex, construida entre 1939 y 1971. Letchworth Garden City, el primer jardín ciudad, se inspiró en los ideales de Artes y Oficios.Las primeras casas fueron diseñadas por Barry Parker y Raymond Unwin en el estilo vernáculo popularizado por el movimiento y la ciudad se asoció con la nobleza y la vida sencilla. El taller de fabricación de sandalias establecido por Edward Carpenter se mudó de Yorkshire a Letchworth Garden City y la burla de George Orwell sobre "todo bebedor de jugo de frutas, nudista, usuario de sandalias, maníaco sexual, cuáquero, curandero de 'Nature Cure', pacifista y feminista en Inglaterra" ir a una conferencia socialista en Letchworth se ha hecho famoso.

Ejemplos arquitectónicos

• Casa Roja – Bexleyheath, Kent – ​​1859
• Casa de David Parr – Cambridge, Inglaterra – 1886–1926
• Wightwick Manor – Wolverhampton, Inglaterra – 1887-1893
• Inglewood – Leicester, Inglaterra – 1892
• Standen – East Grinstead, Inglaterra – 1894
• Iglesia de Swedenborgian - San Francisco, California - 1895
• Casa Mary Ward - Bloomsbury, Londres - 1896-1898
• Blackwell – Distrito de los Lagos, Inglaterra – 1898
• Casa Derwent – ​​Chislehurst, Kent – ​​1899
• Stoneywell-Ulverscroft, Leicestershire-1899
• The Arts & Crafts Church (Iglesia y escuela metodista de Long Street) – Manchester, Inglaterra – 1900
• Casa de espadas - Sandgate, Kent - 1900
• Estado de Caledonian - Islington, Londres - 1900-1907
• Museo Horniman – Forest Hill, Londres – 1901
• Iglesia de Todos los Santos, Brockhampton - 1901–02
• Rincón de Shaw - Ayot St Lawrence, Hertfordshire - 1902
• Pierre P. Ferry House - Seattle, Washington - 1903–1906
• Casa Winterbourne – Birmingham, Inglaterra – 1904
• El Fraile Negro – Blackfriars, Londres – 1905
• Casa Marston – San Diego, California – 1905
• Centro Edgar Wood – Manchester, Inglaterra – 1905
• Debenham House - Holland Park, Londres - 1905–07
• Casa de Robert R. Blacker – Pasadena, California – 1907
• Stotfold, Bickley, Kent - 1907
• Gamble House – Pasadena, California – 1908
• Biblioteca Pública de Oregón - Oregón, Illinois - 1909
• Casa Thorsen – Berkeley, California – 1909
• Rodmarton Manor - Rodmarton, cerca de Cirencester, Gloucestershire - 1909–29
• Whare Ra – Havelock North, Nueva Zelanda – 1912
• Suburbio de Sutton Garden - Benhilton, Sutton, Londres - 1912–14
• Castillo en las nubes - Montañas Ossipee en el lago Winnipesaukee, New Hampshire - 1913-4
• Capilla Honan - University College Cork, Irlanda - c.1916
• Catedral de San Francisco Javier - Geraldton Australia Occidental 1916-1938
• Biblioteca conmemorativa de la escuela Bedales - cerca de Petersfield, Hampshire - 1919–21

Diseño de jardines

Gertrude Jekyll aplicó los principios de Arts and Crafts al diseño de jardines. Trabajó con el arquitecto inglés Sir Edwin Lutyens, para cuyos proyectos creó numerosos paisajes, y quien diseñó su casa Munstead Wood, cerca de Godalming en Surrey. Jekyll creó los jardines de Bishopsbarns, el hogar del arquitecto de York Walter Brierley, un exponente del movimiento Arts and Crafts y conocido como "Lutyens of the North". El jardín del proyecto final de Brierley, Goddards in York, fue obra de George Dillistone, un jardinero que trabajó con Lutyens y Jekyll en Castle Drogo. En Goddards, el jardín incorporó una serie de características que reflejaban el estilo artístico y artesanal de la casa, como el uso de setos y bordes herbáceos para dividir el jardín en una serie de habitaciones al aire libre.Otro jardín notable de Arts and Crafts es Hidcote Manor Garden, diseñado por Lawrence Johnston, que también se presenta en una serie de salas al aire libre y donde, como Goddards, el paisaje se vuelve menos formal más lejos de la casa. Otros ejemplos de jardines de artes y oficios incluyen Hestercombe Gardens, Lytes Cary Manor y los jardines de algunos de los ejemplos arquitectónicos de edificios de artes y oficios (enumerados anteriormente).

Educación artística

Las ideas de Morris fueron adoptadas por el Movimiento de la Nueva Educación a fines de la década de 1880, que incorporó la enseñanza de la artesanía en las escuelas de Abbotsholme (1889) y Bedales (1892), y su influencia se ha notado en los experimentos sociales de Dartington Hall a mediados del siglo XX..

Los practicantes de Arts and Crafts en Gran Bretaña criticaron el sistema gubernamental de educación artística basado en el diseño en abstracto con poca enseñanza del oficio práctico. Esta falta de formación artesanal también causó preocupación en los círculos industriales y oficiales, y en 1884 una Comisión Real (aceptando el consejo de William Morris) recomendó que la educación artística debería prestar más atención a la adecuación del diseño al material en el que iba a ser. ejecutado.La primera escuela en hacer este cambio fue la Escuela de Artes y Oficios de Birmingham, que "abrió el camino en la introducción del diseño ejecutado en la enseñanza del arte y el diseño a nivel nacional (trabajando en el material para el que estaba destinado el diseño en lugar de diseñar en papel) En el informe de su examinador externo de 1889, Walter Crane elogió a la Escuela de Arte de Birmingham porque "consideró el diseño en relación con los materiales y el uso". Bajo la dirección de Edward Taylor, su director de 1877 a 1903, y con la ayuda de Henry Payne y Joseph Southall, la Escuela de Birmingham se convirtió en un importante centro de Artes y Oficios.

Otras escuelas de la autoridad local también comenzaron a introducir una enseñanza más práctica de la artesanía, y en la década de 1890 los miembros del Art Workers Guild estaban difundiendo los ideales de Arts and Crafts en las escuelas de arte de todo el país. Los miembros del gremio ocuparon posiciones influyentes: Walter Crane fue director de la Escuela de Arte de Manchester y, posteriormente, del Royal College of Art; FM Simpson, Robert Anning Bell y CJAllen fueron respectivamente profesores de arquitectura, instructores de pintura y diseño e instructores de escultura en la Escuela de Arte de Liverpool; Robert Catterson-Smith, director de la Escuela de Arte de Birmingham de 1902 a 1920, también fue miembro del AWG; WR Lethaby y George Frampton fueron inspectores y asesores de la junta de educación del Consejo del Condado de Londres (LCC) y en 1896, en gran parte como resultado de su trabajo,Hasta la formación de la Bauhaus en Alemania, la Escuela Central se consideraba la escuela de arte más progresista de Europa. Poco después de su fundación, el consejo municipal local estableció la Escuela de Artes y Oficios de Camberwell en líneas de Artes y Oficios.

Como director del Royal College of Art en 1898, Crane trató de reformarlo en líneas más prácticas, pero renunció después de un año, derrotado por la burocracia de la Junta de Educación, que luego nombró a Augustus Spencer para implementar su plan. Spencer trajo a Lethaby para dirigir su escuela de diseño y varios miembros del Art Workers' Guild como profesores. Diez años después de la reforma, un comité de investigación revisó la RCA y descubrió que todavía no estaba capacitando adecuadamente a los estudiantes para la industria. En el debate que siguió a la publicación del informe del comité, CRashbee publicó un ensayo muy crítico, Deberíamos dejar de enseñar arte, en el que pedía que se desmantelara por completo el sistema de educación artística y que las manualidades se aprendieran en escuelas subvencionadas por el estado. talleres en su lugar.Lewis Foreman Day, una figura importante en el movimiento Arts and Crafts, adoptó un punto de vista diferente en su informe disidente al comité de investigación, defendiendo un mayor énfasis en los principios del diseño frente a la creciente ortodoxia de enseñar diseño mediante el trabajo directo en materiales. Sin embargo, el espíritu de Arts and Crafts impregnaba por completo las escuelas de arte británicas y persistió, en opinión del historiador de la educación artística, Stuart MacDonald, hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

Practicantes líderes

• Carlos Robert Ashbee
• barbero william swinden
• hermanos barnsley
• Golpe de Detmar
• Herbert Tudor Buckland
• Rowland Wilfred William Carter
• TJ Cobden-Sanderson
• walter grúa
• nelson dawson
• Día del capataz de Lewis
• cristobal vestidor
• dirk van erp
• Thomas Philips Figgis
• eric gill
• ernesto gimson
• verde y verde
• Elbert Hubbard
• normando judios
• ralph johonnot
• florencia koehler
• frederick leach
• Guillermo Lethaby
• Edwin Lutyens
• Charles Rennie Mackintosh
• AHMackmurdo
• samuel maclure
• George Washington Maher
• Bernard Mayck
• Henry Chapman Mercer
• julia morgan
• Guillermo de Morgan
• william morris
• Karl Parsons
• Alfred Hoare Powell
• Eduardo Schroeder Prior
• Hugh C Robertson
• william robinson
• Bailie Scott
• norman shaw
• Ellen Gates Starr
• Gustavo Stickley
• Phoebe Anna Traquair
• Voysey CFA
• felipe webb
• margaret ely webb
• christopher wall
• edgar madera
• charles rohlfs

Galería de artes decorativas

• Gustav Stickley. Mostrador Dropfront, ca. Museo de Brooklyn de 1903
• Guillermo Morris. Muestra de papel tapiz, Compton 323, c. 1917. Museo de Brooklyn
• Cerámica Newcomb. Florero, 1902-1904. Museo de Brooklyn
• Compañía de mosaicos Mueller. Azulejo, ca. Museo de Brooklyn de 1910