Miniatura (manuscrito iluminado)

Una miniatura (del verbo latino miniare, "colorear con minio", una mina roja) es una pequeña ilustración utilizada para decorar un manuscrito iluminado antiguo o medieval; las ilustraciones simples de los primeros códices fueron miniaturizadas o delineadas con ese pigmento. La escala generalmente pequeña de tales cuadros medievales ha llevado a una confusión etimológica con la minuciosidad y a su aplicación a pinturas pequeñas, especialmente retratos en miniatura, que sin embargo surgieron de la misma tradición y al menos inicialmente utilizaron técnicas similares.

Aparte de las tradiciones occidentales, bizantinas y armenias, existe otro grupo de tradiciones asiáticas, que generalmente son de naturaleza más ilustrativa y que, desde sus orígenes en la decoración de libros manuscritos, también se desarrolló hasta convertirse en pequeñas pinturas de una sola hoja que se guardaban en álbumes. que también se llaman miniaturas, ya que no lo son los equivalentes occidentales en acuarela y otros medios. Entre ellas se incluyen miniaturas árabes y sus variantes persas, mogolas, otomanas y otras indias.

Tradiciones cristianas

Italia y Bizancio, siglos III-VI

Las primeras miniaturas que se conservan son una serie de dibujos a pluma sin color en el Cronógrafo de 354, que se perdió después del Renacimiento, pero que se conoce por copias. Fragmentos de algunos manuscritos de lujo muy ilustrados de antes del año 450 han sobrevivido hasta nuestros días. El Génesis de Algodón fue destruido en su mayor parte por un incendio en Londres en 1731 y el fragmento de Quedlinburg Itala fue destruido en su mayor parte en la Edad Media, la vitela utilizada en las encuadernaciones.

También hay miniaturas de colores cortadas de la Iliad ambrosiana, un manuscrito ilustrado del Iliad del siglo V. En estas imágenes hay una gran variedad en la calidad del dibujo, pero hay muchos casos notables de buen dibujo de figura, bastante clásico en el sentimiento, mostrando que el arte anterior todavía ejerció su influencia. Tales indicaciones, también, del paisaje que se encuentra son del tipo clásico, no convencional en el sentido del convencionalismo medieval, pero todavía tratando de seguir la naturaleza, incluso si de manera imperfecta; así como en el Pompeyo y otros frescos de la era romana.

De un valor aún mayor desde el punto de vista artístico son las miniaturas del manuscrito vaticano de Virgilio, conocido como Vergilius Vaticanus, de principios del siglo V. Se encuentran en un estado más perfecto y a mayor escala que los fragmentos ambrosianos y, por tanto, ofrecen mejores oportunidades para examinar el método y la técnica. El dibujo es de estilo bastante clásico y se transmite la idea de que las miniaturas son copias directas de una serie anterior. Los colores son opacos: de hecho, en todas las miniaturas de los primeros manuscritos el empleo del color del cuerpo era universal. El método seguido para colocar las diferentes escenas en la página es muy instructivo de la práctica seguida, como podemos suponer, por los artistas de los primeros siglos. Parece que primero se pintó íntegramente el fondo de la escena, cubriendo toda la superficie de la página; luego, sobre este fondo se pintaron las figuras y objetos de mayor tamaño; y sobre estos nuevamente se superpusieron los detalles más pequeños frente a ellos. (El algoritmo del pintor.) Nuevamente, con el fin de asegurar algo parecido a la perspectiva, se adoptó una disposición de zonas horizontales, las superiores contienen figuras en una escala menor que las inferiores.

A la escuela bizantina le correspondía romper más decididamente con la presentación natural de las cosas y desarrollar convenciones artísticas. Sin embargo, en los mejores ejemplos tempranos de esta escuela el sentimiento clásico aún persiste, como atestiguan las reliquias de las miniaturas del Génesis del Algodón y las mejores miniaturas del Dioscurides de Viena; y en las miniaturas de los manuscritos bizantinos posteriores, que fueron copiados de ejemplos anteriores, la reproducción de los modelos es fiel. Pero al comparar las miniaturas de la escuela bizantina en general con sus predecesoras clásicas, se tiene la sensación de haber pasado del aire libre al claustro. Bajo las restricciones de la dominación eclesiástica, el arte bizantino se volvió cada vez más estereotipado y convencional. Crece la tendencia a pintar las carnes con tonos morenos, a alargar y debilitar los miembros y a endurecer el andar. Los marrones, los grises azulados y los tonos neutros son los preferidos. Aquí encontramos primero el tratamiento técnico de la pintura de carne que luego se convirtió en la práctica especial de los miniaturistas italianos, es decir, la aplicación de los tintes de carne sobre un fondo de oliva, verde u otro tono oscuro. El paisaje, tal como era, pronto se volvió bastante convencional, dando ejemplo de esa notable ausencia de una verdadera representación de la naturaleza que es un atributo tan sorprendente de las miniaturas de la Edad Media.

Y, sin embargo, si bien el tratamiento ascético de las miniaturas obtuvo tanta fuerza en el arte bizantino, al mismo tiempo el sentido oriental del esplendor se muestra en el brillo de gran parte del colorido y en el espléndido empleo del oro. En las miniaturas de los manuscritos bizantinos se ven por primera vez esos fondos de oro brillante que luego aparecen con tanta profusión en las producciones de todas las escuelas de pintura occidentales.

La influencia del arte bizantino en el de la Italia medieval es evidente. Los primeros mosaicos de las iglesias de Italia, como las de Rávena y Venecia, también ofrecen ejemplos de la influencia bizantina dominante. Pero la Alta Edad Media proporciona pocos puntos de referencia que orienten al estudiante; y sólo cuando emerge en el siglo XII, con sus frescos y miniaturas todavía llevando la impronta de la tradición bizantina, puede estar satisfecho de que la conexión siempre ha existido durante los siglos intermedios.

Miniaturas armenias

La pintura en miniatura armenia destaca por su variedad de estilos y escuelas. Cuando en 405 Mesrop Mashtots creó las letras armenias, aparecieron los manuscritos armenios y con ellos se desarrolló la pintura en miniatura armenia. La mayoría de los 25.000 manuscritos armenios de diferentes siglos están decorados con miniaturas.

Los libros con contenido religioso estaban decorados en su mayoría, sin embargo, los artistas de miniaturas, o "florecientes", como se les llamaba en ese momento, pudieron expresar sus emociones y sentimientos y reflejar escenas de la vida real a través de temas religiosos. Especialmente en las letras mayúsculas al inicio del texto, en los adornos colocados antes del título o en los dibujos realizados en los márgenes, en las letras bellamente decoradas, introducían diversas imágenes y elementos de flora y fauna.

En las miniaturas armenias se pueden encontrar escenas que representan caza, peleas de animales, representaciones teatrales, otras escenas de la vida urbana y rural, retratos de figuras famosas de la época, encargados de manuscritos. Estas miniaturas son de gran importancia para el estudio de la vida y el estilo de vida de la Armenia medieval, los trajes, los modales, la artesanía y la naturaleza armenia. Algunos pintores de miniaturas también dejaron sus autorretratos.

Muchos centros de pintura en miniatura operaron en Armenia en diferentes épocas. Hay centros famosos como Ani, Gladzor, Tatev, Nakhichevan, Artsakh, Vaspurakan, cada uno de los cuales, además de las características generales típicas del arte nacional, se caracteriza por un estilo único de pintura en miniatura y tradiciones locales. . Posteriormente también se establecieron centros de pintura en miniatura en las colonias armenias.

El arte en miniatura armenio floreció en el siglo XIII, especialmente en la Armenia de Cilicia, donde las miniaturas eran más lujosas y elegantes. Obras de talentosos artistas en miniatura de diferentes épocas y centros como Toros Roslin, Grigor, Ignatius, Sargis Pitsak, Toros Taronetsi, Avag, Momik, Simeon Archishetsi, Vardan Artsketsi, Kirakos, Hovhannes, Hakob Jughayetsi y muchos más han resistido el paso de los tiempos. hasta ahora. Sin embargo, no se han conservado los nombres de muchos otros artistas de miniaturas.

La pintura en miniatura armenia ha recorrido largos y difíciles caminos históricos; es un testimonio del incomparable celo creativo de los armenios, que ni los innumerables desastres provocados por los invasores extranjeros ni las difíciles y tortuosas rutas migratorias pudieron extinguir. Con su originalidad, dominio de la ejecución, color extraordinario, riqueza y variedad de joyas, ocupa un lugar único y honorable no sólo en el tesoro del arte nacional, sino también en el arte mundial.

Los Evangelios fueron los más ilustrados, seguidos de la Biblia y otras colecciones religiosas. Las primeras miniaturas que nos han llegado son muestras de los siglos VI-VII. Los tipos de personajes y la pintura que contienen recuerdan a los frescos de Lmbat y Aruch del siglo VII. El "Evangelio de la reina Mlke", "El Evangelio de Kars", "El Evangelio de Trabzon" Han sobrevivido del período de los reinos de Bagratuni y Artsruni. Estos manuscritos contienen las características principales del desarrollo posterior de la pintura en miniatura armenia: • tabernáculos columnares, • panfletos de oro con letras mayúsculas, • Imágenes del Señor, es decir, los acontecimientos de la vida de Cristo, que se mencionan en las fiestas de la iglesia, • miniaturas adjuntas al texto. En ellos se puede encontrar una combinación orgánica de arte bizantino y totalmente cristiano, en las representaciones de los arcos de los tabernáculos del "Evangelio de la reina Mlke", motivos egipcios, decoración arquitectónica de pinturas evangélicas y elementos de Arte helenístico.

Miniaturas más grandes de los Evangelios de la Pequeña Armenia relacionadas con el arte en miniatura paleocristiano de 1038 (Matenadaran según Mesrop Mashtots, Ereván, manuscrito N 6201), que conservan antiguas reglas estilísticas y pictóricas, contienen novedades que formaron la base de toda la iconografía armenia posterior. , por ejemplo, la representación de Cristo desnudo en la cruz. El desarrollo gráfico del estilo del grupo de manuscritos es evidente en la Escuela Vaspurakan de Pintura en Miniatura. Un grupo de manuscritos de finales del siglo XI, encabezados por el Evangelio de Moghni, formó la escuela de Ani cuyas formas estilísticas guardan similitudes con las miniaturas pregóticas, que muestran los orígenes orientales de estas últimas. Destacan las miniaturas de ese grupo de estilo monumental-fresco. En los manuscritos del siglo XII se desarrollaron las tradiciones del arte en miniatura de los siglos X-XI, dotadas de acentos trágicos y emocionales, y se prestó gran importancia a los motivos vegetales y animales. En la primera mitad del siglo XIII, antes de las invasiones mongolas, la pintura en miniatura floreció en la Gran Armenia ("Evangelio de Haghpat", "Evangelio de los Traductores"). La pintura en miniatura adquirió una nueva calidad sin precedentes en la Armenia de Cilicia. Se recogieron manuscritos exquisitos tanto en los monasterios como en la corte real, y además del clero, los miembros de la corte real y los consejeros encargaron los manuscritos.

El significado ritual-eclesiástico de los manuscritos disminuyó, a menudo se encargaban para uso personal, para satisfacer el gusto refinado de los consejeros y sus sentimientos religiosos. El tamaño de los libros disminuyó, los pintores de miniaturas se centraron más en la representación de la realidad y de los países vecinos (Bizancio y países europeos). Los famosos pintores de miniaturas Grigor Mlichetsi, Toros Roslin, Sargis Pitsak y otros aparecieron creando elegantes manuscritos reales ("La cena del rey Hetum II", "Evangelio de la reina Keran"). Una situación política relativamente estable en algunas regiones de la Gran Armenia contribuyó al desarrollo de la pintura en miniatura. Mientras que los representantes de la Escuela de Pintura en Miniatura de Gladzor destacan con personalidades estresadas, los artistas de Vaspurakan (Simeon Artchishetsi, Zakaria Akhtamartsi, Rstakes, Kirakos Aghbaketsi y otros) regresaron a tradiciones pictóricas más unificadas. El famoso centro de la pintura en miniatura fue la Escuela Tatev de Pintura en Miniatura, dirigida por Grigor Tatevatsi, después de quien el arte en miniatura armenio continuó en las colonias de Crimea, Nueva Julfa, Constantinopla y otros lugares. En los siglos XVII y XVIII, la pintura en miniatura de libros armenios fue dando paso gradualmente al arte impreso de la ilustración de libros.

Europa, siglos VIII-XII

En las escuelas nativas de iluminación de Europa occidental, la decoración era sólo el motivo principal. En los manuscritos del período merovingio, en la escuela que unía Frankland y el norte de Italia, y que se conoce como lombarda o franco-lombarda, en los manuscritos de España, en las producciones del arte insular de las Islas Británicas, el dibujo de figuras Era apenas conocido y servía más como elemento decorativo que como representación de la forma humana.

La escuela anglosajona, desarrollada especialmente en Canterbury y Winchester, que probablemente derivaba su característico dibujo a mano alzada de modelos romanos clásicos, escasamente influenciados por el elemento bizantino. Las cualidades más altas de las miniaturas de los siglos X y XI de esta escuela residen en el fino dibujo de contornos, que tuvo una influencia duradera en la miniatura inglesa de los siglos posteriores. Pero la escuela anglosajona del sur se distingue bastante de la línea general de desarrollo de la miniatura medieval occidental.

Bajo los monarcas carolingios se desarrolló una escuela de pintura derivada de modelos clásicos, principalmente del tipo bizantino. En esta escuela, que debe su origen al estímulo de Carlomagno, se ve que la miniatura aparece en dos formas. En primer lugar, está la miniatura verdaderamente convencional que sigue el modelo bizantino, cuyos temas son generalmente los retratos de los cuatro evangelistas o los retratos de los propios emperadores: las figuras formales; las páginas brillantemente coloreadas y doradas, generalmente ambientadas en un entorno arquitectónico de tipo fijo y desprovistas de paisaje en el verdadero sentido de la palabra. Acompañado como estaba de una profusa decoración en el borde y la inicial, marcó el patrón para las escuelas continentales posteriores de Occidente. Por otro lado, también está la miniatura en la que se intenta ilustrar, como por ejemplo la representación de escenas de la Biblia. Aquí hay más libertad; y rastreamos el estilo clásico que copia los modelos romanos, a diferencia de los bizantinos.

La influencia que ejerció la escuela carolingia en las miniaturas de los artistas anglosajones del sur se muestra en el uso extendido del color de la carrocería y en el empleo más elaborado del oro en la decoración. Un manuscrito como el Benedictional of St. Æthelwold, obispo de Winchester, 963 a 984, con su serie de miniaturas dibujadas al estilo nativo pero pintadas con pigmentos opacos, exhibe la influencia del arte extranjero. Pero el dibujo real siguió siendo esencialmente nacional, marcado por su propio tratamiento de la figura humana y por la disposición de las cortinas con pliegues ondeantes. El estilo era refinado, tendiendo a la exageración y la desproporción de los miembros. Con la conquista normanda murió esta notable escuela nativa.

Con el despertar del arte en el siglo XII la decoración de manuscritos recibió un poderoso impulso. Los artistas de la época sobresalieron en la cenefa y la inicial, pero en la miniatura también hubo un dibujo vigoroso, con líneas amplias y atrevidas y un estudio cuidadoso de los cortinajes. Los artistas se volvieron más expertos en el dibujo de figuras y, aunque todavía existía la tendencia a repetir los mismos temas de la misma manera convencional, el esfuerzo individual produjo en este siglo muchas miniaturas de un carácter muy noble.

La conquista normanda había colocado a Inglaterra directamente dentro del arte continental; y ahora comenzó esa agrupación de las escuelas francesa, inglesa y flamenca que, fomentada por un intercambio cada vez mayor y movida por impulsos comunes, dio como resultado las magníficas producciones de los iluminadores del noroeste de Europa desde finales del siglo XII en adelante. .

Pero de paisaje natural no hay nada, a menos que las rocas y los árboles de carácter estereotipado puedan considerarse así. De ahí que el fondo de la miniatura del siglo XII e inmediatamente posterior se convirtiera en el campo de decoración para dar mayor relieve a las figuras de la escena. Y así surgió la práctica de rellenar todo el espacio con una lámina de oro, a menudo bruñida: brillante método de ornamentación que ya hemos visto practicado en la escuela bizantina. También debemos notar el tratamiento convencional de las figuras sagradas, que en adelante continúan, por un sentido de veneración, vestidas con las túnicas tradicionales de los primeros siglos, mientras que las otras figuras de la escena visten la vestimenta ordinaria de la época.

Europa, siglos XIII-XV

Al entrar en el siglo XIII, llegamos al período en el que se puede decir que la miniatura justifica la falsa etimología moderna que ha conectado el título con la minuciosidad. El estilo amplio y audaz del siglo XII da paso a lo preciso y minucioso. Los libros en general cambiaron su forma del folio grande al octavo y tamaños más pequeños. Hubo una mayor demanda de libros; y la vitela era limitada en cantidad y había que ir más allá. La escritura se hizo más pequeña y perdió la redondez del siglo XII. Las contracciones y abreviaturas en los textos aumentaron considerablemente en número. En todas partes se hace un esfuerzo por ahorrar espacio. Y así con la miniatura. Las figuras eran pequeñas, con trazos delicados en los rasgos y con cuerpos y extremidades pulcros y delgados. Los fondos resplandecen de color y oro bruñido; y abundan los delicados patrones de pañales de oro y color alternativos. Con frecuencia, y especialmente en los manuscritos ingleses, los dibujos están simplemente teñidos o lavados con colores transparentes. También en este siglo la miniatura invade lo inicial. Mientras que en los períodos anteriores estaban de moda los volutas florecientes y atrevidos, ahora se introduce una pequeña escena en los espacios en blanco de la carta.

Al comparar el trabajo de las tres escuelas, el dibujo de la miniatura inglesa, en su mejor expresión, es quizás el más elegante; el francés es el más pulcro y preciso; el flamenco, incluido el de Alemania occidental, es menos refinado y de líneas más duras y fuertes. En cuanto a los colores, el artista inglés utiliza tonos bastante más claros que los de las otras escuelas: se observa una preferencia por el verde claro, el azul grisáceo y el lago. Al artista francés le encantaban los tonos más profundos, especialmente el ultramar. Los flamencos y los alemanes pintaban, por regla general, con colores menos puros y con tendencia a la pesadez. Una característica notable de los manuscritos franceses es el oro rojo o cobrizo utilizado en sus iluminaciones, en fuerte contraste con el metal más pálido de Inglaterra y los Países Bajos.

Es destacable cómo el arte de la miniatura a lo largo del siglo XIII mantiene su gran calidad tanto en el dibujo como en el color sin ningún cambio muy llamativo. A lo largo del siglo la Biblia y el Salterio estuvieron a favor; y, naturalmente, los mismos temas y las mismas escenas corrieron a lo largo de la época y fueron repetidas por un artista tras otro; y el carácter mismo de esos libros sagrados tendería a restringir la innovación. Pero hacia el final del período, obras seculares como los romances fueron ganando popularidad y ofrecieron un campo más amplio para la invención del artista ilustrador. Por tanto, con la apertura del siglo XIV sobreviene un cambio palpable de estilo. Pasamos a líneas más fluidas; no a los atrevidos trazos y curvas del siglo XII, sino a un estilo elegante, delicado y flexible que produjo las hermosas figuras oscilantes de la época. De hecho, la miniatura comienza ahora a liberarse del papel de miembro integrante del esquema decorativo de iluminación y a convertirse en cuadro, dependiendo de su propio mérito artístico para la posición que ocupará en el futuro. Esto se demuestra por el lugar más destacado que ahora ocupa la miniatura y por su creciente independencia del borde decorativo y la inicial.

Pero, al mismo tiempo, mientras la miniatura del siglo XIV se esfuerza por disociarse del resto de los detalles iluminados del manuscrito, en sí misma florece en la decoración. Además de la mayor elasticidad de la composición, hay un desarrollo paralelo en los diseños de los fondos. Los pañales se vuelven más elaborados y más brillantes; la belleza del oro quemado se ve realzada por los patrones estipados que se trabajan con frecuencia en él; los canopies góticos y otras características arquitectónicas que se convirtió en la práctica de introducir naturalmente siguieron el desarrollo de la arquitectura del período. En una palabra, la gran expansión del sentimiento artístico en la decoración del mejor tipo, que es tan prominente en la obra superior del siglo XIV, es igualmente visible en la miniatura iluminada.

A principios del siglo, el dibujo inglés es muy elegante, las figuras se doblan con un movimiento ondulado que, si no fueran tan simples, sería una afección. Ambos en los especímenes de contorno, lavados con color transparente, y en el todo. ejemplos pintados, la mejor obra inglesa de este tiempo es insuperable. El arte francés sigue manteniendo su precisa precisión, los colores más vivos que los de Inglaterra y las caras delicadamente indicadas sin mucho modelado. Las producciones de los Países Bajos, que aún conservan el estilo más pesado del dibujo, parecen gruesas junto a las obras de las otras escuelas. Tampoco el arte de la miniatura alemana de este período tiene una posición alta, siendo generalmente mecánico y de carácter rústico. A medida que el tiempo avanza la miniatura francesa casi monopoliza el campo, destacando en la brilliancy de colorear, pero perdiendo gran parte de su pureza de dibujo, aunque el estándar general sigue siendo alto. La escuela inglesa retrograda gradualmente y, sin duda por causas políticas y guerras con Francia, parece no haber producido un trabajo de gran valor. Es sólo hacia finales del siglo XIV que hay un avivamiento.

Este renacimiento se ha atribuido a una conexión con la floreciente escuela de Praga, una escuela que en el esquema de colorido sugiere una influencia sureña tras el matrimonio de Ricardo II con Ana de Bohemia en 1382. El nuevo estilo de la miniatura inglesa La pintura se distingue por la riqueza del color y por el cuidadoso modelado de los rostros, que se compara favorablemente con el tratamiento más ligero de los artistas franceses contemporáneos. Una atención similar a las características también marca la escuela flamenca del norte u holandesa en este período y principios del siglo XV; y, por tanto, puede considerarse como un atributo del arte germánico a diferencia del estilo francés.

Sin embargo, la promesa del nuevo desarrollo en la pintura en miniatura inglesa no debía cumplirse. En el primer trimestre del siglo XV se produjeron ejemplos de gran mérito, pero en un standstill in drawing and fettered by medieval convention. El arte nativo prácticamente se acercaba a mediados del siglo, justo cuando la mejor apreciación de la naturaleza estaba derribando la antigua representación convencional del paisaje en el arte europeo, y estaba transformando la miniatura en la imagen moderna. Lo que sea la pintura en miniatura debía ser producida en Inglaterra después de ese tiempo era ser la obra de artistas extranjeros o de artistas imitando un estilo extranjero. La condición del país durante las Guerras de las Rosas representa suficientemente el abandono del arte. Así se debe buscar la historia de la miniatura en el siglo XV en los manuscritos de las escuelas continentales.

Primero tenemos que considerar el norte de Francia y los Países Bajos. A medida que pasa del siglo XIV y entra en el siglo XV, la miniatura de ambas escuelas comienza a exhibir mayor libertad en composición; y hay otra tendencia a apuntar más bien en efecto general por la coloración que la neatidad en el dibujo. Esto fue estimulado por el campo más amplio abierto al miniaturista. Libros de todo tipo fueron ilustrados, y libros sagrados, Biblias y Salteadores y libros litúrgicos, ya no eran el jefe, si no el único, manuscritos que fueron iluminados. Y sin embargo hubo una clase de manuscrito que llegó a la mayor prominencia y que era al mismo tiempo litúrgico. Este era el Horae, o Libro de Horas, libros devocionales para uso individual, que se multiplicaron en gran número y contenían algunas de las mejores obras de los miniaturistas. La decoración de estos pequeños volúmenes escapó en gran medida de las restricciones convencionales que su carácter religioso podría haber impuesto. Además, la demanda de manuscritos iluminados había establecido para este momento un comercio regular; y su producción no se limitaba, como antes, al claustro. Los artistas manuscritos iluminados notables son el Maestro Honoré de la escuela parisina.

A principios de siglo, el antiguo tratamiento convencional del paisaje todavía se mantenía vigente; ni el fondo en pañales y dorado quedó en desuso. De hecho, en algunos de los mejores ejemplares franceses de la época, los diseños de pañales son más brillantes que nunca. Pero el paisaje natural del segundo cuarto del siglo se afirma de forma más decidida, aunque con fallos de perspectiva. No fue hasta que surgió otra generación que hubo una verdadera apreciación del horizonte y del efecto atmosférico.

Las miniaturas de las escuelas francesa y flamenca son bastante paralelas durante un tiempo, pero después de mediados de siglo las características nacionales se vuelven más marcadas y divergentes. La miniatura francesa comenzó a deteriorarse, aunque los artistas más talentosos de la escuela produjeron algunos ejemplos muy buenos. El dibujo de las figuras era más descuidado y la pintura tendía a una dureza sin profundidad, que el artista se esforzó en aliviar con un exceso de matices dorados.

La escuela flamenca de finales del siglo XV alcanzó su máxima excelencia. La miniatura flamenca presentaba una extrema suavidad y profundidad de color; también un cuidado cada vez mayor en el tratamiento de los detalles, de los ropajes, de la expresión de los rasgos: el tipo flamenco del rostro de la Virgen, por ejemplo, con su frente amplia y alta, nunca puede confundirse. En las mejores miniaturas flamencas de la época, el artista logra presentar una maravillosa suavidad y brillo de color; El alto nivel tampoco cesó en el siglo XV, ya que aún quedan muchos ejemplares excelentes que atestiguan el favor que tuvo durante algunas décadas más.

En las observaciones anteriores lo dicho respecto al cuidado tratamiento de los detalles se aplica aún más a las miniaturas ejecutadas en grisalla, en las que la ausencia de color invitaba a una acentuación aún mayor de ese tratamiento. Esto quizás sea más observable en las miniaturas en grisalla del norte de Flandes, que a menudo sugieren, particularmente en las fuertes líneas angulares de las cortinas, una conexión con el arte del grabado en madera.

Italia, siglos XIII-XV

Sin embargo, la miniatura flamenca no contó con el favor de Europa occidental sin tener rival. Ese rival había surgido en el sur y alcanzó su perfección al mismo tiempo que la miniatura de los Países Bajos en el siglo XV. Se trataba de la miniatura italiana, que pasó por las mismas etapas que las miniaturas de Inglaterra, Francia y los Países Bajos. La intercomunicación entre los países de Europa estaba demasiado bien establecida para que fuera de otro modo. En los manuscritos italianos de tipo normal la influencia del arte bizantino es muy manifiesta durante los siglos XIII y XIV. El antiguo sistema de pintar la carne con tintes de color verde oliva o algún pigmento similar, que se deja expuesto en las líneas de los rasgos, obteniendo así una tez morena, continuó practicándose en una forma más o menos modificada hasta el siglo XV. Por regla general, los pigmentos utilizados son más opacos que los empleados en las escuelas del norte; y el artista confiaba más en el color solo para obtener el efecto deseado que en la mezcla de color y oro que tan brillantes resultados daba en los patrones de pañales de Francia. El vivo color escarlata de los miniaturistas italianos es peculiarmente suyo. El dibujo de figuras es menos realista que el arte contemporáneo de los manuscritos ingleses y franceses, siendo la forma humana a menudo rechoncha. En general, la miniatura italiana, antes de su gran expansión en el siglo XIV, está muy por detrás de las miniaturas del norte. Pero en el siglo XV, bajo la influencia del Renacimiento, avanzó a la vanguardia y rivalizó con las mejores obras de la escuela flamenca. El uso de pigmentos más espesos permitió al miniaturista obtener la superficie dura y pulida tan característica de su obra, y mantener la nitidez de los contornos, sin perder la profundidad y riqueza del color que se comparan con las mismas cualidades de la escuela flamenca.

El estilo italiano se siguió en los manuscritos de Provenza en los siglos XIV y XV. Tuvo también su efecto en la escuela del norte de Francia, que a su vez también la influyó. En los manuscritos del sur de Alemania también queda patente. Pero los principios que se han repasado como guías del desarrollo de la miniatura en las escuelas más importantes se aplican por igual a todas. Al igual que la miniatura de la escuela flamenca, la miniatura italiana todavía se elaboraba con cierto éxito, bajo un patrocinio especial, incluso en el siglo XVI; pero con el rápido desplazamiento del manuscrito por el libro impreso, la ocupación del miniaturista llegó a su fin.

Otras tradiciones

A pesar de las objeciones del Islam al arte figurativo, Persia y el mundo persa continuaron lo que parece haber sido una tradición preexistente de ilustración de libros, mientras que la miniatura árabe figurativa era relativamente poco común, aparte de las figuras en imágenes prácticas como como diagramas. Sin embargo, en el arte islámico los manuscritos de lujo, incluidos los del Corán (que nunca fueron ilustrados con imágenes figurativas) a menudo estaban decorados con diseños muy elaborados de patrones geométricos, arabescos y otros elementos, a veces como borde del texto. Esto se conoce como "iluminación".

Tradición árabe

Varios ejemplos de páginas de manuscritos iluminados en árabe.

Miniatures árabes (Arabic: الיمэченничныминыминыминаницицинанинаниянияных, Al-Munamnamāt al-Araabīyah) son pequeñas pinturas sobre papel, generalmente libros o ilustraciones manuscritos, pero también a veces separan obras de arte que ocupan páginas enteras. El primer ejemplo data de alrededor de 690 dC, con un florecimiento del arte de entre 1000 y 1200 dC en el califato de Abbasid. La forma de arte pasó por varias etapas de la evolución mientras presenciaba la caída y el surgimiento de varios caliphats islámicos. Los miniaturistas árabes absorbieron las influencias chinas y persas provocadas por las destrucciones mongoles, y por fin se asimilaron totalmente y posteriormente desaparecieron debido a la ocupación otomana del mundo árabe. Casi todas las formas de miniaturas islámicas ( miniatures persas, miniaturas otomanas y miniatures Mughal) deben sus existencias a miniaturas árabes, ya que los patronos árabes fueron los primeros en exigir la producción de manuscritos iluminados en el Califato, no fue hasta el siglo XIV que la habilidad artística llegó a las regiones no árabes del Califato.

A pesar de los cambios considerables en el estilo y la técnica de las miniaturas árabes, incluso durante las últimas décadas, todavía se podía notar la temprana influencia árabe omeya. Entre los artistas árabes en miniatura se encuentran Ismail al-Jazari, que ilustró su propio Libro del conocimiento de ingeniosos dispositivos mecánicos, y el artista abasí Yahya Al-Wasiti, que probablemente vivió en Bagdad a finales de la era abasí (siglo XII). hasta el siglo XIII), fue uno de los exponentes más destacados de la escuela de Bagdad. Se sabe que en 1236-1237 transcribió e ilustró el libro Maqamat (también conocido como las Asambleas o las Sesiones), un Serie de anécdotas de sátira social escritas por Al-Hariri de Basora. La narración trata de los viajes de un hombre de mediana edad que utiliza su encanto y elocuencia para abrirse camino a través del mundo árabe.

Aunque la mayoría de los manuscritos árabes se conservan en museos occidentales, las miniaturas árabes ocupan muy poco espacio en la cultura árabe moderna.

persa

El arte persa tiene una larga tradición en el uso de miniaturas, tanto de libros ilustrados como de piezas individuales, que se recopilaban en álbumes (muraqqa). La tradición de las miniaturas mogoles estuvo fuertemente influenciada por Persia y comenzó cuando un grupo de artistas fue reclutado para la India, ya que las miniaturas habían caído en desgracia en la corte persa de Tahmasp I. Reza Abbasi (1565-1635), considerado uno de los persas más renombrados. Pintores de todos los tiempos, especializados en la miniatura persa, con preferencia por los temas naturalistas. Hoy en día, sus obras supervivientes se pueden encontrar en muchos de los principales museos del mundo occidental, como el Smithsonian, el Louvre y el Museo Metropolitano de Arte.

En 2020, la UNESCO declaró el arte en miniatura de Azerbaiyán, Irán, Turquía y Uzbekistán como una de las obras maestras del patrimonio cultural inmaterial de la humanidad.

India

Bajo el patrocinio de la dinastía Pala, la pintura en miniatura se introdujo en la India mediante la pintura de manuscritos budistas de hojas de palma. Uno de los primeros ejemplos supervivientes de manuscritos budistas ilustrados en hojas de palma es Aṣṭasāhasrikā Prajñāpāramitā, fechado en 985 d.C., conservado en la biblioteca de la Universidad de Cambridge. El arte de los manuscritos iluminados Pala se desarrolló en los centros budistas de Bihar y Bengala. Las pinturas en miniatura Pala no solo inspiraron pinturas en miniatura nepalesas y tibetanas, sino que también inspiraron al hinduismo y al jainismo a desarrollar sus propias tradiciones de pintura en miniatura en períodos posteriores.

La pintura mogol se desarrolló durante el período del Imperio mogol (siglos XVI al XVIII) y generalmente se limitaba a miniaturas, ya sea como ilustraciones de libros o como obras individuales para guardar en álbumes. Surgió de la tradición persa de la pintura en miniatura introducida en la India por Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad a mediados del siglo XVI. Pronto se alejó de sus orígenes safávidas; Con la influencia de los artistas hindúes, los colores se volvieron más brillantes y las composiciones más naturalistas. La temática era predominantemente secular y consistía principalmente en ilustraciones de obras literarias o históricas, retratos de miembros de la corte y estudios de la naturaleza. En su apogeo, el estilo de pintura mogol representó una elegante unión del arte persa, europeo e hindi.

En los sultanatos musulmanes del Deccan, los estilos de pintura en miniatura surgieron con influencia directa de Persia y, en parte, de la pintura hindú existente. El estilo de pintura de Deccan era más libre y extravagante que la pintura mogol, aunque no tan consistente en calidad o naturalismo. Cuando los mogoles conquistaron los sultanatos durante el siglo XVII, los artistas se dispersaron. Una versión del estilo mogol se extendió a las cortes principescas, en su mayoría hindúes, en el norte de la India, especialmente en la pintura Rajput, donde se desarrollaron varios estilos diferentes. La pintura pahari cubre una serie de pequeños patios en las estribaciones del Himalaya, y el estilo Bikaner vino de más al sur. En el siglo XVIII, las cortes de Rajput producían la pintura india más innovadora.

Imperio Otomano

La tradición del Imperio Otomano comenzó bajo la influencia persa, y los sultanes coleccionaron con entusiasmo las miniaturas persas. Pronto se desarrolló un estilo otomano distintivo, con un mayor interés en la narrativa y en el registro de la historia del imperio. La iluminación otomana también se utilizó ampliamente en los manuscritos de la corte.

Manuscritos iluminados armenios

La miniatura armenia destaca por su variedad de estilos y escuelas. Cuando Mesrop Mashtots creó las letras armenias en 405 y comenzaron a escribirse libros manuscritos en armenio, junto con la educación, se desarrolló la miniatura iluminada armenia. La mayoría de los 25.000 manuscritos armenios que nos han llegado de diferentes siglos están decorados con miniaturas. Los manuscritos iluminados armenios encarnan la cultura armenia; ilustran sus valores espirituales y culturales.

• 
  Cuatro evangelios, en armenio, manuscrito iluminado en papel, Irán
• 
  Página de la Biblia armenia iluminada por T'oros Roslin, 1256
• 
  Illuminated Armenian Gospel with Eusebian canons, 1609, MS. Arm. d.13, fol. 14r

El miniaturista armenio más famoso es Toros Roslin, que vivió en el siglo XIII. Esta forma de arte floreció en la Gran Armenia, la Pequeña Armenia y la diáspora armenia. Han sobrevivido muy pocos fragmentos de manuscritos iluminados de los siglos VI y VII. El manuscrito más antiguo íntegramente conservado data del siglo IX.

Falsificaciones

Las miniaturas se falsifican por diversos motivos. Los artesanos turcos fabrican miniaturas islámicas falsificadas que representan avances científicos como souvenirs y, a menudo, se pueden encontrar inocuamente como fotografías de archivo en Internet o dentro de materiales de aprendizaje formales. Varias personas también han falsificado miniaturas europeas medievales para engañar a los coleccionistas, siendo uno de los falsificadores más notables el falsificador español.