Miguel Ángel Antonioni

Michelangelo Antonioni Cavaliere di Gran Croce OMRI (, Italiano: [mikeˈlandʒelo (ˌ)antoˈnjoːni]; 29 de septiembre de 1912 - 30 de julio de 2007) fue un director y cineasta italiano. Es mejor conocido por su "trilogía sobre la modernidad y sus descontentos"—L'Avventura (1960), La Notte (1961) y L'Eclisse (1962), así como la película en inglés Blow-up (1966), todas consideradas obras maestras del cine mundial.

Sus películas han sido descritas como "piezas de humor enigmáticas e intrincadas" que presentan tramas escurridizas, una composición visual impactante y una preocupación por los paisajes modernos. Su obra influyó sustancialmente en el cine de arte posterior. Antonioni recibió numerosos premios y nominaciones a lo largo de su carrera, siendo el único director que ha ganado la Palma de Oro, el León de Oro, el Oso de Oro y el Leopardo de Oro.

Primeros años

Antonioni nació en una próspera familia de terratenientes en Ferrara, Emilia Romagna, en el norte de Italia. Era hijo de Elisabetta (de soltera Roncagli) e Ismaele Antonioni. El director explicó al crítico de cine italiano Aldo Tassone:

Mi infancia era feliz. Mi madre... era una mujer cálida e inteligente que había sido trabajadora en su juventud. Mi padre también era un buen hombre. Nacido en una familia de clase obrera, logró obtener una posición cómoda a través de cursos nocturnos y trabajo duro. Mis padres me dieron rienda suelta para hacer lo que quería: con mi hermano, pasamos la mayor parte de nuestro tiempo jugando fuera con amigos. Curiosamente, nuestros amigos eran invariablemente proletarios y pobres. Los pobres todavía existían en ese momento, los reconociste por su ropa. Pero incluso en la forma en que llevaban su ropa, había una fantasía, una franqueza que me hizo preferir a los chicos de familias burguesas. Siempre tuve simpatía por las jóvenes de familias de clase obrera, incluso más tarde cuando asistí a la universidad: eran más auténticas y espontáneas.

—Michelangelo Antonioni

De niño, a Antonioni le gustaba el dibujo y la música. Violinista precoz, dio su primer concierto a los nueve años. Aunque abandonó el violín con el descubrimiento del cine en su adolescencia, el dibujo seguiría siendo una pasión para toda la vida. "Nunca he dibujado, ni siquiera de niño, ni títeres ni siluetas, sino fachadas de casas y portones. Uno de mis juegos favoritos consistía en organizar pueblos. Ignorante en arquitectura, construí edificios y calles atestadas de figuritas. Inventé historias para ellos. Estos sucesos de la infancia (yo tenía once años) eran como pequeñas películas."

Después de graduarse de la Universidad de Bolonia con una licenciatura en economía, comenzó a escribir para el periódico local de Ferrara Il Corriere Padano en 1935 como periodista de cine.

En 1940, Antonioni se mudó a Roma, donde trabajó para Cinema, la revista oficial de cine fascista editada por Vittorio Mussolini. Sin embargo, Antonioni fue despedido unos meses después. Más tarde ese año se matriculó en el Centro Sperimentale di Cinematografia para estudiar técnica cinematográfica, pero lo dejó después de tres meses. Posteriormente fue reclutado en el ejército. Durante la guerra, Antonioni sobrevivió a la condena a muerte como miembro de la resistencia italiana.

Carrera

Trabajo cinematográfico temprano

En 1942, Antonioni coescribió A Pilot Returns con Roberto Rossellini y trabajó como asistente de dirección en I due Foscari de Enrico Fulchignoni. En 1943 viaja a Francia para ayudar a Marcel Carné en Les visiteurs du soir y luego inicia una serie de cortometrajes con Gente del Po (1943), una historia de pobres pescadores del valle del Po. Cuando Roma fue liberada por los aliados, el stock de películas fue transferido a la fascista "República de Salò" y no se pudo recuperar ni editar hasta 1947 (nunca se recuperó el metraje completo). Estas películas eran de estilo neorrealista, siendo estudios semi-documentales de la vida de la gente común.

Sin embargo, el primer largometraje de Antonioni Cronaca di un amore (1950) rompió con el neorrealismo al representar a las clases medias. Continuó haciéndolo en una serie de otras películas: I vinti ("Los vencidos", 1952), un trío de historias, cada una ambientada en un país diferente (Francia, Italia e Inglaterra), sobre delincuencia juvenil; La signora senza camelie (La dama sin camelias, 1953) sobre una joven estrella de cine y su caída en desgracia; y Le amiche (Las novias, 1955) sobre mujeres de clase media en Turín. Il grido (The Outcry, 1957) fue un regreso a las historias de la clase obrera, representando a un trabajador de una fábrica y su hija. Cada una de estas historias trata sobre la alienación social.

Reconocimiento internacional

En Le Amiche (1955), Antonioni experimentó con un estilo radicalmente nuevo: en lugar de una narrativa convencional, presentó una serie de eventos aparentemente inconexos, y utilizó tomas largas como parte de su película. haciendo estilo. Antonioni volvió a utilizarlos en L'avventura (1960), que se convirtió en su primer éxito internacional. En el Festival de Cine de Cannes recibió una mezcla de aplausos y abucheos, pero la película fue popular en los cines de autor de todo el mundo. La notte (1961), protagonizada por Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni, y L'Eclisse (1962), protagonizada por Alain Delon, siguieron a L'avventura . Estas tres películas se conocen comúnmente como una trilogía porque son estilísticamente similares y todas tienen que ver con la alienación del hombre en el mundo moderno. La notte ganó el premio Oso de Oro en el 11º Festival Internacional de Cine de Berlín, Su primera película en color, Il deserto rosso (El desierto rojo, 1964), trata temas similares y, a veces, se considera la cuarta película de la "trilogía". Todas estas películas están protagonizadas por Monica Vitti, su amante durante ese período.

Antonioni luego firmó un contrato con el productor Carlo Ponti que permitiría la libertad artística en tres películas en inglés que MGM estrenaría. El primero, Blowup (1966), ambientado en el Swinging London, fue un gran éxito internacional. El guión se basó libremente en el cuento La baba del diablo (también conocido como Blow Up) del escritor argentino Julio Cortázar. Aunque abordó el desafiante tema de la imposibilidad de los estándares objetivos y la siempre dudosa verdad de la memoria, fue un éxito de público y éxito, sin duda ayudado por sus escenas de sexo, explícitas para la época. Fue protagonizada por David Hemmings y Vanessa Redgrave. La segunda película fue Zabriskie Point (1970), su primera ambientada en Estados Unidos y con un tema contracultural. La banda sonora incluía música de Pink Floyd (que escribió música nueva específicamente para la película), Grateful Dead y los Rolling Stones. Sin embargo, su estreno fue un desastre crítico y comercial. La tercera, The Passenger (1975), protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider, recibió elogios de la crítica, pero también obtuvo malos resultados en la taquilla. Estuvo fuera de circulación durante muchos años, pero se relanzó para una presentación teatral limitada en octubre de 2005 y posteriormente se lanzó en DVD.

En 1966, Antonioni redactó un tratamiento titulado "Técnicamente dulce", que luego convirtió en un guión con Mark Peploe, Niccolo Tucci y Tonino Guerra, con planes de comenzar a filmar a principios de &#39 70's con los actores Jack Nicholson y Maria Schneider. Al borde de la producción en la selva amazónica, el productor, Carlo Ponti, repentinamente retiró el apoyo y el proyecto fue abandonado, con Nicholson y Schneider avanzando para protagonizar The Passenger. En 2008, "Technically Sweet", se convirtió en una exposición colectiva internacional comisariada por las artistas con sede en Copenhague Yvette Brackman y Maria Finn, en la que se muestran las creaciones de varios artistas, que trabajan en múltiples medios y se basan en las obras de Antoniono. manuscrito, se exhibieron en la ciudad de Nueva York. Uno de ellos fue el cortometraje 'Sweet Ruin', dirigido por Elisabeth Subrin y protagonizado por Gaby Hoffmann. La viuda de Antonioni, Enrica, y el director André Ristum han anunciado planes para producir un largometraje basado en el guión, y el rodaje en Brasil y Cerdeña comenzará en 2023.

En 1972, entre Zabriskie Point y The Passenger, Antonioni fue invitado por el gobierno de Mao de la República Popular China a visitar el país. Hizo el documental Chung Kuo, Cina, pero fue severamente denunciado por las autoridades chinas como "anti-chino" y "anticomunista". El documental se proyectó por primera vez en China el 25 de noviembre de 2004 en Beijing con un festival de cine organizado por la Academia de Cine de Beijing para honrar las obras de Michelangelo Antonioni.

Carrera posterior

Antonioni en los años 2000

En 1980, Antonioni realizó Il mistero di Oberwald (El misterio de Oberwald), un experimento en el tratamiento electrónico del color, grabado en video y luego transferido a la película, con Monica Vitti una vez más. Se basa en la obra de Jean Cocteau L'Aigle à deux têtes (El águila de dos cabezas). Identificazione di una donna (Identificación de una mujer, 1982), filmada en Italia, aborda una vez más los temas recursivos de su trilogía italiana. En 1985, Antonioni sufrió un derrame cerebral que lo dejó parcialmente paralizado y sin poder hablar. Sin embargo, continuó haciendo películas, incluida Beyond the Clouds (1995), para la que Wim Wenders filmó algunas escenas. Como ha explicado Wenders, Antonioni rechazó casi todo el material filmado por Wenders durante el montaje, salvo unos breves interludios. Compartieron el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia con Cyclo.

En 1994 recibió el Premio de la Academia Honorario "en reconocimiento a su lugar como uno de los maestros estilistas visuales del cine". Se lo presentó Jack Nicholson. Meses después, la estatuilla fue robada por ladrones y tuvo que ser reemplazada. Anteriormente, había sido nominado a los Premios de la Academia a Mejor Director y Mejor Guión por Blowup. La última película de Antonioni, realizada cuando tenía 90 años, fue un segmento de la película de antología Eros (2004), titulada Il filo pericoloso delle cose (El Hilo Peligroso de las Cosas). Los episodios del cortometraje están enmarcados por pinturas oníricas y la canción 'Michelangelo Antonioni', compuesta y cantada por Caetano Veloso. Sin embargo, no fue bien recibido internacionalmente; en Estados Unidos, por ejemplo, Roger Ebert afirmó que no se trataba ni de erotismo ni de erotismo. El lanzamiento en DVD de la película en Estados Unidos incluye otro cortometraje de 2004 de Antonioni, Lo sguardo di Michelangelo (La mirada de Miguel Ángel).

Antonioni murió a los 94 años el 30 de julio de 2007 en Roma, el mismo día que también falleció otro reconocido director de cine, Ingmar Bergman. Antonioni yacía en el ayuntamiento de Roma, donde una gran pantalla mostraba imágenes en blanco y negro de él entre los escenarios de su película y detrás de escena. Fue enterrado en su ciudad natal de Ferrara el 2 de agosto de 2007.

Estilo y temas

El crítico Richard Brody describió a Antonioni como "el modernista ejemplar del cine" y uno de sus "grandes pictóricos—sus imágenes reflejan, con un atractivo frío, las abstracciones que lo fascinaban." AllMovie declaró que "sus películas, un cuerpo seminal de piezas de humor enigmáticas e intrincadas, rechazaron la acción en favor de la contemplación, defendiendo la imagen y el diseño sobre el personaje y la historia". Atormentado por una sensación de inestabilidad e impermanencia, su obra definió un cine de posibilidades." Stephen Dalton, del British Film Institute, describió las características visuales influyentes de Antonioni como "tomas extremadamente largas, arquitectura moderna impactante, uso pictórico del color, [y] diminutas figuras humanas a la deriva en paisajes vacíos", notando similitudes con los "paisajes oníricos urbanos vacíos" del pintor surrealista Giorgio de Chirico. La historiadora de cine Virginia Wright Wexman señala la lentitud de su cámara y la ausencia de cortes frecuentes, afirmando que "obliga nuestra atención completa al continuar la toma mucho después de que otros la cortarían". Antonioni también se destaca por explotar el color como elemento expresivo significativo en sus obras posteriores, especialmente en Il deserto rosso, su primera película en color.

Las tramas de Antonioni eran experimentales, ambiguas y elusivas, y a menudo presentaban personajes de clase media que sufrían de hastío, desesperación o sexo sin alegría. El historiador de cine David Bordwell escribe que en las películas de Antonioni, 'Vacaciones, fiestas y actividades artísticas son vanos esfuerzos para ocultar a los personajes'. falta de propósito y emoción. La sexualidad se reduce a la seducción casual, la empresa a la búsqueda de la riqueza a toda costa." The New Yorker escribió que "Antonioni capturó una nueva sociedad burguesa que pasó de la creación física a la intelectual, de la materia a la abstracción, de las cosas a las imágenes, y la crisis de la identidad personal y el autorreconocimiento que resultó," llamando a sus colaboraciones de la década de 1960 con Monica Vitti "un momento crucial en la creación del modernismo cinematográfico". Richard Brody afirmó que sus películas exploran "la forma en que los nuevos métodos de comunicación, principalmente los medios de comunicación, pero también las abstracciones de la industria de alta tecnología, la arquitectura, la música, la política e incluso la moda, tienen un efecto de retroalimentación en el pensadores de cuello blanco educados que los crean," pero señaló que "no sentía nostalgia por lo premoderno".

Wexman describe la perspectiva de Antonioni sobre el mundo como la de un "marxista posreligioso e intelectual existencialista". En un discurso en Cannes sobre L'Avventura, Antonioni dijo que en la era moderna de la razón y la ciencia, la humanidad aún vive de

"una moral rígida y estereotipada que todos reconocemos como tal y, sin embargo, sostienen fuera de la cobardía y la pereza [...] Hemos examinado muy cuidadosamente esas actitudes morales, las hemos diseccionado y analizado hasta el punto de agotamiento. Hemos sido capaces de todo esto, pero no hemos sido capaces de encontrar nuevos."

Nueve años más tarde expresó una actitud similar en una entrevista, diciendo que detestaba la palabra 'moralidad': "Cuando el hombre se reconcilia con la naturaleza, cuando el espacio se convierte en su verdadero fondo, estas palabras y los conceptos habrán perdido su significado, y ya no tendremos que usarlos." El crítico Roland Barthes afirmó que el enfoque de Antonioni 'no es el de un historiador, un político o un moralista, sino el de un utópico cuya percepción busca señalar el nuevo mundo, porque está ansioso por este. mundo y ya quiere ser parte de él." Agregó que su arte "consiste en dejar siempre abierto y como indeciso el camino del sentido".

Recepción y legado

Bordwell explica que Antonioni tuvo una gran influencia en las películas de arte posteriores: "Más que cualquier otro director, alentó a los cineastas a explorar una narrativa elíptica y abierta". The Guardian lo describió como, "en esencia, un director de secuencias extraordinarias" y aconsejó a los espectadores que "olviden la trama, los personajes o el diálogo, su importancia se transmite en términos absolutamente formales".

El director de cine Akira Kurosawa consideraba a Antonioni uno de los cineastas más interesantes. Stanley Kubrick incluyó a La Notte como una de sus diez películas favoritas en una encuesta de 1963. Miklós Jancsó considera a Antonioni su maestro. El director estadounidense Martin Scorsese rindió homenaje a Antonioni tras su muerte en 2007, afirmando que sus películas planteaban misterios, o más bien el misterio de quiénes somos, qué somos, entre nosotros, con nosotros mismos, con el tiempo. Se podría decir que Antonioni miraba directamente a los misterios del alma." Los directores estadounidenses Francis Ford Coppola y Brian De Palma rindieron homenaje a Antonioni en sus propias películas.

Sin embargo, el estilo sobrio y los personajes sin propósito de Antonioni no han recibido elogios universales. Ingmar Bergman declaró en 2002 que si bien consideraba las películas de Antonioni Blowup y La notte obras maestras, encontraba aburridas las otras películas y señaló que nunca había entendido por qué Antonioni estaba encerrado en tal estima. Orson Welles lamentó el uso de la toma larga por parte del director italiano: “No me gusta detenerme en las cosas. Es una de las razones por las que estoy tan aburrido de Antonioni: la creencia de que, debido a que un tiro es bueno, mejorará si sigues mirándolo. Te da una toma completa de alguien caminando por una calle. Y piensas, 'Bueno, él no va a llevar a esa mujer todo el camino por ese camino'. Pero él lo hace. Y luego ella se va y sigues mirando el camino después de que ella se ha ido."

El actor estadounidense Peter Weller, a quien Antonioni dirigió en Más allá de las nubes, explicó en una entrevista de 1996: "No hay ningún director vivo excepto quizás Kurosawa, Bergman o Antonioni que me enamoraría". abajo y hacer cualquier cosa para. Conocí a Antonioni hace tres años en Taormina en un festival de cine. Me presenté y le dije que adoraba sus películas, sus contribuciones al cine, porque él fue el primero que realmente comenzó a hacer películas sobre la realidad de la vacuidad entre las personas, la dificultad de atravesar este espacio entre los amantes en la actualidad....y nunca te da una respuesta, Antonioni—eso es lo lindo."

Filmografía

Largometrajes

Cortometrajes

• Gente del Po ()Gente del Valle del Po, filmado en 1943, lanzado en 1947) – 10 minutos
• N.U. ()Dustmen, 1948) – 11 minutos
• Oltre l'oblio (1948)
• Roma-Montevideo (1948)
• Lies of Love ()L'amorosa menzogna, 1949) – 10 minutos
• Sette canne, un chaleco ()Siete cañas, Un traje, 1949) – 10 minutos
• Bomarzo (1949)
• Ragazze en bianco ()Chicas en blanco, 1949)
• Superstizione ()Superstición, 1949) - 9 minutos
• La villa dei mostri ()La Casa de los Monstruos, 1950) – 10 minutos
• La funivia del Faloria ()El Funicular del Monte Faloria, 1950) – 10 minutos
• Tentato suicido ()Cuando el amor falla, 1953) – episodio en L'amore in città ()Amor en la ciudad)
• Il provino (1965) – episodio en I tre volti
• Inserto girato a Lisca Bianca (1983) – 8 minutos
• Kumbha Mela (1989) – 18 minutos
• Roma ()Roma, 1989) – episodio en 12 registi por 12 città, para la Copa Mundial de la FIFA de 1990
• Noto, Mandorli, Vulcano, Stromboli, Carnevale ()Volcanes y Carnaval, 1993) – 8 minutos
• Sicilia (1997) – 9 minutos
• Lo sguardo di Michelangelo ()La alegría de Miguel Ángel, 2004) - 15 minutos
• Il filo pericoloso delle cose ()El pan peligroso de las cosas, 2004) – episodio en Eros

Premios y distinciones

• Premio Honorario de la Academia (1995)
• Berlin International Festival de Cine Premio FIPRESCI (1961)
• Berlin International Festival de Cine Oso Dorado (1961), para La Notte
• Premio Bodil al Mejor Cine Europeo (1976), por El Pasajero
• British Film Institute Sutherland Trophy (1960), for L'Avventura
• Premio Jurado del Festival de Cine de Cannes (1960), para L'Avventura
• Premio Jurado del Festival de Cine de Cannes (1962), para Eclipse
• Festival de Cine de Cannes Palme d'Or (1967), para Blowup
• Festival de Cine de Cannes 35o Premio Aniversario (1982), para Identificación de una mujer
• Premio David di Donatello al Mejor Director (1961), por La Notte
• Premio David di Donatello Luchino Visconti (1976)
• European Film Awards Life Achievement Award (1993)
• Premio Flaiano Carrera de Cine (2000)
• Premio Francés Sindicato de Cine Crítica a Mejor Cine Extranjero (1968), por Blowup
• Giffoni Film Festival François Truffaut Award (1991)
• Giffoni Film Festival Golden Career Gryphon (1995)
• International Istanbul Film Festival Lifetime Achievement Award (1996)
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best Documentary (1948), for N.U.
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best Documentary (1950), for Lies of Love
• Italian National Syndicate of Film Journalists Special Silver Ribbon (1951), for Historia de un amor
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best Director (1956), for Le Amiche
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best Director (1962), for La Notte
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best foreign film Director (1968), for Blow up
• Italian National Syndicate of Film Journalists Silver Ribbon for Best Director (1976), for El Pasajero
• Kansas City Film Critics Circle Award for Best Director (1968), for Blowup
• Premio del Festival Internacional de Cine de Locarno (1957), para Il Grido
• Montreal World Film Festival Grand Prix Special des Amériques (1995)
• National Society of Film Critics Special Citation Award (2001)
• Premio de la Sociedad Nacional de Crítica de Cine al Mejor Director (2001), por Blowup
• Palm Springs International Film Festival Lifetime Achievement Award (1998)
• Festival Internacional de Cine de Valladolid FIPRESCI Prize for Short Film (2004), for Michelangelo Ojo a ojo
• Festival de Cine de Venecia Silver Lion (1955), para Le Amiche
• Festival de Cine de Venecia Premio FIPRESCI (1964), para Desierto
• Festival de Cine de Venecia León de Oro (1964), para Desierto
• Festival de Cine de Venecia Carrera León de Oro (1983)
• Premio FIPRESCI del Festival de Cine de Venecia (1995) Más allá de las nubes (con Wim Wenders)
• Premio Pietro Bianchi Festival de Cine de Venecia (1998)