Michael Asher (artista)

Michael Max Asher (15 de julio de 1943 - 15 de octubre de 2012) fue un artista conceptual, descrito por The New York Times como "entre los mecenas santos del filo del Arte Conceptual conocido como Crítica Institucional, una disección a menudo esotérica de los supuestos que gobiernan cómo percibimos el arte." En lugar de diseñar nuevos objetos de arte, Asher normalmente alteraba el entorno existente reposicionando o eliminando obras de arte, paredes, fachadas, etc.

Asher también fue un profesor de arte muy respetado, que pasó décadas en la facultad del Instituto de las Artes de California. Citado por numerosos artistas exitosos como una influencia importante en su desarrollo, la enseñanza de Asher ha sido descrita por la periodista británica Sarah Thornton como su obra "más influyente" trabaja.

Vida temprana y educación

Nacido en Los Ángeles, California, Asher es hijo de la galerista Betty Asher y el Dr. Leonard Asher. Estudió en la Universidad de California, Irvine, donde recibió su licenciatura en bellas artes en 1966.

Vida y carrera

Comenzó a enseñar en el Instituto de las Artes de California en 1973, junto con otros profesores-artistas influyentes como John Baldessari, Judy Chicago y Allan Kaprow. Su "arte posterior al estudio" El curso consistió en críticas grupales intensivas que pueden concentrarse en una sola obra durante ocho horas o más. Sus Writings, 1973–1983, on Works 1969-1979, en coautoría con el historiador de arte Benjamin H. D. Buchloh, fueron publicados por The Press of the Nova Scotia College of Art and Design.

El capítulo 2 de Seven Days in the Art World de Sarah Thornton está ambientado en la clase Post-Studio Crit de Asher. Thornton describe el Crit como un "rito de iniciación" para los estudiantes y como el artista "más influyente" trabajo - "una crítica institucional que revela los límites del resto del plan de estudios."

Con licencia médica de CalArts desde 2008, Asher murió el domingo 14 de octubre de 2012 después de una larga enfermedad. Tenía 69 años.

Obras

El trabajo de Asher toma la forma de "intervenciones sutiles pero deliberadas (adiciones, sustracciones o alteraciones) en entornos particulares." Sus piezas siempre fueron específicas del sitio; siempre fueron temporales, y todo lo que se hizo o movió para ellos se destruyó o volvió a colocar después de las exposiciones.

Gran parte del trabajo de Asher, especialmente en la década de 1970, se centró en las idiosincrasias específicas de la galería como espacio artístico. Asher concibió las elecciones espaciales y curatoriales de la galería como sus propias obras minimalistas, centradas conceptualmente en la percepción del espectador.

Su trabajo a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 consistió en dividir los espacios de la galería mediante tabiques y cortinas, y diseñar ambientes que reflejaran o absorbieran el sonido. Para su primera exposición individual en el Museo de Arte de La Jolla, Asher instaló un generador de tonos en una de las paredes de la galería que efectivamente canceló todas las ondas de sonido en la sala, creando una zona muerta en el centro de la galería. En 1969, para la exposición colectiva "Anti-Illusion: Procedimientos/Materiales" en el Museo Whitney de Arte Estadounidense, ocultó un ventilador sobre una puerta para crear una losa de aire por la que pasaban los visitantes cuando se movían de una galería a la siguiente.. En la década de 1970 comenzó a eliminar elementos de los espacios, por ejemplo, eliminando capas de pintura con chorro de arena (en Galleria Toselli, Milán, en 1973) o eliminando los tabiques que separaban un espacio de exposición de la oficina de la galería. Más dramáticamente, en su pieza Instalación (1970) en Pomona College, creó una obra reconfigurando el espacio interior de una galería y luego dejando la galería abierta, sin puerta, las 24 horas del día, introduciendo la luz y el ruido de la calle en la galería como elementos experienciales. Para otro trabajo temprano en la Galería Claire Copley en Los Ángeles, en 1974, quitó una pared crucial que protegía el espacio de la oficina de la vista, enmarcando las operaciones comerciales detrás de escena de la galería de arte como algo que valía la pena ver. Una mayor exploración del funcionamiento de la galería como institución tuvo lugar en 1977, donde realizó una exposición en las galerías Claire Copley y Morgan Thomas. La exposición asumió la función de transposición, colocando a ambos galeristas en el espacio del otro, mostrando sus propias elecciones curatoriales únicas. En 1979 comenzó a reposicionar objetos en colecciones de museos. A veces, Asher recopila datos, como la lista que publicó de todas las obras de arte que el Museo de Arte Moderno ha dado de baja. Para una exhibición en el Museo de Arte de Santa Mónica en 2008, decidió recrear las 44 paredes de montantes que se han construido para cada exhibición desde que el museo se mudó a Bergamot Station en mayo de 1998. Planos arquitectónicos de esas 44 exhibiciones, subtitulados con el título y las fechas de cada uno, se muestran en una pequeña galería en la entrada de la exposición, proporcionando una clave de lo que los visitantes están a punto de ver.

Su obra sin título de 1991, que presenta una fuente de agua potable de granito pulido y funcional yuxtapuesta a un asta de bandera, fue su primera obra pública permanente al aire libre en los Estados Unidos. Parte de la Colección Stuart de arte público en el campus de la Universidad de California, San Diego, esta fuente para beber es una réplica exacta de las fuentes comerciales de metal que se encuentran típicamente en oficinas comerciales y edificios gubernamentales. En lugar de su contexto habitual como mobiliario de oficina interior, la fuente se coloca como un monumento en una isla de hierba en el centro del campus. Marca el sitio como el antiguo Campamento Matthews, una instalación de entrenamiento militar de 1917 a 1964. La pieza fue destruida por un vándalo que empuñaba un mazo el 13 de enero de 2015.

Exposiciones y premios

Asher expuso en documenta (1972, 1982), el MoMA (1979) y la Bienal de Venecia (1976), y sus exposiciones individuales en museos incluyen el Centro Pompidou (1991), el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2003), Instituto de Arte de Chicago (2005) y Museo de Arte de Santa Mónica (2008).

Asher ganó el Premio Bucksbaum 2010. El jurado estuvo compuesto por: Adam D. Weinberg, director de Alice Pratt Brown de Whitney; Donna De Salvo, directora asociada de programas y curadora en jefe de Whitney; los curadores de 2010 Francesco Bonami y Gary Carrion-Murayari; y tres panelistas invitados, Hou Hanru (San Francisco Art Institute), Yasmil Raymond (Dia Art Foundation) y James Rondeau (Art Institute of Chicago). El ganador recibió 100.000 dólares y una exposición individual en el Museo Whitney de Arte Americano. Su proyecto para la Bienal de Whitney de 2010 implicaba que el museo permaneciera abierto las 24 horas del día durante una semana (aunque el museo lo acortó a tres días debido a "limitaciones presupuestarias y de recursos humanos").

A mediados de la década de 1970, tras una disputa con el galerista Heiner Friedrich, Asher decidió utilizar acuerdos contractuales para controlar la producción, difusión y propiedad de sus proyectos artísticos. Usando el contrato de Seth Siegelaub y Robert Projanksy, The Artists Reserved Rights Transfer and Sale Agreement, como modelo, Asher elaboró su propio contrato con la ayuda del abogado de Los Ángeles, Arthur Alef.