Método suzuki

El método Suzuki es un plan de estudios musical y de enseñanza de filosofía que data de mediados del siglo XX, creado por el violinista y pedagogo japonés Shinichi Suzuki (1898–1998). El método tiene como objetivo crear un entorno para aprender música que sea paralelo al entorno lingüístico de adquisición de una lengua materna. Suzuki creía que este entorno también ayudaría a fomentar el buen carácter moral.

Fondo

El Método Suzuki fue concebido a mediados del siglo XX por Shinichi Suzuki, un vendedor de violines japonés. Como violinista pobre y principiante en el idioma alemán que luchaba por aprenderlo, Suzuki notó que los niños aprenden su lengua materna rápidamente, mientras que los adultos consideran que incluso los dialectos son "difíciles" aprender, pero los niños de cinco o seis años los hablan con facilidad. Razonó que si los niños tienen la habilidad de adquirir su lengua materna, tienen la habilidad necesaria para dominar un instrumento musical. Suzuki decidió desarrollar su método de enseñanza (en lugar de convertirse en violinista profesional) después de una conversación con Leonor Michaelis, profesora de Bioquímica en la Universidad de Nagoya.

Suzuki fue pionera en la idea de que los niños en edad preescolar podían aprender a tocar el violín si los pasos de aprendizaje eran lo suficientemente pequeños y el instrumento se adaptaba a su cuerpo. Modeló su método, al que llamó "Educación del talento" (才能 教育, sainō kyōiku), según sus teorías sobre la naturaleza adquisición de lenguaje. Suzuki creía que cada niño, si se le enseñaba adecuadamente, era capaz de alcanzar un alto nivel de logros musicales. También dejó claro que el objetivo de dicha educación musical era criar generaciones de niños con "corazones nobles" (en lugar de crear famosos prodigios musicales).

Filosofía

La creencia central de Suzuki, basada en sus teorías de adquisición del lenguaje, es que todas las personas pueden (y aprenderán) de su entorno. Los componentes esenciales de su método surgen del deseo de crear el "entorno adecuado" para aprender música (creía que este ambiente positivo también ayudaría a fomentar un carácter excelente en cada estudiante). Estos componentes incluyen:

• Saturación en la comunidad musical.

Esto incluye asistir a conciertos de música clásica local, desarrollar amistades con otros estudiantes de música, y escuchar grabaciones de músicos profesionales en el hogar todos los días, comenzando antes del nacimiento si es posible.

• Evitación deliberada de pruebas de aptitud musical o audiciones para iniciar el estudio musical.

Suzuki creía que los maestros que prueban aptitud musical antes de tomar estudiantes, o que sólo buscan estudiantes "con talento", se limitan a personas que ya han iniciado su educación musical. Así como se espera que cada niño aprenda su lengua materna, Suzuki esperaba que cada niño fuera capaz de aprender a tocar música.

• Emphasis on playing from a very young age.

Suzuki creía que los niños normalmente deberían comenzar la instrucción formal entre las edades de tres a cinco años. (Ver Técnica).

• Usando maestros bien entrenados.

Suzuki creía en entrenar músicos no sólo para ser mejores músicos, sino también para ser mejores maestros. Suzuki Associations en todo el mundo ofrecen programas de formación continua de maestros a futuros y continuos profesores Suzuki.

• Al principio, aprender música por oído se enfatiza en la lectura de notación musical escrita.

Suzuki observó que los niños hablan antes de aprender a leer, y pensó que los niños también deberían poder tocar música antes de aprender a leer. Para apoyar el aprendizaje por oído, se espera que los estudiantes escuchen grabaciones de la música que están aprendiendo diariamente.

• Se espera que se memorice todo repertorio solitario.

El enfoque en la memorización continúa incluso después de que un estudiante comience a utilizar la música de hoja para aprender nuevas piezas.

• La teoría musical y la lectura de notas se dejan al maestro.

El método Suzuki no incluye un plan formal ni prescribe materiales específicos para introducir la teoría y la lectura de la música, en parte porque Suzuki creó el método en una cultura donde la alfabetización musical se enseñaba rutinariamente en las escuelas.

• Se alienta firmemente el juego regular en grupos (incluyendo jugar piezas al unísono).
• Retener y revisar cada pieza de música que se haya aprendido también es muy animado.

Esto pretende elevar la capacidad técnica y musical. Las piezas de revisión, junto con partes "previsión" de la música que un estudiante todavía tiene que aprender, se utilizan a menudo en lugar de los libros de etude más tradicionales. Los etudes tradicionales y los estudios técnicos no se utilizan en las etapas iniciales, que se centran casi exclusivamente en un conjunto de piezas de rendimiento.

• El rendimiento público frecuente hace que se sienta como una parte natural y agradable de ser músico.

El método desalienta las actitudes competitivas entre jugadores y aboga por la colaboración y el estímulo mutuo para aquellos de todos los niveles y habilidades. Sin embargo, esto no significa la eliminación de audiciones o evaluaciones de actuaciones de los estudiantes. (Esta afirmación no contradice el segundo punto de esta sección: “Evitar deliberadamente pruebas de aptitud musical o audiciones para comenzar a estudiar música”, porque ese segundo punto dice que todos pueden comenzar a aprender. Algunos progresarán más rápido que otros y esto podría ser medido más tarde con audiciones.)

Se espera que los padres del joven estudiante supervisen la práctica del instrumento todos los días, en lugar de dejar que el niño practique solo entre lecciones, y que asistan y tomen notas en cada lección para que puedan entrenar al estudiante de manera efectiva. Este elemento del método es tan destacado que una vez un artículo periodístico lo denominó "El método centrado en la mamá".

Técnica

Aunque Suzuki era violinista, el método que fundó no es una "escuela de violín" (como las escuelas de interpretación francesa o rusa) cuyos alumnos pueden identificarse por el conjunto de técnicas que utilizan para tocar el violín. Sin embargo, algunos de los conceptos técnicos que Suzuki enseñó a sus propios alumnos, como el desarrollo de la "tonalización", eran tan esenciales para su forma de enseñar que se han trasladado a todo el método. Se utilizan otras técnicas no específicas de instrumentos para implementar los elementos básicos de la filosofía en cada disciplina.

• Tonalización es un término acuñado por Suzuki, y es deliberadamente similar a la palabra "vocalización" (como es utilizado por los cantantes cuando hablan de calentar sus voces). La tonalización se define como la capacidad del estudiante para producir y reconocer una hermosa calidad de tono que suena en su instrumento. Aunque se desarrolló inicialmente para la educación violín, la técnica de tonalización se ha aplicado a otros instrumentos como el piano. Suzuki creía que un estudiante debía aprender tonalización para reproducir y realizar correctamente la música (Lavie, Karen, New Zealand Suzuki Journal, 2005). Fuera del método Suzuki, el término utilizado es "producción de tonos", y es parte de la educación musical occidental que se remonta a su comienzo.
• Uso grabaciones sonoras es otra técnica común a todos los instrumentos musicales enseñados en el método Suzuki. La historia de Thibeault (2018) de la pedagogía mediada de Suzuki presenta a Suzuki como un innovador tecnológico que creó nuevas formas de aprender de grabaciones sonoras. La música pregrabada se utiliza para ayudar a los estudiantes a aprender notas, frases, dinámicas, ritmo y hermosa calidad del tono por oído. Suzuki señaló que grandes artistas (como Mozart) estaban rodeados de excelentes performances desde el nacimiento, y que el advenimiento de la tecnología de grabación hizo posible este aspecto de su entorno para lograr un gran número de personas "ordinarias" cuyos padres no eran grandes músicos y maestros de música como el padre de Mozart. Los educadores de música "tradicional" (es decir, no entrenados en Suzuki) han utilizado esta técnica desde los primeros días de la tecnología de grabación; la diferencia en el método Suzuki es la escala en la que Suzuki insistía sistemáticamente en escuchar diariamente en el hogar, desde antes del nacimiento, si es posible, y su enfoque en el uso de grabaciones del repertorio de principiante junto con grabaciones de repertorio avanzado.
• Los instrumentos se adaptan para satisfacer las demandas del cuerpo de un niño pequeño de varias maneras. Esto reduce la edad a la que la gente está anatómicamente lista para comenzar a estudiar un instrumento. Los tamaños de instrumentos escalados se utilizan para los niños que estudian instrumentos de cuerda. También hay disponibles flautas curvadas con teclas desplazadas (que están más cerca que las teclas normales de flauta) y agujeros, lo que permite que los niños tan jóvenes como tres estudien la flauta a través del método Suzuki. Sillas ajustables de altura, bancos y reposapiés se utilizan para piano, guitarra, violonchelo y bajo de cuerda. Aunque los violínes estudiantiles de tamaño fraccional estaban disponibles cuando Suzuki comenzó a enseñar, el éxito y popularidad de su idea de que los niños de edad preescolar también podían aprender a tocar llevó a los violinistas a escalar los violínes hasta tamaños aún más pequeños que antes.
• Suzuki Institutes fueron establecidos para fomentar una comunidad musical, capacitar a maestros y proporcionar un lugar donde las ideas de maestros maestros pueden ser difundidas a toda la comunidad de estudiantes, maestros y padres de Suzuki. Estos festivales de música a corto plazo comenzaron en Matsumoto, Japón, donde los estudiantes de maestros " vinieron a aprender de Suzuki. En EE.UU., a menudo duran una semana o dos e incluyen clases magistrales diarias; clases de repertorio (grupo); cursos de formación de maestros; conciertos; sesiones de discusión; seminarios; y diversas clases de 'enriquecimiento' en diferentes estilos musicales, instrumentos o actividades no musicales (generalmente artes, artesanías o baile). Como en cualquier festival de música, los participantes deben pagar las tasas de inscripción y matrícula al instituto que asisten. Cada asociación nacional Suzuki maneja el registro para la formación de maestros, y las políticas difieren de país a país.
• A repertorio común para todos los estudiantes de un instrumento fue establecido. Este cuerpo de música permite a cada estudiante participar en clases de grupo, ayuda a fomentar la comunidad musical local e internacional y la camaradería, y proporciona la motivación para que los estudiantes aprendan música nueva mientras conservan las piezas antiguas que han aprendido en forma superior. Esto contrasta directamente con la educación musical fuera del método, en el que los maestros adaptan el repertorio a la necesidad actual y el nivel del estudiante individual.

Repertorio

La literatura básica de Suzuki se publica en grabaciones de audio y libros de partituras para cada instrumento, y los maestros de Suzuki complementan el repertorio común a cada instrumento según sea necesario, particularmente en el área de enseñanza de la lectura. Una de las innovaciones del método Suzuki fue realizar grabaciones de calidad de los ejercicios de los principiantes. Piezas ampliamente disponibles, interpretadas por músicos profesionales. Muchos profesores de música tradicionales (no formados por Suzuki) también utilizan el repertorio de Suzuki, a menudo para complementar su plan de estudios, y adaptan la música a sus propias filosofías de enseñanza.

Otra innovación de Suzuki fue omitir deliberadamente la gran cantidad de instrucciones técnicas y ejercicios que se encuentran en muchos ejercicios para principiantes. libros de música de su época. Prefirió centrarse en la interpretación de canciones melódicas en lugar de ejercicios técnicos, y pidió a los profesores que permitieran a los estudiantes hacer música desde el principio, ayudando a motivar a los niños pequeños con canciones cortas y atractivas que pueden usarse como ejercicios de desarrollo de técnicas. Cada canción del repertorio común se elige cuidadosamente para introducir algún nivel de técnica nuevo o superior al de la selección anterior.

La enseñanza de Suzuki utiliza un repertorio básico común para estudiantes del mismo instrumento en todo el mundo y, aunque se centra en la música "clásica" música, enfatiza que esta música puede ser un puente a través de barreras culturales y lingüísticas: no es necesario compartir el origen étnico o nacional de los compositores para aprender o compartir la música. Suzuki creó una serie de variaciones rítmicas sobre el tema "Twinkle, Twinkle, Little Star", utilizando ritmos de literatura más avanzada en unidades lo suficientemente pequeñas como para que un principiante las comprenda rápidamente. Aunque estas variaciones fueron creadas para violín, la mayoría de los instrumentos las utilizan como punto de partida de su repertorio.

Violín

El método del violín fue compilado y editado por Suzuki en diez volúmenes, comenzando con las Variaciones de Suzuki sobre "Twinkle Twinkle Little Star" y terminando con dos conciertos de Mozart. Los primeros 3 libros son en su mayoría arreglos graduados de música no escrita originalmente para violín solo, aunque el libro 1 contiene varias composiciones originales de Suzuki para violín y violín. piano. Estos arreglos provienen de melodías populares y de compositores como Bach, Telemann, Dvořák, Beethoven, Schubert, Handel, Paganini, Boccherini y Brahms. Los libros 4 a 10 continúan la selección calificada incorporando libros 'estándar' o 'tradicional' Solos de violín de estudiantes de Seitz, Vivaldi, Bach, Veracini, Corelli, Dittersdorf, Rameau, Handel, Mozart, Fiocco y otros. El repertorio de violín Suzuki se encuentra actualmente en proceso de revisión por parte de la Asociación Internacional Suzuki y, como parte del proceso de revisión, cada Asociación Suzuki regional proporciona una lista recomendada de repertorio complementario apropiado para estudiantes en los libros 6-8. La lista de repertorio suplementario de la SAA incluye piezas de Bach, Kreisler, Elgar, Bartok, Shostakovich, Copland y otros (Repertorio suplementario sugerido, 2013 y Preucil, 1985).

Las grabaciones de audio más recientes son los libros 1 a 3 grabados por Hilary Hahn y publicados en 2020. Las grabaciones de audio de los libros 1 a 4 también están disponibles en álbumes separados de artistas como David Nadien, David Cerone, Yukari Tate y Shin&# 39;ichi Suzuki. En 2007 se publicaron grabaciones de los volúmenes 1 al 4 de William Preucil, Jr., junto con versiones revisadas de los primeros 4 libros. Koji Toyoda ha realizado grabaciones de los libros 5 a 8, aunque muchas de las piezas se pueden encontrar por separado en las publicaciones de otros artistas. álbumes. En 2008, Takako Nishizaki realizó una serie completa de grabaciones de los libros 1 al 8 para Naxos Records. No hay grabaciones oficiales de los libros 9 y 10, pero estos libros, que simplemente son los conciertos para violín en la mayor y re mayor de Mozart, tienen grabaciones disponibles de varios violinistas. Completar los 10 volúmenes no es el final del viaje de Suzuki, ya que muchos profesores de violín de Suzuki continúan tradicionalmente con los conciertos de Bruch y Mendelssohn, junto con piezas de otros compositores como Paradis, Mozart y Kreisler.

Viola

El repertorio para viola está dividido en nueve volúmenes, compilados y editados por Doris Preucil. Al igual que el repertorio para violín, gran parte del repertorio para viola proviene del período barroco. Los primeros 3 volúmenes han sido arreglados (o transpuestos) casi directamente de los primeros 3 volúmenes de violín, y el resto difiere significativamente ya que profundizan en la literatura estándar para viola. Los libros de viola introducen los cambios y el trabajo en posiciones más altas antes que los volúmenes de violín, en previsión de que a los estudiantes de viola se les pida que toquen en conjuntos antes en sus estudios que los violinistas, y que necesiten estas habilidades para manejar mejor las partes de música orquestal o de cámara (Preucil, 1985).). Los volúmenes de viola 4-8 incluyen obras de Telemann, Casadesus, Bach, Mendelssohn, Vivaldi, Leclair, Hummel y Bruch. Los libros 1 a 4 han sido grabados en dos álbumes de William Preucil y el resto está disponible en álbumes separados.

Violonchelo

El repertorio para violonchelo está dividido en diez volúmenes, con algunas de las primeras piezas arregladas a partir de los primeros volúmenes de violín, y la primera pieza distinta (la segunda) es "Canción popular francesa". Tsuyoshi Tsutsumi interpreta los volúmenes del 1 al 4. Los volúmenes del 4 al 10 contienen obras de: Vivaldi, Saint-Saëns, Popper, Breval, Goltermann, Squire, Bach, Paradis, Eccles, Fauré, van Goens, Sammartini, Haydn y Boccherini.

Piano

El repertorio para piano está compuesto por siete volúmenes. El primer libro comienza con Variaciones sobre "Twinkle, Twinkle, Little Star" (como ocurre con los libros de violín) y continúa con muchas canciones populares y canciones contemporáneas. A medida que avanzamos hacia el segundo libro, hay piezas escritas por compositores románticos, clásicos y barrocos, como Robert Schumann, Ludwig van Beethoven y Johann Sebastian Bach. El tercer libro es de nivel intermedio temprano con varias sonatinas y comienza con la Sonatina en do mayor, op. 36, n.º 1 de Muzio Clementi. El cuarto libro incluye la Sonata en sol mayor, op. 49, n.º 2 de Ludwig van Beethoven y finaliza con el Minueto 1, el Minueto 2 y la Giga de la Partita en B ♭ de J.S. Llevar una vida de soltero. El quinto libro comienza con el famoso "Für Elise" de Beethoven e incluye Sonata en do mayor, Hob. XVI/35 de Franz Joseph Haydn. El sexto libro comienza con la Sonata en do mayor, K.545 de W.A. Mozart, y el séptimo libro comienza con la Sonata para piano n.° 11 en la mayor de Mozart. Este libro también incluye "El herrero armonioso" de Handel y Danzas folclóricas rumanas de Béla Bartók. También hay muchos minuetos en el segundo libro. La Nueva Edición Internacional añade a los libros algunas composiciones más recientes, como la música de Béla Bartók. Ya se han publicado versiones revisadas de los libros de piano. Los nuevos volúmenes son colecciones de repertorio para piano de todas las épocas que representan obras de compositores como Mozart, Burgmüller, Beethoven, Bach, Tcherepnin, Tchaikovsky, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Daquin, Grieg, Granados, Villa-Lobos, Scarlatti, Handel, Bartók. y Debussy. Quedan muchas piezas de los libros originales; algunos han sido trasladados a otro volumen. El combo libro/CD de los libros revisados 4-7 ya está disponible y fue interpretado por el concertista japonés Seizo Azuma.

Bajo

Actualmente hay cinco volúmenes impresos de la serie de contrabajo, y los primeros tres volúmenes también están disponibles en grabaciones. Están planificados, compilados y editados nueve volúmenes por el Dr. S Daniel Swaim (SAA, presidente), Virginia Dixon (SAA), Michael Fanelli (SAA), Domenick Fiore (SAA) y Eugene Rebeck (SAA). Los volúmenes 1 y 2 contienen arreglos de las piezas tradicionales para violín Suzuki mezcladas con algunos arreglos nuevos de otras piezas. El volumen 3 contiene algunas transcripciones nuevas de canciones de jazz, gaélico y folk; además de obras de Handel, Gossec, Beethoven, Bach, Webster, Saint-Saëns y Dvořák. Las piezas famosas incluyen: "El elefante" del Carnaval de los animales de Saint-Saëns, Oda a la alegría de Beethoven y "Largo" de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvořák.

Flauta

El repertorio de flauta está compilado y editado por Toshio Takahashi. En catorce volúmenes, comenzando con Mary Had a Little Lamb y terminando en el Concierto para flauta de Otaka. También se incluyen conciertos de Mozart, Cimarosa, Ibert y Quantz. Los estudiantes también estudian música de Bach, Handel, Blavet, Fauré y otros compositores importantes.

Grabadora

Hay ocho volúmenes de repertorio para flauta dulce, tanto para soprano como para flauta dulce. El repertorio de flauta dulce comparte parte del repertorio temprano con otros instrumentos, como "Twinkle Twinkle Little Star", varios minuetos de Bach, etc. Los libros posteriores profundizan en la música renacentista y barroca más compleja, incluida la instrucción en intensa ornamentación barroca junto con Técnicas de articulación holandesas e italianas del siglo XVII.

Guitarra

El repertorio de guitarra clásica fue compilado a través de un proceso colaborativo en el que participaron profesores de Estados Unidos, Europa y Australia, y editado por Frank Longay. Los nueve volúmenes comienzan con Twinkle Variations y muchas canciones populares, y agregan piezas escritas originalmente para laúd en el Renacimiento y que abarcan todos los períodos musicales, incluidas piezas de Sanz, Vivaldi, Bach, Carcassi, Giuliani, Sor, Tarrega, Albéniz, Mudarra y las variaciones Sakura de Yocoh. La música del libro uno está interpretada por Frank Longay y Bill Kossler, y los libros del dos al cuatro fueron grabados por Seth Himmelhoch, Andrew LaFrenier y Louis Brown. George Sakellariou ha grabado los libros cinco, seis y siete y William Kanengiser registró los libros 8 y 9, con la excepción de Recuerdos de la Alhambra en el libro 9, que fue grabado por Scott Tennant.

Arpa

El repertorio de arpa está dividido en cinco volúmenes. Estos libros son adecuados para aprender a leer y tocar música en el arpa de pedal o arpa de palanca (arpa folklórica, arpa irlandesa/celta, etc. que tenga preferiblemente 30 o más cuerdas). La mayor parte de la música son arreglos de música folclórica o clásica. Los estudiantes del arpa de palanca encontrarán que algunas de las piezas de los libros posteriores tienen cambios de palanca desafiantes. En última instancia, esta serie conduce a un estudio más profundo del arpa de pedales y su repertorio y enseña una técnica de estilo más clásico. Aquellos que se dedican a la música celta tradicional pueden utilizar esto como base; sin embargo, el estilo tradicional de enseñanza se centra en confiar en el oído más que en la nota escrita. Se selecciona el repertorio para el volumen seis, aunque la música no está publicada en un solo libro.

Voz

El repertorio de voces está en cinco niveles. Desarrollado en Finlandia desde 1986, el repertorio vocal del método Suzuki se ha extendido a más de 20 países, incluidos Estados Unidos, Australia, Europa, Asia y Nueva Zelanda. Cada año se programan cursos de formación de profesores en Europa, Estados Unidos y Australia.

Órgano

El repertorio del órgano de tubos fue compilado y editado por Gunilla Rönnberg y Lars Hagström a partir de 1998. Actualmente se han publicado los volúmenes 1-8 (Alfred Publishing, 2019). Desde 2011, se está llevando a cabo un plan activo de órganos de formación Suzuki en la ciudad australiana de Newcastle.

Mandolina

Did you mean:

The application of Suzuki 's teaching philosophy to the mandolin is currently being researched in Italy by Amelia Saracco.

Educación Infantil (SECE) y Suzuki en las escuelas

En lugar de centrarse en un instrumento específico, en la etapa de educación infantil temprana (ECE), Dorothy & Sharon Jones (SAA), Jeong Cheol Wong (ASA), Emma O'Keefe (PPSA), Anke van der Bijl (ESA) y Yasuyo Matsui (TERI). El plan de estudios SECE está diseñado para edades de 0 a 3 años y utiliza canto, canciones infantiles, percusión, grabaciones de audio y movimientos de todo el cuerpo en un entorno grupal donde los niños y sus cuidadores adultos participan uno al lado del otro. El plan de estudios SECE basado en japonés es diferente del plan de estudios SECE basado en inglés. El plan de estudios basado en inglés se está adaptando actualmente para su uso en otros idiomas.

Did you mean:

A "modified#34; Suzuki philosophy curriculum has been developed to apply Suzuki teaching to heterogeneous instrumental music classes & string orchestras in schools.

Trompeta

La trompeta se añadió a la lista de instrumentos del Método Suzuki de la Asociación Internacional Suzuki en 2011. Actualmente se está investigando en Suecia la aplicación de la filosofía de enseñanza de Suzuki a la trompeta; el primer curso de formación de profesores de trompeta ofrecido por la Asociación Europea Suzuki en 2013 (Suzuki Teacher Training for Trumpet, 2013).

Materiales complementarios

También se publican materiales complementarios bajo el nombre de Suzuki, incluidos algunos estudios, libros de lectura de notas, partes de acompañamiento de piano, partes de acompañamiento de guitarra, dúos, tríos, orquesta de cuerdas y arreglos de cuarteto de cuerdas del repertorio de Suzuki.

Notas históricas

A finales del siglo XIX, las fronteras de Japón se abrieron al comercio con el mundo exterior y, en particular, a la importación de cultura occidental. Como resultado de esto, el padre de Suzuki, propietario de una empresa que había fabricado el Shamisen, comenzó a fabricar violines. (Documental Nurtured by Love) En su juventud, Shin'ichi Suzuki tuvo la oportunidad de escuchar una grabación fonográfica del Ave María de Franz Schubert, interpretada al violín por Mischa Elman. Cautivado por la belleza de la música, inmediatamente tomó un violín de la fábrica de su padre y comenzó a aprender por sí mismo a tocar el instrumento "de oído". Su padre sentía que la interpretación instrumental estaba por debajo del estatus social de su hijo y se negó a permitirle estudiar el instrumento. A los 17 años comenzó a aprender de oído, ya que no se le permitía ninguna formación formal. Finalmente convenció a su padre para que le permitiera estudiar con un profesor de violín en Tokio. (Suzuki, Nutrados por el Amor)

A los 22 años, Suzuki viajó a Alemania para buscar un profesor de violín para continuar sus estudios. Mientras estuvo allí, estudió en privado con Karl Klingler, pero no recibió ningún título formal más allá de su diploma de escuela secundaria. Conoció y se hizo amigo de Albert Einstein, quien lo animó a aprender música clásica. También conoció, cortejó y se casó con su esposa, Waltraud. (Suzuki, Nurtured by Love)

En 1945, Suzuki comenzó su movimiento de Educación del Talento en Matsumoto, Japón, poco después del final de la Segunda Guerra Mundial. Criar niños con "corazones nobles" (inspirado por la buena música y el estudio diligente) era uno de sus principales objetivos; creía que las personas criadas y "nutridas por el amor" en su método crecería para lograr cosas mejores que la guerra. Uno de sus alumnos durante este período posterior a 1945 fue el violinista Hidetaro Suzuki, sin parentesco, quien más tarde se convirtió en un veterano de concursos internacionales de violín (Tchaikovsky, Queen Elizabeth, Montreal International) y luego durante mucho tiempo concertino de la Orquesta Sinfónica de Indianápolis. (Hermann, 1981)

Con el tiempo, el centro del movimiento Suzuki en educación se estableció como el Instituto de Investigación en Educación de Talentos (TERI) en Matsumoto. TERI acoge a miles de personas cada año: estudiantes, padres, profesores (y profesores en formación). Han surgido otras organizaciones en todo el mundo para ayudar a supervisar el movimiento y capacitar a los docentes. Estas incluyen la Asociación Suzuki de Asia, la Asociación Suzuki de las Américas, la Asociación Suzuki Europea (que actualmente está ayudando en los inicios del movimiento Suzuki en África) y la Asociación Suzuki Pan-Pacífico (Asociación Internacional Suzuki, 2016).

John D. Kendall de la Universidad del Sur de Illinois en Edwardsville trajo el método Suzuki, junto con adaptaciones para adaptarse mejor a los requisitos del aula estadounidense, a los Estados Unidos a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta (Nurtured by LoveDocumental). Vilem Sokol de la Sinfónica Juvenil de Seattle recibió a Suzuki en Seattle. La mayoría de los pedagogos y métodos de enseñanza de Suzuki en Estados Unidos se basan en el sistema Suzuki-Kendall. Otros pioneros del Método Suzuki en Estados Unidos incluyen a Clifford Cook, Roland y Almita Vamos, Elizabeth y Harlow Mills, Betty Haag, Louise Behrend, Dorothy Roffman, William Starr, Anastasia Jempelis y Margery Aber.