Melodrama
Un melodrama moderno es una obra dramática en la que la trama, típicamente sensacionalista y con un fuerte atractivo emocional, tiene prioridad sobre la caracterización detallada. Los melodramas suelen concentrarse en diálogos que suelen ser grandilocuentes o excesivamente sentimentales, en lugar de acción. Los personajes suelen ser planos y están escritos para cumplir con los estereotipos. Los melodramas suelen estar ambientados en la esfera privada del hogar, centrándose en la moralidad y los problemas familiares, el amor y el matrimonio, a menudo con desafíos de una fuente externa, como una "tentadora", un sinvergüenza o un aristócrata. villano. Un melodrama en el escenario, filmado o en la televisión suele ir acompañado de música dramática y sugerente que ofrece pistas a la audiencia del drama que se presenta.
En contextos musicales académicos e históricos, los melodramas son dramas victorianos en los que se usaba música orquestal o canciones para acompañar la acción. El término ahora también se aplica a representaciones teatrales sin música incidental, novelas, películas, programas de radio y televisión. En contextos modernos, el término "melodrama" es generalmente peyorativo, ya que sugiere que el trabajo en cuestión carece de sutileza, desarrollo de personajes o ambos. Por extensión, el lenguaje o el comportamiento que se asemeja al melodrama a menudo se denomina melodramático; este uso es casi siempre peyorativo.
Etimología
El término se originó a partir de la palabra francesa de principios del siglo XIX mélodrame. Se deriva del griego μέλος mélos, "canción, cepa" (comparar "melodía", de μελωδία melōdia, "cantar, canción"), y francés drama, drama (del latín tardío dráma, eventualmente derivado del griego clásico δράμα dráma, "argumento teatral", generalmente de una tragedia griega).
Características
La relación del melodrama con el realismo es compleja. Los protagonistas de las obras melodramáticas pueden ser personas ordinarias (y, por lo tanto, dibujadas de manera realista) que están atrapadas en eventos extraordinarios o personajes muy exagerados y poco realistas. Con respecto a sus altas emociones y su retórica dramática, el melodrama representa una "victoria sobre la represión". El melodrama victoriano tardío y eduardiano combinó un enfoque consciente en el realismo en escenarios y accesorios con "antirrealismo" en personaje y trama. El melodrama en este período se esforzó por "precisión creíble en la representación de cosas increíbles, extraordinarias" escenas El novelista Wilkie Collins se destaca por su atención a la precisión en los detalles (por ejemplo, de asuntos legales) en sus obras, sin importar cuán sensacional sea la trama. Los melodramas solían tener entre 10.000 y 20.000 palabras.
Los melodramas ponen la mayor parte de su atención en la víctima. Una lucha entre las elecciones buenas y malas, como cuando una "malvada tentadora" anima a un hombre a dejar a su familia. Otros personajes comunes son la "mujer caída", la madre soltera, el huérfano y el hombre que lucha con los impactos del mundo moderno. El melodrama examina cuestiones familiares y sociales en el contexto de un hogar privado, con el público objetivo como espectador femenino; en segundo lugar, el espectador masculino puede disfrutar de la resolución de las tensiones en pantalla en el hogar. El melodrama generalmente recuerda épocas ideales y nostálgicas, enfatizando los "anhelos prohibidos".
Tipos
Orígenes
El enfoque del melodrama se revivió en el drama romántico francés de los siglos XVIII y XIX y en las novelas sentimentales que fueron populares tanto en Inglaterra como en Francia. Estos dramas y novelas se centraron en los códigos morales relacionados con la vida familiar, el amor y el matrimonio, y pueden verse como un reflejo de los problemas planteados por la Revolución Francesa, la revolución industrial y el cambio hacia la modernización. Muchos melodramas trataban sobre una joven de clase media que experimentaba insinuaciones sexuales no deseadas por parte de un sinvergüenza aristocrático, siendo la agresión sexual una metáfora del conflicto de clases. El melodrama reflejaba las ansiedades posteriores a la revolución industrial de la clase media, que temían tanto a los intermediarios aristocráticos del poder como a la empobrecida 'mafia' de la clase trabajadora.
En el siglo XVIII, el melodrama era una técnica que combinaba la recitación hablada con breves piezas musicales de acompañamiento. La música y el diálogo hablado normalmente se alternaban en tales obras, aunque la música a veces también se usaba para acompañar la pantomima.
Los ejemplos más antiguos conocidos son escenas de la obra escolar latina de J. E. Eberlin Sigismundus (1753). El primer melodrama completo fue Pygmalion de Jean-Jacques Rousseau, cuyo texto se escribió en 1762 pero se representó por primera vez en Lyon en 1770. Rousseau compuso la obertura y un Andante, pero la mayor parte de la música fue compuesta por Horace Coignet.
En 1772, Anton Schweitzer interpretó en Weimar un escenario musical diferente del Pygmalion de Rousseau, y Goethe escribió sobre él con aprobación en Dichtung und Wahrheit. Pygmalion es un monodrama, escrito para un actor.
Alrededor de otros 30 monodramas se produjeron en Alemania en el cuarto cuarto del siglo XVIII. Cuando intervienen dos actores, se puede utilizar el término duodrama. Georg Benda tuvo un éxito particular con sus duodramas Ariadne Auf Naxos (1775) y Medea (1778). El sensacional éxito de los melodramas de Benda llevó a Mozart a utilizar dos largos monólogos melodramáticos en su ópera Zaide (1780).
Otros ejemplos posteriores y más conocidos del estilo melodramático en las óperas son la escena de excavación de tumbas en Fidelio de Beethoven (1805) y la escena del encantamiento en de Weber i>Der Freischütz (1821).
Después de la Restauración inglesa de Carlos II en 1660, a la mayoría de los teatros británicos se les prohibió representar espectáculos "serios" drama, pero se les permitía mostrar comedia u obras de teatro con música. Carlos II emitió cartas de patente para permitir que solo dos compañías de teatro de Londres actuaran "en serio" drama. Estos fueron el Theatre Royal, Drury Lane y Lisle's Tennis Court en Lincoln's Inn Fields, el último de los cuales se mudó al Theatre Royal, Covent Garden en 1720 (ahora Royal Opera House). Los dos teatros de patentes cerraron en los meses de verano. Para llenar el vacío, el Theatre Royal, Haymarket se convirtió en un tercer teatro patentado en Londres en 1766.
Finalmente, se concedieron más patentes de letras a un teatro en cada uno de varios otros pueblos y ciudades inglesas. Otros teatros presentaban dramas que estaban subrayados con música y, tomando prestado el término francés, lo llamaron melodrama para sortear la restricción. La Ley de Teatros de 1843 finalmente permitió que todos los teatros representaran drama.
Siglo XIX: opereta, música incidental y entretenimiento de salón
A principios del siglo XIX, la influencia de la ópera dio lugar a propuestas musicales y música incidental para muchas obras. En 1820, Franz Schubert escribió un melodrama, Die Zauberharfe ("El arpa mágica"), poniendo música detrás de la obra escrita por G. von Hofmann. No tuvo éxito, como todas las aventuras teatrales de Schubert, pero el género del melodrama era muy popular en ese momento. En una era de músicos mal pagados, muchas obras del siglo XIX en Londres tenían una orquesta en el foso. En 1826, Felix Mendelssohn escribió su conocida obertura de Sueño de una noche de verano de Shakespeare, y más tarde aportó a la obra música incidental.
En La Traviata de Verdi, Violetta recibe una carta del padre de Alfredo donde le escribe que Alfredo ahora sabe por qué se separó de él y que la perdona (' 34;Teneste la promesa..."). En su voz hablada, entona las palabras de lo que está escrito, mientras la orquesta recapitula la música de su primer amor del Acto I: esto es técnicamente melodrama. En unos momentos, Violetta estalla en un aria apasionada y desesperada ("Addio, del passato"): esto es ópera otra vez.
De manera similar, los victorianos solían agregar "música incidental" bajo el diálogo de una obra preexistente, aunque este estilo de composición ya se practicaba en tiempos de Ludwig van Beethoven (Egmont) y Franz Schubert (Rosamunde). (Este tipo de producción, a menudo lujosa, ahora se limita principalmente a películas (ver la partitura de la película) debido al costo de contratar una orquesta. La tecnología de grabación moderna está produciendo un cierto renacimiento de la práctica en el teatro, pero no en la escala anterior). Una versión particularmente completa de esta forma, la música incidental de Sullivan para The Foresters de Tennyson, está disponible en línea, completa con varios melodramas, por ejemplo, el No. 12 que se encuentra aquí. Algunas operetas exhiben melodrama en el sentido de música tocada bajo diálogo hablado, por ejemplo, Ruddigore de Gilbert y Sullivan (en sí misma una parodia de los melodramas en el sentido moderno) tiene un breve ";melodrama" (reducido a diálogo solo en muchas producciones) en el segundo acto; Orpheus in the Underworld de Jacques Offenbach comienza con un melodrama interpretado por el personaje de "Public Opinion"; y otras piezas de opereta y musicales pueden considerarse melodramas, como el "Recit and Minuet" en El hechicero de Gilbert y Sullivan. Como ejemplo del musical estadounidense, varios discursos largos en Brigadoon de Lerner y Loewe se pronuncian con un acompañamiento de música evocadora. La técnica también se usa con frecuencia en la zarzuela española, tanto en los siglos XIX como XX, y continuó usándose también como un "efecto especial" en la ópera, por ejemplo, Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss.
En París, el siglo XIX vio un florecimiento del melodrama en los muchos teatros que estaban ubicados en el popular Boulevard du Crime, especialmente en Gaîté. Sin embargo, todo esto llegó a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París por el barón Haussmann en 1862.
A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas más o menos rítmicamente (a menudo poesía), no cantadas, a veces más o menos representadas, al menos con alguna estructura o trama dramática, sincronizada con el acompañamiento de música (generalmente piano). Fue menospreciado como un género para autores y compositores de menor estatura (probablemente también por eso que prácticamente no se recuerdan realizaciones del género). Probablemente también el momento en que la connotación de sobreactuación barata se asoció por primera vez con el término. Como narración que mezcla géneros y música de cámara, fue eclipsada casi de la noche a la mañana por una sola composición: Pierrot Lunaire (1912) de Schoenberg, donde se usó Sprechgesang en lugar de palabras habladas rítmicamente., y que tomó un curso más libre e imaginativo en cuanto a la prerrogativa de la trama.
Ópera
La gran mayoría de las óperas son melodramas. Las tensiones emocionales se comunican y amplifican con la música adecuada. La mayoría de las tramas involucran personajes que superan o sucumben a eventos más grandes que la vida de guerra, traición, amor monumental, asesinato, venganza, discordia filial o sucesos grandiosos similares. La mayoría de los personajes se dibujan de manera simplista con distinciones claras entre los virtuosos y los malvados, y se sacrifica el desarrollo del personaje y la sutileza de las situaciones. Los eventos se organizan para adaptarse mejor a los rasgos del personaje para demostrar sus efectos emocionales en el personaje y en los demás.
El predominio del melodrama en las obras del bel canto de Donizetti, Bellini y prácticamente todas las obras de Verdi y Puccini es evidente, con ejemplos demasiado numerosos para enumerarlos. La gran multitud de heroínas que necesitan afrontar y superar situaciones de amor imposibles ante circunstancias grandiosas está ampliamente ejemplificada por Lucia, Norma, Leonora, Tosca, Turandot, Mimi, Cio-Cio-San, Violetta, Gilda, y muchas otras..
Checa
(feminine)Dentro del contexto del renacimiento nacional checo, el melodrama adquirió un significado específicamente nacionalista para los artistas checos, comenzando aproximadamente en la década de 1870 y continuando durante la Primera República Checoslovaca del período de entreguerras. Esta nueva comprensión del melodrama provino principalmente de académicos y críticos del siglo XIX como Otakar Hostinský, quien consideró que el género era un género exclusivamente 'checo'. contribución a la historia de la música (basada en los orígenes nacionales de Georg Benda, cuyos melodramas, sin embargo, habían sido en alemán). Tales sentimientos provocaron que un gran número de compositores checos produjeran melodramas basados en la poesía romántica checa, como el Kytice de Karel Jaromír Erben.
El compositor romántico Zdeněk Fibich, en particular, defendió el género como un medio para establecer correctamente la declamación checa: sus melodramas Štědrý den (1874) y Vodník (1883) utilizan ritmos duraciones para especificar la alineación de la palabra hablada y el acompañamiento. El principal logro de Fibich fue Hippodamie (1888–1891), una trilogía de melodramas escenificados durante toda la noche sobre los textos de Jaroslav Vrchlický con múltiples actores y orquesta, compuesta en un estilo musical wagneriano avanzado. Las principales contribuciones de Josef Suk en el cambio de siglo incluyen melodramas para obras de dos etapas de Julius Zeyer: Radúz a Mahulena (1898) y Pod Jabloní (1901).), los cuales tenían una larga historia de rendimiento.
Siguiendo los ejemplos de Fibich y Suk, muchos otros compositores checos establecieron melodramas como obras independientes basadas en la poesía del Renacimiento Nacional, entre ellos Karel Kovařovic, Otakar Ostrčil, Ladislav Vycpálek, Otakar Jeremiáš, Emil Axman y Jan Zelinka. Vítězslav Novák incluyó partes de melodrama en su ópera Lucerna de 1923, y Jaroslav Ježek compuso escenas clave para las obras de teatro de Osvobozené divadlo como melodrama (sobre todo el prólogo inicial de la farsa antifascista Osel a stín (1933), interpretado por el personaje de Dionisio en ritmo de bolero). melodramas checos' la práctica disminuyó después del protectorado nazi.
Victoriana
(feminine)El melodrama de la etapa victoriana presentaba seis personajes comunes: el héroe, el villano, la heroína, un padre anciano, un compañero y un sirviente del padre anciano involucrados en una trama sensacional que presentaba temas de amor y asesinato. A menudo, el héroe bueno pero no muy inteligente es engañado por un villano intrigante, que tiene los ojos puestos en la damisela en apuros hasta que el destino interviene al final para asegurar el triunfo del bien sobre el mal. Dos elementos centrales fueron el coup de théàtre, o el cambio de fortuna, y la payasada: una oración de espaldas a la pared del héroe que obliga al público a aplaudir.
El melodrama inglés evolucionó a partir de la tradición del drama populista establecido durante la Edad Media por las obras de misterio y moralidad, bajo la influencia de la commedia dell'arte italiana, así como del drama alemán Sturm und Drang y parisino. melodrama del período posrevolucionario. Un notable melodramático francés fue Pixérécourt, cuya La Femme à deux maris fue muy popular.
La primera obra inglesa que se llamó melodrama o 'melodrame' fue Un cuento de misterio (1802) de Thomas Holcroft. Este fue un ejemplo del género gótico, cuyo ejemplo teatral anterior fue The Castle Spectre (1797) de Matthew Gregory Lewis. Otros melodramas góticos incluyen The Miller and his Men (1813) de Isaac Pocock, The Woodsman's Hut (1814) de Samuel Arnold y The Broken Sword (1816) de William Dimond.
Suplantando al gótico, el siguiente subgénero popular fue el melodrama náutico, iniciado por Douglas Jerrold en su Susan de ojos negros (1829). Otros melodramas náuticos incluyeron The Mutiny at the Nore (1830) de Jerrold y The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). Los melodramas basados en situaciones urbanas se hicieron populares a mediados del siglo XIX, incluidos The Streets of London (1864) de Dion Boucicault; y Lost in London (1867) de Watts Phillips, mientras que también aparecieron el melodrama carcelario, el melodrama sobre la templanza y el melodrama imperialista; este último típicamente presenta las tres categorías del 'bueno'; nativo, el nativo valiente pero malvado, y el nativo traicionero.
Las novelas sensacionales de las décadas de 1860 y 1870 no solo proporcionaron material fértil para adaptaciones melodramáticas, sino que son melodramáticas por derecho propio. Un ejemplo notable de este género es El secreto de Lady Audley de Elizabeth Braddon adaptado, en dos versiones diferentes, por George Roberts y C.H. Hazlewood. Las novelas de Wilkie Collins tienen las características del melodrama, siendo su obra más conocida La mujer de blanco considerada por algunos críticos modernos como "el melodrama más brillante de la época".
El villano suele ser el personaje central del melodrama y el crimen era un tema favorito. Esto incluyó dramatizaciones de las carreras asesinas de Burke y Hare, Sweeney Todd (presentado por primera vez en The String of Pearls (1847) de George Dibdin Pitt), el asesinato de Maria Marten en el Red Barn y el extraño hazañas de Spring Heeled Jack. Las desgracias de un preso liberado son el tema del sensacional The Ticket-of-Leave Man (1863) de Tom Taylor.
Las primeras películas mudas, como Los peligros de Pauline, tenían temas similares. Más tarde, después de que el cine mudo fuera reemplazado por el 'talkie', el actor de teatro Tod Slaughter, a la edad de 50 años, trasladó a la pantalla los melodramas victorianos en los que había interpretado a un villano en su anterior carrera teatral. Estas películas, que incluyen Maria Marten or Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) y The Ticket of Leave Man (1937) son un registro único de una forma de arte pasada.
Semillas genéricas
- Northrop Frye vio tanto la publicidad como la propaganda como formas melodramáticas que el cultivado no puede tomar en serio.
- La política en ese momento exige el melodrama para articular una visión del mundo. Así Richard Overy argumenta que los años 1930 Gran Bretaña vio a la civilización como melodramáticamente bajo amenaza - "En este gran melodrama la Alemania de Hitler era el villano; la civilización democrática la heroína menacida"; - mientras que Winston Churchill proporcionó el héroe melodramático necesario más grande que la vida para articular la resistencia de espalda a la pared durante el Blitz.
Moderno
El melodrama clásico es menos común de lo que solía ser en la televisión y en las películas del mundo occidental. Sin embargo, todavía es muy popular en otras regiones, particularmente en Asia y en los países hispanos. El melodrama es uno de los principales géneros (junto con el romance, la comedia y la fantasía) utilizado en las telenovelas latinoamericanas, particularmente en Venezuela, México, Colombia, Argentina y Brasil, y en las telenovelas asiáticas, Corea del Sur, Japón, Taiwán., China, Pakistán, Tailandia, India, Turquía y (en una fusión de las culturas hispana y asiática) Filipinas. Las comunidades de expatriados en la diáspora de estos países brindan a la audiencia un mercado global.
Película
Las películas de melodrama son un subgénero de las películas dramáticas caracterizadas por tramas que apelan a las emociones intensificadas de la audiencia. Las películas melodramáticas comúnmente usan tramas que involucran crisis de emociones humanas, romances o amistades fallidas, situaciones familiares tensas, tragedias, enfermedades, neurosis o dificultades emocionales y físicas. Los personajes comunes presentes en las películas de melodrama incluyen víctimas, parejas, personajes virtuosos y heroicos y protagonistas sufrientes (generalmente heroínas). Estos personajes se enfrentan a tremendas presiones sociales, amenazas, represión, miedos, eventos improbables o dificultades con los amigos, la comunidad, el trabajo, los amantes o la familia. Siguiendo el típico formato melodramático, los personajes superan sus dificultades y superan los problemas.
Un punto común de tensión en la trama es que los personajes se sientan atrapados por los escenarios melodramáticos típicos de la esfera doméstica del hogar o del pequeño pueblo. Los cineastas a menudo agregan flashbacks para expandir los escenarios constantes de las películas melodramáticas.
Feminismo en el melodrama cinematográfico
Las feministas han señalado cuatro categorías de temas en el melodrama cinematográfico: aquellos con una paciente femenina, una figura materna, un "amor imposible" y el melodrama paranoico.
La mayoría de los melodramas cinematográficos de las décadas de 1930 y 1940, en ese momento conocidos como "weepies" o "tearjerkers", fueron adaptaciones de ficción femenina, como novelas románticas y romances históricos. Partiendo de una historia compartida con la ficción de mujeres, las películas melodramáticas a menudo se concentran en las perspectivas y deseos femeninos. Desde la década de 1930 hasta finales de la década de 1960, las restricciones del Código Hays sobre la inclusión de contenido "licencioso" en las películas restringirían la representación del deseo femenino en el melodrama cinematográfico estadounidense.
Películas melodramáticas notables
Durante la década de 1940, los melodramas británicos de Gainsborough tuvieron éxito entre el público.
En la década de 1950, películas del director Douglas Sirk, como All That Heaven Allows (1955) y Written on the Wind (1956), son representativas del género.. Muchos cineastas melodramáticos posteriores citan a Sirk y sus obras como influencias significativas.
En la década de 1970, Rainer Werner Fassbinder, quien fue influenciado por Sirk, contribuyó al género abordando cuestiones dentro del subconsciente cultural, abordando la clase en El mercader de las cuatro estaciones (1971) y Mother Küsters Goes to Heaven (1975), orientación sexual y codependencia en The Bitter Tears of Petra von Kant (1972) y racismo, xenofobia y discriminación por edad en Fear Eats el alma (1974).
Melodramas como las películas de TV Moment of Truth de la década de 1990 se dirigieron a audiencias de mujeres estadounidenses al retratar los efectos del alcoholismo, la violencia doméstica, la violación y similares. Típico del melodrama de los 90 es la película de 1999 de Anjelica Houston Agnes Browne.
Todd Haynes' La película de 2002 Lejos del cielo es una versión más reciente del melodrama. El director contemporáneo Pedro Almodóvar también se ha inspirado mucho en el género melodramático y en directores como Sirk.
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