Masaccio
Masaccio (, italiano: [maˈzattʃo]; 21 de diciembre de 1401 - verano de 1428), nacido Tommaso di Ser Giovanni di Simone, fue un artista florentino considerado el primer gran pintor italiano del Quattrocento Periodo del Renacimiento italiano. Según Vasari, Masaccio fue el mejor pintor de su generación por su habilidad para imitar la naturaleza, recrear figuras y movimientos realistas, así como por su convincente sentido de la tridimensionalidad. Empleó desnudos y escorzos en sus figuras. Esto rara vez se había hecho antes que él.
El nombre Masaccio es una versión humorística de Maso (abreviatura de Tommaso), que significa "torpe" o "desordenado" Tomás. Es posible que el nombre se haya creado para distinguirlo de su principal colaborador, también llamado Maso, que llegó a ser conocido como Masolino ("pequeño/delicado Tom").
A pesar de su breve carrera, tuvo una profunda influencia en otros artistas y se considera que inició el Renacimiento italiano temprano en la pintura con sus obras de mediados y finales de la década de 1420. Fue uno de los primeros en utilizar la perspectiva lineal en su pintura, empleando técnicas como el punto de fuga en el arte por primera vez. Se alejó del estilo gótico internacional y la ornamentación elaborada de artistas como Gentile da Fabriano a un modo más naturalista que empleaba la perspectiva y el claroscuro para un mayor realismo.
Masaccio murió a la edad de veintiséis años y se sabe poco sobre las circunstancias exactas de su muerte. Al enterarse de la muerte de Masaccio, Filippo Brunelleschi dijo: "Hemos sufrido una gran pérdida".
Primeros años
Masaccio nació de Giovanni di Simone Cassai y Jacopa di Martinozzo en Castel San Giovanni di Altura, ahora San Giovanni Valdarno (hoy parte de la provincia de Arezzo, Toscana). Su padre era notario y su madre, hija de un posadero de Barberino di Mugello, un pueblo a unas pocas millas al norte de Florencia. Su apellido, Cassai, proviene del oficio de su abuelo paterno Simone y su tío abuelo Lorenzo, que eran carpinteros/ebanistas (casse, de ahí cassai). El padre de Masaccio murió en 1406, cuando solo tenía cinco años; más tarde ese mismo año nació un hermano, llamado Giovanni (1406-1486) en honor a su padre. También se convertiría en pintor, con el apodo de lo Scheggia que significa "la astilla". En 1412, Monna Jacopa se casó con un anciano boticario, Tedesco di maestro Feo, que ya tenía varias hijas, una de las cuales creció para casarse con el único otro pintor documentado de Castel San Giovanni, Mariotto di Cristofano (1393-1457). No hay evidencia de la educación artística de Masaccio, sin embargo, los pintores del Renacimiento tradicionalmente comenzaron un aprendizaje con un maestro establecido alrededor de los 12 años. Es probable que Masaccio haya tenido que mudarse a Florencia para recibir su formación, pero no está documentado en la ciudad hasta que se unió al gremio de pintores (el Arte de' Medici e Speziali) como maestro independiente el 7 de enero de 1422, firmando como "Masus S. Johannis Simonis pictor populi S. Nicholae de Florentia.&# 34;
Primeras obras
Las primeras obras atribuidas a Masaccio son el Tríptico de San Giovenale (1422), ahora en el Museo de Arte Sacro de Masaccio en Cascia Archivado el 9 de febrero de 2021 en la Wayback Machine di Reggello cerca de Florencia, y la Virgen y el Niño con Santa Ana (Sant& #39;Anna Metterza) (c. 1424) en los Uffizi.
El retablo de San Giovenale fue descubierto en 1961 en la iglesia de San Giovenale en Cascia di Reggello, muy cerca de la ciudad natal de Masaccio. Representa a la Virgen y el Niño con ángeles en el panel central, Sts. Bartholomew y Blaise en el panel izquierdo, y Sts. Juvenal (es decir, San Giovenale) y Anthony Abbot en el panel derecho. La pintura ha perdido gran parte de su marco original y su superficie está muy desgastada. Sin embargo, la preocupación de Masaccio por sugerir la tridimensionalidad a través de figuras volumétricas y formas escorzadas es evidente y se erige como un renacimiento del enfoque de Giotto, más que como una continuación de las tendencias contemporáneas.
El segundo trabajo fue quizás la primera colaboración de Masaccio con el artista mayor y ya renombrado, Masolino da Panicale (1383/4–c. 1436). Las circunstancias de los dos artistas' la colaboración no está clara; dado que Masolino era considerablemente mayor, parece probable que trajera a Masaccio bajo su protección, pero la división de manos en la Virgen y el Niño con Santa Ana es tan marcada que es difícil ver al artista mayor como la figura controladora en esta comisión. Se cree que Masolino pintó la figura de Santa Ana y los ángeles que sostienen el paño de honor detrás de ella, mientras que Masaccio pintó la Virgen y el Niño más importantes en su trono. Las figuras de Masolino son delicadas, gráciles y algo planas, mientras que las de Masaccio son sólidas y robustas.
Vencimiento
En Florencia, Masaccio pudo estudiar las obras de Giotto y entablar amistad con Brunelleschi y Donatello. Según Vasari, a instancias de ellos en 1423 Masaccio viajó a Roma con Masolino: desde ese momento se liberó de toda influencia gótica y bizantina, como se ve en su retablo para la iglesia carmelita de Pisa. Las huellas de influencias del arte antiguo romano y griego que están presentes en algunas de las obras de Masaccio se originaron presumiblemente a partir de este viaje: también deberían haber estado presentes en una Sagra perdida, (hoy conocida a través de algunos dibujos, incluido uno de Miguel Ángel), un fresco encargado para la ceremonia de consagración de la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia (19 de abril de 1422). Fue destruido cuando se reconstruyó el claustro de la iglesia a finales del siglo XVI.
Capilla Brancacci
En 1424, el "dúo preciso e noto" ("dúo bien conocido") de Masaccio y Masolino recibió el encargo del poderoso y rico Felice Brancacci para ejecutar un ciclo de frescos para la Capilla Brancacci en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia. Con los dos artistas probablemente trabajando simultáneamente, la pintura comenzó alrededor de 1425, pero por razones desconocidas, la capilla quedó sin terminar y fue completada por Filippino Lippi en la década de 1480. La iconografía de la decoración al fresco es algo inusual; mientras que la mayoría de los frescos representan la vida de San Pedro, dos escenas, a ambos lados del umbral del espacio de la capilla, representan la tentación y expulsión de Adán y Eva. En su conjunto, los frescos narran la vida de San Pedro como si fuera la historia de la salvación. El estilo de las escenas de Masaccio muestra especialmente la influencia de Giotto. Las figuras son grandes, pesadas y sólidas; las emociones se expresan a través de rostros y gestos; y hay una fuerte impresión de naturalismo en todas las pinturas. Sin embargo, a diferencia de Giotto, Masaccio utiliza la perspectiva lineal y atmosférica, la luz direccional y el claroscuro, que es la representación de la forma a través de la luz y el color sin contornos. Como resultado, sus frescos son aún más realistas que los de su predecesor trecento.
Obras de la capilla
La expulsión del Jardín del Edén, representa a Adán y Eva angustiados, perseguidos del jardín por un ángel amenazante. Adam se cubre todo el rostro para expresar su vergüenza, mientras que Eve se cubre los senos y la ingle. El fresco tuvo una gran influencia en Miguel Ángel y su obra. Otra obra importante es The Tribute Money en la que Jesús y los Apóstoles se representan como arquetipos neoclásicos. Los eruditos han notado a menudo que las sombras de las figuras se alejan de la ventana de la capilla, como si las figuras estuvieran iluminadas por ella; este es un golpe adicional de verosimilitud y un mayor tributo al genio innovador de Masaccio. En la Resurrección del hijo de Teófilo pintó un pavimento en perspectiva, enmarcado por grandes edificios para obtener un espacio tridimensional en el que las figuras se sitúan proporcionadas a su entorno. En esto fue pionero en la aplicación de las reglas de perspectiva recién descubiertas.
En septiembre de 1425 Masolino dejó el trabajo y se fue a Hungría. No se sabe si esto se debió a disputas de dinero con Felice o una divergencia artística con Masaccio. También se ha supuesto que Masolino planeó este viaje desde el principio y necesitaba un colaborador cercano que pudiera continuar el trabajo después de su partida. Pero Masaccio dejó los frescos inconclusos en 1426 para responder a otros encargos, probablemente del mismo mecenas. Sin embargo, también se ha sugerido que las finanzas en declive de Felice Brancacci eran insuficientes para pagar cualquier trabajo adicional, por lo que el pintor buscó trabajo en otra parte.
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Masaccio volvió en 1427 a trabajar de nuevo en el Carmine, comenzando la Resurrección del hijo de Teófilo, pero al parecer también lo dejó inacabado, aunque se ha sugerido que la pintura estaba gravemente dañada. más tarde en el siglo porque había contenido retratos de la familia Brancacci, en ese momento vituperados como enemigos de los Medici. Esta pintura fue restaurada o completada más de cincuenta años después por Filippino Lippi.
Algunas de las escenas completadas por Masaccio y Masolino se perdieron en un incendio en 1771; sabemos de ellos solo a través de la biografía de Vasari. Las partes supervivientes estaban ennegrecidas por el humo. En el siglo XX, la remoción de losas de mármol que cubrían dos áreas de las pinturas reveló el aspecto original de la obra.
Retablo de Pisa
El 19 de febrero de 1426, Masaccio recibió el encargo de Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto, por la suma de 80 florines, de pintar un retablo mayor, el Retablo de Pisa, para su capilla en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Pisa. La obra fue desmantelada y dispersada en el siglo XVIII, y solo once de una veintena de paneles originales han sido redescubiertos en diversas colecciones de todo el mundo. El panel central del retablo (La Virgen y el Niño) se encuentra ahora en la National Gallery de Londres. Aunque está muy dañada, la obra presenta una Madonna escultórica y humana, así como una convincente representación en perspectiva de su trono. Masaccio probablemente trabajó en él por completo en Pisa, yendo y viniendo a Florencia, donde todavía estaba trabajando en la Capilla Brancacci. En estos años, Donatello también estaba trabajando en Pisa en un monumento para el cardenal Rinaldo Brancacci, para ser enviado a Nápoles. Se sugiere que las primeras aventuras de Masaccio en plasticidad y perspectiva se basaron en la escultura de Donatello, antes de que pudiera estudiar el enfoque más científico de la perspectiva de Brunelleschi.
Santísima Trinidad
Alrededor de 1427, Masaccio ganó un prestigioso encargo para producir una Santísima Trinidad para la iglesia dominicana de Santa Maria Novella en Florencia. Ningún documento contemporáneo registra al patrón del fresco, pero recientemente se han encontrado referencias a la propiedad de una tumba al pie del fresco en los registros de la familia Berti del barrio de Santa Maria Novella de Florencia; esta familia de clase trabajadora expresó una devoción de larga data a la Trinidad, y bien puede haber encargado la pintura de Masaccio. Probablemente sea el patrón masculino el que está representado a la izquierda de la Virgen en el cuadro, mientras que su esposa está a la derecha de San Juan Evangelista. El fresco, considerado por muchos como la obra maestra de Masaccio, es la pintura más antigua que se conserva que utiliza una perspectiva lineal sistemática, posiblemente ideada por Masaccio con la ayuda de Brunelleschi.
Según la reconstrucción, Masaccio comenzó realizando un dibujo aproximado de la composición y las líneas de perspectiva en la pared. El dibujo se cubrió con yeso fresco para hacer el fresco. Para asegurar la transferencia precisa de las líneas de perspectiva del boceto al yeso, Masaccio insertó un clavo en el punto de fuga debajo de la base de la cruz y le ató cuerdas, que presionó (o talló) en el yeso. Las marcas de los trabajos preparatorios aún son visibles.
Las figuras sagradas y los donantes están representados sobre una imagen de un esqueleto acostado sobre un sarcófago. Una inscripción aparentemente tallada en la pared sobre el esqueleto dice: "Io fui gia quel che voi siete e quel ch'io sono voi anco sarete" (Yo era una vez lo que ahora eres y lo que soy, todavía serás). Este esqueleto es a la vez una referencia a Adán, cuyo pecado provocó la muerte de los humanos y un recordatorio para los espectadores de que su tiempo en la tierra es transitorio. Es solo a través de la fe en la Trinidad, sugiere el fresco, que uno supera esta muerte. El Espíritu Santo se ve en forma de paloma, sobre Jesús. La combinación de trinidad, muerte y decadencia "puede interpretarse como una transposición de la capilla del Gólgota" en la Iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén.
Otras pinturas
Masaccio realizó otras dos obras, una Natividad y una Anunciación, ahora perdidas, antes de partir hacia Roma, donde su compañero Masolino estaba pintando al fresco una capilla con escenas de la vida. de Santa Catalina en la Basílica de San Clemente. Nunca se ha confirmado que Masaccio colaboró en esa obra, aunque es posible que contribuyera al políptico de Masolino para el altar de Santa Maria Maggiore con su panel que representa a St. Jerome and St. John the Baptist, ahora en la National Gallery de Londres. Masaccio murió a fines de 1428. Según una leyenda, fue envenenado por un pintor rival celoso.
Solo cuatro frescos, sin duda, de la mano de Masaccio todavía existen en la actualidad, aunque muchas otras obras se le han atribuido, al menos parcialmente. Se cree que otros han sido destruidos.
Legado
Masaccio influyó profundamente en el arte de la pintura y se considera que inició el Renacimiento italiano temprano en la pintura. Según Vasari, todos los "más célebres" "escultores y pintores" florentinos Estudió sus frescos extensamente para "aprender los preceptos y reglas para pintar bien." Transformó la dirección de la pintura italiana, alejándola de las idealizaciones del arte gótico y, por primera vez, presentándola como parte de un mundo más profundo, natural y humanista. Además, Masaccio influenció a muchos artistas tanto en vida como póstumamente. Su influencia es particularmente notable en las obras de los maestros menores florentinos, como Andrea di Giusto, Giovanni dal Ponte y otros que intentaron replicar sus formas brillantes y realistas.
Obras principales
- San Giovenale Triptych (1422) tempa on panel, 108 x 153 cm, Cascia di Reggello
- Madonna con Niño (1424) – tempera on panel, 24 x 18 cm, Palazzo Vecchio, Florencia
- Virgen y Niño con Santa Ana (1424–1425) – tempera on panel, 175 x 103 cm, Uffizi, Florencia
- El dinero del tributo (1424–1428) – fresco, 247 x 597 cm, Capilla Brancacci, Florencia
- Santísima Trinidad (1425–1428) – fresco, 667 x 317 cm, Santa Maria Novella, Florencia
- Retrato de un hombre joven (1425) – madera, National Gallery of Art, Washington, D.C.
- Madonna con Niño y Ángel (1426) – aceite sobre la mesa, Galería Nacional, Londres
- Crucifixión c. 1426) – tempera on panel, 83 x 63 cm, Museo di Capodimonte, Nápoles
- St. Paul (1426) – tempera on panel, 51 x 30 cm, Museo Nazionale, Pisa
- San Jerónimo y San Juan Bautista c. 1426 a 1428) panel, 114 x 55 cm, National Gallery, London
- Natividad (Berlín Tondo) (1427–1428) – tempera en madera, diámetro 56 cm, Staatliche Museen, Berlín
- St Andrew – aceite sobre la mesa, 51 x 31 cm, Museo J. Paul Getty, Los Angeles
Referencias y fuentes
- Referencias
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