Marina Abramovic

Marina Abramović (cirílico serbio: Марина Абрамовић, pronunciado< /span> [marǐːna abrǎːmoʋitɕ]; nacido el 30 de noviembre de 1946) es un artista conceptual y de performance serbio. Su trabajo explora el arte corporal, el arte de resistencia, la relación entre el artista y el público, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente. Abramović, activa desde hace más de cuatro décadas, se refiere a sí misma como la "abuela del arte escénico". Fue pionera en una nueva noción de identidad al incorporar la participación de observadores, centrándose en "enfrentar el dolor, la sangre y los límites físicos del cuerpo". En 2007, fundó el Instituto Marina Abramović (MAI), una fundación sin fines de lucro para el arte escénico.

Vida temprana, educación y enseñanza

Abramović nació en Belgrado, Serbia, entonces parte de Yugoslavia, el 30 de noviembre de 1946. En una entrevista, Abramović describió a su familia como una "burguesía roja". Su tío abuelo era Varnava, patriarca serbio de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Sus padres, nacidos en Montenegro, Danica Rosić y Vojin Abramović, fueron partisanos yugoslavos durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, los padres de Abramović recibieron la Orden de los Héroes del Pueblo y ocuparon puestos en el gobierno yugoslavo de posguerra.

Abramović fue criada por sus abuelos hasta los seis años. Su abuela era profundamente religiosa y Abramović "pasó [su] infancia en una iglesia siguiendo los rituales de [su] abuela: velas por la mañana, el sacerdote venía en diferentes ocasiones". Cuando tenía seis años nació su hermano y comenzó a vivir con sus padres mientras tomaba lecciones de piano, francés e inglés. Aunque no tomó lecciones de arte, desde niña se interesó por el arte y disfrutaba pintando.

La vida en el hogar paterno de Abramović bajo la estricta supervisión de su madre era difícil. Cuando Abramović era niña, su madre la golpeaba por "supuestamente lucirse". En una entrevista publicada en 1998, Abramović describió cómo su "madre tomó un control total al estilo militar sobre mí y mi hermano". No me permitieron salir de casa después de las 10 de la noche hasta los 29 años.... [Todas] las actuaciones en Yugoslavia las hice antes de las 10 de la noche porque tenía que estar en casa a esa hora. Es completamente una locura, pero todo lo que me corté, me azoté, me quemé y casi pierdo la vida en "The Firestar", todo lo hice antes de las 10 de la noche.

En una entrevista publicada en 2013, Abramović dijo: "Mi madre y mi padre tuvieron un matrimonio terrible". Al describir un incidente en el que su padre rompió 12 copas de champán y salió de la casa, dijo: "Fue el momento más horrible de mi infancia".

Educación y carrera docente

Estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado de 1965 a 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, República Sr. de Croacia en 1972. Luego regresó a la República Sr. Serbia y, de De 1973 a 1975, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad mientras realizaba sus primeras actuaciones en solitario.

En 1976, tras su matrimonio con Neša Paripović (entre 1971 y 1976), Abramović fue a Amsterdam para interpretar una pieza y luego decidió mudarse allí definitivamente.

De 1990 a 1995, Abramović fue profesor invitado en la Académie des Beaux-Arts de París y en la Universidad de las Artes de Berlín. De 1992 a 1996 también fue profesora invitada en la Hochschule für bildende Künste Hamburg y de 1997 a 2004 fue profesora de artes escénicas en la Hochschule für bildende Künste Braunschweig.

Carrera

Ritmo 10, 1973

En su primera actuación en Edimburgo en 1973, Abramović exploró elementos de ritual y gesto. Utilizando veinte cuchillos y dos grabadoras, el artista jugó el juego ruso, en el que se lanzan golpes rítmicos con cuchillo entre los dedos extendidos de la mano. Cada vez que se cortaba, cogía un cuchillo nuevo de la fila de veinte que había preparado y registraba la operación. Después de cortarse veinte veces, volvió a reproducir la cinta, escuchó los sonidos e intentó repetir los mismos movimientos, intentando replicar los errores, fusionando pasado y presente. Se propuso explorar las limitaciones físicas y mentales del cuerpo: el dolor y los sonidos del apuñalamiento; los sonidos dobles de la historia y la replicación. Con esta pieza, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del intérprete. "Una vez que entras en el estado de rendimiento, puedes obligar a tu cuerpo a hacer cosas que normalmente nunca podrías hacer".

Ritmo 5, 1974

En esta actuación, Abramović buscó reevocar la energía del dolor corporal extremo, utilizando una gran estrella empapada de petróleo, que el artista prendió fuego al comienzo de la actuación. De pie frente a la estrella, Abramović se cortó las uñas, las uñas de los pies y el cabello. Cuando terminó con cada uno, arrojó los recortes a las llamas, creando una explosión de luz cada vez. Quemar la estrella comunista de cinco puntas o pentagrama representó una purificación física y mental, al mismo tiempo que abordó las tradiciones políticas de su pasado. En el acto final de purificación, Abramović saltó sobre las llamas hasta llegar al centro del gran pentagrama. Al principio, debido a la luz y el humo que desprendía el fuego, los espectadores no se dieron cuenta de que el artista había perdido el conocimiento por falta de oxígeno dentro de la estrella. Sin embargo, cuando las llamas se acercaron mucho a su cuerpo y ella aún permanecía inerte, un médico y otras personas intervinieron y la sacaron de la estrella.

Abramović comentó más tarde sobre esta experiencia: "Estaba muy enojado porque entendí que hay un límite físico. Cuando pierdes el conocimiento no puedes estar presente, no puedes actuar."

Ritmo 2, 1974

Impulsada por su pérdida de conciencia durante el Ritmo 5, Abramović ideó el Ritmo 2 de dos partes para incorporar un estado de inconsciencia en una interpretación. Realizó la obra en la Galería de Arte Contemporáneo de Zagreb, en 1974. En la Parte I, que tuvo una duración de 50 minutos, ingirió un medicamento que ella describe como "dado a pacientes que sufren de catatonia, para obligarlos a para cambiar las posiciones de sus cuerpos.' La medicación hizo que sus músculos se contrajeran violentamente y perdió el control total de su cuerpo sin dejar de ser consciente de lo que estaba pasando. Después de un descanso de diez minutos, tomó un segundo medicamento "que se administra a pacientes esquizofrénicos con trastornos de conducta violentos para calmarlos". La actuación terminó después de cinco horas cuando la medicación desapareció.

Ritmo 4, 1974

Rhythm 4 se presentó en la Galleria Diagramma de Milán. En esta pieza, Abramović se arrodilló solo y desnudo en una habitación con un ventilador industrial de alta potencia. Se acercó al ventilador lentamente, intentando respirar la mayor cantidad de aire posible para superar los límites de sus pulmones. Poco después perdió el conocimiento.

La experiencia previa de Abramović en Ritmo 5, cuando el público interfirió en la actuación, la llevó a idear planes específicos para que su pérdida de conciencia no interrumpiera la actuación antes de que estuviera completa.. Antes de comenzar su actuación, Abramović pidió al camarógrafo que enfocara sólo su rostro, sin tener en cuenta al fan. Esto fue para que la audiencia no se diera cuenta de su estado inconsciente y, por lo tanto, fuera poco probable que interfiriera. Irónicamente, después de varios minutos de inconsciencia de Abramović, el camarógrafo se negó a continuar y pidió ayuda.

Ritmo 0, 1974

Para poner a prueba los límites de la relación entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus actuaciones más desafiantes y más conocidas. Se asignó un papel pasivo, siendo el público la fuerza que actuaría sobre ella. Abramović colocó sobre una mesa 72 objetos que las personas podían usar como quisieran; un cartel les informaba que no eran responsables de ninguna de sus acciones. Algunos de los objetos podrían brindarle placer, mientras que otros podrían usarse para infligir dolor o hacerle daño. Entre ellos se encontraban una rosa, una pluma, miel, un látigo, aceite de oliva, unas tijeras, un bisturí, una pistola y una sola bala. Durante seis horas la artista permitió que los espectadores manipularan su cuerpo y sus acciones sin consecuencias. Esto puso a prueba cuán vulnerables y agresivos pueden ser los sujetos humanos cuando las acciones no tienen consecuencias sociales. Al principio el público no hizo mucho y se mostró extremadamente pasivo. Sin embargo, cuando comenzaron a darse cuenta de que no había límite para sus acciones, la pieza se volvió brutal. Al final de la actuación, su cuerpo fue desnudado, atacado y devaluado hasta convertirse en una imagen que Abramović describió como la "Madonna, madre y puta". Como Abramović lo describió más tarde: "Lo que aprendí fue que... si lo dejas en manos del público, pueden matarte".... Me sentí realmente violada: me cortaron la ropa, me clavaron espinas de rosas en el estómago, una persona me apuntó con el arma a la cabeza y otro me la quitó. Creó una atmósfera agresiva. Después de exactamente 6 horas, como estaba planeado, me levanté y comencé a caminar hacia la audiencia. Todos huyeron para escapar de una confrontación real."

En sus obras, Abramović afirma su identidad a través de la perspectiva de los demás; sin embargo, lo que es más importante, al cambiar los roles de cada jugador, se desvela y se muestra la identidad y la naturaleza de la humanidad en general. Al hacerlo, la experiencia individual se transforma en colectiva y crea un mensaje poderoso. El arte de Abramović también representa la cosificación del cuerpo femenino, ya que ella permanece inmóvil y permite a los espectadores hacer lo que quieran con su cuerpo; el público traspasa los límites de lo que uno consideraría aceptable. Al presentar su cuerpo como un objeto, explora los elementos de peligro y agotamiento físico.

Trabaja con Ulay (Uwe Laysiepen)

En 1976, después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance de Alemania Occidental Uwe Laysiepen, que se hacía llamar Ulay. Comenzaron a vivir y actuar juntos ese año. Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los principales conceptos que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Crearon "obras de relación" caracterizado por el movimiento constante, el cambio, el proceso y el "arte vital". Este fue el comienzo de una década de influyente trabajo colaborativo. Cada intérprete estaba interesado en las tradiciones de su herencia cultural y el deseo individual de ritual. En consecuencia, decidieron formar un ser colectivo llamado "El Otro", y hablaron de sí mismos como partes de un "cuerpo de dos cabezas". Se vistieron y se comportaron como gemelos y crearon una relación de total confianza. A medida que definieron esta identidad fantasma, sus identidades individuales se volvieron menos accesibles. En un análisis de las identidades artísticas fantasmas, Charles Green ha señalado que esto permitía una comprensión más profunda del artista como intérprete, ya que revelaba una forma de "tener el yo artístico disponible para el autoescrutinio".

El trabajo de Abramović y Ulay puso a prueba los límites físicos del cuerpo y exploró los principios masculinos y femeninos, la energía psíquica, la meditación trascendental y la comunicación no verbal. Si bien algunos críticos han explorado la idea de un estado de ser hermafrodita como una declaración feminista, la propia Abramović niega considerarlo como un concepto consciente. Sus estudios corporales, insiste, siempre se han centrado principalmente en el cuerpo como unidad de un individuo, una tendencia que ella remonta a la de sus padres. pasados militares. En lugar de preocuparse por las ideologías de género, Abramović/Ulay exploraron estados extremos de conciencia y su relación con el espacio arquitectónico. Idearon una serie de obras en las que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción del público. Al hablar de esta fase de su historia de actuación, dijo: "El principal problema en esta relación era qué hacer con los dos artistas' egos. Tuve que descubrir cómo derribar mi ego, como lo hizo él, para crear algo así como un estado hermafrodita del ser al que llamamos yo muerto."

• In Relación en el espacio (1976) se encontraron repetidamente durante una hora: mezclando la energía masculina y femenina en el tercer componente llamado "ese yo".
• Relación en movimiento (1977) tenía el par conduciendo su coche dentro de un museo para 365 vueltas; un líquido negro ondeaba del coche, formando una especie de escultura, cada vuelta representando un año. (Después de 365 vueltas la idea era que entraron en el Nuevo Milenio.)
• In Relación en el tiempo (1977) se sentaron de vuelta a la espalda, atados por sus colas de caballo durante dieciséis horas. They then allowed the public to enter the room to see if they could use the energy of the public to push their limits even further.
• Para crear Respiración en/Tranquilo los dos artistas diseñaron una pieza en la que conectaron sus bocas y tomaron los aires exhalados del otro hasta que habían utilizado todo el oxígeno disponible. Diecinueve minutos después del comienzo de la actuación se alejaron unos de otros, sus pulmones habiéndose llenado de dióxido de carbono. Esta pieza personal exploró la idea de la capacidad de un individuo para absorber la vida de otra persona, intercambiando y destruyendola.
• In Imponderabilia (1977, recreado en 2010) dos intérpretes de sexos opuestos, ambos completamente desnudos, están en una puerta estrecha. El público debe apretar entre ellos para pasar, y al hacerlo elegir cuál de ellos a enfrentar.
• In AAA-AAA (1978) los dos artistas se enfrentaron entre sí e hicieron sonidos largos con sus bocas abiertas. Poco a poco se movieron más y más cerca, hasta que finalmente gritaban directamente en la boca del otro. Esta pieza demostró su interés en la resistencia y la duración.
• En 1980 se realizaron Rest Energy, en una exposición de arte en Dublín, donde ambos se balancearon en los lados opuestos de un arco y flecha dibujada, con la flecha apuntada al corazón de Abramović. Con casi ningún esfuerzo, Ulay podría matar fácilmente a Abramović con un dedo. Esto parece simbolizar el dominio de los hombres y qué clase de ventaja tienen en la sociedad sobre las mujeres. Además, la manija del arco es sostenida por Abramović y se señala a sí misma. El mango del arco es la parte más significativa de un arco. Esta sería una pieza completamente diferente si fuera Ulay apuntando a un arco en Abramović, pero al tenerla sujeta el arco, es casi como si la ella lo estuviera apoyando mientras toma su propia vida.

Entre 1981 y 1987, la pareja interpretó Nightsea Crossing en veintidós funciones. Se sentaban en silencio en sillas, uno frente al otro, durante siete horas al día.

En 1988, después de varios años de tensas relaciones, Abramović y Ulay decidieron emprender un viaje espiritual que pondría fin a su relación. Cada uno recorrió la Gran Muralla China, en una pieza llamada Amantes, comenzando desde los dos extremos opuestos y encontrándose en el medio. Como lo describió Abramović: “Ese paseo se convirtió en un completo drama personal. Ulay partió del desierto de Gobi y yo del Mar Amarillo. Después de caminar 2.500 km cada uno, nos encontramos en el medio y nos despedimos." Ella ha dicho que concibió este paseo en un sueño y que proporcionó lo que pensó que era un final romántico apropiado para una relación llena de misticismo, energía y atracción. Más tarde describió el proceso: "Necesitábamos una cierta forma de final, después de esta enorme distancia caminando el uno hacia el otro". Es muy humano. Es en cierto modo más dramático, más parecido al final de una película... Porque al final estás realmente solo, hagas lo que hagas." Relató que durante su caminata fue reinterpretando su conexión con el mundo físico y con la naturaleza. Sintió que los metales del suelo influyeban en su humor y estado de ánimo; También reflexionó sobre los mitos chinos en los que se describe a la Gran Muralla como un "dragón de energía". A la pareja le llevó ocho años obtener el permiso del gobierno chino para realizar el trabajo, momento en el cual su relación se había disuelto por completo.

En su retrospectiva del MoMA de 2010, Abramović interpretó The Artist Is Present, en el que compartió un período de silencio con cada extraño que se sentaba frente a ella. Aunque "se conocieron y hablaron la mañana de la inauguración", Abramović tuvo una reacción profundamente emocional hacia Ulay cuando llegó a su actuación, acercándose a él a través de la mesa entre ellos; El video del evento se volvió viral.

En noviembre de 2015, Ulay llevó a Abramović a los tribunales, alegando que le había pagado regalías insuficientes según los términos de un contrato de 1999 que cubría las ventas de sus obras conjuntas y un año después, en septiembre de 2016, se ordenó a Abramović que pagara a Ulay € 250.000. En su sentencia, el tribunal de Amsterdam consideró que Ulay tenía derecho a derechos de autor del 20% neto sobre las ventas de sus obras, tal como se especificaba en el contrato original de 1999, y ordenó a Abramović retroceder derechos de más de 250.000 euros, así como más más de 23.000 euros en costas judiciales. Además, se le ordenó proporcionar acreditación completa a los trabajos conjuntos enumerados como de "Ulay/Abramović" que abarca el período de 1976 a 1980, y "Abramović/Ulay" para los de 1981 a 1988.

Limpiar el espejo, 1995

Cleaning the Mirror consistía en cinco monitores que reproducían imágenes en las que Abramović frotaba un esqueleto humano sucio en su regazo. Cepilla vigorosamente las diferentes partes del esqueleto con agua y jabón. Cada monitor está dedicado a una parte del esqueleto: la cabeza, la pelvis, las costillas, las manos y los pies. Cada vídeo está filmado con su propio sonido, creando una superposición. A medida que el esqueleto se vuelve más limpio, Abramović se cubre de la tierra grisácea que alguna vez cubrió el esqueleto. Esta actuación de tres horas está llena de metáforas de los ritos de muerte tibetanos que preparan a los discípulos para volverse uno con su propia mortalidad. La pieza consta de una serie de tres piezas. Cleaning the Mirror #1 se realizó en el Museo de Arte Moderno y duró tres horas. Cleaning the Mirror #2 consta de 90 minutos realizados en la Universidad de Oxford. Cleaning the Mirror #3 se representó en el Museo Pitt Rivers durante cinco horas.

Cocina espiritual, 1996

Abramović trabajó con Jacob Samuel para producir un libro de cocina con "recetas afrodisíacas" llamado Spirit Cooking en 1996. Estas "recetas" estaban destinados a ser "instrucciones evocadoras de acciones o pensamientos". Por ejemplo, una de las recetas pide "13.000 gramos de celos" mientras que otro dice "mezclar leche materna fresca con leche de esperma fresca". La obra se inspiró en la creencia popular de que los fantasmas se alimentan de cosas intangibles como la luz, el sonido y las emociones.

En 1997, Abramović creó una instalación multimedia Spirit Cooking. Este se instaló originalmente en Zerynthia Associazione per l'Arte Contemporanea en Roma, Italia, e incluía paredes blancas de la galería con "instrucciones de recetas enigmáticamente violentas" pintado con sangre de cerdo. Según Alexxa Gotthardt, la obra es "un comentario sobre la dependencia de la humanidad del ritual para organizar y legitimar nuestras vidas y contener nuestros cuerpos".

Abramovic también publicó un libro de cocina Spirit Cooking, que contiene instrucciones cómico-místicas de autoayuda que pretenden ser solo poesía. Spirit Cooking más tarde evolucionó hasta convertirse en una forma de entretenimiento para cenas que Abramovic organiza ocasionalmente para coleccionistas, donantes y amigos.

Barroca balcánica, 1997

(feminine)

En esta pieza, Abramović frotó vigorosamente miles de huesos de vaca ensangrentados durante un período de cuatro días, en referencia a la limpieza étnica que había tenido lugar en los Balcanes durante la década de 1990. Esta pieza escénica le valió a Abramović el premio León de Oro en la Bienal de Venecia.

Abramović creó el barroco balcánico como respuesta a la guerra en Bosnia. Recuerda que otros artistas reaccionaron de inmediato, crearon obras y protestaron por los efectos y horrores de la guerra. Abramović no se atrevió a trabajar sobre el tema tan pronto, ya que era demasiado cercano para ella. Finalmente, Abramović regresó a Belgrado, donde entrevistó a su madre, a su padre y a un cazador de ratas. Luego incorporó estas entrevistas en su artículo, así como clips de las manos de su padre, su padre sosteniendo una pistola y su madre mostrando las manos vacías y luego cruzadas. Abramović está vestido de médico y cuenta la historia del cazador de ratas. Mientras esto sucede, Abramović se sienta entre una gran pila de huesos e intenta lavarlos.

La actuación tuvo lugar en Venecia en 1997. Abramović recuerda los gusanos que emergían de los huesos y el horrible olor, ya que hacía mucho calor en Venecia durante el verano. Abramović explica que la idea de limpiar los huesos, tratando de eliminar la sangre, es imposible. Lo que Abramović intenta dejar claro es que la sangre no se puede limpiar de los huesos y las manos, del mismo modo que la guerra no se puede limpiar de la vergüenza. Quería permitir que las imágenes de la performance hablaran no sólo de la guerra en Bosnia, sino de cualquier guerra, en cualquier parte del mundo.

Siete piezas fáciles, 2005

A partir del 9 de noviembre de 2005, Abramović presentó Siete piezas fáciles en el Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York. Durante siete noches consecutivas, durante siete horas, recreó las obras de cinco artistas que actuaron por primera vez en los años 60 y 70, además de volver a interpretar su propia Lips of Thomas y presentar una nueva actuación la última noche. Las actuaciones fueron arduas y requirieron la concentración tanto física como mental del artista. En las actuaciones de Abramović se incluyeron recreaciones de The Conditioning de Gina Pane, que requería acostarse sobre el armazón de una cama suspendida sobre una rejilla de velas encendidas, y de Vito Acconci. Performance de 1972 en la que el artista se masturbaba bajo el suelo de una galería mientras los visitantes pasaban por encima. Se argumenta que Abramović volvió a interpretar estas obras como una serie de homenajes al pasado, aunque muchas de las representaciones fueron modificadas con respecto a sus originales.

Una lista completa de los trabajos realizados es la siguiente:

• Bruce Nauman Presión corporal (1974)
• Vito Acconci's Seedbed (1972)
• Valie Export's Pantalón de acción: Genital Panic (1969)
• Gina Pane El estado (1973)
• Joseph Beuys Cómo explicar las imágenes a una liebre muerta (1965)
• El propio Abramović Thomas Lips (1975)
• El propio Abramović Entrando en el otro lado (2005)

La artista está presente: marzo a mayo de 2010

(feminine)

Del 14 de marzo al 31 de mayo de 2010, el Museo de Arte Moderno celebró una gran retrospectiva y una recreación escénica de la obra de Abramović, la mayor exposición de arte escénico en la historia del MoMA, comisariada por Klaus Biesenbach.. Biesenbach también proporcionó el título de la performance, que se refería al hecho de que durante toda la performance "el artista estaría justo en la galería o en el museo".

Durante la exposición, Abramović interpretó The Artist Is Present, una pieza estática y silenciosa de 736 horas y 30 minutos de duración, en la que permaneció sentada inmóvil en el atrio del museo. mientras que los espectadores fueron invitados a turnarse para sentarse frente a ella. Ulay hizo una aparición sorpresa en la noche inaugural del espectáculo.

Abramović se sentó en un rectángulo dibujado con cinta adhesiva en el suelo del atrio del segundo piso del MoMA; Las luces del teatro brillaban sobre ella sentada en una silla y una silla frente a ella. Los visitantes que esperaban en la fila fueron invitados a sentarse individualmente frente a la artista mientras ella mantenía contacto visual con ellos. Los visitantes comenzaron a abarrotar el atrio a los pocos días de la inauguración de la exposición, y algunos se reunían antes de que abriera la exposición cada mañana para buscar un lugar más preferible en la fila para sentarse con Abramović. La mayoría de los visitantes se sentaron con la artista durante cinco minutos o menos, algunos se sentaron con ella durante todo un día. La fila no atrajo la atención de la seguridad del museo hasta el último día de la exposición, cuando un visitante vomitó en la fila y otro comenzó a desnudarse. Las tensiones entre los visitantes en la fila podrían haber surgido del entendimiento de que por cada minuto que cada persona en la fila pasara con Abramović, habría muchos menos minutos en el día para que los que estaban más atrás en la fila pasaran con el artista. Debido a la naturaleza extenuante de estar sentado durante horas seguidas, los entusiastas del arte han especulado sobre si Abramović usaba un pañal de adulto para eliminar la necesidad de moverse para orinar. Otros han destacado los movimientos que hacía entre los modelos como foco de análisis, ya que las únicas variaciones en la artista entre los modelos eran cuándo lloraba si un modelo lloraba y su momento de contacto físico con Ulay, uno de los primeros visitantes de la exposición. exhibición. Abramović se sentó frente a 1.545 asistentes, entre ellos Klaus Biesenbach, James Franco, Lou Reed, Alan Rickman, Jemima Kirke, Jennifer Carpenter y Björk; Se pidió a los asistentes que no tocaran ni hablaran con el artista. Al final de la exhibición, cientos de visitantes hacían fila afuera del museo durante la noche para asegurarse un lugar en la fila a la mañana siguiente. Abramović concluyó la actuación deslizándose de la silla donde estaba sentada y levantándose ante una multitud que la vitoreaba de más de diez personas.

En Facebook se creó un grupo de apoyo para los "cuidadores", "Sentado con Marina", así como el blog "Marina Abramović me hizo llorar". El fotógrafo italiano Marco Anelli tomó retratos de cada persona que se sentaba frente a Abramović, que fueron publicados en Flickr, recopilados en un libro y presentados en una exposición en la Galería Danziger de Nueva York.

Abramović dijo que el programa cambió su vida "completamente: cada elemento posible, cada emoción física". Después de que Lady Gaga vio el espectáculo y lo publicitó, Abramović encontró un nuevo público: "Así, los niños de 12 y 14 años a 18 años, el público que normalmente no va al museo, que no A quienes les importa una mierda el arte escénico o ni siquiera saben qué es, empezaron a venir gracias a Lady Gaga. Y vieron el espectáculo y luego empezaron a regresar. Y así es como consigo una audiencia completamente nueva”. En septiembre de 2011, Pippin Barr lanzó una versión en videojuego de la actuación de Abramović. En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó a The Artist Is Present en noveno lugar (junto con Rhythm 0) en su lista de las mejores obras de arte escénico.

Su actuación inspiró a la novelista australiana Heather Rose a escribir El Museo del Amor Moderno y posteriormente lanzó la edición estadounidense del libro en el Museo de Arte Moderno en 2018.

Otro

En 2009, Abramović apareció en el documental de Chiara Clemente Our City Dreams y en un libro del mismo nombre. Los cinco artistas destacados, entre los que también se encuentran Swoon, Ghada Amer, Kiki Smith y Nancy Spero, "cada uno posee una pasión por crear obras que es inseparable de su devoción por Nueva York", según el editor. Abramović también es el tema de un documental independiente titulado Marina Abramović: The Artist Is Present, que se basa en su vida y su actuación en su retrospectiva "The Artist Is Present" en el Museo de Arte Moderno en 2010. La película fue transmitida en los Estados Unidos por HBO y ganó un premio Peabody en 2012. En enero de 2011, Abramović apareció en la portada de la revista serbia ELLE, fotografiada por Dušan. Reljin. La novela de ciencia ficción de Kim Stanley Robinson 2312 menciona un estilo de obras de arte escénicas conocido como "abramovics".

Se presentó una instalación de estreno mundial de Abramović en el Trinity Bellwoods Park de Toronto como parte del Festival Luminato en junio de 2013. Abramović también es cocreador, junto con Robert Wilson, de la producción teatral The Life y Death of Marina Abramović, que tuvo su estreno norteamericano en el festival y en el Park Avenue Armory en diciembre.

En 2007, Abramović creó el Instituto Marina Abramović (MAI), una fundación sin fines de lucro para el arte escénico, en un espacio de 33,000 pies cuadrados en Hudson, Nueva York. También fundó un instituto de actuación en San Francisco. Es patrocinadora de Live Art Development Agency, con sede en Londres.

En junio de 2014 presentó una nueva pieza en la Serpentine Gallery de Londres llamada 512 Hours. En Generator, presentado por la galería Sean Kelly, (6 de diciembre de 2014), los participantes tienen los ojos vendados y usan dispositivos de cancelación de sonido en una exploración de la nada.

Para celebrar su 70 cumpleaños el 30 de noviembre de 2016, Abramović se hizo cargo del museo Guggenheim (once años después de su anterior visita allí) para su fiesta de cumpleaños titulada "Marina 70". La primera parte de la velada, titulada "Silencio" Duró 70 minutos y finalizó con el sonido de un gong golpeado por el artista. Luego vino la segunda parte, más convencional: "Entretenimiento", durante la cual Abramović subió al escenario para pronunciar un discurso antes de ver al cantante y artista visual inglés ANOHNI interpretar la canción "My Way" mientras llevaba una gran capucha negra.

En marzo de 2015, Abramović presentó una charla TED titulada "Un arte hecho de confianza, vulnerabilidad y conexión".

En 2019, el falso documental de IFC Documentary Now! parodió el trabajo de Abramović y el documental Marina Abramović: The Artist Is Present. El episodio, titulado "Esperando al artista", fue protagonizado por Cate Blanchett como Isabella Barta (Abramović) y Fred Armisen como Dimo (Ulay).

Originalmente programada para inaugurarse el 26 de septiembre de 2020, su primera gran exposición en el Reino Unido en la Royal Academy of Arts ha sido reprogramada para el otoño de 2021 debido a la pandemia de COVID-19. Según la Academia, la exposición "reunirá obras que abarcan sus 50 años de carrera, junto con nuevas obras concebidas especialmente para estas galerías". A medida que Abramović se acerca a los 70 años, su nuevo trabajo reflexiona sobre los cambios en el cuerpo de la artista y explora su percepción de la transición entre la vida y la muerte.

En 2021, inauguró un monumento, Muro de cristal del llanto, en el lugar de una masacre del Holocausto en Ucrania, en los monumentos conmemorativos de Babi Yar.

Propuestas rechazadas

Abramović había propuesto algunas actuaciones en solitario durante su carrera que nunca se realizaron. Una de esas propuestas se tituló "Ven a lavarte conmigo". Esta performance tendría lugar en el espacio de una galería que se iba a transformar en una lavandería con lavabos colocados alrededor de las paredes de la galería. El público entraría al espacio y se le pediría que se quitara toda la ropa y se la entregara a Abramović. Luego, las personas esperaban mientras ella les lavaba, secaba y planchaba la ropa, y una vez que terminaba, les devolvía la ropa, podían vestirse y luego irse. Propuso esto en 1969 para la Galerija Doma Omladine en Belgrado. La propuesta fue rechazada.

En 1970 propuso una idea similar a la misma galería que también fue rechazada. La pieza no tenía título. Abramović se paraba frente al público vestida con su ropa habitual. Al costado del escenario había un perchero adornado con la ropa que su madre quería que ella usara. Tomaba la ropa una por una y se la ponía, luego se paraba frente al público por un rato. "Del bolsillo derecho de mi falda saco una pistola. Del bolsillo izquierdo de mi falda saco una bala. Meto la bala en la recámara y la giro. Coloco el arma en mi sien. Aprieto el gatillo." La actuación tuvo dos posibles resultados.

La lista de ropa de Madre incluía:

1. Pin marrón pesado para el cabello
2. Blusa de algodón blanco con puntos rojos
3. sujetador rosa claro – 2 tamaños demasiado grande
4. Pulsera de franela rosa oscura – tres tamaños demasiado grandes
5. Falda azul oscura – mitad del calf
6. Color de piel medias sintéticas pesadas
7. Zapatos ortopédicos pesados con cordones

Películas

Abramović dirigió un segmento, Balkan Erotic Epic, en Destricted, una recopilación de películas eróticas realizadas en 2006. En 2008 dirigió un segmento Dangerous Games en otra recopilación de películas Historias sobre Derechos Humanos. También actuó en un cortometraje de cinco minutos Antony and the Johnsons: Cut the World.

Instituto Marina Abramović

El Instituto Marina Abramović (MAI) es una organización de artes escénicas centrada en la performance, obras de larga duración y el uso del "Método Abramovic".

En sus primeras fases, se propuso un espacio museístico multifuncional en Hudson, Nueva York. Abramović compró el sitio para el instituto en 2007. Ubicado en Hudson, Nueva York, el edificio fue construido en 1933 y se ha utilizado como teatro y centro comunitario de tenis. El edificio iba a ser renovado según un diseño de Rem Koolhaas y Shohei Shigematsu de OMA. La fase inicial de diseño de este proyecto fue financiada por una campaña de Kickstarter. La campaña fue financiada por más de 4.000 contribuyentes, incluidos Lady Gaga y Jay-Z. El proyecto de construcción fue cancelado en octubre de 2017 debido a su alto costo anticipado.

El instituto continúa funcionando como una organización itinerante. Hasta la fecha, MAI se ha asociado con muchas instituciones y artistas a nivel internacional, viajando a Brasil, Grecia y Turquía.

Colaboraciones

Cuando era joven, trabajó como intérprete en una de las actuaciones de Hermann Nitsch que formaban parte del accionismo vienés.

Abramović mantiene una amistad con el actor James Franco, quien la entrevistó para el Wall Street Journal en 2009. Franco la visitó durante The Artist Is Present en 2010, y el Los dos también asistieron juntos a la Met Gala 2012.

En julio de 2013, Abramović trabajó con Lady Gaga en el tercer álbum de la cantante pop, Artpop. El trabajo de Gaga con Abramović, así como con los artistas Jeff Koons y Robert Wilson, se exhibió en un evento titulado "ArtRave" el 10 de noviembre. Además, ambos han colaborado en proyectos de apoyo al Instituto Marina Abramović, incluida la participación de Gaga en un proyecto del 'Método Abramović' vídeo y una lectura continua de la novela de ciencia ficción de Stanisław Lem, Solaris.

También ese mes, Jay-Z exhibió una pieza inspirada en Abramović en la Pace Gallery de la ciudad de Nueva York. Interpretó su tema inspirado en el arte "Picasso Baby" durante seis horas seguidas. Durante la actuación, Abramović y varias figuras del mundo del arte fueron invitados a bailar con él frente a frente. Más tarde, el metraje se convirtió en un vídeo musical. Permitió que Jay-Z adaptara "The Artist Is Present" con la condición de que donara a su instituto. Abramović declaró que Jay-Z no cumplió con su parte del trato y describió la actuación como una "transacción unidireccional". Sin embargo, dos años después, en 2015, Abramović se disculpó públicamente afirmando que nunca fue informada de la importante donación de Jay-Z.

Controversias

Abramović generó controversia en agosto de 2016 cuando se publicaron pasajes de un primer borrador de sus memorias, en el que, basándose en notas de su encuentro inicial de 1979 con aborígenes australianos, los comparó con los dinosaurios y observó que "tienen torsos grandes (sólo un mal resultado de su encuentro con la civilización occidental es una dieta alta en azúcar que hincha sus cuerpos) y piernas como palos. Ella respondió a la controversia en Facebook escribiendo: "Tengo el mayor respeto por el pueblo aborigen, a quien se lo debo todo".

Entre una serie de correos electrónicos filtrados de John Podesta y publicados por WikiLeaks en el período previo a las elecciones presidenciales de EE. UU. de 2016, se encontraba un mensaje de Abramović al hermano de Podesta en el que se hablaba de una invitación a una cocina espirituosa, que fue interpretado por el teórico de la conspiración Alex Jones como una invitación a un ritual satánico, y presentado por Jones y otros como prueba de que la candidata demócrata Hillary Clinton tenía vínculos con lo oculto. En una sesión de preguntas y respuestas de Reddit de 2013, en respuesta a una pregunta sobre lo oculto en el arte contemporáneo, dijo: "Todo depende del contexto en el que estás haciendo lo que estás haciendo". Si estás haciendo magia oculta en el contexto del arte o en una galería, entonces es arte. Si lo haces en un contexto diferente, en círculos espirituales, en una casa privada o en programas de televisión, no es arte. La intención, el contexto de lo que se hace y dónde se hace definen qué es o no arte".

El 10 de abril de 2020, Microsoft lanzó un vídeo promocional para HoloLens 2, en el que aparecía Abramović. Sin embargo, debido a las acusaciones de teóricos de la conspiración de derecha de que ella tenía vínculos con el satanismo, Microsoft finalmente retiró el anuncio. Abramović respondió a las críticas, pidiendo a la gente que dejara de acosarla, argumentando que sus actuaciones son sólo el arte que ha estado haciendo durante 50 años de su vida.

Vida personal

Abramović afirma que no se siente “ni serbia ni montenegrina”, sino una ex yugoslava. "Cuando la gente me pregunta de dónde soy," Ella dice: "Nunca digo Serbia". Siempre digo que vengo de un país que ya no existe."

Abramović ha tenido tres abortos a lo largo de su vida y ha dicho que tener hijos habría sido un "desastre para su trabajo".

El escultor Nikola Pešić dice que Abramović tiene un interés de toda la vida por el esoterismo y el espiritismo (que no debe confundirse con el satanismo).

Premios

• León de Oro, XLVII Bienal de Venecia, 1997
• Niedersächsischer Kunstpreis[de], 2002
• Premios de Danza y Rendimiento de Nueva York (Las Bessies), 2002
• International Association of Art Critics, Best Show in a Commercial Gallery Award, 2003
• Decoración austriaca para la ciencia y el arte (2008)
• Doctorado Honorario de las Artes, Universidad de Plymouth UK, 25 de septiembre de 2009
• Honorario Real Académico (HonRA), 27 de septiembre de 2011
• Premio de Liderazgo Cultural, Federación Americana de Artes, 26 de octubre de 2011
• Doctorado Honorario de las Artes, Instituto Superior de Arte, Cuba, 14 de mayo de 2012
• 13 de julio Premios de Logros de la Vida, Podgorica, Montenegro, 1 de octubre de 2012
• Premio de los hermanos Karić (arte y cultura de la Sede), 2012
• Berliner Bär (B.Z.-Kulturpreis)[de] (2012; no confundirse con el Oso de Plata y Oro en el Festival de Cine de Berlín; un premio cultural del tabloide alemán BZ)
• Medalla de Oro para Méritos, República de Serbia, 2021
• Princesa de Asturias Premio en la categoría de Artes, 2021.