Manifiesto del arte

Un manifiesto artístico es una declaración pública de las intenciones, motivos o puntos de vista de un artista o movimiento artístico. Los manifiestos son una característica estándar de los diversos movimientos de la vanguardia modernista y todavía se escriben hoy en día. Los manifiestos artísticos a veces tienen como objetivo retórico causar impacto, lograr un efecto revolucionario. A menudo abordan cuestiones más amplias, como el sistema político. Los temas típicos son la necesidad de revolución, la libertad (de expresión) y la superioridad implícita o abiertamente declarada de los escritores sobre el status quo. El manifiesto ofrece un medio para expresar, publicitar y registrar las ideas del artista o grupo artístico; incluso si solo una o dos personas escriben las palabras, en la mayoría de los casos se atribuye el nombre del grupo.

En 1855 Gustave Courbet escribió un manifiesto realista para la introducción del catálogo de su exposición personal e independiente. Y en 1886 el Manifiesto Simbolista fue publicado en el periódico francés Le Figaro por el poeta y ensayista Jean Moréas.

El primer manifiesto artístico del siglo XX fue presentado por los futuristas en Italia en 1909, seguido por los cubistas, vorticistas, dadaístas y surrealistas: el período hasta la Segunda Guerra Mundial creó lo que todavía son los manifiestos más conocidos. Aunque nunca dejaron de publicarse, otros medios, como el crecimiento de la radiodifusión, tendieron a marginar tales declaraciones. Debido a Internet, ha habido un resurgimiento de la forma, y ahora están apareciendo muchos manifiestos nuevos para un público potencial mundial. Los Stuckistas han hecho un uso particular de esto para iniciar un movimiento mundial de grupos afiliados.

Los manifiestos suelen constar de una serie de afirmaciones, que están numeradas o en viñetas y que no necesariamente siguen una lógica de la otra. La explicación del manifiesto de Tristan Tzara (Amor débil y amor amargo, II) capta el espíritu de muchos:

Un manifiesto es una comunicación hecha al mundo entero, cuya única pretensión es el descubrimiento de una cura instantánea para la sífilis política, astronómica, artística, parlamentaria, agronómica y literaria. Puede ser agradable, y bien iluminado, siempre es correcto, es fuerte, vigoroso y lógico. Apropos de lógica, me considero muy agradable.

Antes de principios del siglo XX, el manifiesto era casi exclusivamente una declaración con fines políticos. Por lo tanto, la intención de los artistas que adoptan esta forma es indicar que están utilizando el arte como herramienta política.

El manifiesto artístico tiene dos objetivos principales. El primero es definir y criticar un paradigma en el arte o la cultura contemporáneos; el segundo es definir un conjunto de valores estéticos para contrarrestar ese paradigma. A menudo, los manifiestos aspiran a ser obras de arte por derecho propio; por ejemplo, muchos autores de manifiestos pretenden que sus textos sean interpretados. Otros manifiestos no pueden apreciarse plenamente como simples declaraciones escritas porque dependen en gran medida del diseño gráfico para la comunicación, una característica común en los manifiestos dadaístas. Varios artistas han escrito manifiestos sobre medios artísticos que no son los suyos.

Históricamente, ha existido un fuerte paralelismo entre el manifiesto artístico y el manifiesto político. No era raro que los autores de manifiestos de principios del siglo XX también fueran políticamente activos. En Italia, el fundador del movimiento futurista Filippo Tomasso Marinetti se presentó como candidato a un cargo, y tanto los futuristas rusos como los italianos publicaron manifiestos políticos. En Inglaterra, el vorticista Wyndham Lewis apoyó a las sufragistas, mientras que en Francia, el surrealista André Breton apoyó al partido comunista. Sin embargo, a menudo estas organizaciones políticas rechazaron la atención de los artistas; en otros casos, los artistas fueron censurados y perseguidos por gobiernos autoritarios europeos, como la Italia fascista y la Rusia comunista, que rechazaron institucionalmente la vanguardia.

Gustave Courbet escribió un manifiesto realista para la introducción del catálogo de su exposición personal e independiente de 1855, en el que se hacía eco del tono de los manifiestos políticos de la época. En él afirmaba su objetivo como artista: "traducir las costumbres, las ideas y la apariencia de mi época según mi propia estimación".

En 1886 se publicó en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto Simbolista del poeta y ensayista Jean Moréas, en el que se definía y caracterizaba el simbolismo como un estilo cuyo «objetivo no era el ideal, sino que su único propósito era expresarse por el mero hecho de ser expresado». Se nombra a Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine como los tres poetas más destacados del movimiento.

El Manifiesto Futurista, escrito por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, fue publicado en el periódico italiano Gazzetta dell'Emilia de Bolonia el 5 de febrero de 1909, y luego en francés como Manifeste du futurisme en el periódico Le Figaro el 20 de febrero de 1909. Inauguró una filosofía artística, el futurismo, que era un rechazo del pasado y una celebración de la velocidad, la maquinaria, la violencia, la juventud y la industria; también era una defensa de la modernización y el rejuvenecimiento cultural de Italia.

Como el manifiesto fundacional no contenía un programa artístico positivo, los futuristas intentaron crear uno en su posterior Manifiesto técnico de la pintura futurista (1914). Con ello se comprometían con un "dinamismo universal", que debía ser representado directamente en la pintura y la escultura. Los objetos en realidad no estaban separados unos de otros ni de su entorno: "Las dieciséis personas que te rodean en un autobús en movimiento son, una tras otra y al mismo tiempo, una, diez, cuatro, tres; están inmóviles y cambian de lugar... El autobús se precipita hacia las casas por las que pasa y, a su vez, las casas se arrojan sobre el autobús y se mezclan con él".

Du "Cubisme", escrito en 1912 por Albert Gleizes y Jean Metzinger, fue el primer texto teórico importante sobre el cubismo. El libro estaba ilustrado con obras de Gleizes, Metzinger, Paul Cézanne, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain y Marie Laurencin. En este tratado de gran influencia, Gleizes y Metzinger relacionaron explícitamente el concepto de 'perspectiva múltiple' con el sentido bergsoniano del tiempo. El tratamiento facetado de los objetos físicos y del espacio desdibujó las distinciones entre sujeto y abstracción, entre representación y no objetividad. Se utilizaron efectos de geometría no euclidiana para transmitir una sensación psicofísica de fluidez de la conciencia. Du "Cubisme" introdujo el concepto de 'simultaneidad' en el marco teórico del cubismo. En parte, se trató de un concepto nacido de la convicción, basada en la interpretación que los autores hicieron de Henri Poincaré y Bergson, de que la separación o distinción entre el espacio y el tiempo debía cuestionarse de manera integral. Se basaba tanto en ideas filosóficas como científicas, en la geometría de Riemann y en la relatividad del conocimiento, en contradicción con las nociones de verdad absoluta. Estas ideas se difundieron y debatieron en publicaciones de amplia difusión, y fueron leídas por escritores y artistas asociados con el advenimiento del modernismo.

Publicado en Les Homme du jour en 1913, nunca quedó claro si se trataba de un manifiesto sincero de la nueva escuela del amorfismo o de una parodia.

Extractos del manifiesto vorticista BLAST fueron publicados en su revista Blast, número 1, el 20 de junio de 1914, y luego en Blast, número 2, en julio de 1915.

En 1915, Kazimir Malevich sentó las bases del suprematismo al publicar su manifiesto Del cubismo al suprematismo.

Hugo Ball recitó el primer manifiesto dadaísta en el Cabaret Voltaire el 14 de julio de 1916.

El segundo manifiesto dadaísta fue recitado por Tristan Tzara en la Salle Meise el 23 de marzo de 1918 y publicado en Dada, n.° 3 (Zúrich, diciembre de 1918).

Firmado por Theo van Doesburg, Robt. van 't Hoff, Vilmos Huszar, Antony Kok, Piet Mondrian, Georges Vantongerloo, Jan Wils

Manifiesto I de "El Estilo" (De Stijl), de De Stijl, vol. II, no. 1 (noviembre de 1918), pág. 4.

El Manifiesto realista (publicado el 5 de agosto de 1920) fue escrito por el escultor ruso Naum Gabo y firmado por su hermano Antoine Pevsner, y es el texto clave del constructivismo.

Los fundadores del purismo, Amédée Ozenfant y Charles-Edouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier), titularon su manifiesto Après le Cubisme (Después del cubismo).

El primer manifiesto surrealista fue escrito por el escritor francés André Breton en 1924 y publicado en 1925. El documento define el surrealismo como:

Automatismo psíquico en su estado puro, por el cual se propone expresar -- verbalmente, por medio de la palabra escrita, o de cualquier otra manera -- el funcionamiento real del pensamiento. Dictado por el pensamiento, en ausencia de control ejercido por la razón, exento de cualquier preocupación estética o moral.

Base de la peinture concrète, fue escrito por Otto G. Carlsund, Theo van Doesburg, Jean Hélion, Marcel Wantz y Léon Arthur Tutundjian, publicado en Revue Art Concret, núm. 1 (abril de 1930).

Mario Sironi estaba motivado por los ideales políticos del fascismo italiano más que por cualquier movimiento artístico específico. Trabajando en arte para el periódico del régimen, Il Popolo d'Italia, Sironi finalmente contribuyó creando murales para la Exposición de la Revolución Fascista de 1932. Posteriormente, Sironi firmó el Manifiesto de la Pintura Mural en 1933. Sironi continuó trabajando exclusivamente en murales hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

Hacia un arte libre y revolucionario fue escrito por el surrealista André Breton y el marxista León Trotsky como reacción contra el arte impuesto por la Unión Soviética.

El Manifiesto Blanco es un texto escrito en 1946 por Lucio Fontana.

Manifiesto de CoBrA, titulado La cause était entendue, escrito por Christian Dotremont y firmado por Karel Appel, Constant, Corneille, Asger Jorn y Joseph Noiret en 1948.

El Rechazo global (o Rechazo total) fue un manifiesto antisistema y antirreligioso publicado el 9 de agosto de 1948 en Montreal por un grupo de dieciséis jóvenes artistas e intelectuales quebequenses conocidos como les Automatistes, liderados por Paul-Émile Borduas.

El Refuerzo global estuvo muy influido por el poeta francés André Breton y ensalzaba la fuerza creativa del subconsciente.

El Manifiesto del Eaismo es de Voltolino Fontani.

El Primer Manifiesto de los Escultores es de René Iché.

El Manifiesto Místico (en francés, Manifeste Mystique) fue escrito en 1951 por Salvador Dalí. Dalí confirmó que es un ex surrealista y partidario de las pinturas religiosas. Dalí dijo que su papel en el arte del misticismo nuclear era el de 'explicar y acelerar el proceso". La preferencia de Dalí durante este período se desplazó hacia el arte figurativo, a pesar del auge del abstraccionismo.

Escrito por Enrico Baj.

Les Spatialistes, un grupo italiano con sede en Milán, redactó un manifiesto para la televisión.

Esta obra de Michel Tapié definió el movimiento informalista.

Este manifiesto de Jirô Yoshihara definió los objetivos artísticos del grupo japonés Gutai.

Escrita por Gustav Metzger en 1964, esta obra fue presentada como una conferencia en la Architectural Association y adoptada por los estudiantes como un "happening" artístico. Uno de los estudiantes de Metzger en el Ealing College fue Pete Townshend, quien más tarde citó los conceptos de Metzger como una influencia para su famoso golpeteo de guitarra durante las actuaciones de The Who.

Manifiesto Neo-Concreto, de Ferreira Gullar, comienza:

Utilizamos el término "neo-concreto" para diferenciarnos de aquellos comprometidos con el arte "geométrico" no figurativo (neo-plasticismo, constructivismo, suprematismo, la escuela de Ulm) y particularmente el tipo de arte concreto que está influenciado por un racionalismo peligrosamente agudo. A la luz de su experiencia artística, los pintores, escultores, grabadores y escritores participantes en esta primera Exposición Neo-concreto llegaron a la conclusión de que era necesario evaluar los principios teóricos sobre los cuales se ha fundado el arte concreto, ninguno de los cuales ofrece una racionalidad para el potencial expresivo que sienten que su arte contiene".

El Manifiesto de la pintura industrial: Por un arte aplicado unitario, escrito por Giuseppe Pinot-Gallizio en agosto de 1959, fue publicado originalmente en italiano en Notizie Arti Figurative n.° 9 (1959). Poco después se publicó en Internationale Situationniste n.° 3 en una traducción francesa. Fue traducido al inglés en 1997 por Molly Klein. Tiene sólo 70 puntos y está escrito en un estilo retórico grandioso y utópico, con afirmaciones como: "Una nueva y voraz fuerza de dominación empujará a los hombres hacia una poesía épica inimaginable". Uno de sus temas es la reconciliación de la industria y la naturaleza:

El regreso a la naturaleza con la instrumentación moderna permitirá al hombre, después de miles de siglos, volver a los lugares donde los cazadores paleolíticos superan gran temor; el hombre moderno tratará de abandonar su propio, acumulado en la idiotez del progreso, en contacto con cosas humildes, que la naturaleza en su sabiduría ha conservado como un chequeo de la inmensa arrogancia de la mente humana.

Los manifiestos de la década de 1960 reflejaban las actitudes sociales y políticas cambiantes de la época: el fermento general de la revolución de la "contracultura" para derrocar el orden existente y el auge particular del feminismo y el poder negro, así como el surgimiento de nuevas formas de arte como el arte corporal y el arte escénico.

La Internacional Situacionista fue fundada en Cosio d’Arroscia el 27 de abril de 1957 por ocho miembros que querían un arte revolucionario en constante transformación y, por lo tanto, novedad, así como la abolición de la brecha entre el arte y la vida. El manifiesto que lo propugnaba se publicó el 17 de mayo de 1960 y se reimprimió en el número 4 de Internationale Situationniste en junio de 1960. Abogaba por la "nueva fuerza humana" contra la tecnología y la "insatisfacción de sus posibles usos en nuestra vida social sin sentido", afirmando: "Inauguraremos lo que históricamente será el último de los oficios. El papel del situacionista amateur-profesional -del antiespecialista- es de nuevo una especialización hasta el punto de la abundancia económica y mental, cuando todos se convierten en "artistas". Su frase final es: “Éstos son nuestros objetivos y éstos serán los objetivos futuros de la humanidad”.

Este manifiesto, escrito por Yves Klein, está protegido por derechos de autor desde 1989 por la Galería Gagosian. Comienza con las indicaciones para las declaraciones posteriores del manifiesto, siendo la primera línea: "Debido al hecho de que he pintado monocromos durante quince años". Es una meditación del artista sobre su obra y su vida:

Un artista siempre se siente incómodo cuando se le llama a hablar de su propio trabajo. Debe hablar por sí mismo, especialmente cuando es válido.

¿Qué puedo hacer? ¿Parar ahora?

No, lo que yo llamo "la indefinible sensibilidad pictórica" escapa absolutamente a esta solución muy personal.

Así que...

Se apropia del cielo:

Una vez, en 1946, mientras todavía era adolescente, iba a firmar mi nombre en el otro lado del cielo durante un fantástico viaje "realista-imaginario". Ese día, mientras yo estaba extendida sobre la playa de Niza, comencé a sentir odio por las aves que volaban hacia atrás y hacia adelante a través de mi cielo azul, sin nubes, porque trataron de aburrir agujeros en mi mayor y más hermosa obra.

Las aves deben ser eliminadas.

Termina afirmando que está "listo para sumergirse en el vacío".

Claes Oldenburg, artista pop, reacciona contra el expresionismo abstracto junto a otros artistas jóvenes. El manifiesto “Estoy a favor de un arte” fue creado originalmente para ser incluido en el catálogo de la exposición “Entornos, situaciones y espacios”. Cada una de las declaraciones comienza con “Estoy a favor de un arte…”.

La siguiente cita es de las dos primeras declaraciones de su manifiesto poético:

"Estoy a favor de un arte que sea político-erótico-místico, que haga algo más que quedarse sentado en un museo.
Estoy a favor de un arte que crezca sin saber que es arte en absoluto, un arte al que se le dé la oportunidad de tener un punto de partida de cero... "

Este breve documento escrito a mano por George Maciunas consta de tres párrafos intercalados con elementos de collage de definiciones de diccionario relacionadas con el término "flujo". Está escrito en minúsculas y en mayúsculas para ciertas frases clave, algunas de ellas subrayadas. Su primer párrafo es:

¡Pura el mundo de la enfermedad burguesa, "intellectual", cultura profesional y comercializada, purga el mundo del arte muerto, imitación, arte artificial, arte abstracto, arte ilusionista, arte matemático, purga el mundo del "Europanismo"!

Aboga por la revolución, el "arte vivo", el antiarte y la "realidad no artística" que debe ser comprendida por todos los pueblos, no sólo por los críticos, los diletantes y los profesionales".

SCUM, de Valerie Solanas, es un acrónimo de la Sociedad para Cortar Hombres (Society for Cutting up Men) y el manifiesto no trataba específicamente sobre arte. Sin embargo, se ha convertido en parte de la historia del arte, porque se publicó en 1968, el mismo año en que Solanas, que había pasado un tiempo en la Factory de Andy Warhol, le disparó y casi lo mató. También tiene secciones que abordan ideas artísticas. Solanas pasó sus últimos años como prostituta callejera y murió en 1988.

Se trata de un documento de poco más de 11.000 palabras. Su tono y su tema básico son evidentes desde el título, pero no es tan claro como parece y se admite que algunas mujeres son tan malas como los hombres (las artistas, por ejemplo). SCUM quiere "destruir todos los objetos inútiles y dañinos: coches, escaparates, "Gran Arte", etc." En una sección sobre "Gran Arte" y "Cultura" se afirma:

El "artista" masculino intenta resolver su dilema de no ser capaz de vivir, de no ser mujer, mediante la construcción de un mundo altamente artificial en el que el macho es héroe, es decir, muestra rasgos femeninos, y la hembra se reduce a roles subordinados muy limitados, insípidos, es decir, a ser masculino.

El hombre 'artístico' pretende ser, no comunicarse (no tener nada dentro de él no tiene nada que decir), sino disfrazar su animalismo, él recurre al simbolismo y a la obscuridad (deep). La gran mayoría de las personas, en particular las 'educadas', carentes de fe en su propio juicio, humildes, respetuosos de la autoridad ('Daddy sabe mejor'), se confunden fácilmente en creer que la oscuridad, evasividad, incomprensión, indirectidad, ambigüedad y aburrimiento son marcas de profundidad y brillantez...

Absorbiendo la 'cultura' es un intento desesperado y frantico de acariciarse en un mundo inmundo, de escapar del horror de una existencia estéril e insensata. 'Culture' proporciona un sop a los egos de los incompetentes, un medio de racionalizar el espectro pasivo; pueden enorgullecerse de su capacidad de apreciar las cosas del 'finer', de ver una joya donde esto es sólo un turd (que quieren ser admirados por admirar).

El título completo del manifiesto es "El arte del mantenimiento: propuesta para una exposición" y se considera un documento fundamental del arte feminista. Mierle Laderman Ukeles estaba embarazada en ese momento y decidió reinterpretar las tareas domésticas convirtiéndose en una "artista del mantenimiento", donde las "representaba". De esta manera, el "mantenimiento" se reveló como una condición importante para la libertad y el funcionamiento social y extendió la idea más allá del feminismo a proyectos como el proyecto de 11 meses "Touch Sanitation", en el que participaron 8.500 trabajadores de Nueva York. Más recientemente, se dirigió a un vertedero de Staten Island.

El manifiesto fue seguido por un cuestionario (1973-76) y su objetivo era convertir en arte lo que normalmente se consideraría como tareas rutinarias y mundanas. Escribió: "Después de la revolución, ¿quién va a recoger la basura el lunes por la mañana?". A esto le siguió un "Manifiesto de Saneamiento" (1984). El Manifiesto de Mantenimiento decía:

El mantenimiento es un arrastre; lleva todo el tiempo (lit.) La mente rebosa y amamanta en el aburrimiento. La cultura confiere un estado pésimo en trabajos de mantenimiento, salarios mínimos, amas de casa, sin sueldo. Limpia tu escritorio, lava los platos, limpia el suelo, lava tus ropas, lava tus dedos, cambia el pañal del bebé, termina el informe, corrige los tipos, arregla la valla, mantén al cliente feliz, tira la basura apestuosa, mira hacia fuera no poner cosas en tu nariz, lo que usaré, no tengo soja, paga tus cuentas, no ensucies, salvas cuerda, lavar tu pelo, cambiar la plancha

El Manifiesto romántico es una colección de ensayos de la filósofa y novelista Ayn Rand, publicada bajo un único título en 1969. Se publicó una edición revisada en 1975. Los ensayos explican la perspectiva objetivista sobre el arte, originada por Ayn Rand. El término "romántico" no se refiere al concepto de amor, sino que es una referencia a la Era Romántica, un movimiento artístico destacado a finales del siglo XVIII y principios y mediados del siglo XIX. Rand intentó despertar este movimiento en la cultura contemporánea, afirmando que no existía en su época, al tiempo que rechazaba los elementos del mismo que eran anatema para la filosofía objetivista:

Este MANIFESTO no se basa en el nombre de una organización o un movimiento. Sólo hablo por mi cuenta. Hoy no hay movimiento romántico. Si hay que estar uno en el corazón del futuro, este libro lo ha ayudado a entrar en el mundo.

Afri-Cobra fue un colectivo de artistas negros fundado a finales de los años 60 por Jeff Donaldson y con sede en Chicago. Ayudó a organizar exposiciones internacionales de artistas negros y escribió manifiestos influyentes. AfriCobra es el acrónimo de "African Commune of Bad Relevant Artists" (Comuna africana de artistas poco relevantes). Este acrónimo se deriva de la combinación del término para África con "Cobra", la "Coalición de artistas negros revolucionarios". El manifiesto establecía que los objetivos del grupo eran el desarrollo de un nuevo arte afroamericano, que implicara responsabilidad social, participación artística comunitaria y promoción del orgullo por la identidad negra. Había paralelismos con las innovaciones musicales afroamericanas y la defensa de una estética complementaria que implicara imágenes sublimes y colores intensos.

WAR es el acrónimo de "Mujeres Artistas en la Revolución", de la que Nancy Spero era miembro. Antes de esto, entre 1966 y 1970, había creado una serie de "manifiestos" contra la guerra de Vietnam, que eran imágenes creadas con acuarelas y tintas sobre papel. Luego asistió a las reuniones de la AWC (Coalición de Trabajadores del Arte), que tenía miembros hombres y mujeres, y se convirtió en parte de WAR, que era una rama. Dijo: "Me encantó. Estaba tan enojada en ese momento por tantas cosas, especialmente por no poder sacar mi arte, para que la gente lo viera. Pensé: 'WAR', eso es todo. Empezamos a organizar algunas acciones y protestas y escribimos manifiestos. Por ejemplo, algunas de nosotras marchamos hacia el Museo de Arte Moderno y exigimos igualdad para las mujeres artistas. Luego, me uní a otro, el Comité Ad Hoc de Mujeres Artistas. En aquella época todo sucedía muy rápido."

Valie Export es una artista de performance vienesa que trabajó con las Accionistas y catalogó sus eventos. Hizo su propio arte corporal de confrontación, con una filosofía de "Accionismo Feminista", invitando a la gente a tocarla en la calle. Emitió "manifiestos escritos que predicen con venganza el futuro del arte de las mujeres" e "hizo importantes contribuciones teóricas para comunicar un feminismo personal en la performance. Sentía que era políticamente importante crear arte. "Sabía que si lo hacía desnuda, realmente cambiaría la forma en que el público (mayoritariamente masculino) me miraría".

El Colectivo de Arte Sociológico Francés fue fundado por Fred Forest, Jean-Paul Thénot y Hervé Fischer y su manifiesto fue publicado en el periódico Le Monde. Su principal objetivo era utilizar la sociología para sustentar acciones artísticas, o utilizar acciones artísticas para esclarecer fenómenos sociológicos. Una de esas acciones fue la subasta de un "metro cuadrado artístico" en 1976 para burlarse de la inflación de precios en los mercados inmobiliario y artístico. El colectivo hizo un uso intensivo de los medios de comunicación y de las actuaciones en vivo utilizando vídeo, teléfonos, etc. El grupo se disolvió en 1981, aunque algunos de sus principios fueron traídos por Fred Forest y Mario Costa con el movimiento Estética de la Comunicación de 1983.

En 1975, François Pluchart promovió la primera muestra de Body Art en la Galería Stadler de París, con obras de 21 artistas, entre ellos Marcel Duchamp, Chris Burden y Katharina Sieverding. Se publicó el primer manifiesto de Body Art.

por Paul Hartal

Este es un documento de cuatro páginas ilustrado con nueve imágenes en blanco y negro de las pinturas, collages y multimedia del artista, publicado en Montreal en 1975. "Mi arte es una metáfora pintada; la máquina pasada de un segundo perpetuo, la emoción fósil de un anhelo infinito, el deseo mágico que evoluciona sobre el eje roto del espacio comprimido, reflejado en la forma de paisajes interiores, personales", escribe Hartal en el manifiesto. "El arte debe ser total", sugiere. "Lo biótico separado de lo geométrico es arbitrario e ignora la naturaleza humana". La idea del "Conceptualismo Lírico se basa en la totalidad de la coordenada psicológica", dice. "Se deriva del ello, el yo y el superyó"; un "arte en el que el carácter fundamentalmente doble de la visión del artista evoluciona hacia una tríada lírica, intuitiva y conceptual". En The Brush and the Compass: The Interface Dynamics of Art and Science (Lanham: University Press of America, 1988, 341 pp), Hartal analiza con más detalle la teoría del conceptualismo lírico o arte lico,

El auge del movimiento punk, con su actitud DIY básica y agresiva, tuvo una influencia significativa en los manifiestos artísticos, y esto se refleja incluso en los títulos. Algunos de los artistas se identificaron abiertamente con el punk a través de la música, la publicación o la poesía. También hay una interpretación equivalente "impactante" del feminismo que contradice la no-objetivación defendida en los años 60. Luego, la creciente presencia de la era informática comenzó a afirmarse en las proclamas artísticas y en la sociedad.

El artista Charles Thomson promovió el Manifiesto del Arte Crudo en 1978.

Charles Thomson, entonces estudiante de la facultad, publicó este artículo en Maidstone Art College. 21 años después, coescribió los manifiestos Stuckist junto con Billy Childish. Thomson también fue miembro de The Medway Poets, un grupo punk. El manifiesto rechaza el arte de los "grandes almacenes" y el arte de las galerías "elitistas", así como la sofisticación y la habilidad que son "fácilmente obtenibles... y se utilizan tanto industrial como artísticamente para ocultar una pobreza de contenido". Se afirma que la prioridad es "la exploración y expresión del espíritu humano".

por Stewart Home

En esa época, Stewart Home operaba como un movimiento unipersonal, la "Generación Positiva", que fundó una banda punk llamada White Colours y publicó una revista de arte, Smile, que contenía principalmente manifiestos de arte para la "Generación Positiva". La retórica de estos se parecía a los manifiestos dadaístas de Berlín de los años 20. Su idea era que otras bandas de todo el mundo también se llamaran White Colours y que otras revistas se titularan Smile. La primera parte del libro Neoist Manifestos/The Art Strike Papers presentaba versiones abreviadas de sus escritos de estilo manifiesto de Smile.

por el Teatro Pan y Títeres

El título completo es "el manifiesto ¿Por qué arte barato?". Es una sola hoja, publicada por el Bread and Puppet Theater "en respuesta directa al negocio del arte y su creciente apropiación por parte del sector corporativo". Hay diecisiete declaraciones, la mayoría de ellas comenzando con "El arte es" y terminando con un signo de exclamación, escritos principalmente en mayúsculas, a veces mezclados con minúsculas, en diferentes tipos de letra que se vuelven más audaces a lo largo del folleto hasta la declaración final de un gran HURRA. Comienza:

La gente ha estado pensando demasiado tiempo que el arte es un privilegio de los museos " los ricos.

¡El arte no es un negocio!

Se destaca la naturaleza positiva del arte, que es beneficioso para todos y debería estar disponible para todos, utilizando imágenes poéticas como "El arte es como los árboles verdes" y exhortando a que "El arte lucha contra la guerra y la estupidez... ¡El arte es barato!".

por Donna J. Haraway

El título completo de este libro es "Un manifiesto cíborg: ciencia, tecnología y feminismo socialista a finales del siglo XX". Donna Haraway es historiadora cultural y aboga por el desarrollo de los cíborgs ("organismos cibernéticos") como el camino a seguir para una sociedad posgénero. Esto tuvo un efecto significativo inicialmente entre los académicos. VNS Matrix, un grupo de mujeres artistas australianas y la historiadora cultural británica Sadie Plant, establecieron un movimiento ciberfeminista en 1994. Desde 1997, la Old Boys Network (OBN) ha organizado "Internacionales ciberfeministas".

por Gilbert y George

El manifiesto consta de cinco párrafos, cada uno con un subtítulo, el primero de los cuales es "Arte para todos", que resume la intención populista de su manifiesto:

Queremos que Nuestro Arte hable a través de las barreras del conocimiento directamente a la gente sobre su Vida y no sobre su conocimiento del arte. El siglo XX ha sido maldecido con un arte que no puede entenderse. Los artistas decadentes se defienden a sí mismos y a sus pocos elegidos, riéndose y despidiendo al extraño normal. Decimos que el arte deslumbrante, oscuro y obsesionado es decadente y una cruel negación de la Vida de las Personas.

También existe la intención de cambiar a las personas, pero "el material artístico debe estar subordinado al significado y al propósito de la imagen". Dice:

Queremos aprender a respetar y honrar "todo". El contenido de la humanidad es nuestro tema y nuestra inspiración. Estamos todos los días para buenas tradiciones y cambios necesarios. Queremos encontrar y aceptar todo lo bueno y lo malo en nosotros mismos.

La conclusión es una afirmación de nuestra búsqueda de nuevos significados y propósitos para la vida.

por Verónica Vera

El manifiesto fue firmado por Verónica Vera y Candida Royalle (ambas ex estrellas porno que luego dirigieron sus propias películas porno), Annie Sprinkle (que ofrece espectáculos unipersonales explícitos y sexuales) y el artista de performance Frank Moore, entre otros artistas importantes que utilizan el sexo en su trabajo. En siete breves puntos, funda un movimiento artístico que "celebra el sexo como la fuerza nutritiva y dadora de vida. Aceptamos nuestros genitales como parte, no separada, de nuestros espíritus". Aboga por la "actitud del positivismo sexual" y desea "comunicar nuestras ideas y emociones... para divertirnos, sanar el mundo y perdurar".

por VNS Matrix

VNS Matrix fue un colectivo artístico ciberfeminista fundado en Adelaida, Australia, en 1991. Su manifiesto, escrito en 1991, fue traducido a lo largo de los años a muchos idiomas, entre ellos italiano, francés, español, ruso, japonés y finlandés. Comienza así:

somos el coño moderno

contra razón positiva

desatado sin perdonar

vemos arte con nuestro coño hacemos arte con nuestro coño

En 1996 escribieron el Manifiesto de la Perra Mutante.

por Michael Betancourt

El Manifiesto ____________ proponía una visión interactiva y de relleno de espacios en blanco sobre las prohibiciones y las reivindicaciones que se podían hacer sobre el arte y los movimientos artísticos. Fue una de las primeras obras interactivas de net art que aparecieron en revistas web y grupos de noticias, invitando a la participación. Comienza así:

Hoy, Es obsoleto.

El manifiesto termina con un botón de Reinicio. El texto está extraído de los manifiestos dadaístas de Tristian Tzara, pero se han omitido fragmentos clave del texto original y se han reemplazado por espacios en blanco para completar.

Es uno de los primeros manifiestos publicados tanto en Internet como en formato impreso.

La pintura europea moderna con tinta es la contribución europea/occidental al movimiento New Ink Art (principalmente asiático). Combina/fusiona el expresionismo, el informalismo, el minimalismo, el arte al aire libre, el arte abstracto (etc.) con técnicas formales reductivas (pintura con aguada), filosofía, materiales y conceptos típicamente del este asiático.

El original y completo, en forma de declaración del artista o agenda, fue escrito en 1996 y enviado a Tokio en 1997 a través del Ministerio de Cultura de Croacia, luego a Viena, a la Embajada de Japón, y luego al Gobierno japonés en Tokio. Basándose en eso (y otros elementos como las calificaciones universitarias), Alfred Freddy Krupa recibió una beca para investigación de posgrado en Japón en 1998. Croacia y Japón establecieron relaciones diplomáticas en 1993 y fue el primer pintor croata en recibir una beca del Gobierno de Japón. Después de que la solicitud de Krupa fuera enviada formalmente, lo único que le quedó fue el primer borrador, un boceto de su proclamación y agenda. Durante varios años estuvo perdido en algún lugar de su apartamento familiar. Como se sabe, la familia Krupa fue desalojada en 2010 y él pensó que se había perdido para siempre, ya que estaba escrito en dos hojas de papel normal. Pero se conservó entre otros artículos de su casa en un almacén en condiciones deplorables. En 2017, la familia pudo recuperar parte de sus pertenencias personales que en ese momento habían sido trasladadas a su garaje. En 2018, el pintor estaba excavando en su garaje y, por casualidad, encontró esos escritos originales de 1996. Fue escaneado y reescrito con la gramática inglesa corregida. Es el manifiesto que Alfred Krupa siguió y amplió durante más de 20 años (en ese momento). También es un documento de la historia del movimiento internacional New Ink Art.

El movimiento New Ink Art se consideró durante mucho tiempo un fenómeno artístico local (Hong Kong), regional o nacional chino, fundado por Lui Shou-Kwan (1919-1975) (algunos todavía piensan así). Con estas actividades (y probablemente también las de otros artistas) en relación con Croacia y Japón en la última década del siglo XX, se ha convertido en un movimiento internacional. Lui Shou-Kwan y sus seguidores (hasta la actualidad) reinterpretan el arte chino de la tinta en forma de modernismo occidental. Krupa está haciendo algo esencialmente opuesto/diferente a Shou-Kwan y su grupo, reinterpreta el modernismo occidental en forma de arte chino de la tinta. En la actualidad no se sabe si existe algún otro manifiesto relacionado con el movimiento internacional New Ink Art; en Occidente no hay ninguno, al menos no creado en ese período de tiempo (mediados de los años 1990).

El manuscrito original del Manifiesto del Nuevo Arte de la Tinta de Krupa de 1996 es propiedad del archivo, registros y documentos de la Documenta (exposición) de Kassel (número de acceso docA-97).

por Billy Childish

El grupo Hangman fue fundado por Billy Childish, Tracey Emin y otros dos en Medway, Kent, en 1983, por un breve período. Catorce años después se reformó con más miembros (casi todos los cuales se sumaron más tarde al grupo artístico Stuckist), pero sin Emin. En ese momento, Childish escribió 6 manifiestos breves, cada uno de los cuales contenía entre 7 y 12 afirmaciones. Dice: "Eran anárquicos y contradictorios, ¡mi favorito!" Algunas de las ideas resurgieron en los manifiestos Stuckist escritos dos años después. El punto 9 de la Comunicación 0001 dice:

El arte occidental ha estado molestando a su público en tomar la posición de un portero admirador. Sin embargo, en el Grupo Hangman tenemos la intención de limpiar nuestras botas incrustadas en barro en la cara de la balderdash conceptual.

Hay que destruir el estilo (el talento artístico es el único obstáculo) y aceptar lo inaceptable. La última comunicación, de sólo dos breves frases, fue escrita en 2000 y recomienda: "Es hora de que el arte madure".

por Guy Bleus

Con la participación de 34 artistas de redes sociales (como Anna Banana, Sarah Jackson, Madelyn 'Honoria' Starbuck, Judith Hoffberg, Vittore Baroni, Ken Friedman, John Held Jr., Ruud Janssen, György Galántai, Rod Summers, Andrej Tisma) de 13 países, Guy Bleus (alias 42.292) escribió el Manifiesto RE: E-Mail-Art & Internet-Art. Fue publicado en 1997 en la revista de arte electrónico de Bleus "E-Pêle-Mêle".

por Natasha Vita-More (antes Nancie Clark)

(Un género del movimiento artístico transhumanista cuyo manifiesto fue escrito en 1982)

Esto fue escrito el 1 de enero de 1997, y aparentemente fue "a bordo de la nave espacial Cassini Huygens en su misión a Saturno". Después de la declaración "Somos transhumanos", está la explicación: "El arte transhumanista refleja una apreciación extrópica de la estética en un mundo tecnológicamente mejorado". Después del manifiesto hay una sección de "Preguntas frecuentes", que dice: "Las artes transhumanistas incluyen obras creativas de científicos, ingenieros, técnicos, filósofos, atletas, educadores, matemáticos, etc., que pueden no ser artistas en el sentido tradicional, pero cuya visión y creatividad son parte integral de la transhumanidad". El Manifiesto se basa en una Declaración de Arte Transhumanista escrita en 1982. Se citan como influencias específicas el "arte abstracto, el arte de performance, el arte cinético, el cubismo, el arte tecno, la ciencia ficción y el arte de las comunicaciones". Algunos colaboradores de Vita-More son Timothy Leary, Bill Viola y Francis Ford Coppola.

El acceso generalizado a Internet ha creado un nuevo incentivo para que los artistas publiquen manifiestos, sabiendo que existe un público potencial instantáneo en todo el mundo. El efecto de Internet en los manifiestos artísticos se ha descrito así: "Casi se podría decir que estamos viviendo una nueva época de auge para los manifiestos. La Web permite que casi cualquiera pueda colgar un periódico en la pared virtual para que todo el mundo lo vea". Algunos de los manifiestos también aparecen en forma impresa; otros sólo existen como texto virtual. También ha dado lugar a una gran diversidad de enfoques, así como a una notable tendencia a mirar hacia atrás, a las tradiciones anteriores del modernismo o el renacimiento, para crear un paradigma presente y futuro. El manifiesto de Stuckist se ha hecho muy conocido, aunque la mayoría de los demás han alcanzado poca reputación o impacto individual.

Por Billy Childish y Charles Thomson

Los Stuckistas han crecido en once años desde 13 artistas en Londres a 209 grupos en 48 países, y afirman que "el Stuckismo es el primer movimiento artístico significativo que se ha difundido a través de Internet". Los tres primeros puntos de su manifiesto homónimo proclaman "una búsqueda de la autenticidad", "la pintura es el medio del autodescubrimiento" y "un modelo de arte que es holístico". El cuarto punto afirma que "los artistas que no pintan no son artistas"; el quinto es que "el arte que tiene que estar en una galería para ser arte no es arte". Se hacen comentarios contra el arte conceptual, el Britart, Charles Saatchi, los trucos artísticos y las galerías de paredes blancas, mientras que se elogia al aficionado. El último punto es:

El Stuckism abraza todo lo que denuncia. Sólo denunciamos lo que se detiene en el punto de partida - ¡El Stuckism comienza en el punto de parada!

Este manifiesto está disponible en su sitio web en 7 idiomas. Han publicado al menos otros 8 manifiestos, incluyendo el Manifiesto Remodernista (2000), que inaugura "una nueva espiritualidad en el arte" (para reemplazar el "materialismo científico, el nihilismo y la bancarrota espiritual" del Posmodernismo), el Manifiesto del Premio Turner, distribuido en sus manifestaciones en la Tate Britain y una Crítica de Damien Hirst. La galería Tate conserva tres de los manifiestos. Entre los productos derivados de otros Stuckistas se incluyen un manifiesto de los Estudiantes del Colegio de Artes de Camberwell por el Stuckismo (2000) y un Manifiesto de los Stuckistas Menores de Edad para Adolescentes (2006). En 2006, Allen Herndon publicó El Manifiesto de los Stuckistas Americanos, cuyo contenido fue cuestionado por el grupo Stuckistas de Los Ángeles. También se publicó en 2005 un manifiesto antistuckista a cargo del London Surrealist Group.

Por Mark Miremont.

El manifiesto La resurrección de la belleza fue publicado por primera vez en 2010 por la Galerie Provocatrice en Ámsterdam para una exhibición relacionada y el estreno de una película. Su propósito es inspirar resistencia a las pretensiones del arte conceptual que buscan eliminar la belleza como una preocupación central en el futuro del arte. Dos líneas centrales del manifiesto son: "La belleza es el propósito del arte, así como un edificio es el propósito de la arquitectura" y "La utilidad del arte es informarnos sobre la belleza, así como la utilidad de la ciencia es informarnos sobre la verdad".

por Jesse Richards

Un manifiesto sobre la realización cinematográfica escrito por el ex pintor, fotógrafo y cineasta Stuckista Jesse Richards que, al igual que el manifiesto del Remodernismo, estrechamente relacionado con él, reclama una "nueva espiritualidad", pero en este caso, en relación con el cine. El manifiesto proclama que una película espiritual "no trata de religión. Es un cine preocupado por la humanidad y por la comprensión de las verdades y los momentos simples de la humanidad. La película espiritual trata realmente TODO sobre estos momentos". El punto 4 del manifiesto analiza la estética japonesa en relación con la idea de la película Remodernista: "Las ideas japonesas de wabi-sabi (la belleza de la imperfección) y mono no awareness (la conciencia de la fugacidad de las cosas y los sentimientos agridulces que acompañan su paso), tienen la capacidad de mostrar la verdad de la existencia, y siempre deben tenerse en cuenta al hacer la película Remodernista". El manifiesto también critica a los cineastas que filman en vídeo, argumentando que el cine, en particular el de Super-8, "tiene una crudeza y una capacidad para capturar la esencia poética de la vida que el vídeo nunca ha sido capaz de lograr" y también critica el trabajo de Stanley Kubrick, por ser "deshonesto y aburrido", así como el "pretencioso checkist" de reglas de Dogma 95. En cambio, la filosofía cinematográfica Remodernista parece ser algo anti-ego, y Richards señala que "este manifiesto debe ser visto sólo como una colección de ideas y sugerencias cuyo autor puede ser ridiculizado e insultado a voluntad". El manifiesto fue traducido recientemente al turco y publicado por el sitio web de cine Bakiniz, y está siendo traducido al polaco y publicado por la revista de arte y cultura underground polaca, RED.

por Luke Turner

El Manifiesto Metamodernista fue escrito por el artista Luke Turner como "un ejercicio para definir y encarnar simultáneamente el espíritu metamoderno". El manifiesto reconocía que "la oscilación es el orden natural del mundo" y llamaba a poner fin a "la inercia resultante de un siglo de ingenuidad ideológica modernista y la cínica insinceridad de su hijo bastardo anónimo". En cambio, Turner proponía el metamodernismo como "la condición mercurial entre y más allá de la ironía y la sinceridad, la ingenuidad y el conocimiento, el relativismo y la verdad, el optimismo y la duda, en la búsqueda de una pluralidad de horizontes dispares y elusivos", y concluía con un llamado a "¡salir y oscilar!". El manifiesto formó la base de LaBeouf, Rönkkö & La práctica artística colaborativa de Turner, después de que el actor Shia LaBeouf se pusiera en contacto con Turner a principios de 2014 tras leer el texto.

por Kaloust Guedel

El Manifiesto fue escrito en 2014 y publicado en el semanario Los Angeles Downtown News el 28 de septiembre de 2015 (página 10). Comienza de una manera típicamente densa: "Uso excesivo de recursos en estado magnificado, mediante el cual uno se expresa: por medio de creaciones visuales bidimensionales o tridimensionales, palabras escritas o pronunciadas, o de cualquier otra manera. Como una reflexión, examen o investigación del sistema capitalista, exento de consideraciones estéticas, legales, comerciales, éticas o morales." Es ir más allá del límite o grado habitual, necesario o adecuado. Tener un cierto impulso "de adquirir bienes materiales más allá de las necesidades y a menudo los medios propios.". El excesivismo, como un nuevo movimiento artístico global, tiende a ser un comentario sobre el materialismo económico.

por Menotti Lerro y Antonello Pelliccia

Escrito en 2018 y publicado en revistas en 2019, el Nuevo Manifiesto de las Artes fue publicado oficialmente en italiano e inglés en 2020 por la editorial Zona. Se considera la base principal del movimiento de la Escuela Empática (Empatismo) surgido en Italia en 2020. Este Manifiesto coloca la empatía en el centro de una visión del yo, en oposición a las visiones anteriores de los artistas como excluidos de la sociedad.

• Manifiesto futurista
• Manifiesto surrealista
• Los antipodeanos
• Manifiesto
• Nuevo Manifiesto de las Artes

• Poesía de la revolución: Marx, Manifiestos y los Avant-Gardes
• Índice de manifiestos
• Página en el sitio web del Museo de Historia de la Ciudad de Ashiya de Japón con texto completo del Manifiesto Gutai, en inglés
• Art Manifesto Reset Colaboración global de obras fundadas por John Manifesto Robinson y Gary Reset Barlow (2012).
• "Declarar un nuevo mundo": La página de la crítica de The Brooklyn Rail on Art Manifestos, editada por Will Fenstermaker (Marzo 2021)