Manierismo norteño

El manierismo norteño o del norte es la forma de manierismo que se encuentra en las artes visuales al norte de los Alpes en los siglos XVI y principios del XVII. Los estilos derivados en gran parte del manierismo italiano se encontraron en los Países Bajos y en otros lugares alrededor de mediados de siglo, especialmente el ornamento manierista en la arquitectura; este artículo se concentra en aquellos tiempos y lugares donde el manierismo norteño generó su obra más original y distintiva.

Los tres centros principales del estilo estaban en Francia, especialmente en el período 1530-1550, en Praga desde 1576 y en los Países Bajos desde la década de 1580, las dos primeras fases en gran parte lideradas por el patrocinio real. En los últimos 15 años del siglo, el estilo, por entonces anticuado en Italia, se generalizó por el norte de Europa, difundido en gran parte a través de estampas. En pintura, tendió a retroceder rápidamente en el nuevo siglo, bajo la nueva influencia de Caravaggio y el barroco temprano, pero en arquitectura y artes decorativas, su influencia fue más sostenida.

Fondo

El sofisticado arte del manierismo italiano comienza durante el Alto Renacimiento de la década de 1520 como un desarrollo, una reacción contra y un intento de superar los triunfos serenamente equilibrados de ese estilo. Como explica el historiador del arte Henri Zerner: "El concepto de manierismo, tan importante para la crítica moderna y, en particular, para el renovado gusto por el arte de Fontainebleau, designa un estilo opuesto al clasicismo del Renacimiento italiano encarnado sobre todo por Andrea del Sarto en Florencia y Rafael en Roma".

El Alto Renacimiento fue un fenómeno puramente italiano, y el manierismo italiano requería tanto de artistas como de un público altamente capacitado en los estilos renacentistas anteriores, cuyas convenciones a menudo se burlaban de manera consciente. En el norte de Europa, sin embargo, difícilmente se podían encontrar tales artistas y tal público. El estilo prevaleciente siguió siendo el gótico, y en las primeras décadas del siglo XVI artistas de mayor proyección internacional, como Albrecht Dürer, Hans Burgkmair y otros en Alemania, y la engañosamente nombrada escuela del manierismo de Amberes, hicieron diferentes síntesis de este estilo y el italiano. de hecho, no relacionado y anterior al manierismo italiano. El romanismo estuvo más influenciado por el arte italiano del Alto Renacimiento y aspectos del manierismo, y muchos de sus principales exponentes habían viajado a Italia. La pintura holandesa había sido en general la más avanzada en el norte de Europa desde antes de 1400, y los mejores artistas holandeses estaban en mejores condiciones que los de otras regiones para mantenerse al día con los desarrollos italianos, aunque a la distancia.

Para cada generación sucesiva de artistas, el problema se agudizó, ya que gran parte del trabajo del norte continuó asimilando gradualmente aspectos del estilo renacentista, mientras que el arte italiano más avanzado había entrado en una espiral en una atmósfera de sofisticación y complejidad autoconscientes que debe haber parecido un mundo. aparte de los mecenas y artistas del norte, pero gozaba de una reputación y un prestigio que no podían ser ignorados.

Francia

Francia recibió una inyección directa de estilo italiano en la forma de la primera Escuela de Fontainebleau, donde a partir de 1530 se contrataron varios artistas florentinos de calidad para decorar el Palacio Real de Fontainebleau, con la contratación de algunos ayudantes franceses. Las importaciones más notables fueron Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo di Gaspare, 1494-1540), Francesco Primaticcio (c. 1505-1570), Niccolò dell'Abbate (c. 1509-1571), todos los cuales permanecieron en Francia hasta su fallecidos. Esta conjunción logró generar un estilo nativo francés con fuertes elementos manieristas que luego pudo desarrollarse en gran medida por su cuenta. Jean Cousin the Elder, por ejemplo, produjo pinturas, como Eva Prima Pandora y Charity, que, con sus desnudos sinuosos y alargados, se inspiró palpablemente en los principios artísticos de la escuela de Fontainebleau.

El hijo de Cousin, Jean the Younger, la mayoría de cuyas obras no han sobrevivido, y Antoine Caron siguieron esta tradición, produciendo una versión agitada de la estética manierista en el contexto de las guerras de religión francesas. La iconografía de las obras figurativas era mayoritariamente mitológica, con un fuerte énfasis en Diana, diosa de la caza que era la función original de Fontainebleau, y homónima de Diane de Poitiers, amante y musa de Enrique II, y también entusiasta cazadora. Su figura esbelta, patilarga y atlética "quedó fijada en el imaginario erótico".

Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan intenso con artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados, las compras de obras italianas por parte de gobernantes y otros, los viajes de artistas a Italia y la ejemplo de artistas italianos individuales que trabajan en el norte.

Gran parte del trabajo más importante en Fontainebleau fue en forma de relieves de estuco, a menudo ejecutados por artistas franceses según dibujos de los italianos (y luego reproducidos en grabados), y el estilo de Fontainebleau afectó a la escultura francesa con más fuerza que la pintura francesa. Los enormes marcos de estuco que dominan sus pinturas empotradas con atrevidos adornos de altorrelieve, guirnaldas de frutas y un generoso personal de figuras desnudas parecidas a ninfas, fueron muy influyentes en el vocabulario de la ornamentación manierista en toda Europa, difundido por libros de ornamentación y grabados de Androuet du Cerceau y otros: Rosso parece haber sido el creador del estilo.

Varias áreas de las artes decorativas se unieron al estilo, especialmente donde había clientes de la corte. Los muebles de nogal de alto estilo hechos en centros metropolitanos como París y Dijon, empleaban marcos de flecos y soportes escultóricos en vestidores y buffets. La misteriosa y sofisticada cerámica de Saint-Porchaire, de la que solo sobreviven unas sesenta piezas, aportó una estética similar a la cerámica, y gran parte de ella lleva cifras reales. A esto le siguió la cerámica "rústica" de Bernard Palissy, con vasijas cubiertas con animales y plantas en relieve elaboradamente modelados. El esmalte de Limoges pintado adoptó el estilo con entusiasmo alrededor de 1540, y muchos talleres produjeron pinturas muy detalladas hasta alrededor de la década de 1580.

Además del propio Palacio de Fontainebleau, otros edificios importantes decorados con este estilo fueron el Château d'Anet (1547-1552) para Diane de Poitiers y partes del Palais du Louvre. El patrocinio de las artes de Catalina de 'Medici promovió el estilo manierista, excepto en el retrato, y sus festividades de la corte fueron las únicas regulares del norte que rivalizaban con los intermedios y las entradas de la corte de los Medici en Florencia; todo lo cual se basó en gran medida en las artes visuales. Después de un interludio cuando se abandonó el trabajo en Fontainebleau en el apogeo de las guerras de religión francesas, se formó una "Segunda Escuela de Fontainebleau" de artistas locales en la década de 1590.

• Monumento que contiene el corazón de Enrique II de Francia, Germain Pilon
• Escudo de Enrique II de Francia, acero damasquinado en plata y oro, diseño atribuido a Etienne Delaune
• Diseño de un buque presentado a Enrique II, Jean Cousin the Elder, 1549
• Detalle de plato en esmalte de Limoges, mediados del siglo XVI, atribuido a Jean de Court
• Loza de Saint-Porchaire, Sal triangular, ¿década de 1540?, 6 7/8 pulg. (17,5 cm) de alto, con un (?) sátiro y (?) Venus a la derecha.

Praga bajo Rodolfo II

Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (reinó entre 1564 y 1576), que estableció su base en Viena, tenía gustos humanistas y artísticos y patrocinó a varios artistas, en su mayoría famosos Giambologna y Giuseppe Arcimboldo, cuyos retratos de fantasía hechos de objetos eran un poco más serios en el mundo de la filosofía del Renacimiento tardío de lo que parecen ahora. Al final de su reinado ideó un proyecto para un nuevo palacio y poco antes de morir el joven pintor flamenco Bartholomeus Spranger había sido llamado desde Roma, donde había hecho una exitosa carrera. El hijo de Maximiliano, Rodolfo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, resultó ser un mecenas aún mejor de lo que hubiera sido su padre, y Spranger nunca dejó su servicio. La corte pronto se trasladó a Praga, más segura de las invasiones turcas regulares,

Las preferencias artísticas de Rudolf eran las escenas mitológicas con desnudos, así como las piezas de propaganda alegórica que ensalzaban las virtudes de sí mismo como gobernante. Una obra que combina elementos de erotismo y propaganda es Minerva triunfa sobre la Ignorancia (Kunsthistorisches Museum), que muestra a Minverva (la diosa romana de la guerra, la sabiduría, las artes y el comercio) con los pechos expuestos y un casco pisoteando a la Ignorancia, simbolizada por un hombre con las orejas de un asno. Bellona, ​​otra diosa romana de la guerra, y las nueve Musas rodean a Minerva. El mensaje de propaganda es que el imperio está a salvo con Rodolfo al timón para que las artes y el comercio puedan florecer. El escultor flamenco Hans Mont también trabajó para Rudolf y diseñó el arco triunfal para la entrada formal de Rodolfo II en Viena en 1576.

Las obras de la Praga de Rudolf estaban muy acabadas y refinadas, y la mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas. Se continuó con el alargamiento de las figuras y las poses sorprendentemente complejas de la primera ola del manierismo italiano, y la elegante distancia de las figuras de Bronzino fue mediada por las obras del ausente Giambologna, quien representó el ideal del estilo.

Los grabados fueron fundamentales para difundir el estilo en Europa, Alemania y los Países Bajos en particular, y algunos grabadores, como el más grande de la época, Hendrik Goltzius, trabajaron a partir de dibujos enviados desde Praga, mientras que otros, como Aegidius Sadeler, que vivía en la casa de Spranger., había sido tentado a la ciudad misma. Rudolf también encargó obras a Italia, sobre todo a Giambologna, a quien los Médicis no permitieron salir de Florencia, y Paolo Veronese envió cuatro grandes alegorías mitológicas. La influencia del Emperador afectó el arte en otras cortes alemanas, especialmente en Munich y Dresde, donde residía el orfebre y artista Johann Kellerthaler.

Rodolfo no estaba muy interesado en la religión, y "en la Praga de Rodolfo II se produjo una explosión de imaginería mitológica que no se había visto desde Fontainebleau". Las diosas solían estar desnudas, o casi, y prevalece una atmósfera más abierta de erotismo que la que se encuentra en la mayoría de las obras mitológicas del Renacimiento, lo que refleja evidentemente los "intereses especiales" de Rodolfo.

La figura dominante era Hércules, identificado con el emperador, como lo había sido anteriormente con los primeros monarcas Habsburgo y Valois. Pero los otros dioses no fueron descuidados; sus conjunciones y transformaciones tuvieron un significado en el neoplatonismo y el hermetismo renacentistas que se tomaron más en serio en la Praga de Rodolfo que en cualquier otra corte renacentista. Sin embargo, parece que las alegorías pintadas de Praga no contienen significados complicados muy específicos ni recetas ocultas de alquimia. Giambologna elegía con frecuencia, o dejaba que alguien más eligiera, un título para sus esculturas después de su finalización; para él lo único que importaba eran las formas.

Influencia de Praga en otros lugares

• Utrecht – Joachim Wtewael, Venus y Marte sorprendidos por Vulcano, 1601, 21 x 16 cm sobre cobre.
• Hans von Aachen , Alegoría de la paz y las artes, 1602.
• Haarlem – Karel van Mander, Jardín del amor, 1602
• Haarlem - Roelant Savery, Garden of Eden, un tema típico, 1622. Rudolf también tenía grandes animales salvajes, incluido un dodo, que se ve en muchas pinturas.

Manierismo holandés

Mientras que a los artistas tanto de Fontainebleau como de Praga se les proporcionó en su mayoría un hogar tan agradable tanto en términos intelectuales como físicos que se quedaron hasta el final de sus vidas, para los artistas de la última fase holandesa del movimiento, el manierismo fue muy a menudo una fase a través de la cual pasaron antes de pasar a un estilo influenciado por Caravaggio.

Para Hendrik Goltzius, el más grande grabador de la época, su etapa más manierista bajo la influencia de Spranger solo duró los cinco años que van desde 1585, cuando grabó su primera estampa a partir de uno de los dibujos de Spranger traídos de Praga por Karel van Mander, hasta su viaje a Roma en 1590, del que "regresó como un artista diferente. A partir de este momento ya no hizo grabados después de las extravagancias de Spranger. Los monstruosos hombres musculosos y los desnudos femeninos demasiado alargados con cabezas diminutas... fueron reemplazados por figuras con proporciones y movimientos más normales". El trabajo de Spranger "tuvo un efecto amplio e inmediato en el norte de los Países Bajos", y el grupo conocido como "Manieristas de Haarlem", principalmente Goltzius, van Mander y Cornelis van Haarlem, fue igualado por artistas en otras ciudades.

En parte porque la mayoría de sus seguidores holandeses solo habían visto el trabajo de Spranger a través de grabados y sus dibujos, en su mayoría muy libres, no se adoptó su manejo más pictórico y conservaron la técnica más estricta y realista en la que habían sido entrenados. Muchos pintores manieristas holandeses podían cambiar de estilo según el tema o el encargo, y continuaron produciendo retratos y escenas de género en estilos basados ​​en las tradiciones locales al mismo tiempo que trabajaban en pinturas muy manieristas. Después de su regreso de Italia, Goltzius pasó a un clasicismo protobarroco más tranquilo, y su trabajo en ese estilo influyó en muchos.

Joachim Wtewael, que se instaló en Utrecht después de regresar de Italia en 1590, obtuvo más influencia de los manieristas italianos que de Praga, y también continuó produciendo escenas de cocina y retratos junto a sus deidades desnudas. A diferencia de muchos, en particular de su compañero Utrechter Abraham Bloemaert, una vez que se formó el repertorio de estilos de Wtewael, nunca lo cambió hasta su muerte en 1631.

Para los pintores de los Países Bajos también existía la alternativa de los estilos realistas tradicionales del norte, que habían continuado desarrollándose a través de Pieter Bruegel el Viejo (muerto en 1567) y otros artistas, y que en el siglo siguiente dominarían la pintura del holandés Golden. Años. A pesar de su visita a Italia, Brughel ciertamente no puede ser llamado manierista, pero así como Rudolf coleccionó sus pinturas, los artistas manieristas, incluidos Gillis van Coninxloo y el hijo de Bruegel, Jan, lo siguieron en el desarrollo del paisaje como tema.

La pintura de paisaje fue reconocida como una especialidad holandesa en Italia, donde se asentaron varios paisajistas del norte, como Matthijs y Paul Bril, y los alemanes Hans Rottenhammer y Adam Elsheimer, este último una figura importante en el barroco temprano. La mayoría todavía pintaba panoramas holandeses desde un punto de vista alto, con pequeñas figuras que formaban un tema específico, pero Gillis van Coninxloo siguió a la anterior Escuela del Danubio y a Albrecht Altdorfer en el desarrollo del paisaje forestal puro y "de cerca" en sus obras de alrededor de 1600., que fue retomado por su alumno Roelandt Savery y otros. Bloemaert pintó muchos paisajes reconciliando estos tipos combinando árboles en primer plano, con figuras y una pequeña vista lejana desde arriba hacia un lado (ejemplo a continuación).Los primeros paisajes de Paul Brill eran claramente manieristas en su artificialidad y efectos decorativos abarrotados, pero después de la muerte de su hermano, desarrolló gradualmente un estilo más económico y realista, quizás influenciado por Annibale Carracci.

La pintura de bodegones, generalmente sobre todo de flores e insectos, también surgió como un género durante el período, reutilizando la tradición heredada de los bordes en miniatura holandeses tardíos; Jan Brueghel el Viejo también pintó estos. Tales temas atraían tanto a los patrones aristocráticos como al mercado burgués, que era mucho más grande en los Países Bajos. Esto fue especialmente así en el norte protestante, después del movimiento de poblaciones en la Revuelta, donde la demanda de obras religiosas estuvo en gran parte ausente.

Joris Hoefnagel, pintor de la corte de Rodolfo II, desempeñó un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta como género independiente y, en particular, de las naturalezas muertas de flores. Una pieza floral sin fecha ejecutada por Hoefnagel en forma de miniatura es la primera naturaleza muerta independiente conocida. Hoefnagel animaba sus piezas de flores con insectos y la atención al detalle típica de sus estudios de la naturaleza. Esto se puede ver en su Amoris Monumentum Matri Chariss (imae) de 1589 (ex-Nicolaas Teeuwisse 2008).

Karel van Mander ahora es recordado principalmente como un escritor sobre arte más que como un artista. Aunque respaldó la jerarquía italiana de géneros, con la pintura de historia a la cabeza, estaba más dispuesto que Vasari y otros teóricos italianos (sobre todo Miguel Ángel, que desdeñó bruscamente las formas de arte "inferiores") a aceptar el valor de otros géneros especializados. del arte, y aceptar que muchos artistas deberían especializarse en ellos, si es que ahí reside su talento. La especialización de muchos artistas en los diversos géneros estaba muy avanzada a finales de siglo, tanto en los Países Bajos como en Praga, ejemplificado por los dos hijos de Bruegel, Jan y Pieter, aunque también era típico de la época que ambos tuvieran más de una especialidad durante su carrera. Aunque los comerciantes podían comprar paisajes, escenas de la vida campesina, paisajes marinos y bodegones, y siempre había buena demanda de buenos retratos, la demanda de pintura de historia no era igual a la oferta potencial, y muchos artistas, como Cornelius Ketel, se vieron obligados a especializarse en retratos; "los artistas recorren este camino sin deleite", según van Mander.

De hecho, los pintores manieristas de las provincias del sur de Habsburgo Flandes, ahora permanentemente separadas, estaban menos influenciados por Praga que los de las Provincias Unidas. Tenían un acceso más fácil a Italia, donde Denis Calvaert vivió desde los veinte años en Bolonia, aunque vendió gran parte de su trabajo a Flandes. Tanto Marten de Vos como Otto van Veen habían viajado allí; Van Veen, que en realidad había trabajado en la Praga de Rodolfo, fue el fundador del Gremio de Romanistas, un club de Amberes para artistas que habían visitado Roma. Eran más conscientes de las tendencias recientes en el arte italiano y del surgimiento del estilo barroco, que en manos del alumno de Van Veen de 1594 a 1598, Rubens, pronto arrasaría con el arte flamenco.En las obras religiosas, los artistas flamencos también estuvieron sujetos a los decretos del Concilio de Trento, lo que provocó una reacción contra los virtuosismos más extremos del manierismo y un estilo más claro y monumental similar a la maniera grande italiana. En los retablos de de Vos, por ejemplo, "se combina un manierismo moderado con una preferencia por la narrativa más acorde con la tradición holandesa".

En Flandes, aunque no en las Provincias Unidas, las exhibiciones en su mayoría temporales para las entradas reales brindaron oportunidades ocasionales para lujosas exhibiciones públicas de estilo manierista. Los libros de festivales registraron las entradas en Amberes de los príncipes franceses y los archiduques de los Habsburgo.

Polonia–Lituania

El manierismo dominó en Polonia-Lituania entre 1550 y 1650, cuando finalmente fue reemplazado por el barroco. El estilo incluye diversas tradiciones manieristas, que están íntimamente relacionadas con la diversidad étnica y religiosa del país, así como con la situación económica y política de la época. El período entre 1550 y 1650 fue una Edad de Oro de la Mancomunidad de Polonia-Lituania (creada en 1569) y una Edad de Oro de Polonia. La primera mitad del siglo XVII está marcada por una fuerte actividad de los jesuitas y la Contrarreforma, que condujo al destierro de los arrianos (hermanos polacos) progresistas en 1658. Véase más abajo el pintor germano-silesiano Bartholomeus Strobel, artista de la corte polaca desde 1639..

Difusión en impresos y libros.

Ya se ha mencionado la importancia de la estampa como medio de difusión del estilo manierista; El manierismo del norte "fue un estilo que se prestó admirablemente al grabado e inspiró la producción de una sucesión de obras maestras del arte del grabado". Goltzius ya era el grabador más célebre de los Países Bajos cuando llegó el virus manierista y, a pesar de las interrupciones de la guerra, él y otros grabadores holandeses estaban conectados con la maquinaria de distribución bien engrasada en toda Europa que se había construido durante los cincuenta años anteriores. originalmente centrado en Amberes.

No había ocurrido lo mismo con el grabado en Fontainebleau, y los grabados realizados allí (inusualmente para la época, todos en aguafuerte) eran técnicamente bastante toscos, producidos en cantidades más pequeñas y principalmente influyentes en Francia. Fueron realizados en un período de intensa actividad aproximadamente de 1542 a 1548. Los realizados en París eran grabados y de mayor calidad; producidos desde aproximadamente 1540 hasta aproximadamente 1580, tuvieron una distribución más amplia.

Aparentemente, muchas de las impresiones de Fontainebleau se hicieron directamente a partir de diseños dibujados para las decoraciones del palacio, y consistían en gran parte o en su totalidad en marcos ornamentales o cartuchos, aunque la escala de Fontainebleau era tal que podían contener varias figuras de cuerpo entero. Las variaciones en los marcos elaborados, como si estuvieran hechos de pergamino cortado, perforado y enrollado, se desarrollaron en esquemas de marcos decorativos, portadas grabadas y muebles tallados e incrustados hasta el siglo XVII.

El ornamento manierista impreso, en un sentido algo más amplio de la palabra, era mucho más fácil de producir que la aplicación arriesgada de un estilo manierista extremo a las composiciones de figuras grandes, y se había extendido por Europa mucho antes que la pintura en forma de marcos. hasta grabados de retratos, frontispicios de libros, como las elaboradas puertas y chimeneas de la arquitectura manierista, libros de adornos para artistas y artesanos, y libros de emblemas. A partir de estos y trabajos en su propio medio, los orfebres, los fabricantes de marcos y muebles y los trabajadores de muchos otros oficios desarrollaron el vocabulario del ornamento manierista.

Las ilustraciones de patrones que se muestran en el libro Architectura de Wendel Dietterlin de 1593-1594, producidas en el relativo remanso de Estrasburgo, fueron algunas de las aplicaciones más extremas del estilo al ornamento arquitectónico. El estilo manierista del norte fue especialmente influyente en las casas prodigio construidas en Inglaterra por los cortesanos isabelinos.

• Cristo y María Magdalena en el jardín. Sadeler grabado según Bartholomeus Spranger
• Jan Saenredam, Venus y Cupido, según Hendrick Goltzius
• Ícaro de Goltzius
• Columnas de orden compuestas de Architectura de Wendel Dietterlin (1593-1594).

En las artes decorativas

El ingenio visual y la sofisticación del manierismo en manos del norte, que lo convirtieron eminentemente en un estilo cortesano, encontraron vehículos naturales en el trabajo de los orfebres, realzados por gemas y esmaltes de colores, en los que podrían formarse las perlas deformes que llamamos "barrocas". torsos humanos y animales, tanto como joyas para adorno personal como en objetos hechos para el Wunderkammer. Jarrones y jarrones tomaron formas fantásticas, al igual que tazas de pie con cuencos de ónix o ágata, y elaborados saleros como la Saliera de Benvenuto Cellini, la cúspide de la orfebrería manierista, completada en 1543 para Francisco I y más tarde entregada al tío de Rodolfo, otro gran coleccionista. Wenzel Jamnitzer y su hijo Hans, orfebres de una sucesión de emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, incluido Rodolfo, no tenían rival en el norte. Los plateros hicieron tazas cubiertas y jarras y platos ricamente labrados, estrictamente para exhibición, quizás incorporando las grandes conchas marinas que ahora se traen de los trópicos, que fueron "apreciadas como arte producido por la naturaleza". En los Países Bajos, la familia de plateros van Vianen desarrolló un "estilo auricular" anamórfico único, que empleaba motivos cartilaginosos retorcidos y antiarquitectónicos.

Aunque los escultores manieristas produjeron bronces de tamaño natural, la mayor parte de su producción por unidad fue de ediciones de pequeños bronces, a menudo versiones reducidas de las grandes composiciones, que estaban destinadas a ser apreciadas sosteniéndolas y girándolas en las manos, cuando las mejores "dan". un estímulo estético de ese tipo involuntario que a veces proviene de escuchar música". Las plaquetas, pequeños paneles en bajorrelieve en bronce, a menudo dorados, se utilizaron en varios escenarios, como en la corona de Rodolfo.

Esfinges femeninas con cuellos extravagantemente alargados y senos prominentes sostienen un gabinete de nogal de Borgoña en la Colección Frick, Nueva York; pronto Amberes se especializó en gabinetes ricamente tallados y enchapados con incrustaciones de carey, ébano y marfil, con interiores arquitectónicos, espejados para multiplicar los reflejos en espacios fingidos. En Inglaterra, los excesos manieristas de los muebles jacobeos se expresaron en patas extremas vueltas para imitar vasos de pie cubiertos apilados, y una proliferación de superficies planas cubiertas de tiras entrelazadas.Tras el éxito de los tapices de Bruselas tejidos a partir de los cartones de Rafael, pintores manieristas como Bernard van Orley y Perino del Vaga fueron llamados a diseñar cartones en estilo manierista para los talleres de tapicería de Bruselas y Fontainebleau. En los esmaltes de Limoges también aparecieron composiciones pictóricas de gusto manierista, adaptando sus composiciones y cenefas ornamentadas a partir de grabados. Moresques, swags y festones de frutas inspirados en el ornamento grotesco romano antiguo redescubierto, exhibido por primera vez en la escuela de Rafael Stanze del Vaticano, se difundieron a través de grabados ornamentales. Este vocabulario ornamental se expresó en el norte menos en tales frescos y más en tapices y bordes de manuscritos iluminados.

En Francia, la cerámica de Saint-Porchaire con formas y decoración manierista se produjo en cantidades limitadas para una clientela restringida consciente de la moda desde la década de 1520 hasta la década de 1540, mientras que las abarrotadas composiciones desconcertantemente realistas de serpientes y sapos caracterizan las fuentes manieristas de barro pintado de Bernard. Palissy. Al igual que los Jamnitzers en ocasiones, Palissy hizo moldes de pequeñas criaturas y plantas reales para aplicar a sus creaciones.

Manierismo norteño, política y religión

El norte de Europa en el siglo XVI, y especialmente aquellas áreas donde el manierismo era más fuerte, se vio afectada por trastornos masivos que incluyeron la Reforma protestante, la Contrarreforma, las guerras de religión francesas y la revuelta holandesa. La relación entre manierismo, religión y política era muy compleja. Aunque se produjeron obras religiosas, el arte manierista del norte restó importancia a los temas religiosos y, cuando los trató, generalmente fue en contra del espíritu tanto del intento de la Contrarreforma de controlar el arte católico como de los puntos de vista protestantes sobre las imágenes religiosas.

En el caso de la Praga de Rudolf y el arte francés después de mediados de siglo, el arte manierista secular y mitológico parece haber sido en parte un intento deliberado de producir un arte que apelara a través de divisiones religiosas y políticas. Al mismo tiempo, el manierismo en su forma más extrema solía ser un estilo cortesano, a menudo utilizado para hacer propaganda a favor de la monarquía, y corría el riesgo de desacreditarse al asociarse con gobernantes impopulares. Si bien la genuina tolerancia de Rodolfo parece haber evitado esto en Alemania y Bohemia, a finales de siglo los protestantes calvinistas y otros patriotas de Francia y los Países Bajos asociaron el manierismo con sus impopulares gobernantes católicos. Pero, al menos antes, muchos de los artistas que produjeron un estilo manierista extremo eran protestantes y, en Francia, calvinistas, por ejemplo, Bernard Palissy y una alta proporción de los maestros de los talleres de esmalte de Limoges.

Ciertas obras manieristas parecen hacerse eco de la violencia de la época, pero vestidas con ropajes clásicos. Antoine Caron pintó el tema insólito de Masacres bajo el Triunvirato (1562, Louvre), durante las Guerras de Religión, cuando las masacres eran frecuentes, sobre todo en la Masacre del día de San Bartolomé de 1572, seis años después del cuadro. Según el historiador de arte Anthony Blunt, Caron produjo "lo que quizás sea el tipo de manierismo más puro conocido en su forma elegante, apropiado para una sociedad aristocrática exquisita pero neurótica". Sus cartones para los Tapices de Valois, que se remontan a los tapices triunfalistas de la Historia de Escipión diseñados para Francisco I por Giulio Romano, fueron un ejercicio de propaganda en favor de la monarquía Valois, enfatizando su esplendor cortesano en el momento de su destrucción amenazada por la guerra civil. La única pintura sobreviviente de Jean Cousin the Younger, El juicio final, también comenta sobre la guerra civil, traicionando una "inclinación típicamente manierista por la miniaturización". Seres humanos diminutos y desnudos "pululan sobre la tierra como gusanos", mientras Dios mira hacia abajo para juzgar desde lo alto.

La Masacre de los inocentes de Cornelis van Haarlem (1590, Rijksmuseum), más barroca que manierista, puede involucrar sus recuerdos de infancia de los asesinatos (de hecho solo de la guarnición) después del asedio de Haarlem en 1572-3, que vivió. La versión completamente antimanierista de Brughel del mismo tema fue comprada por Rudolf, quien hizo que alguien convirtiera a muchos de los niños masacrados en gansos, terneros, quesos y otros despojos menos perturbadores. En general, la pintura manierista enfatiza la paz y la armonía, y con menos frecuencia elige temas de batalla que el Alto Renacimiento o el Barroco.

Otro tema popularizado por Brughel, San Juan predicando en el desierto, recibió tratamientos manieristas de varios artistas, como un tema de paisaje exuberante. Pero para los protestantes holandeses el tema recordaba los años antes y durante su revuelta, cuando se vieron obligados a congregarse para los servicios en el campo abierto fuera de los pueblos controlados por los españoles.

Otros afloramientos

Enrique VIII de Inglaterra había sido estimulado, emulando a Fontainebleau, a importar su propio equipo, bastante menos estelar, de artistas italianos y franceses para trabajar en su nuevo Palacio Nonsuch, que también se basaba en gran medida en estucos, y fue decorado alrededor de 1541. Pero Enrique murió antes de que se completara y una década más tarde fue vendido por su hija Mary sin que la corte lo hubiera usado mucho. El palacio fue destruido antes de 1700 y solo han sobrevivido pequeños fragmentos del trabajo asociado con él, así como una leve onda de influencia detectable en el arte inglés posterior, por ejemplo, en los grandes pero sencillos estucos de Hardwick Hall.

Algunas (pero no todas) de las casas prodigio de la arquitectura isabelina hicieron uso de ornamentos derivados de los libros de Wendel Dietterlin y Hans Vredeman de Vries dentro de un estilo general distintivo derivado de muchas fuentes.

El miniaturista de retratos Isaac Oliver muestra una influencia manierista tardía tentativa, que también aparece en algunos retratistas inmigrantes, como William Scrots, pero en general Inglaterra fue uno de los países menos afectados por el movimiento, excepto en el área de la ornamentación.

Aunque el manierismo norteño logró un estilo paisajístico, la pintura de retratos permaneció sin los equivalentes norteños de Bronzino o Parmigianino, a menos que se considere como tal el notable pero algo ingenuo Retrato de Isabel I.

Uno de los últimos florecimientos del manierismo del norte se produjo en Lorena, cuyo pintor de la corte Jacques Bellange (c. 1575-1616) ahora solo se conoce por sus extraordinarios grabados, aunque también era pintor. Su estilo deriva del manierismo holandés, aunque su técnica de los grabadores italianos, especialmente Barocci y Ventura Salimbeni. Inusualmente, sus temas eran principalmente religiosos y, aunque los disfraces a menudo son extravagantes, sugieren intensos sentimientos religiosos de su parte.

Incluso más tarde, el pintor germano-silesiano Bartholomeus Strobel, que había pasado los últimos años del reinado de Rodolfo como un joven artista en Praga, continuó con el estilo rodolfino hasta la década de 1640, a pesar de los horrores que la Guerra de los Treinta Años azotó a Silesia, en obras como como su enorme Fiesta de Herodes con la Decapitación de San Juan Bautista en el Prado. A partir de 1634 se retiró a la seguridad de Polonia como artista de la corte.

Artistas

Artistas franceses influenciados por la primera Escuela de Fontainebleau:Jean Cousin el Viejo (1500–c. 1590)Jean Goujon (c. 1510-después de 1572) escultor y arquitectoJuste de Juste (c. 1505-c. 1559) - escultor y grabadorAntonio Carón (1521-1599)

La continuación de la tradición francesa:Germain Pilon (c. 1537-1590), escultorAndrouet du Cerceau, familia de arquitectos; Jacques I introduciendo el ornamento manieristaJean Cousin the Younger (ca. 1522-1595), pintorToussaint Dubreuil (c. 1561-1602), segunda escuela de Fontainebleau:

Trabajando para Rodolfo:Giambologna (1529-1608), escultor flamenco residente en FlorenciaAdriaen de Vries (1556-1626), escultor holandés, alumno de Giambologna, que fue a PragaBartholomeus Spranger (1546-1611): pintor flamenco, pintor principal de RudolfHans von Aachen (1552-1615): temas y retratos mitológicos alemanes para RudolfJoseph Heintz el Viejo (1564-1609), alumno suizo de Hans von AachenPaul van Vianen, platero y artista holandésAegidius Sadeler - principalmente un grabadorWenzel Jamnitzer (1507/8-1585) y su hijo Hans II y su nieto Christof, orfebres alemanesJoris Hoefnagel, especial para miniaturas de historia naturalRoelant Savery, paisajes con animales y bodegones

En los Paises Bajos:Herri conoció a de Bles, (1510-1555/60), paisajista, antes que los demásKarel van Mander - ahora mejor conocido como biógrafo de artistas holandesesHendrik Goltzius (1558-1617): el principal grabador de la época y, más tarde, pintor de un estilo menos manierista.Cornelis de Haarlem (1562-1651)Hubert Gerhard Holandés, (c. 1540/1550-1620)Joaquín Wtewael (1566-1638)Jan Saenredam - principalmente un grabadorJacob de Gheyn II - principalmente un grabadorAbraham Bloemaert (1566-1651), en la primera parte de su carreraHans Vredeman de Vries (1527–c. 1607), arquitecto, diseñador de ornamentos, que escribió sobre diseño de jardines.

Flamenco:Denis Calvaert: trabajó principalmente en Italia, en un estilo principalmente italiano, al igual quePaul y Matthijs Bril, sobre todo pintando paisajes.Marten de Vos, fundador del Gremio de RomanistasOtto van Veen (1556-1629), pintor y dibujante activo en Amberes y Bruselas

En otra parte:Hans Rottenhammer (1564-1625), paisajista de Múnich, pasó varios años en ItaliaWendel Dietterlin (c. 1550-1599), pintor alemán, mejor conocido por su libro sobre decoración arquitectónicaJacques Bellange (c. 1575-1616), pintor de la corte de Lorena, cuya obra solo sobrevive en forma de grabado.Bartholomeus Strobel (1591–c. 1550), retratista de la corte, también escenas religiosas, en Silesia y luego en Polonia.