Luis buñuel

Luis Buñuel Portolés (Español: [ˈlwiz βuˈɲwel poɾtoˈles]; 22 de febrero de 1900 - 29 de julio de 1983) fue un cineasta español que trabajó en Francia, México y España. Ha sido ampliamente considerado por muchos críticos de cine, historiadores y directores como uno de los cineastas más grandes e influyentes de todos los tiempos.

Cuando Buñuel murió a la edad de 83 años, su obituario en The New York Times lo llamó "un iconoclasta, moralista y revolucionario que fue un líder del surrealismo de vanguardia en su joven y un director de cine internacional dominante medio siglo después". Su primera película, Un Chien Andalou—realizada en la época del cine mudo—todavía se ve regularmente en todo el mundo y conserva su poder para conmocionar al espectador, y su última película, Ese oscuro objeto del deseo , realizada 48 años después, le valió premios al Mejor Director de la Junta Nacional de Revisión y la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. El escritor Octavio Paz llamó a la obra de Buñuel "el matrimonio de la imagen fílmica con la imagen poética, creando una nueva realidad... escandalosa y subversiva".

A menudo asociado con el movimiento surrealista de la década de 1920, Buñuel creó películas desde la década de 1920 hasta la de 1970. Habiendo trabajado en Europa y América del Norte, y en francés y español, Buñuel también dirigió películas que abarcaban varios géneros. A pesar de esta variedad, el cineasta John Houston creía que, independientemente del género, una película de Buñuel es tan distintiva como para ser reconocible al instante o, como dijo Ingmar Bergman, 'Buñuel casi siempre hacía películas de Buñuel'.

Siete de las películas de Buñuel están incluidas en Sight & Sound's 2012 críticos' encuesta de las 250 mejores películas de todos los tiempos. Quince de sus películas están incluidas en la lista They Shoot Pictures, Don't They? de las 1.000 mejores películas de todos los tiempos, sólo superada por Jean-Luc Godard, con dieciséis, y ocupa el número 13 en su lista de los 250 mejores directores. David Thomson lo nombra como uno de los mejores directores, y agrega: "Está tan concentrado en la comedia como lo estaba Kafka, tan poco interesado en presumir de estilo y tan víctima como el chiste que cuenta".

Primeros años

Calanda, España

Buñuel nació el 22 de febrero de 1900 en Calanda, un pequeño pueblo en la región de Aragón de España. Su padre era Leonardo Buñuel, también oriundo de Calanda, quien se había ido de casa a los 14 años para iniciar un negocio de ferretería en La Habana, Cuba, finalmente amasó una fortuna y regresó a Calanda a la edad de 43 años, en 1898. Él se casó con la hija de 18 años de la única posadero de Calanda, María Portolés Cerezuela. El mayor de siete hijos, Luis tenía dos hermanos, Alfonso y Leonardo, y cuatro hermanas: Alicia, Concepción, Margarita y María. Más tarde describiría su lugar de nacimiento diciendo que en Calanda, "la Edad Media duró hasta la Primera Guerra Mundial".

Cuando Buñuel tenía cuatro meses y medio, la familia se mudó a Zaragoza, donde eran una de las familias más ricas de la ciudad. En Zaragoza, Buñuel recibió una estricta educación jesuita en el privado Colegio del Salvador, comenzando a la edad de siete años y continuando durante los siguientes siete años. Después de ser pateado e insultado por el supervisor de la sala de estudios antes de un examen final, Buñuel se negó a regresar a la escuela. Le dijo a su madre que lo habían expulsado, lo cual no era cierto; de hecho, había recibido las calificaciones más altas en su examen de historia universal. Buñuel terminó los últimos dos años de su educación secundaria en la escuela pública local y se graduó a la edad de 16 años. Incluso cuando era niño, Buñuel era una especie de showman cinematográfico; amigos de esa época describieron producciones en las que Buñuel proyectaba sombras en una pantalla utilizando una linterna mágica y una sábana. También se destacó en el boxeo y tocando el violín.

Luis Buñuel (primera fila, derecha), Madrid, 1923

En su juventud, Buñuel era profundamente religioso, ministraba en Misa y comulgaba todos los días, hasta que, a la edad de 16 años, se disgustó con lo que percibía como la falta de lógica de la Iglesia, junto con su poder y riqueza.

En 1917, asistió a la Universidad de Madrid, primero estudió agronomía, luego ingeniería industrial y finalmente cambió a filosofía. Desarrolló relaciones muy estrechas con el pintor Salvador Dalí y el poeta Federico García Lorca, entre otros importantes creadores españoles residentes en la Residencia de Estudiantes, formando los tres amigos el núcleo de la vanguardia surrealista española, y dándose a conocer como miembros de & #34;La Generación del 27". Buñuel se sintió especialmente atraído por García Lorca, y más tarde escribió en su autobiografía: "Nos caímos bien al instante. Aunque parecíamos tener poco en común —yo era un paleto de Aragón y él un andaluz elegante—, pasábamos la mayor parte del tiempo juntos... Nos sentábamos por las tardes en el césped detrás de la Residencia (entonces, había grandes espacios abiertos que llegaban hasta el horizonte), y me leía sus poemas. Leyó lenta y bellamente, y a través de él comencé a descubrir un mundo completamente nuevo." La relación de Buñuel con Dalí fue algo más conflictiva, teñida de celos por la creciente intimidad entre Dalí y Lorca y resentimiento por el temprano éxito de Dalí como artista.

El interés de Buñuel por el cine se intensificó con el visionado de Der müde Tod de Fritz Lang: "Salí del Vieux Colombier [teatro] completamente transformado. Las imágenes podían y se convirtieron para mí en el verdadero medio de expresión. Decidí dedicarme al cine". A sus 72 años, Buñuel no había perdido el entusiasmo por esta película, y le pidió un autógrafo al octogenario Lang.

Carrera

Primero período francés (1925-1930)

Jean Epstein, primer colaborador de cine de Buñuel

En 1925 Buñuel se mudó a París, donde comenzó a trabajar como secretario en una organización llamada Sociedad Internacional de Cooperación Intelectual. También se involucró activamente en el cine y el teatro, yendo al cine hasta tres veces al día. A través de estos intereses, conoció a varias personas influyentes, incluido el pianista Ricardo Viñes, quien fue fundamental para asegurar la selección de Buñuel como director artístico del estreno holandés de la ópera de títeres de Manuel de Falla El retablo de maese Pedro en 1926.

Decidió ingresar a la industria del cine y se inscribió en una escuela de cine privada dirigida por Jean Epstein y algunos asociados. En ese momento, Epstein era uno de los directores comerciales más célebres que trabajaban en Francia, y sus películas fueron aclamadas como "el triunfo del impresionismo en movimiento, pero también el triunfo del espíritu moderno". Al poco tiempo, Buñuel trabajaba para Epstein como ayudante de dirección en Mauprat (1926) y La chute de la maison Usher (1928), y también para Mario Nalpas en La Sirène des Tropiques (1927), protagonizada por Josephine Baker. Apareció en la pantalla en un pequeño papel como contrabandista en Carmen (1926) de Jacques Feyder.

Cuando Buñuel rechazó burlonamente la demanda de Epstein de que ayudara al mentor de Epstein, Abel Gance, quien en ese momento estaba trabajando en la película Napoléon, Epstein lo despidió enojado, diciendo "¿Cómo puede un gilipollas como tú atreverse a hablar así de un gran director como Gance?" luego agregó: "Pareces bastante surrealista". Cuidado con los surrealistas, son unos locos."

Después de separarse de Epstein, Buñuel trabajó como crítico de cine en La Gaceta Literaria (1927) y Les Cahiers d'Art (1928). En los periódicos L'Amic de les Arts y La gaseta de les Arts, él y Dalí llevaron a cabo una serie de "llamadas y respuestas" ensayos sobre cine y teatro, debatiendo cuestiones técnicas como la segmentación, el découpage, el insert shot y el montaje rítmico. También colaboró con el célebre escritor Ramón Gómez de la Serna en el guión de la que esperaba fuera su primera película, 'una historia en seis escenas'. llamado Los caprichos. A través de su participación en Gaceta Literaria, ayudó a establecer el primer cine-club de Madrid y fue su presidente inaugural.

Un perro andaluz (1929)

Salvador Dalí

Tras su aprendizaje con Epstein, Buñuel rodó y dirigió un cortometraje de 16 minutos, Un Chien Andalou, con Salvador Dalí. La película, financiada por la madre de Buñuel, consiste en una serie de imágenes sorprendentes de naturaleza freudiana, comenzando con el globo ocular de una mujer siendo abierto con una navaja. Un Chien Andalou fue recibido con entusiasmo por el floreciente movimiento surrealista francés de la época y continúa mostrándose regularmente en sociedades cinematográficas hasta el día de hoy. Ha sido llamado "el cortometraje más famoso jamás realizado" del crítico Roger Ebert.

El guión se escribió en seis días en la casa de Dalí en Cadaqués. En una carta a un amigo escrita en febrero de 1929, Buñuel describió el proceso de escritura: 'Teníamos que buscar la trama. Dalí me dijo: 'Anoche soñé con hormigas pululando entre mis manos', y yo dije: 'Dios mío, y soñé que le había cortado el ojo a alguien.. Ahí está la película, vamos y hagámosla.'" En deliberado contraste con el enfoque adoptado por Jean Epstein y sus compañeros, que era nunca dejar nada en su trabajo al azar, con cada decisión estética teniendo una explicación racional y encajando claramente en el conjunto, Buñuel y Dalí hicieron un punto cardinal al eliminar todas las asociaciones lógicas. En palabras de Buñuel: "Nuestra única regla era muy simple: no se aceptaría ninguna idea o imagen que pudiera prestarse a una explicación racional de ningún tipo. Tuvimos que abrir todas las puertas a lo irracional y quedarnos solo con aquellas imágenes que nos sorprendieron, sin tratar de explicar por qué".

La intención de Buñuel era indignar a la autoproclamada vanguardia artística de su juventud, y luego dijo: "Históricamente, la película representa una reacción violenta contra lo que en esos días se llamaba 'vanguardia. guardia,' que estaba dirigida exclusivamente a la sensibilidad artística y la razón del público." En contra de sus esperanzas y expectativas, la película fue un éxito popular entre la misma audiencia a la que había querido insultar, lo que llevó a Buñuel a exclamar exasperado: '¿Qué puedo hacer con la gente que adora todo lo nuevo, incluso cuando es nuevo? va en contra de sus convicciones más profundas, o sobre la prensa corrupta e insincera, y el rebaño estúpido que vio belleza o poesía en algo que básicamente no era más que una llamada desesperada y apasionada al asesinato?"

Aunque Un Chien Andalou es una película muda, durante la proyección original (a la que asistió la élite del mundo del arte parisino), Buñuel reprodujo una secuencia de discos fonográficos que cambió manualmente mientras guardaba sus bolsillos. lleno de piedras con las que arrojar a los intrusos anticipados. Después del estreno, a Buñuel y Dalí se les concedió la admisión formal a la comunidad muy unida de surrealistas, encabezada por el poeta André Breton.

L''Edad d&d#39;O (1930)

Marie-Laure de Noailles fue un prominente patrón de artistas de vanguardia, que recibieron L'Age d'Or como regalo de cumpleaños de su marido, Charles

A finales de 1929, con la fuerza de Un Chien Andalou, Marie-Laurie y Charles de Noailles, propietarios de un cine privado en la Place des États-Unis y patrocinadores financieros de producciones de Jacques Manuel, Man Ray y Pierre Chenal. Al principio, la intención era que la nueva película tuviera la misma duración que Un Chien, solo que esta vez con sonido. Pero a mediados de 1930, la película había crecido por segmentos a una hora de duración. Ansioso porque era más del doble de lo planeado y con el doble del presupuesto, Buñuel se ofreció a recortar la película y detener la producción, pero Noailles le dio el visto bueno para continuar con el proyecto.

La película, titulada L'Age d'Or, comenzó como una segunda colaboración con Dalí, pero, mientras trabajaban en el escenario, los dos tuvieron una pelea; Buñuel, quien en ese momento tenía fuertes simpatías izquierdistas, deseaba socavar deliberadamente todas las instituciones burguesas, mientras que Dalí, quien finalmente apoyó al fascista español Francisco Franco y a varias figuras de la aristocracia europea, solo quería causar un escándalo mediante el uso de varios Imágenes escatológicas y anticatólicas. La fricción entre ellos se agudizó cuando, en una cena en Cadaqués, Buñuel intentó estrangular a la novia de Dalí, Gala, la esposa del poeta surrealista Paul Éluard. En consecuencia, Dalí no tuvo nada que ver con el rodaje de la película. Durante el curso de la producción, Buñuel eludió su ignorancia técnica filmando principalmente en secuencia y utilizando casi cada pie de película que filmó. Buñuel invitó a amigos y conocidos a aparecer, gratis, en la película; por ejemplo, cualquiera que tuviera un esmoquin o un vestido de fiesta tenía un papel en la escena del salón.

L'Age d'Or fue proclamado públicamente por Dalí como un ataque deliberado al catolicismo, y esto precipitó un escándalo mucho mayor que Un Chien Andalou. Miembros de la fascista Liga de Patriotas y el Grupo Juvenil Antijudío se hicieron cargo de una de las primeras proyecciones, arrojaron tinta púrpura a la pantalla y luego destrozaron la galería de arte adyacente, destruyendo una serie de valiosas pinturas surrealistas. La película fue prohibida por la policía parisina "en nombre del orden público". Los De Noaille, ambos católicos, fueron amenazados con la excomunión por parte del Vaticano debido a la blasfema escena final de la película (que vincula visualmente a Jesucristo con los escritos del marqués de Sade), por lo que tomaron la decisión en 1934 de retirarse. todas las copias de la circulación, y L'Age d'Or no se volvió a ver hasta 1979, después de su muerte, aunque una copia se pasó de contrabando a Inglaterra para verla en privado. El furor fue tan grande que el estreno de otra película financiada por los de Noailles, La sangre de un poeta de Jean Cocteau, tuvo que retrasarse más de dos años hasta que la indignación por L'Age d'Or había muerto. Para empeorar las cosas, Charles de Noailles se vio obligado a retirar su membresía del Jockey Club.

Simultáneamente con el succès de scandale, tanto Buñuel como la protagonista de la película, Lya Lys, recibieron ofertas de interés de Metro-Goldwyn-Mayer y viajaron a Hollywood en el estudio. 39; s gastos. Mientras estuvo en los Estados Unidos, Buñuel se asoció con otros expatriados famosos, incluidos Sergei Eisenstein, Josef Von Sternberg, Jacques Feyder, Charles Chaplin y Bertolt Brecht. Todo lo que se requería de Buñuel por su contrato indefinido con MGM era que 'aprendiera algunas buenas habilidades técnicas estadounidenses', pero, después de salir del primer set, visitó porque la estrella, Greta Garbo, no Como no era bienvenido a los intrusos, decidió quedarse en casa la mayor parte del tiempo y solo presentarse para cobrar su cheque de pago. Su única contribución perdurable a MGM se produjo cuando se desempeñó como extra en La Fruta Amarga, una nueva versión en español de Min and Bill. Cuando, después de unos meses en el estudio, le pidieron que mirara las tomas de Lili Damita para evaluar su acento español, se negó y envió un mensaje al jefe del estudio, Irving Thalberg, diciéndole que estaba allí como un francés, no como un español, y él "no tenía tiempo que perder escuchando a una de las putas". Regresó a España poco después.

España (1931-1937)

La España de principios de la década de 1930 fue una época de turbulencia política y social. Debido tanto a un aumento en el sentimiento anticlerical como a un deseo duradero de retribución por la corrupción y las fechorías de la extrema derecha y sus partidarios en la iglesia, los anarquistas y los socialistas radicales saquearon la sede monárquica en Madrid y procedieron a incendiar o destruir más. de una docena de iglesias en la capital. Actos revolucionarios similares ocurrieron en muchas otras ciudades del sur y este de España, en la mayoría de los casos con la aquiescencia y ocasionalmente con la asistencia de las autoridades republicanas oficiales.

La futura esposa de Buñuel, Jeanne Rucar, recordó que durante ese período, 'se entusiasmó mucho con la política y las ideas que estaban en todas partes en la España anterior a la Guerra Civil'. En la primera oleada de su entusiasmo, Buñuel se unió al Partido Comunista de España (PCE) en 1931, aunque más tarde negó haberse convertido en comunista.

Grupo de Hurdanos a principios del siglo XX

En 1932, Buñuel fue invitado a actuar como documentalista de la célebre Misión Dakar-Djibouti, la primera expedición antropológica francesa a gran escala que, dirigida por Marcel Griaule, desenterró unos 3.500 africanos artefactos para el nuevo Musée de l'Homme. Aunque se negó, el proyecto despertó su interés por la etnografía. Tras leer el estudio académico Las Jurdes: étude de géographie humaine (1927) de Maurice Legendre, decidió realizar una película centrada en la vida campesina de Extremadura, uno de los estados más pobres de España. La película, titulada Las Hurdes: Tierra Sin Pan (1933), se financió con un presupuesto de 20.000 pesetas donadas por un amigo anarquista de clase obrera llamado Ramón Acín, que había ganado el dinero en una lotería. En la película, Buñuel combina escenas de condiciones sociales deplorables con una narración que se asemeja a un comentario de un diario de viaje pronunciado por un locutor que suena indiferente, mientras que la banda sonora reproduce música inapropiada de Brahms.

Las Hurdes fue prohibida por la Segunda República Española y luego por la dictadura franquista. Es una película que sigue dejando perplejos a los espectadores y se resiste a la fácil categorización de los historiadores del cine. Las Hurdes ha sido llamado uno de los primeros ejemplos de falso documental, y ha sido etiquetado como "documental surrealista", término definido por la crítica Mercè Ibarz como "Un multi- el uso estratificado y desconcertante del sonido, la yuxtaposición de formas narrativas ya aprendidas de la prensa escrita, relatos de viajes y nuevos métodos pedagógicos, así como un uso subversivo de documentos fotografiados y filmados entendidos como base de la propaganda contemporánea para las masas". Catherine Russell ha afirmado que en Las Hurdes, Buñuel supo reconciliar su filosofía política con su estética surrealista, convirtiéndose el surrealismo en "un medio para despertar un materialismo marxista en peligro de convertirse en una ortodoxia rancia& #34;.

Después de Las Hurdes en 1933, Buñuel trabajó en París en el departamento de doblaje de Paramount Pictures, pero tras su matrimonio en 1934, se cambió a Warner Brothers porque operaban estudios de doblaje en Madrid. Un amigo, Ricardo Urgoiti, propietario de la empresa de cine comercial Filmófono, invitó a Buñuel a producir películas para un público masivo. Aceptó la oferta, viéndola como un "experimento" como él sabía, la industria cinematográfica en España todavía estaba muy por debajo del nivel técnico de Hollywood o París. Según las entrevistas del historiador de cine Manuel Rotellar con miembros del elenco y el equipo de los estudios Filmófono, la única condición de Buñuel fue que su participación en estas películas fuera completamente anónima, aparentemente por temor a dañar su reputación como actor. surrealista. Rotellar insiste, sin embargo, "la verdad es que fue Luis Buñuel quien dirigió las producciones del Filmófono". José Luis Sáenz de Heredia, director titular de dos de las películas creadas durante los años de Buñuel como "productor ejecutivo" en Filmófono, contó que era Buñuel quien "me explicaba todas las mañanas lo que quería... Mirábamos las tomas juntos y era Buñuel quien escogía los planos, y en el montaje yo ni siquiera estaba permitido estar presente." De las 18 películas producidas por Buñuel durante sus años en Filmófono, las cuatro que se cree por consenso crítico que han sido dirigidas por él son:

• Don Quintín el amargao (Don Quintin the Sourpuss), 1935 – un musical basado en una obra de Carlos Arniches, el primero zarzuela (un tipo de ópera española) filmada en sonido.
• La hija de Juan Simón (La Hija de Juan Simón), 1935 – otro musical y un gran éxito comercial
• ¿Quién me quiere a mí? (¿Quién me ama?), 1936 – una comedia sentimental que Buñuel llamó "mi única falla comercial, y una muy mala en eso".
• ¡Centinela, alerta!, (Sentry, Keep Watch!), 1937 – una comedia y el mayor éxito de Filmófono.

Durante la Guerra Civil Española (1936-1939), Buñuel se puso a disposición del gobierno republicano. El ministro de Relaciones Exteriores lo envió primero a Ginebra (septiembre de 1936) y luego a París durante dos años (1936-1938), con la responsabilidad oficial de catalogar las películas de propaganda republicana. Además de la catalogación, Buñuel llevó a España panfletos de izquierda, espió ocasionalmente, actuó como guardaespaldas y supervisó la realización de un documental, titulado España 1936 en Francia y Espana leal, ¡en armas! en España, que cubrió las elecciones, los desfiles, los disturbios y la guerra. En agosto de 1936, Federico García Lorca fue asesinado a tiros por milicianos nacionalistas. Según su hijo, Juan Luis, Buñuel rara vez hablaba de Lorca pero lamentó la prematura muerte del poeta durante toda su vida.

Buñuel funcionaba esencialmente como coordinador de la propaganda cinematográfica de la República, lo que significaba que estaba en condiciones de examinar todas las películas rodadas en el país y decidir qué secuencias podían desarrollarse y distribuirse en el exterior. El embajador español sugirió que Buñuel volviera a visitar Hollywood donde podría dar consejos técnicos sobre las películas que se estaban haciendo allí sobre la Guerra Civil española, por lo que en 1938, él y su familia viajaron a los Estados Unidos utilizando fondos obtenidos de sus antiguos mecenas, los Noaille. Sin embargo, casi inmediatamente después de su llegada a Estados Unidos, la guerra terminó y la Motion Picture Producers and Distributors Association of America dejó de hacer películas sobre el conflicto español. Según la esposa de Buñuel, volver a España era imposible ya que los fascistas habían tomado el poder, por lo que Buñuel decidió quedarse indefinidamente en EE. UU., afirmando que se sentía "inmensamente atraído por la naturalidad y sociabilidad americana".

Estados Unidos (1938-1945)

Museo de Arte Moderno, 1943. Buñuel fue empleado en MOMA durante la Segunda Guerra Mundial, supervisando y editando documentales para países de América Latina, comisionado por el Comité de Asuntos Interamericanos encabezado por Nelson Rockefeller

Al regresar a Hollywood en 1938, se hizo amigo de Frank Davis, un productor de MGM y miembro del Partido Comunista de EE. UU., quien colocó a Buñuel en la nómina de Cargo of Innocence, una película sobre refugiados españoles. madres e hijos huyendo de Bilbao a la URSS. El proyecto se archivó precipitadamente cuando otra película de Hollywood sobre la Guerra Civil Española, Blockade, fue recibida con desaprobación por la Liga Católica de la Decencia. En palabras de la biógrafa Ruth Brandon, Buñuel y su familia "vivieron de una migaja de trabajo insatisfactoria a otra" porque "no tenía nada de la arrogancia y la prepotencia esenciales para sobrevivir en Hollywood". Simplemente no era lo suficientemente extravagante como para captar la atención de los tomadores de decisiones de Hollywood, según la opinión del compositor de cine George Antheil: "En la medida en que [Buñuel], su esposa y su hijo pequeño parecían ser tan absolutamente normales, personas sólidas, tan totalmente anti-surrealistas en la tradición de Dalí como uno podría imaginar." En su mayor parte, fue desairado por muchas de las personas de la comunidad cinematográfica que conoció durante su primer viaje a Estados Unidos, aunque pudo venderle algunos chistes a Chaplin para su película El gran dictador..

Desesperado por promocionarse ante los productores independientes, compuso una autobiografía de 21 páginas, una sección de la cual, titulada "Mis planes actuales", describía propuestas para dos documentales:

• "El Hombre Primitivo", que representaría "la terrible lucha del hombre primitivo contra un universo hostil, cómo apareció el mundo, cómo lo vieron, qué ideas tenían sobre el amor, sobre la muerte, sobre la fraternidad, cómo y por qué la religión nace", [italics in original]
• "Psycho-Patología", que "exploraría el origen y desarrollo de diferentes enfermedades psicopáticas... Tal película documental, aparte de su gran interés científico, podría representar en pantalla un Nueva forma de terror o su sinónimo El amor." [italics in original]

Nadie mostró interés y Buñuel se dio cuenta de que quedarse en Los Ángeles era inútil, así que viajó a la ciudad de Nueva York para ver si podía cambiar su suerte.

En la ciudad de Nueva York, Antheil le presentó a Buñuel a Iris Barry, curadora en jefe de cine en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Barry convenció a Buñuel para que se uniera a un comité formado para ayudar a educar a aquellos dentro del gobierno de los EE. UU. que podrían no haber apreciado completamente la efectividad del cine como medio de propaganda. Buñuel fue contratado para producir una versión abreviada de Triumph of the Will (1935) de Leni Riefenstahl como proyecto de demostración. El producto final fue una compilación de escenas de la epopeya nazi de Riefenstahl con Feuertaufe de Hans Bertram. Buñuel se quedó en el MoMA para trabajar para la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos (OCIAA) como parte de un equipo de producción que reuniría, revisaría y editaría películas destinadas a la propaganda antifascista para ser distribuidas en América Latina por las embajadas estadounidenses. Mientras lo investigaban para el puesto en la OCIAA, cuando se le preguntó si era comunista, respondió: "Soy republicano" y, aparentemente, el entrevistador no se dio cuenta de que Buñuel se refería al gobierno de coalición socialista español, no al partido político estadounidense. Al describir el trabajo de Buñuel en el MoMA, su amigo, el compositor Gustavo Pittaluga, afirmó: "Luis creó quizás 2000 obras notables. Nos enviaban documentales anodinos, a menudo materiales primarios extremadamente débiles, que el equipo del Museo convirtió en maravillosas películas. Y no solo versiones en español, sino también en portugués, francés e inglés... crearía un buen documental a través del montaje." [cursivas en el original]

En 1942, Buñuel solicitó la ciudadanía estadounidense porque anticipó que el MoMA pronto estaría bajo control federal. Pero ese mismo año, Dalí publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí, en la que dejaba claro que se había separado de Buñuel porque este último era comunista y ateo. La noticia de esto llegó al arzobispo Spellman, quien airadamente confrontó a Barry con la pregunta: '¿Sabe usted que está albergando en este Museo al Anticristo, el hombre que hizo una película blasfema L'Age d';O?" Al mismo tiempo, una campaña por parte de Hollywood, a través de su periódico comercial de la industria, el Motion Picture Herald, para socavar la unidad de cine del MoMA resultó en una reducción del 66 % en los gastos del departamento. presupuesto y Buñuel se vio obligado a dimitir. En 1944 regresa a Hollywood por tercera vez, esta vez como productor de doblaje al español para Warner Brothers. Antes de salir de la ciudad de Nueva York, se enfrentó a Dalí en su hotel, el Sherry Netherland, para contarle al pintor sobre el daño que había hecho su libro y luego dispararle en la rodilla. Buñuel no llevó a cabo la parte violenta de su plan. Dalí se explicó a sí mismo diciendo: "No escribí mi libro para ponerte a TI en un pedestal. Lo escribí para ponerme a MÍ en un pedestal.

Man Ray – un amigo del período surrealista de Buñuel y colaborador en proyectos de Hollywood no realizados.

La primera tarea de doblaje de Buñuel al regresar a Hollywood fue My Reputation, una película de Barbara Stanwyck que se convirtió en El Que Diran en manos de Buñuel. Además de su trabajo de doblaje, Buñuel intentó desarrollar una serie de proyectos independientes:

• En colaboración con un viejo amigo de sus días surrealistas, Man Ray, trabajó en un escenario llamado Las Alcantarillas de Los Ángeles, que tuvo lugar en una montaña de excremento cerca de una carretera y una cuenca de polvo.
• Con su amigo, José Rubia Barcia, co-escribió un guión llamado La novia de medianoche (The Midnight Bride), un thriller gótico, que se quedó dormido hasta que fue filmado por Antonio Simón en 1997.
• Continuó trabajando en un guión llamado "Goya y la Duquesa de Alba", un tratamiento que había comenzado a principios de 1927, con el actor/productor Florián Rey y el camarógrafo José María Beltrán, y luego resucitó en 1937 como un proyecto para Paramount.
• En su autobiografía de 1982 Mon Dernier soupir ()Mi último Suspiro, 1983, Mi última respiración, 1994), Buñuel escribió que a petición del director Robert Florey, presentó un tratamiento de una escena sobre una mano desencarnizada, que posteriormente fue incluida en la película La Bestia con Cinco Fingers (1946), protagonizada por Peter Lorre, sin reconocer la contribución de Buñuel o el pago de ninguna compensación. Sin embargo, Brian Taves, académico de cine y archivista con la Biblioteca del Congreso, ha desafiado la verdad de esta afirmación.

En 1945 expiró el contrato de Buñuel con Warner Brothers, y decidió no renovarlo en orden, como él mismo dijo: 'realizar la ambición de mi vida por un año: hacer nada". Mientras su familia se divertía en la playa, Buñuel pasó gran parte de su tiempo en Antelope Valley con nuevos conocidos, el escritor Aldous Huxley y el escultor Alexander Calder, a quienes alquiló una casa.

En su autobiografía, en un capítulo sobre su segundo paso por Estados Unidos, Buñuel afirma que "[e]n varias ocasiones, tanto productores estadounidenses como europeos me han sugerido que haga una versión cinematográfica de Malcolm Lowry' s Bajo el volcán", pero que después de leer el libro muchas veces y ocho guiones diferentes, no pudo encontrar una solución para el cine. La película finalmente se hizo en 1984 por John Houston.

Años intermedios (1946–1961)

México (1946–1953)

En 1946, una vieja amiga, la productora Denise Tual, viuda de Pierre Batcheff, protagonista de Un Chien Andalou, le propuso a ella y a Buñuel adaptar la obra de Lorca La casa de Bernarda Alba para producción en París. Sin embargo, resultó que antes de que ambos pudieran llegar a Europa, se encontraron con problemas para asegurar los derechos de la familia de Lorca. Estando en Ciudad de México, en una escala, le habían pedido financiamiento a Óscar Dancigers, un productor emigrado ruso activo en México. Dancigers dirigía una productora independiente que se especializaba en ayudar a los estudios de cine de EE. UU. con rodajes en México, pero después de la Segunda Guerra Mundial, había perdido su conexión con Hollywood debido a que estaba en la lista negra como comunista. Aunque Dancigers no estaba entusiasmado con el proyecto de Lorca, sí quería trabajar con Buñuel y convenció al director español de emprender un proyecto totalmente diferente.

Libertad Lamarque, estrella de la primera película mexicana de Buñuel. Se dijo que Buñuel había tenido un rencor de largo tiempo contra Lamarque porque la actriz pudo traerlo a lágrimas cuando vio un "melodrama bello" que había hecho en Argentina: "¿Cómo pude dejarme llorar por una escena tan absurda, grotesca y ridícula?"

La edad de oro del cine mexicano estaba en su apogeo entre mediados y fines de la década de 1940, justo cuando Buñuel se conectaba con Dancigers. El cine representó la tercera industria más grande de México en 1947, empleando a 32,000 trabajadores, con 72 productores de cine que invirtieron 66 millones de pesos (aproximadamente US $ 13 millones) por año, cuatro estudios activos con 40 millones de pesos de capital invertido y aproximadamente 1,500 salas de cine. en todo el país, con alrededor de 200 solo en la Ciudad de México. Para su primer proyecto, los dos hombres seleccionaron lo que parecía un éxito seguro, Gran Casino, una pieza musical de época ambientada en Tampico durante los años de auge de la explotación petrolera, protagonizada por dos de los artistas más populares. en América Latina: Libertad Lamarque, actriz y cantante argentina, y Jorge Negrete, cantante mexicano y protagonista de "charro" Película (s. Buñuel recordó: "Los mantuve cantando todo el tiempo, una competencia, un campeonato".

La película no tuvo éxito en la taquilla, y algunos incluso la llamaron un fiasco. Se han dado diferentes razones para su fracaso con el público; para algunos, Buñuel se vio obligado a hacer concesiones al mal gusto de sus estrellas, en particular de Negrete, otros citan las habilidades técnicas oxidadas de Buñuel y la falta de confianza después de tantos años fuera de la silla del director, mientras todavía otros especulan que el público mexicano se estaba cansando de las películas de género, llamadas 'churros', que se percibían como baratas y apresuradas.

El fracaso de Gran Casino dejó fuera a Buñuel, y pasaron más de dos años antes de que tuviera la oportunidad de dirigir otra película. Según Buñuel, pasó este tiempo 'rascándome la nariz, mirando moscas y viviendo del dinero de mi madre', pero en realidad era algo más laborioso de lo que parece. Con el equipo de marido y mujer de Janet y Luis Alcoriza, escribió el guión de Si usted no puede, yo sí, que fue filmada en 1950 por Julián Soler. También continuó desarrollando la idea de una película surrealista llamada Ilegible, hijo de flauta, con el poeta Juan Larrea. Dancigers le señaló que actualmente había interés público en películas sobre pilluelos callejeros, por lo que Buñuel recorrió las calles secundarias y los barrios marginales de la Ciudad de México en busca de material, entrevistando a trabajadores sociales sobre la guerra de pandillas callejeras y niños asesinados.

Durante este período, Dancigers estuvo ocupado produciendo películas para el actor y director Fernando Soler, una de las personalidades cinematográficas mexicanas más duraderas, al que se le conoce como el "paterfamilias nacional". Aunque Soler normalmente prefería dirigir sus propias películas, para su próxima colaboración, El Gran Calavera, basada en una obra de teatro de Adolfo Torrado, decidió que hacer ambos trabajos sería demasiado complicado, por lo que le pidió a Dancigers encontrar a alguien en quien se pueda confiar para manejar los aspectos técnicos de las funciones de dirección. Buñuel agradeció la oportunidad, afirmando que: "Me entretenía con el montaje, las construcciones, los ángulos... Todo eso me interesaba porque todavía era un aprendiz en lo que se llama 'normal' cine." Como resultado de su trabajo en esta película, desarrolló una técnica para hacer películas de forma económica y rápida, limitándolas a 125 tomas. El Gran Calavera se completó en 16 días a un costo de 400.000 pesos (aproximadamente $46.000 dólares estadounidenses al tipo de cambio de 1948). La imagen ha sido descrita como "una hilarante parodia de los nuevos ricos mexicanos... una salvaje montaña rusa de identidad equivocada, matrimonios falsos y suicidios fallidos", y fue un gran éxito en la caja. oficina en México. En 2013, la película fue rehecha por el director mexicano Gary Alazraki bajo el título La familia noble. En 1949, Buñuel renunció a su ciudadanía española para naturalizarse mexicano.

El éxito comercial de El Gran Calavera permitió a Buñuel cumplir una promesa que le había extraído a Dancigers, que era que si Buñuel podía entregar una máquina de hacer dinero, Dancigers garantizaría "un título de la libertad" en el próximo proyecto cinematográfico. Sabiendo que Dancigers se sentía incómodo con el experimentalismo, especialmente cuando podía afectar el resultado final, Buñuel propuso un proyecto comercial titulado ¡Mi huerfanito jefe!, sobre un vendedor ambulante juvenil que no puede vender su final. billete de lotería, que acaba siendo el ganador y haciéndolo rico. Dancigers estaba abierto a la idea, pero en lugar de un "feuilleton", sugirió hacer "algo bastante más serio". Durante sus investigaciones recientes en los barrios marginales de la Ciudad de México, Buñuel había leído un artículo periodístico sobre el hallazgo del cuerpo de un niño de doce años en un basurero, y esto se convirtió en la inspiración y la escena final de la película., eventualmente llamado Los olvidados.

La película cuenta la historia de una pandilla callejera de niños que aterrorizan a su barrio empobrecido, en un momento maltratan a un ciego y en otro asaltan a un hombre sin piernas que se mueve en una carretilla, que arrojan colina abajo. El historiador de cine Carl J. Mora ha dicho de Los olvidados que el director "visualizaba la pobreza de una forma radicalmente diferente a las formas tradicionales del melodrama mexicano. Los niños de la calle de Buñuel no son 'ennoblecidos' por su desesperada lucha por la supervivencia; de hecho, son depredadores despiadados que no son mejores que sus víctimas igualmente poco románticas. La película se hizo de forma rápida (18 días) y económica (450.000 pesos), siendo la tarifa de Buñuel el equivalente a 2.000 dólares. Durante el rodaje, varios miembros del equipo se resistieron a la producción de diversas formas: un técnico se enfrentó a Buñuel y le preguntó por qué no hacía una película 'real'. Película mexicana "más que una imagen miserable como esta"; el peluquero de la película renunció en el acto por una escena en la que la madre del protagonista se niega a darle de comer ("En México, ninguna madre le diría eso a su hijo").; otro miembro del personal instó a Buñuel a dejar de disparar en un 'basura', y señaló que había muchos 'barrios residenciales encantadores como Las Lomas'. que estaban disponibles; mientras que Pedro de Urdimalas, uno de los guionistas, se negó a permitir su nombre en los créditos.

Octavio Paz, campeón ardiente de Los olvidados y amigo cercano durante el exilio de Buñuel en México

Esta hostilidad también la sintieron quienes asistieron al estreno de la película en la Ciudad de México el 9 de noviembre de 1950, cuando Los olvidados fue tomado por muchos como un insulto a la sensibilidad mexicana y al nación mexicana. En un momento, la audiencia gritó en estado de shock cuando uno de los personajes miró directamente a la cámara y le arrojó un huevo podrido, dejando un líquido gelatinoso y opaco en la lente por unos momentos. En sus memorias, Buñuel recordó que luego de la proyección inicial, la esposa de Diego Rivera, la pintora Frida Kahlo, se negó a hablar con él, mientras que la esposa del poeta León Felipe tuvo que ser reprimida físicamente para no agredirlo. Incluso hubo llamados para revocar la ciudadanía mexicana de Buñuel. Dancigers, presa del pánico por lo que temía que sería una completa debacle, encargó rápidamente un 'feliz' alternativo. final de la película, y también agregó un prefacio que muestra imágenes de archivo de los horizontes de la ciudad de Nueva York, Londres y París con comentarios de voz en off en el sentido de que detrás de la riqueza de todas las grandes ciudades del mundo se puede encontrar pobreza y niños desnutridos, y que la Ciudad de México "esa gran ciudad moderna, no es la excepción". Independientemente, la asistencia fue tan escasa que Dancigers retiró la película después de solo tres días en los cines.

Gracias a los esfuerzos decididos del futuro Premio Nobel de Literatura Octavio Paz, quien en ese momento estaba en el servicio diplomático de México, Los olvidados fue elegido para representar a México en el Festival de Cine de Cannes. de 1951, y Paz promocionó asiduamente la película distribuyendo un manifiesto solidario y desfilando frente al cine con una pancarta. La opinión en general fue entusiasta, con los surrealistas (Breton y el poeta Jacques Prevert) y otros intelectuales artísticos (el pintor Marc Chagall y el poeta, dramaturgo y cineasta Jean Cocteau) elogiosos, pero el crítico comunista Georges Sadoul se opuso a lo que vio como la película. 39;s "moralidad burguesa" debido a sus representaciones positivas de un "maestro burgués" y un "estado burgués" en la rehabilitación de niños de la calle, así como una escena en la que la policía demuestra su utilidad impidiendo que un pederasta agreda a un niño. Buñuel ganó el premio a Mejor Director ese año en Cannes, y también ganó el FIPRESCI International Critics' Otorgar. Después de recibir estos elogios, la película se reeditó en México, donde se exhibió durante dos meses con mucha mayor aceptación y ganancias. Los olvidados y su triunfo en Cannes convirtieron a Buñuel en una celebridad mundial instantánea y en el director de cine de habla hispana más importante del mundo. En 2003, Los olvidados fue recomendado por la UNESCO para su inclusión en el Registro de la Memoria del Mundo, llamándolo: "el documento más importante en español sobre la vida marginal de los niños en las grandes ciudades contemporáneas" 34;.

Buñuel permaneció en México por el resto de su vida, aunque pasó períodos de tiempo filmando en Francia y España. En México filmó 21 películas durante un período de 18 años. Para muchos críticos, si bien hubo alguna que otra obra maestra ampliamente reconocida como Los olvidados y Él (1953), la mayor parte de su producción consistió en un género genérico que se adaptó a las normas de la industria cinematográfica nacional, adoptando con frecuencia convenciones melodramáticas que apelaban a los gustos locales. Otros comentaristas, sin embargo, han escrito sobre la engañosa complejidad e intensidad de muchas de estas películas, argumentando que, en conjunto, "aportan una profundidad y un poder filosóficos a su cine, ofreciendo juntos una meditación sostenida sobre las ideas de la religión". inequidad de clase, violencia y deseo". Aunque Buñuel generalmente tenía pocas opciones con respecto a la selección de estos proyectos, a menudo tratan temas que fueron centrales para sus preocupaciones de toda la vida:

• patología sexual: Él (1953), Ensayo de un crimen (1955), y Abismos de pasión (1954)
• los efectos destructivos del machismo rampante: El Bruto, (1953), El río y la muerte, (1955);
• el borroso de la fantasía y la realidad: Subida al cielo (1952), La ilusión viaja en coche (1954);
• la condición disruptiva de la mujer en una cultura dominada por los hombres: Susana (1951), La hija del engaño (1951) un remake de la producción de Filmófono Don Quintín el amargao de 16 años anteriores), Una mujer sin amor (1952); y
• el absurdo de la vida religiosa: Nazarín (1959) y Simón del desierto (1965).

A pesar de lo ocupado que estuvo durante la década de 1950 y principios de la de 1960, todavía había muchos proyectos cinematográficos que Buñuel tuvo que abandonar debido a la falta de financiamiento o apoyo de los estudios, incluido un preciado plan para filmar < del novelista mexicano Juan Rulfo. i>Pedro Páramo, del que dijo que disfrutó mucho "del cruce de lo misterioso a lo real, casi sin transición. Me gusta mucho esta mezcla de realidad y fantasía, pero no sé cómo llevarla a la pantalla. Otros proyectos no realizados durante su vida incluyeron adaptaciones de Les caves du Vatican de André Gide; Fortunata y Jacinta, Doña Perfecta y Ángel Guerra de Benito Pérez Galdós; El amado de Evelyn Waugh; El señor de las moscas de William Golding; Johnny consiguió su arma de Dalton Trumbo; J. K. Huysmans' Là-Bas; El monje de Matthew Lewis; Lugar sin límites de José Donoso; una película de cuatro historias basada en Aura de Carlos Fuentes; y Las ménades de Julio Cortázar.

México y más allá: regreso al cine internacional (1954–1960)

Michel Piccoli. La popular estrella francesa apareció en seis películas de Buñuel, comenzando con La Mort en ce jardin, 1956.

Por mucho que agradeciera un empleo estable en la industria cinematográfica mexicana, Buñuel no tardó en aprovechar las oportunidades para resurgir en la escena cinematográfica internacional y abordar temas que no estaban necesariamente enfocados en las preocupaciones mexicanas. Su primera oportunidad llegó en 1954, cuando Dancigers se asoció con Henry F. Ehrlich, de United Artists, para coproducir una versión cinematográfica de Robinson Crusoe de Daniel Defoe, usando un guión desarrollado por el El escritor canadiense Hugo Butler. La película fue producida por George Pepper, exsecretario ejecutivo del Comité Demócrata de Hollywood. Tanto Butler como Pepper eran emigrantes de Hollywood que habían tenido problemas con las autoridades que buscaban comunistas. El resultado, Adventures of Robinson Crusoe, fue la primera película en color de Buñuel. A Buñuel se le dio mucho más tiempo del habitual para la filmación (tres meses), que se realizó en locaciones de Manzanillo, un puerto marítimo del Pacífico con un interior selvático exuberante, y se filmó simultáneamente en inglés y español. Cuando la película se estrenó en los Estados Unidos, su joven estrella Dan O'Herlihy usó su propio dinero para financiar una carrera en Los Ángeles para la película y dio entrada gratuita a todos los miembros del Screen Actors Guild, quienes a su vez recompensaron la actor poco conocido con su única nominación al Oscar.

A mediados de la década de 1950, Buñuel tuvo la oportunidad de trabajar nuevamente en Francia en coproducciones internacionales. El resultado fue lo que el crítico Raymond Durgnat ha llamado el 'tríptico revolucionario' del director, en el que cada una de las tres películas es 'abiertamente, o por implicación, un estudio sobre la moralidad y las tácticas de revolución armada contra una dictadura de derecha". La primera, Cela s'appelle l'aurore (franco-italiana, 1956) exigía a Buñuel y al "patafísico" escritor Jean Ferry para adaptar una novela de Emmanuel Roblès después de que el célebre escritor Jean Genet no pudiera entregar un guión después de haber sido pagado en su totalidad. La segunda película fue La Mort en ce jardin (franco-mexicana, 1956), adaptada por Buñuel y su frecuente colaborador Luis Alcoriza a partir de una novela del escritor belga José-André Lacour. La parte final del "tríptico" fue La Fièvre Monte à El Pao (franco-mexicana, 1959), la última película de la popular estrella francesa Gérard Philipe, fallecida en los tramos finales de la producción. En un momento del rodaje, Buñuel le preguntó a Philipe, que se estaba muriendo visiblemente de cáncer, por qué el actor estaba haciendo esta película, y Philipe respondió haciéndole la misma pregunta al director, a lo que ambos dijeron que no sabían. Buñuel explicaría más tarde que estaba tan corto de dinero que "tomó todo lo que me ofrecieron, siempre que no fuera humillante".

En 1960, Buñuel volvió a formar equipo con el guionista Hugo Butler y el organizador George Pepper, supuestamente su productor favorito, para hacer su segunda película en inglés, una coproducción entre Estados Unidos y México llamada The Young One, basado en un cuento del escritor y ex agente de la CIA Peter Matthiessen. Esta película ha sido llamada "un estudio sorprendentemente intransigente sobre el racismo y el deseo sexual, ambientado en una isla remota en el sur profundo" y ha sido descrita por el crítico Ed González como 'lo suficientemente lasciva como para hacer que Baby Doll de Elia Kazan y Pretty Baby de Luis Malle se sonrojen'. Aunque la película ganó un premio especial en el Festival de Cine de Cannes por su tratamiento de la discriminación racial, los críticos estadounidenses se mostraron tan hostiles tras su estreno que Buñuel diría más tarde que "un periódico de Harlem incluso escribió que debería colgarme de cabeza". abajo de un poste de luz en la Quinta Avenida... Hice esta película con amor, pero nunca tuve la oportunidad."

Periodo internacional tardío (1961-1977)

En el Festival de Cannes de 1960, Buñuel fue abordado por el joven director Carlos Saura, cuya película Los Golfos había sido presentada oficialmente para representar a España. Dos años antes, Saura se había asociado con Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga para formar una productora llamada UNINCI, y el grupo estaba ansioso por conseguir que Buñuel hiciera una nueva película en su país natal como parte de su objetivo general de crear una experiencia única. Marca española de cine. Al mismo tiempo, la actriz mexicana Silvia Pinal estaba ansiosa por trabajar con Buñuel y convenció a su esposo y productor Gustavo Alatriste para que proporcionara fondos adicionales para el proyecto con el entendimiento de que el director, a quien Pinal describió como "un hombre adorado e idolatrado& #34;, se le daría "libertad absoluta" en la realización del trabajo. Finalmente, Buñuel aceptó volver a trabajar en España cuando la compañía Film 59 del productor Pere Portabella le brindó más apoyo.

Buñuel y su co-guionista Julio Alejandro redactaron un guión preliminar para Viridiana, que el crítico Andrew Sarris ha descrito como incorporando "una trama que es casi demasiado espeluznante para resumir incluso en estos ilustrados veces", que trata sobre la violación, el incesto, los indicios de necrofilia, la crueldad animal y el sacrilegio, y lo sometió a la censura española, quien, para sorpresa de casi todos, lo aprobó después de solicitar solo modificaciones menores y un cambio significativo en el finalizando. Aunque Buñuel acomodó las demandas de la censura, se le ocurrió una escena final que era aún más provocativa que la escena a la que reemplazó: 'aún más inmoral', como Buñuel observaría más tarde. Dado que Buñuel contaba con recursos más que adecuados, equipos técnicos y artísticos de primer nivel y actores experimentados, el rodaje de Viridiana (que tuvo lugar en exteriores y en los estudios de Bardem en Madrid) transcurrió sin problemas y rápidamente.

Buñuel envió una copia recortada a los censores y luego hizo arreglos para que su hijo, Juan Luis, pasara de contrabando los negativos a París para la edición y mezcla finales, asegurándose de que las autoridades no tuvieran la oportunidad de ver el producto terminado antes de su Presentación prevista como entrada oficial de España al Festival de Cannes de 1961. El director general de fotografía de España, José Muñoz-Fontán, presentó la película el último día del festival y luego, a instancias de Portabella y Bardem, compareció en persona para recoger el máximo galardón, la Palma de Oro., que la película compartió con la entrada francesa Une aussi longue absent, dirigida por Henri Colpi. En cuestión de días, l'Osservatore Romano, el órgano oficial del Vaticano, denunció la película como un insulto no solo al catolicismo sino al cristianismo en general. Las consecuencias para casi todos los involucrados no se hicieron esperar: Muñoz-Fontán fue destituido de su cargo en el gobierno, la película fue prohibida en España durante los siguientes 17 años, toda mención de ella en la prensa fue prohibida y las dos productoras españolas UNINCI y Film 59 fueron disueltos.

"Cuando hoy me aprovecho haciendo cálculos inútiles, me doy cuenta de que Buñuel y yo compartimos más de dos mil comidas juntas y que en más de quincecientas ocasiones golpeó a mi puerta, apuntó a la mano, listo para comenzar el trabajo. Ni siquiera estoy contando los paseos, las bebidas, las películas que observamos juntos, los festivales de cine". – Jean-Claude Carrière en su colaboración a largo plazo con Buñuel.

Buñuel hizo dos películas más en México con Pinal y Alatriste, El ángel exterminador (1962) y Simón del desierto (1965) y luego diría que Alatriste había sido el único productor que le dio más libertad en la expresión creativa.

En 1963, el actor Fernando Rey, una de las estrellas de Viridiana, presentó a Buñuel al productor Serge Silberman, un empresario polaco que había huido a París cuando su familia murió en el Holocausto y había trabajado con varios directores franceses de renombre, incluidos Jean-Pierre Melville, Jacques Becker, Marcel Camus y Christian-Jaque. Silberman propuso que los dos hicieran una adaptación del Journal d'une femme de chambre de Octave Mirbeau, que Buñuel había leído varias veces. Buñuel quería filmar en México con Pinal, pero Silberman insistió en que se hiciera en Francia.

Pinal estaba tan decidida a volver a trabajar con Buñuel que estaba lista para mudarse a Francia, aprender el idioma e incluso trabajar gratis para conseguir el papel de Célestine, el personaje principal. Sin embargo, Silberman quería que la actriz francesa Jeanne Moreau interpretara el papel, por lo que desanimó a Pinal diciéndole que Moreau también estaba dispuesta a actuar sin cobrar. En última instancia, Silberman se salió con la suya, dejando a Pinal tan decepcionada que más tarde afirmó que el hecho de que Alatriste no la ayudara a asegurar esta parte llevó a la ruptura de su matrimonio. Cuando Buñuel solicitó un escritor de habla francesa con quien colaborar en el guión, Silberman sugirió a Jean-Claude Carrière, de 32 años, un actor cuyos créditos previos como guionista incluían solo unas pocas películas para la estrella cómica y director Pierre Étaix, pero una vez que Buñuel supo que Carrière era el heredero de una familia de viticultores, el recién llegado fue contratado en el acto. Al principio, a Carrière le resultó difícil trabajar con Buñuel, porque el joven era tan deferente con el famoso director que nunca cuestionó ninguna de las ideas de Buñuel, hasta que, ante la insistencia encubierta de Buñuel, Silberman le dijo a Carrière plantarle cara a Buñuel de vez en cuando; como diría más tarde Carrière: “En cierto modo, Buñuel necesitaba un oponente. No necesitaba una secretaria, necesitaba a alguien que lo contradijera y se opusiera a él y que hiciera sugerencias." La película terminada de 1964, Diario de una camarera, se convirtió en la primera de varias realizadas por el equipo de Buñuel, Carrière y Silberman. Carrière diría más tarde: "Sin mí y sin Serge Silberman, el productor, quizás Buñuel no hubiera hecho tantas películas después de los 65 años. Realmente lo alentamos a trabajar". Eso es seguro." Esta fue la segunda versión filmada de la novela de Mirbeau, siendo la primera una producción de Hollywood de 1946 dirigida por Jean Renoir, que Buñuel se negó a ver por temor a ser influenciado por el famoso director francés, a quien veneraba. La versión de Buñuel, aunque admirada por muchos, a menudo se ha comparado desfavorablemente con la de Renoir, y varios críticos afirman que el Diario de Renoir encaja mejor en Renoir. Su obra global, mientras que el Diario de Buñuel no es suficientemente "buñueliano".

Después del lanzamiento en 1964 de Diary, Buñuel volvió a intentar hacer una película de Matthew Lewis' El Monje, un proyecto en el que había trabajado, intermitentemente, desde 1938, según el productor Pierre Braunberger. Él y Carrière escribieron un guión, pero no pudieron obtener fondos para el proyecto, que finalmente se realizaría en 1973 bajo la dirección del devoto de Buñuel Ado Kyrou, con una ayuda considerable tanto de Buñuel como de Carrière.

En 1965, Buñuel logró trabajar nuevamente con Silvia Pinal en lo que sería su último largometraje mexicano, junto a Claudio Brook, Simón del desierto. Pinal estaba muy interesada en seguir trabajando con Buñuel, confiaba plenamente en él y afirmaba con frecuencia que sacaba lo mejor de ella; sin embargo, esta sería su última colaboración.

Hablando de la sordera de Buñuel, la actriz Catherine Deneuve estrella de Belle de Jour (1967), y Tristana (1970) dijo: "Bueno, creo que fue difícil para él, lidiar con su sordera. Algunas personas dijeron que no era tan sordo, pero creo, cuando no oyes muy bien y cuando estás cansado, todo se hunde en un zumbido, y es muy difícil. El francés no es su idioma, así que Belle de JourEstoy seguro de que fue mucho más un esfuerzo para que él tuviera que explicar."

En 1966, Buñuel fue contactado por los hermanos Hakim, Robert y Raymond, productores franco-egipcios especializados en películas sexys dirigidas por cineastas estrella, quienes le ofrecieron la oportunidad de dirigir una versión cinematográfica de la novela de Joseph Kessel. Belle de Jour, un libro sobre una joven acomodada que lleva una doble vida como prostituta, y que había causado un escándalo desde su primera publicación en 1928. A Buñuel no le gustó la novela de Kessel, considerándola " un poco como una telenovela", pero aceptó el desafío porque: "Me pareció interesante tratar de convertir algo que no me gustaba en algo que sí me gustaba". Así que él y Carrière se lanzaron con entusiasmo a entrevistar a mujeres en los burdeles de Madrid para conocer sus fantasías sexuales. Buñuel tampoco estaba contento con la elección de Catherine Deneuve, de 22 años, para el papel principal, sintiendo que los hermanos Hakim y el amante de Deneuve en ese momento, el director François Truffaut, se la habían impuesto. Como resultado, tanto la actriz como el director encontraron difícil trabajar juntos, y Deneuve afirmó: "Sentí que mostraban más de mí de lo que habían dicho que iban a mostrar". Hubo momentos en los que me sentí totalmente utilizado. Fui muy infeliz," y Buñuel burlándose de su mojigatería en el plató. La película resultante ha sido descrita por el crítico de cine Roger Ebert como "posiblemente la película erótica más conocida de los tiempos modernos, quizás la mejor", aunque, como ha escrito otro crítico, "en términos de actividad sexual explícita, hay poco en Belle de jour que no podamos ver en una comedia de Doris Day del mismo año. Fue la película más exitosa de Buñuel en taquilla.

Los críticos han notado el hábito de Buñuel de seguir un éxito comercial o crítico con una película más personal e idiosincrásica que podría tener menos posibilidades de estima popular.

Tras el éxito mundial de su Belle de jour de 1967, y al ver la película La Chinoise de Jean-Luc Godard, Buñuel, que había querido hacer una película sobre las herejías católicas durante años, le dijo a Carrière: "Si así es el cine de hoy, entonces podemos hacer una película sobre las herejías". Los dos pasaron meses investigando la historia católica y crearon la película de 1969 The Milky Way, una "película de carretera picaresca" que cuenta la historia de dos vagabundos en peregrinación a la tumba del Apóstol Santiago en Santiago de Compostela, durante la cual viajan a través del tiempo y el espacio para participar en situaciones ilustrativas de las herejías surgidas de los seis grandes dogmas católicos. Vincent Canby, reseñando la película en el New York Times, la comparó con George Stevens' el éxito de taquilla La historia más grande jamás contada, en la que Buñuel había hecho una película sobre Jesús que presentaba a casi todos los artistas franceses famosos de la época en papeles secundarios. La Vía Láctea fue prohibida en Italia, solo para que la Iglesia Católica interviniera en su favor.

La película de 1970 Tristana es una película sobre una mujer joven que es seducida y manipulada por su tutor, que intenta frustrar su romance con un joven artista y que finalmente la induce a casarse con él después de que ella pierde una de sus piernas debido a un tumor. Ha sido considerada por la estudiosa Beth Miller como la menos entendida de las películas de Buñuel y, en consecuencia, una de las más subestimadas, debido a una "falla constante en comprender su declaración política y, especialmente, socialista-feminista". 34;. Buñuel había querido hacer una película de Benito Pérez Galdós' novela Tristana ya en 1952, aunque consideraba que Galdós' libro el autor's más débil. Tras terminar Viridiana y tras el escándalo que provocó su estreno en 1962, la censura española rechazó rotundamente este proyecto, y Buñuel tuvo que esperar 8 años para poder recibir el respaldo de la productora española Época Films. Los censores habían amenazado con denegar el permiso para la película alegando que fomentaba el duelo, por lo que Buñuel tuvo que abordar el tema con mucha cautela, además de hacer concesiones a sus productores franco-italiano-españoles, que insistieron en elegir a dos de los protagonistas. tres papeles principales con actores que no fueron elegidos por Buñuel: Franco Nero y Catherine Deneuve. En esta ocasión, sin embargo, Deneuve y Buñuel tenían una relación de trabajo mutuamente más satisfactoria, y Deneuve le dijo a un entrevistador, "pero al final, ya sabes, en realidad fue un rodaje maravilloso". Tristana es una de mis películas favoritas. Personalmente, como actriz, prefiero Tristana a Belle de Jour."

El germen de la idea de su próxima película juntos, El discreto encanto de la burguesía (1972) surgió de Buñuel y Silberman discutiendo la extraña repetición en la vida cotidiana; Silberman contó una anécdota sobre cómo había invitado a cenar a unos amigos en su casa, solo para olvidarse de eso, de modo que, en la noche de la cena, él estaba ausente y su esposa estaba en ropa de dormir. La película cuenta la historia de un grupo de amigos adinerados que se ven obstaculizados continuamente en sus intentos de comer juntos, una situación que varios críticos han contrastado con el dilema opuesto de los personajes de El ángel exterminador, donde los invitados a una cena misteriosamente no pueden irse después de haber terminado su comida. Para esta película, Buñuel, Silberman y Carrière reunieron a un elenco de primer nivel de artistas europeos, "verdaderos bribones' galería de cine francés de autor y ensayo", según un crítico. Por primera vez, Buñuel hizo uso de un monitor de reproducción de video, lo que le permitió hacer un uso mucho más extenso de tomas de grúa y tomas de seguimiento elaboradas, y le permitió cortar la película en la cámara y eliminar la necesidad de volver a filmar. La filmación requirió solo dos meses y Buñuel afirmó que la edición tomó solo un día. Cuando se estrenó la película, Silberman decidió saltarse el Festival de Cannes para concentrarse en conseguir su nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, que ganó, lo que llevó a Buñuel a expresar su desprecio por un proceso que dependía del juicio de "2500 idiotas, incluido, por ejemplo, el asistente de diseñador de vestuario del estudio".

Como era su costumbre, Buñuel aprovechó el éxito popular de Discreet Charm para hacer una de las "películas desconcertantes e idiosincrásicas que realmente quería hacer& #34;. En 1973, en el Monasterio de Paular en la Somosierra española, escribió el guión de El Fantasma de la Libertad (1974) con Carrière para producción de Silberman y sus socios de Hollywood. La película resultante es una serie de 12 episodios distintivos con protagonistas separados, unidos entre sí solo siguiendo a un personaje de un episodio a otro a modo de carrera de relevos. Buñuel ha declarado que hizo la película como homenaje al poeta Benjamin Péret, miembro fundador del surrealismo francés, y la llamó su "película más surrealista".

La última película de Buñuel fue Ese oscuro objeto del deseo (1977), adaptada por Buñuel y Carrière de una novela de 1898 de Pierre Louÿs llamada La femme et le pantin, que ya había servido de base a películas dirigidas por Josef von Sternberg (El diablo es una mujer, 1935) y Julien Duvivier (La femme et le pantin, 1959). La película, que cuenta la historia de un hombre mayor que está obsesionado con una joven que continuamente evade sus intentos de consumar una relación sexual, fue protagonizada por el actor español Fernando Rey, apareciendo en su cuarta película de Buñuel. En un principio, el papel de la joven iba a ser interpretado por Maria Schneider, que había alcanzado fama internacional por sus papeles en El último tango en París y El pasajero, pero una vez iniciado el rodaje, según cuenta Carrière, su el uso de drogas resultó en una experiencia "deslucida y aburrida" actuación que provocó tempestuosas discusiones con Buñuel en el plató y su eventual despido. Silberman, el productor, decidió abandonar el proyecto en ese momento, pero Buñuel lo convenció de continuar filmando con dos actrices diferentes, Ángela Molina y Carole Bouquet interpretando el mismo papel en secuencias alternas a lo largo de la película. En su autobiografía, Buñuel afirmó que esta decisión de casting inusual fue su propia idea después de beber dos martinis secos y dijo: "Si tuviera que enumerar todos los beneficios derivados del alcohol, sería interminable". Otros han informado que Carrière había abordado la idea por primera vez mientras desarrollaba el escenario de la película, pero que Buñuel lo había descartado como "el capricho de un día lluvioso".

Últimos años (1978–1983)

Tras el estreno de Ese oscuro objeto del deseo, Buñuel se retiró del cine. En 1982, escribió (junto con Carrière) su autobiografía, Mon Dernier Soupir (Mi último suspiro), que proporciona un relato de su vida, amigos y familia también. como representación de su excéntrica personalidad. En él relata sueños, encuentros con muchos escritores, actores y artistas de renombre como Pablo Picasso y Charlie Chaplin, además de travesuras, como disfrazarse de monja y pasear por la ciudad.

A los setenta años, Buñuel le dijo una vez a su amigo, el novelista Carlos Fuentes: 'No le tengo miedo a la muerte'. Tengo miedo de morir solo en una habitación de hotel, con las maletas abiertas y un guión de rodaje en la mesilla de noche. Debo saber qué dedos cerrarán mis ojos." Según su esposa, Jeanne, Buñuel murió en la Ciudad de México en 1983 por complicaciones de la diabetes. Fuentes ha contado que Buñuel pasó su última semana en el hospital hablando de teología con el hermano jesuita Julián Pablo Fernández, un viejo amigo. Su funeral fue muy privado, en el que solo participaron familiares y amigos cercanos, entre ellos los poetas Octavio Paz y Homero Aridjis.

Vida privada

A partir de los 17 años, Buñuel sale de manera constante con la futura poeta y dramaturga Concha Méndez, con quien veraneaba todos los veranos en San Sebastián. Él la presentó a sus amigos en la Residencia como su prometida. Después de cinco años, ella rompió la relación, citando el 'carácter insufrible' de Buñuel.

Durante sus años de estudiante, Buñuel se convirtió en un consumado hipnotizador. Afirmó que una vez, mientras calmaba a una prostituta histérica mediante sugestión hipnótica, sin darse cuenta también puso en trance a uno de los varios transeúntes. A menudo insistía en que ver películas era una forma de hipnosis: "Este tipo de hipnosis cinematográfica se debe sin duda a la oscuridad del teatro y a las escenas, luces y movimientos de cámara que cambian rápidamente, lo que debilita al espectador". #39;s inteligencia crítica y ejercen sobre él una especie de fascinación." Refiriéndose al interés de Buñuel por la hipnosis, Anthony Lane escribió: 'Puedes imaginarte fácilmente siendo hipnotizado por este hombre; Siéntate a ver una muestra de sus películas y pensarás que lo has estado”.

En 1926 conoció a su futura esposa, Jeanne Rucar Lefebvre, profesora de gimnasia que había ganado una medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de París de 1924. Buñuel la cortejó a la manera aragonesa formal, con una acompañante, y se casaron en 1934 a pesar de una advertencia de Jean Epstein cuando Buñuel le propuso matrimonio por primera vez en 1930: "Jeanne, estás cometiendo un error... Es' no es adecuado para ti, no te cases con él." Los dos permanecieron casados durante toda su vida y tuvieron dos hijos, Juan Luis y Rafael. Diego Buñuel, cineasta y presentador de la serie Don't Tell My Mother de National Geographic Channel, es su nieto.

Técnica e influencias

La técnica cinematográfica de Buñuel estuvo fuertemente influenciada por la puesta en escena, la edición de sonido y el uso de la música. Las influencias en su realización cinematográfica incluyen una relación positiva con el surrealismo y un enfoque crítico del ateísmo y la religión. El estilo de dirección de Buñuel era extremadamente económico; filmó películas en unas pocas semanas, desviándose raramente de su guión (la escena en Tristana donde Catherine Deneuve expone sus senos a Saturno, pero no al público, es una excepción notable) y filmando tanto como sea posible. para minimizar el tiempo de edición. Permaneció fiel a lo largo de su vida laboral a una filosofía operativa que articuló al comienzo de su carrera en 1928: "La idea guía, la procesión silenciosa de imágenes que son concretas, decisivas, medidas en el espacio y el tiempo, en un palabra, la película, se proyectó por primera vez dentro del cerebro del cineasta". En esto, se ha comparado a Buñuel con Alfred Hitchcock, otro director famoso por su precisión, eficiencia y planificación previa, para quien el hecho de rodar la película fue un anticlímax, ya que cada hombre sabría, en palabras de Buñuel, "exactamente cómo se rodará cada escena y cuál será el montaje final". Según la actriz Jeanne Moreau: “Fue el único director que conozco que nunca desperdició una toma. Tenía la película en mente. Cuando dijo 'acción' y 'cortar,' sabías que lo que había entre los dos se imprimiría."

Homenajes

Instituto de Educación Secundaria[es] (IES) Luis Buñuel, Zaragoza, España

• En 1994, una retrospectiva de las obras de Buñuel fue organizada por el Kunst- und Ausstellungshalle en Bonn, como homenaje a una de las figuras más veneradas internacionalmente en el cine mundial. Esto fue seguido en el verano de 1996 por una conmemoración del centenario del nacimiento del cine realizado por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, que incluyó una retrospectiva única, patrocinada conjuntamente por el Rey de España y el Presidente de México, llamado ¡Buñuel! La mirada del siglo, honrando su estatus especial como figura más emblemática del cine español.
  

  Liceo Español Luis Buñuel
• Una escuela secundaria en Zaragoza, España ha sido nombrada para Buñuel: Instituto de Educación Secundaria Ies Luis Buñuel. Liceo Español Luis Buñuel, una escuela internacional española, está en Neuilly-sur-Seine, Francia, cerca de París.
• En Calanda, España se exhibe un busto del jefe de Luis Buñuel en el Centro Buñuel Calanda (CBC), un museo dedicado al director. La misión de la CBC es servir como centro de referencia tanto para los conocedores de Buñuel como para cualquier persona interesada en las artes de Aragón.
• Uno de los principales teatros del Palais des Festivals et des Congrès, donde se celebra el Festival de Cine de Cannes, es nombrado por él: Salle Buñuel.
• Para conmemorar el centenario de su nacimiento, en el año 2000 el festival de Cannes se asoció con la industria cinematográfica española, para rendir homenaje a Luis Buñuel. Este homenaje consistió en tres eventos: (1) la inauguración, para Cannes 2000, de la nueva habitación Luis Buñuel del Palacio, (2) una exposición original organizada por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales titulada "El Mundo Secreto de Buñuel", y (3) una proyección excepcional Viridiana, el ganador de Palme d'Or en 1961, en presencia de artistas especialmente invitados.
• El Instituto de Cine Luis Buñuel (LBFI) está ubicado en el Teatro Independiente del Centro, Los Ángeles, y tiene como misión: "formar el escenario vital e innovador para la promoción de la obra de Luis Buñuel, y un recurso seminal para el desarrollo de nuevas investigaciones, conocimientos y becas sobre su vida y trabajo, que se extiende a través de su cuerpo de películas y escritos".
• Liceo Español Luis Buñuel

Caracterizaciones

Buñuel ha sido retratado como un personaje en muchas películas y producciones televisivas. Una parte de la miniserie de televisión Lorca, muerte de un poeta (1987-1988), dirigida por Juan Antonio Bardem, recrea la etapa de estudiante de Buñuel, Lorca y Dalí, con Fernando Valverde interpretando a Buñuel en dos episodios Fue interpretado por Dimiter Guerasimof en la película biográfica Dalí de 1991, dirigida por Antoni Ribas, a pesar de que Dalí y su abogado le habían escrito a Ribas objetando el proyecto en sus primeras etapas en 1985. Buñuel apareció como un personaje de la película Miroslava de Alejandro Pelayo de 1993, basada en la vida de la actriz Miroslava Stern, quien se suicidó después de aparecer en Ensayo de un crimen (1955). Buñuel fue interpretado por tres actores, El Gran Wyoming (vejez), Pere Arquillué (adulto joven) y Juan Carlos Jiménez Marín (niño), en la fantasía de Carlos Saura de 2001, Buñuel y la mesa del rey Salomón , que narra cómo Buñuel, Lorca y Dalí parten en busca de la mítica mesa del rey Salomón, que se cree tiene el poder de ver el pasado, el presente y el futuro. Buñuel fue un personaje de una miniserie de televisión de 2001 Severo Ochoa: La conquista de un Nobel, sobre la vida del emigrado español y premio Nobel de medicina, que también estuvo en la Residencia de Estudiantes durante Buñuel&# 39;s tiempo allí. Matt Lucas interpretó a Buñuel en la película para televisión de Richard Curson Smith de 2002 Surrealissimo: The Scandalous Success of Salvador Dalí, una comedia que representa el 'juicio' de Dalí. por los surrealistas en 1934 por sus simpatías pro-Hitler. Un corto de 2005 llamado La muerte de Salvador Dalí, dirigido por Delaney Bishop, contiene secuencias en las que aparece Buñuel, interpretado por Alejandro Cárdenas. Little Ashes de Paul Morrison plantea la hipótesis de una historia de amor entre Dalí y Lorca, con Buñuel (interpretado por Matthew McNulty) mirando con recelo. Buñuel, interpretado por Adrien de Van, es una de las muchas personalidades notables con las que se encuentra el protagonista de Woody Allen en Midnight in Paris (2011). En 2019, Fermín Solís publicó una novela gráfica titulada Buñuel en el Laberinto de las Tortugas (traducción al inglés, 2021: Buñuel en el Laberinto de las Tortugas) que desvela la creación de < i>Las Hurdes: Tierra Sin Pan. En 2019 se estrenó una película de animación del libro, dirigida por Salvador Simó.

Premios

Buñuel recibió el León de Oro a la Carrera en 1982 por el Festival de Cine de Venecia y el Premio FIPRESCI - Mención de Honor en 1969 por el Festival Internacional de Cine de Berlín. En 1977 recibió el Premio Nacional de Artes y Ciencias de las Bellas Artes. En el XI Festival Internacional de Cine de Moscú en 1979, recibió el Premio de Honor por su contribución al cine. Fue nominado una vez al Premio Nobel de Literatura en 1968.

Filmografía

Documentales sobre Buñuel

• Dans l'oeil de Luis Buñuel. Francia, 2013, 54 min., libro y director: François Lévy-Kuentz, Productor: KUIV Productions, arte France.
• El último asunto – Buñuel en la memoria. España, Alemania, Francia, 2008, 45 min., Libro y director: Javier Espada und Gaizka Urresti, Productor: Imval Producciones
• Tras Nazarín (Siguiendo Nazarín)España/México, 2015. Dirigida por Javier Espada. Ircania Producciones. Utiliza todavía fotos tomadas por Buñuel y Manuel Álvarez Bravo para vincular las imágenes de la película al campo mexicano. Incluye entrevistas con Jean Claude Carrière, Ignacio López Tarso, Silvia Pinal, Arturo Ripstein y Carlos Reygadas, junto con críticos y estudiosos de cine.