Lucio fontana

Lucio Fontana (italiano: [ˈluːtʃo fonˈtaːna]; 19 de febrero de 1899 – 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico argentino-italiano. Es conocido como el fundador del espacialismo y exponente de la pintura abstracta, ya que fue el primer artista conocido que cortó sus lienzos, lo que simboliza un rechazo total de todos los requisitos previos del arte.

Vida temprana

Nacido en Rosario, Santa Fe, Argentina, de padres inmigrantes italianos, era hijo del escultor Luigi Fontana (1865–1946). Fontana pasó los primeros años de su vida en Argentina y luego fue enviado a Italia en 1905, donde permaneció hasta 1922, trabajando como escultor con su padre, y luego por su cuenta. Ya en 1926 participó de la primera exposición de Nexus, un grupo de jóvenes artistas argentinos que trabajaban en Rosario de Santa Fé.

Trabajo

En 1927 Fontana regresó a Italia y estudió junto a Fausto Melotti con el escultor Adolfo Wildt, en la Accademia di Brera de 1928 a 1930. Fue allí donde presentó su primera exposición en 1930, organizada por la galería de arte de Milán Il Milion. Durante la década siguiente viajó por Italia y Francia, trabajando con pintores abstractos y expresionistas. En 1935 se incorporó a la asociación Abstraction-Création de París y de 1936 a 1949 realizó esculturas expresionistas en cerámica y bronce. En 1939 se unió a Corrente, un grupo de artistas expresionistas de Milán.

En 1940 regresó a la Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó la academia de Altamira junto con algunos de sus alumnos, e hizo público el Manifiesto Blanco, que afirma: "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo El desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte". En el texto, que Fontana no firmó pero en el que contribuyó activamente, comenzó a formular las teorías que desarrollaría como Spazialismo en cinco manifiestos de 1947 a 1952. A su regreso de Argentina en 1947, apoyó, junto a escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo)**. El estudio y las obras de Fontana quedaron completamente destruidos en los bombardeos aliados de Milán, pero pronto reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola. En Milán, colaboró con destacados arquitectos milaneses para decorar varios edificios nuevos que formaban parte del esfuerzo por reconstruir la ciudad después de la guerra.

Tras su regreso a Italia en 1948, Fontana expuso su primer Ambiente spaziale a luce nera ('Ambiente espacial') (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una obra temporal Instalación que consiste en una forma de ameba gigante suspendida en el vacío en una habitación oscura e iluminada por luz de neón. A partir de 1949 inició el llamado Concepto Espacial o serie slash, consistente en agujeros o cortes en la superficie de pinturas monocromáticas, dibujando un signo de lo que denominó "un arte para la Era Espacial". Ideó el título genérico Concetto spaziale ('concepto espacial') para estas obras y lo utilizó para casi todas sus pinturas posteriores. Estos se pueden dividir en categorías amplias: los Buchi ('agujeros), a partir de 1949, y los Tagli ('barras'), que instituyó a mediados de los años cincuenta.

Fontana a menudo forraba el reverso de sus lienzos con una gasa negra para que la oscuridad brillara detrás de los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. Luego creó un elaborado techo de neón llamado "Luce spaziale" en 1951 para la Trienal de Milán. En su importante serie de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-64), Fontana utiliza la forma de huevo. Con su serie Pietre (piedras), iniciada en 1952, Fontana fusionó lo escultórico con la pintura incrustando las superficies de sus lienzos con pesados empastes y vidrios coloreados. En su ciclo Buchi (agujeros), iniciado en 1949-1950, perforó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás del cuadro. A partir de 1958 purificó sus pinturas creando superficies monocromáticas mate, centrando así la atención del espectador en los cortes que desgarran la piel del lienzo. En 1959 Fontana expuso pinturas recortadas con múltiples elementos combinables (llamó a los conjuntos quanta) y comenzó Naturaleza, una serie de esculturas realizadas cortando una esfera a través de un corte. de arcilla de terracota, que posteriormente fundió en bronce.

Fontana participó en muchos proyectos de colaboración con importantes arquitectos de la época, en particular Luciano Baldessari, quien compartió y apoyó su investigación para Spatial Light – Structure in Neon (1951) en la 9ª Trienal y, entre entre otras cosas, le encargó diseñar el techo del cine del Pabellón Sidercomit en la XXI Feria de Milán de 1953.

Hacia 1960, Fontana comienza a reinventar los cortes y pinchazos que habían caracterizado su personalísimo estilo hasta entonces, cubriendo los lienzos con capas de espesa pintura al óleo aplicada a mano y con pincel y utilizando un bisturí o bisturí para crear grandes fisuras. en su superficie. En 1961, tras una invitación para participar junto con los artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis y otros en una exposición de pintura contemporánea titulada "Arte y contemplación", celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una Serie de 22 obras dedicadas a la ciudad lagunera. Manipuló la pintura con los dedos y diversos instrumentos para hacer surcos, que a veces incluían fragmentos dispersos de cristal de Murano. Posteriormente, Fontana fue invitada por Michel Tapié a exponer las obras en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. Como consecuencia de su primera visita a Nueva York en 1961, creó una serie de trabajos en metal, realizados entre 1961 y 1965. Las obras consistían en grandes láminas de cobre brillante y rayado, perforadas y ranuradas, cortadas por dramáticos gestos verticales que Recuerde la fuerza de la construcción de Nueva York y el metal y el vidrio de los edificios.

Entre los últimos trabajos de Fontana se encuentran una serie de Teatrini ('pequeños teatros'), en los que volvió a un lenguaje esencialmente plano utilizando telones encerrados dentro de alas que asemejan un marco; la referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas onduladas y oscilantes crean un animado juego de sombras. Otra obra de esa época, Trinità (Trinidad) (1966), consta de tres grandes lienzos blancos salpicados de líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramarino que recuerdan vagamente a alas.

En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más por la puesta en escena de su obra en las numerosas exposiciones que lo homenajearon en todo el mundo, así como por la idea de pureza alcanzada en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones se destacaron en la Bienal de Venecia de 1966, para la que diseñó el entorno de su obra. En la Documenta IV de Kassel en 1968, colocó un gran corte de yeso como centro de un laberinto totalmente blanco, incluyendo techo y suelo (Ambiente spaziale bianco).

Poco antes de su muerte estuvo presente en el evento "Destruction Art, Destroy to Create" Manifestación en el Museo Finch College de Nueva York. Luego dejó su casa en Milán y se dirigió a Comabbio (en la provincia de Varese, Italia), la ciudad natal de su familia, donde murió en 1968.

Fontana creó una prolífica obra gráfica con motivos abstractos y figuras poco conocidas en el mundo del arte, al mismo tiempo que producía sus obras abstractas perforadas. También fue escultor del busto de Ovidio Lagos, fundador del diario La Capital, en mármol de Carrara.

Exposiciones

Fontana tuvo sus primeras exposiciones individuales en la Galleria del Milione, Milán, en 1931. En 1961, Michel Tapié organizó su primera exposición en Estados Unidos, una exposición de la serie Venecia, en la Martha Jackson Gallery, Nueva York. Su primera exposición individual en un museo americano se realizó en el Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Participó en la Bienal de São Paulo y en numerosas exposiciones en todo el mundo. Entre otras, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia (2006), la Hayward Gallery de Londres (1999), la Fondazione Lucio Fontana (1999) y el Centro Pompidou (1987; viajó a La Fundación 'la) han organizado importantes retrospectivas. Caixa' Museo Stedelijk de Ámsterdam; Whitechapel Gallery, Londres). Desde 1930 la obra de Fontana había sido expuesta regularmente en la Bienal de Venecia, y representó a la Argentina en varias ocasiones; recibió el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia de 1966. En 2014, el Museo de Arte Moderno de París dedica una retrospectiva al artista. El arte Tornabuoni celebró una exposición paralela en su espacio de la galería Avenue Matignon Paris. La primera gran retrospectiva estadounidense desde la muerte del artista se celebró en 2019 en el Met Breuer.

Colecciones

Las obras de Fontana se pueden encontrar en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. En particular, ejemplos de la serie Pietre se encuentran en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma. , el Museo de Arte Contemporáneo Villa Croce de Génova y el van Abbemuseum de Eindhoven. Las joyas de Fontana están incluidas en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Boston.

Mercado del arte

El erudito italiano Enrico Crispolti editó un catálogo razonado en dos volúmenes de las pinturas y esculturas de Fontana. y entornos en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini y Silvia Ardemagni publicaron un catalogue raisonné de las obras sobre papel de Fontana, incluidas más de 5.500 obras en orden cronológico.

Una rara obra de gran tamaño en color carmesí con una sola barra, que Fontana dedicó a su esposa y que siempre ha sido conocida como la Teresita, se vendió por £6,7 millones ($11,6 millones) en Christie' En Londres en 2008, entonces un récord en subasta para el artista. Concetto Spaziale, Attese (1965) de Fontana, de la colección de Anna-Stina Malmborg Hoglund y Gunnar Hoglund, estableció un nuevo récord para una pintura slash con £8,4 millones en Sotheby's Londres en 2015. Aún más populares son los lienzos ovalados de Fontana. Sotheby's vendió una obra titulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por £10,32 millones en 2008. Parte del círculo de Fontana en Venecia, Festival on the Grand Canal se vendió en Christie's en Nueva York por 7 millones de dólares en 2008.

En noviembre de 2015, Christie's estableció un récord en una subasta para la obra del artista Concetto spaziale, la fine di dio, 1964, vendida por 29 millones de dólares.