Lo que el viento se llevó (película)

Lo que el viento se llevó es una película romántica histórica épica estadounidense de 1939 adaptada de la novela de 1936 de Margaret Mitchell. La película fue producida por David O. Selznick de Selznick International Pictures y dirigida por Victor Fleming. Ambientada en el sur de Estados Unidos con el telón de fondo de la Guerra Civil y la era de la Reconstrucción, la película cuenta la historia de Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la obstinada hija del propietario de una plantación de Georgia, que sigue su romántica búsqueda de Ashley Wilkes (Leslie Howard), que está casada con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), y su posterior matrimonio con Rhett Butler (Clark Gable).

La película tuvo una producción problemática. El inicio del rodaje se retrasó dos años hasta enero de 1939 porque Selznick estaba decidido a conseguir a Gable para el papel de Rhett, y concluyó en julio. El papel de Scarlett fue difícil de elegir y se entrevistó a 1.400 mujeres desconocidas para el papel. El guión original de Sidney Howard fue objeto de numerosas revisiones por parte de varios escritores para reducirlo a una extensión adecuada. El director original, George Cukor, fue despedido poco después de comenzar el rodaje y fue reemplazado por Fleming, quien a su vez fue reemplazado brevemente por Sam Wood mientras se tomaba un tiempo libre debido al agotamiento. La postproducción concluyó en noviembre de 1939, apenas un mes antes de su estreno.

Recibió críticas generalmente positivas tras su estreno el 15 de diciembre de 1939. Si bien el reparto fue ampliamente elogiado, la larga duración recibió críticas. En la duodécima edición de los Premios de la Academia, Lo que el viento se llevó recibió diez premios de la Academia (ocho competitivos, dos honoríficos) de trece nominaciones, incluidos los de Mejor Película, Mejor Director (Fleming), Mejor Guión Adaptado (premiado póstumamente). a Sidney Howard), Mejor Actriz (Leigh) y Mejor Actriz de Reparto (Hattie McDaniel, convirtiéndose en la primera afroamericana en ganar un Premio de la Academia). Estableció récords en cuanto al número total de premios y nominaciones en ese momento.

Lo que el viento se llevó fue inmensamente popular cuando se lanzó por primera vez. Se convirtió en la película con mayores ganancias realizada hasta ese momento y mantuvo el récord durante más de un cuarto de siglo. Cuando se ajusta a la inflación monetaria, sigue siendo la película más taquillera de la historia. Se reeditó periódicamente a lo largo del siglo XX y quedó arraigado en la cultura popular. Aunque la película ha sido criticada por negacionismo histórico, glorificando la esclavitud y el mito de la Causa Perdida de la Confederación, se le atribuye haber desencadenado cambios en la forma en que se representaba cinematográficamente a los afroamericanos. Lo que el viento se llevó está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos y, en 1989, se convirtió en una de las veinticinco películas inaugurales seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos.

Trama

En 1861, en vísperas de la Guerra Civil estadounidense, Scarlett O'Hara vive en Tara, la plantación de algodón de su familia en Georgia, con sus padres, dos hermanas y sus numerosos esclavos negros. Scarlett se siente profundamente atraída por Ashley Wilkes y descubre que se casará con su prima, Melanie Hamilton. En una fiesta de compromiso al día siguiente en la casa de Ashley, Twelve Oaks, una plantación cercana, Scarlett se insinúa con Ashley pero es rechazada; sin embargo, llama la atención de otro invitado, Rhett Butler. La fiesta se ve perturbada por la noticia del llamado del presidente Lincoln a voluntarios para luchar contra el Sur, y los hombres del Sur se apresuran a alistarse. Scarlett se casa con el hermano menor de Melanie, Charles, para despertar los celos de Ashley antes de que él se vaya a pelear. Tras la muerte de Charles mientras servía en el ejército de los Estados Confederados, la madre de Scarlett la envía a la casa de los Hamilton en Atlanta. Ella crea una escena asistiendo a un bazar benéfico vestida de luto y bailando el vals con Rhett, ahora un corredor de bloqueo de la Confederación.

La marea de la guerra se vuelve contra la Confederación después de la Batalla de Gettysburg. Muchos de los hombres del pueblo de Scarlett mueren. Ocho meses después, mientras el Ejército de la Unión asedia la ciudad en la campaña de Atlanta, Melanie da a luz con la ayuda de Scarlett y Rhett los ayuda a huir de la ciudad. Rhett decide ir a pelear, dejando que Scarlett regrese sola a Tara. Encuentra a Tara abandonada, a excepción de su padre, sus hermanas y los antiguos esclavos, Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre ha perdido la cabeza. Con Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos abandonados, Scarlett promete garantizar la supervivencia de ella y su familia.

Con la derrota de la Confederación, los O'Hara trabajan duro en los campos de algodón. Ashley regresa pero descubre que es de poca ayuda para Tara. Cuando Scarlett le ruega que se escape con ella, él le confiesa su deseo y la besa apasionadamente, pero le dice que no puede dejar a Melanie. El padre de Scarlett intenta ahuyentar a un vagabundo de su tierra, pero es arrojado de su caballo y asesinado. Incapaz de pagar los impuestos reconstruccionistas impuestos a Tara, Scarlett apela sin éxito a Rhett y luego engaña al prometido de su hermana menor Suellen, el rico y de mediana edad Frank Kennedy, dueño de una tienda general, para que se case con ella. Frank, Ashley, Rhett y varios otros cómplices realizan una redada nocturna en un barrio marginal después de que Scarlett es atacada mientras conducía sola, lo que resulta en la muerte de Frank. Poco después del funeral de Frank, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta.

Rhett y Scarlett tienen una hija a quien Rhett apoda Bonnie Blue, pero Scarlett todavía suspira por Ashley y, disgustada por la aparente ruina de su figura, se niega a tener más hijos o compartir cama con Rhett. Un día, en la fábrica de Frank, la hermana de Ashley, India, ve a Scarlett y Ashley abrazándose. India, que alberga una intensa aversión hacia Scarlett, difunde rumores con entusiasmo. Más tarde esa noche, Rhett, después de escuchar los rumores, obliga a Scarlett a asistir a la fiesta de cumpleaños de Ashley. Melanie, sin embargo, apoya a Scarlett. Después de regresar a casa, Scarlett encuentra a Rhett borracho abajo y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett en contra de su voluntad, manifestando su intención de tener relaciones sexuales con ella esa noche, y lleva a Scarlett que lucha al dormitorio.

Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, lo cual ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza. Cuando Rhett regresa de un largo viaje a Londres, Inglaterra, Scarlett le informa que está embarazada, pero se produce una discusión que la hace caer por unas escaleras y sufrir un aborto espontáneo. Mientras se recupera, la tragedia vuelve a golpear cuando Bonnie muere mientras intenta saltar una valla con su pony. Scarlett y Rhett visitan a Melanie, que ha sufrido complicaciones por un nuevo embarazo, en su lecho de muerte. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett se prepara para abandonar Atlanta. Al darse cuenta de que era Rhett, y no Ashley, a quien realmente amó todo el tiempo, Scarlett le ruega a Rhett que se quede, pero él la rechaza y se aleja hacia la niebla de la mañana. Scarlett, angustiada, decide regresar a Tara, prometiendo algún día recuperar a Rhett.

Reparto

Producción

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood se negaron a crear una película basada en ella, incluidos Louis B. Mayer e Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro S. Berman de RKO Radio Pictures. y David O. Selznick de Selznick International Pictures. Jack L. Warner de Warner Bros. consideró comprar los derechos después de leer la sinopsis, pero su estrella más importante, Bette Davis, no estaba interesada en ese momento y Darryl F. Zanuck de 20th Century-Fox no había ofrecido suficiente dinero. Sin embargo, Selznick cambió de opinión después de que su editora de historia, Kay Brown, y su socio comercial, John Hay Whitney, lo instaran a comprar los derechos de la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por 50.000 dólares.

Reparto

El casting de los dos papeles principales se convirtió en una tarea compleja que duró dos años. Para el papel de Rhett Butler, Selznick quería desde el principio a Clark Gable, pero Gable tenía contrato con MGM, que nunca lo prestó a otros estudios. Se consideró a Gary Cooper, pero Samuel Goldwyn, con quien Cooper tenía contrato, se negó a prestarlo. Warner ofreció un paquete de Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para los papeles principales a cambio de los derechos de distribución. En ese momento, Selznick estaba decidido a conseguir a Gable, y en agosto de 1938 finalmente llegó a un acuerdo con su suegro, el director de MGM, Louis B. Mayer: MGM proporcionaría a Gable y 1.250.000 dólares por la mitad de la película. presupuesto y, a cambio, Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable; la mitad de las ganancias iría a MGM, mientras que Loew's, Inc, la empresa matriz de MGM, estrenaría la película.

El acuerdo para lanzarlo a través de MGM significó retrasar el inicio de la producción hasta finales de 1938, cuando concluyó el acuerdo de distribución de Selznick con United Artists. Selznick aprovechó el retraso para continuar revisando el guión y, lo que es más importante, generar publicidad para la película a través de sus esfuerzos por conseguir el papel de Scarlett. Selznick inició un casting a nivel nacional entrevistando a 1.400 desconocidos. El esfuerzo costó 100.000 dólares y resultó inútil para el objetivo principal de elegir el papel, pero creó una película "invaluable". publicidad. Los primeros favoritos incluyeron a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead, a quienes Selznick consideró como posibilidades antes de la compra de los derechos cinematográficos; Joan Crawford, que firmó con MGM, también fue considerada como una posible pareja con Gable. Después de llegar a un acuerdo con MGM, Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer, quien era la principal estrella femenina de MGM en ese momento, pero ella se retiró de la consideración después de los comentarios negativos de los fanáticos del cine. Katharine Hepburn presionó mucho para obtener el papel con el apoyo de su amigo, George Cukor, que había sido contratado para dirigir, pero Selznick la vetó, quien consideró que no era la adecuada para el papel.

Se consideraron muchas actrices, tanto conocidas como desconocidas, pero sólo treinta, además de la elección final, Vivien Leigh, fueron realmente probadas para el papel, incluidas Ardis Ankerson (Brenda Marshall), Jean Arthur, Tallulah Bankhead, Diana Barrymore, Joan Bennett, Nancy Coleman, Frances Dee, Terry Ray (Ellen Drew), Paulette Goddard, Edythe Marrenner (Susan Hayward), Anita Louise, Haila Stoddard, Margaret Tallichet, Lana Turner y Linda Watkins. Aunque Margaret Mitchell se negó a revelar públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de obtener su aprobación fue Miriam Hopkins, a quien Mitchell consideró que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett como está escrito en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía unos treinta años en ese momento y se la consideraba demasiado mayor para el papel. En diciembre de 1938 todavía estaban bajo consideración cuatro actrices, entre ellas Jean Arthur y Joan Bennett; sin embargo, sólo dos finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, fueron probadas en Technicolor, ambas el 20 de diciembre. Goddard casi gana el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charlie Chaplin hizo que Selznick cambiara de opinión.

Selznick había estado considerando discretamente a Vivien Leigh, una joven actriz inglesa todavía poco conocida en Estados Unidos, para el papel de Scarlett desde febrero de 1938, cuando Selznick la vio en Fuego sobre Inglaterra y . Un yanqui en Oxford. El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos Myron Selznick (dirigida por el hermano de David Selznick, uno de los propietarios de Selznick International), y había solicitado en febrero que su nombre fuera sometido a consideración. como Scarlett. En el verano de 1938, los Selznick estaban negociando con Alexander Korda, con quien Leigh tenía contrato, sus servicios ese mismo año. El hermano de Selznick organizó su primer encuentro la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se filmó el incendio de Atlanta. En una carta a su esposa dos días después, Selznick admitió que Leigh era "el caballo oscuro de Scarlett" y, después de una serie de pruebas de pantalla, se anunció su casting el 13 de enero de 1939. Justo antes del rodaje de Después de la película, Selznick informó al columnista Ed Sullivan: "Los padres de Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. De manera idéntica, los padres de la señorita Leigh son franceses e irlandeses.

Un problema apremiante para Selznick durante el casting fue el persistente fracaso de Hollywood a la hora de representar con precisión los acentos sureños. El estudio creía que si el acento no se representaba con precisión, podría resultar perjudicial para el éxito de la película. Selznick contrató a Susan Myrick (una experta en habla, modales y costumbres sureñas que le recomendó Mitchell) y Will A. Price para enseñar a los actores a hablar con un acento sureño. Mitchell elogió el trabajo vocal del elenco y destacó la falta de críticas cuando se estrenó la película.

Guión

Sobre el guionista original, Sidney Howard, la historiadora de cine Joanne Yeck escribe: "reduciendo las complejidades de Lo que el viento se llevó'las dimensiones épicas fueron una tarea hercúlea... y la primera presentación de Howard fue demasiado larga y habría requerido al menos seis horas de película;... . [el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el set para hacer revisiones... pero Howard se negó a abandonar Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones estuvieron a cargo de una gran cantidad de escritores locales. Selznick despidió al director George Cukor tres semanas después del rodaje y buscó a Victor Fleming, que estaba dirigiendo El mago de Oz en ese momento. Fleming no estaba satisfecho con el guión, por lo que Selznick contrató al guionista Ben Hecht para reescribir el guión completo en cinco días. Hecht volvió al borrador original de Howard y, al final de la semana, había logrado revisar toda la primera mitad del guión. Selznick se comprometió a reescribir la segunda mitad él mismo, pero se retrasó, por lo que Howard volvió a trabajar en el guión durante una semana, reelaborando varias escenas clave en la segunda parte.

"Cuando se estrenó la película en 1939, había dudas sobre quién debería recibir el crédito en pantalla", escribe Yeck. “Pero a pesar de la cantidad de escritores y cambios, el guión final se acercó notablemente a la versión de Howard. El hecho de que solo el nombre de Howard aparezca en los créditos puede haber sido tanto un gesto hacia su memoria como su escritura, ya que en 1939, Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente de tractor agrícola, y antes de que comenzara la película. Estreno de 39." Selznick, en un memorando escrito en octubre de 1939, hablaba de los créditos de escritura de la película: "Se puede decir con franqueza que de la cantidad comparativamente pequeña de material de la película que no pertenece al libro, la mayor parte Es mío personalmente, y las únicas líneas de diálogo originales que no son mías son algunas de Sidney Howard, algunas de Ben Hecht y un par más de John Van Druten. De entrada, dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en todo el guión. En cuanto a la construcción, alrededor del ochenta por ciento es mía, y el resto lo dividí entre Jo Swerling y Sidney Howard, y Hecht contribuyó materialmente a la construcción de una secuencia.

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams, "En la madrugada del domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick... y el director Victor Fleming sacudieron a Hecht para despertarlo para informarle que estaba en préstamo de MGM y Debía acompañarlos inmediatamente y ponerse a trabajar en Lo que el viento se llevó, que Selznick había comenzado a rodar cinco semanas antes. A Selznick le estaba costando 50.000 dólares cada día que la película estaba en espera, esperando una reescritura final del guión, y el tiempo era esencial. Hecht estaba trabajando en la película En el circo para los hermanos Marx. Al recordar el episodio en una carta a su amigo guionista Gene Fowler, dijo que no había leído la novela, pero Selznick y el director Fleming no podían esperar a que la leyera. Actuaron en escenas basadas en el guión original de Sidney Howard, que hubo que reescribir rápidamente. Hecht escribió: "Después de representar y discutir cada escena, me senté frente a la máquina de escribir y la escribí". Selznick y Fleming, ansiosos por continuar con su actuación, seguían apurándome. Trabajamos de esta manera durante siete días, de dieciocho a veinte horas al día. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos haría más lentos. Me proporcionó plátanos y maní salado... así, al séptimo día, completé, ileso, los primeros nueve carretes de la epopeya de la Guerra Civil."

MacAdams escribe: "Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht... En los créditos oficiales presentados ante el Screen Writers Guild, Sidney Howard recibió, por supuesto, el único crédito en la pantalla, pero otros cuatro escritores fueron adjunto... Jo Swerling por contribuir al tratamiento, Oliver H. P. Garrett y Barbara Keon por la construcción del guión, y Hecht, por el diálogo..."

Filmación

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y finalizó el 1 de julio, y el trabajo de postproducción continuó hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor, con quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y que había pasado casi dos años en preproducción de Lo que el viento se llevó, fue reemplazada después de menos de tres semanas de rodaje. Selznick y Cukor ya habían estado en desacuerdo sobre el ritmo de filmación y el guión, pero otras explicaciones atribuyeron la partida de Cukor a la incomodidad de Gable al trabajar con él. Emanuel Levy, biógrafo de Cukor, afirmó que Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood como un estafador y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable utilizó su influencia para despedirlo. Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la escena del bazar de Atlanta, y la pareja fue a la oficina de Selznick vestida y le imploró que cambiara de opinión. Victor Fleming, que dirigía El mago de Oz, fue llamado desde MGM para completar la película. Sin embargo, Cukor continuó entrenando en privado a Leigh y De Havilland. Otro director de MGM, Sam Wood, trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar más tarde, Selznick estimó que "tres carretes sólidos" fueron filmados nuevamente. de su trabajo quedó en el montaje final. Al final de la fotografía principal, Cukor había realizado dieciocho días de rodaje, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro.

El director de fotografía Lee Garmes comenzó la producción, pero el 11 de marzo de 1939, después de un mes de filmar imágenes que Selznick y sus asociados consideraron "demasiado oscuras", fue reemplazado por Ernest Haller, que trabajó con el director de fotografía Technicolor. Ray Rennahan. Garmes completó el primer tercio de la película (casi todo antes de que Melanie tuviera el bebé) pero no recibió crédito.

La mayor parte del rodaje se realizó en "los últimos cuarenta" de Selznick International con todas las escenas de locación fotografiadas en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o el vecino condado de Ventura. Tara, la casa ficticia de la plantación sureña, existía sólo como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en el lote del estudio de Selznick. Para el incendio de Atlanta, se construyeron nuevas fachadas falsas frente a los numerosos decorados abandonados del backlot de Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los quemaron. Las fuentes de la época cifraron los costes de producción estimados en 3,85 millones de dólares, lo que la convierte en la segunda película más cara realizada hasta ese momento, después de Ben-Hur (1925) que costó más.

Aunque persiste la leyenda de que la Oficina Hays multó a Selznick con 5.000 dólares por utilizar la palabra "maldita" De hecho, en la línea de salida de Butler, la junta de la Motion Picture Association aprobó una enmienda al Código de Producción el 1 de noviembre de 1939, que prohibía el uso de las palabras "infierno" en los términos "infierno". o "maldita" excepto cuando su uso "sea esencial y requerido para representar, en el contexto histórico adecuado, cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o folclore... o una cita de una obra literaria, siempre que dicho uso no esté permitido". permitido que sea intrínsecamente objetable o que atente contra el buen gusto". Con esa enmienda, la Administración del Código de Producción no tuvo más objeciones a la línea de cierre de Rhett.

Música

Selznick eligió para componer la partitura a Max Steiner, con quien había trabajado en RKO Pictures a principios de los años 1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, acordó prestárselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la partitura, el período más prolongado que jamás había dedicado a escribir una, y con dos horas y treinta y seis minutos de duración, también fue el período más largo que jamás había escrito. Se contrataron cinco orquestadores: Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernhard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett.

La partitura se caracteriza por dos temas de amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley, aunque, en particular, no hay ningún tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó considerablemente en la música folk y patriótica, que incluía melodías de Stephen Foster como "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", &#34 ;Beautiful Dreamer", "Old Folks at Home" y "Katie Belle", que formaron la base del tema de Scarlett; Otras melodías que ocupan un lugar destacado son: "Marching Through Georgia" de Henry Clay Work, "Dixie", "Garryowen" y "The Bonnie Blue Flag." El tema que más se asocia a la película en la actualidad es la melodía que acompaña a Tara, la plantación O'Hara; a principios de la década de 1940, "El tema de Tara" formó la base musical de la canción "My Own True Love" por Mack David. En total, hay noventa y nueve piezas musicales distintas que aparecen en la partitura.

Debido a la presión de terminar a tiempo, Steiner recibió ayuda de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld para componer y, además, se tomaron dos pistas breves, de Franz Waxman y William Axt, de las partituras de la biblioteca de MGM. .

Liberación

Vista previa, estreno y lanzamiento inicial

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene, el inversor John "Jock" Whitney y el editor de cine Hal Kern viajaron a Riverside, California, para ver la vista previa de la película en el Fox Theatre. La película todavía era un montaje preliminar en esta etapa, le faltaban títulos completos y necesitaba efectos ópticos especiales. Funcionó durante cuatro horas y veinticinco minutos; Posteriormente se redujo a menos de cuatro horas para su publicación adecuada. Se proyectaba un programa doble de Hawaiian Nights y Beau Geste, pero después del primer largometraje se anunció que en lugar del segundo programa, el teatro proyectaría un avance de una próxima película sin nombre; Se informó al público que podían irse, pero que no serían readmitidos una vez que la película hubiera comenzado, ni se permitirían llamadas telefónicas una vez que el cine hubiera sido sellado. Cuando el título apareció en la pantalla, el público aplaudió y, una vez finalizada, la película recibió una gran ovación. En su biografía de Selznick, David Thomson escribió que la respuesta del público incluso antes de que comenzara la película "fue el momento más grande de la vida [de Selznick], la mayor victoria y redención de todos sus fracasos". #34;, con Selznick describiendo las tarjetas de vista previa como "probablemente la película más sorprendente que jamás haya tenido". Cuando la prensa le preguntó a Selznick a principios de septiembre cómo se sentía con respecto a la película, dijo: "Al mediodía creo que es divina, a medianoche creo que es pésima". A veces pienso que es la mejor película jamás realizada. Pero aunque sólo sea una buena imagen, estaré igualmente satisfecho".

Cerca de 300.000 personas asistieron a Atlanta para el estreno de la película en el Loew's Grand Theatre el 15 de diciembre de 1939. Fue el clímax de tres días de festividades organizadas por el alcalde William B. Hartsfield, que incluyó un desfile de limusinas con estrellas de la película, recepciones, miles de banderas confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers, gobernadora de Georgia, declaró el 15 de diciembre feriado estatal. Se estima que 300.000 residentes y visitantes de Atlanta se alinearon en las calles a lo largo de siete millas para ver la procesión de limusinas que traían estrellas desde el aeropuerto. Sólo Leslie Howard y Victor Fleming decidieron no asistir: Howard había regresado a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y Fleming se había peleado con Selznick y se negó a asistir a ninguno de los estrenos. Hattie McDaniel también estuvo ausente, ya que a ella y a los demás miembros negros del elenco se les impidió asistir al estreno debido a las leyes Jim Crow de Georgia, que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que a McDaniel se le había prohibido asistir al estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel lo convenció para que asistiera. El presidente Jimmy Carter lo recordó más tarde como "el mayor acontecimiento ocurrido en el Sur en mi vida". Siguieron estrenos en Nueva York y Los Ángeles, a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido consideradas para el papel de Scarlett, entre ellas Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford.

Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película se exhibió únicamente en espectáculos itinerantes con entradas anticipadas en un número limitado de salas y a precios superiores a 1 dólar (más del doble del precio de un largometraje normal de estreno), y MGM obtuvo una recaudación sin precedentes. el 70 por ciento de los ingresos de taquilla, a diferencia del típico 30-35 por ciento del período. Después de alcanzar la saturación como espectáculo itinerante, MGM revisó sus condiciones con un recorte del 50 por ciento y redujo los precios a la mitad antes de que finalmente entrara en estreno general en 1941 a precios "populares". precios. Incluyendo los costos de distribución y publicidad, el gasto total en la película ascendió a 7 millones de dólares.

Comunicados posteriores

En 1942, Selznick liquidó su empresa por motivos fiscales y vendió su participación en Lo que el viento se llevó a su socio comercial, John Whitney, por 500.000 dólares. A su vez, Whitney lo vendió a MGM por 2,8 millones de dólares; por tanto, el estudio era propietario absoluto de la película. MGM relanzó inmediatamente la película en la primavera de 1942, y nuevamente en 1947 y 1954. La reedición de 1954 fue la primera vez que la película se mostró en pantalla ancha, comprometiendo la proporción original de la Academia y recortando la parte superior e inferior a una proporción de aspecto de 1,75:1. Al hacerlo, varias tomas fueron reencuadradas ópticamente y cortadas en negativos de cámara de tres tiras, alterando para siempre cinco tomas de la película.

Un estreno de la película en 1961 conmemoró el centenario del inicio de la Guerra Civil y también incluyó un "estreno" en el Gran Teatro de Loew. Asistieron Selznick y muchas otras estrellas de la película, entre ellas Vivien Leigh y Olivia de Havilland; Clark Gable había muerto el año anterior. Para su relanzamiento en 1967, la película se amplió a 70 mm y se publicó con un póster actualizado que mostraba a Gable, con su camisa blanca rasgada y abierta, sosteniendo a Leigh contra un fondo de llamas anaranjadas. Hubo más reediciones en 1971, 1974 y 1989; Para la reedición del cincuentenario en 1989, se le realizó una restauración completa de audio y vídeo. Se estrenó en los cines una vez más en Estados Unidos, en 1998, por New Line Cinema, propiedad de Time Warner.

En 2013, se lanzó una restauración digital 4K en el Reino Unido para coincidir con el centenario de Vivien Leigh. En 2014, se programaron proyecciones especiales durante dos días en cines de todo Estados Unidos para coincidir con el 75 aniversario de la película.

Se reestrenó en cines durante tres días, el 7, 8 y 10 de abril de 2024, para celebrar el 85 aniversario de su lanzamiento original.

Televisión y medios de comunicación

La película recibió su estreno de televisión estadounidense en la red de cable HBO el 11 de junio de 1976, y jugó en el canal catorce veces durante todo el resto del mes. Otros canales de cable también emitieron la película durante junio. Hizo su debut en la televisión de la red en noviembre de ese año; la NBC pagó $5 millones por una emisión única, y se transmitió en dos partes en tardes sucesivas. En ese momento se convirtió en el programa de televisión más alto jamás presentado en una sola red, observada por el 47,5% de los hogares muestreados en América, y el 65 por ciento de los televidentes, sigue siendo el récord de la película más alta para que pueda salir en televisión.

En 1978, CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para emitir la película veinte veces durante otros tantos años. Turner Entertainment adquirió la filmoteca de MGM en 1986, pero el acuerdo no incluía los derechos televisivos de Lo que el viento se llevó, que todavía estaban en manos de CBS. Se llegó a un acuerdo por el cual los derechos fueron devueltos a Turner Entertainment y se ampliaron los derechos de transmisión de CBS de El mago de Oz. La película se utilizó para lanzar dos canales de cable propiedad de Turner Broadcasting System: Turner Network Television (1988) y Turner Classic Movies (1994).

La película debutó en videocasete en marzo de 1985, donde ocupó el segundo lugar en las listas de ventas, y desde entonces se ha lanzado en formatos DVD y Blu-ray Disc.

Recepción

Respuesta crítica

Tras su lanzamiento, las revistas y periódicos para consumidores generalmente dieron excelentes críticas a Lo que el viento se llevó; sin embargo, si bien sus valores de producción, logros técnicos y escala de ambición fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época encontraron la película demasiado larga y dramáticamente poco convincente. Frank S. Nugent para The New York Times resumió mejor el sentimiento general al reconocer que, si bien fue la producción cinematográfica más ambiciosa realizada hasta ese momento, probablemente no fue la mejor película jamás realizada, pero sin embargo, le pareció una "historia interesante bellamente contada". Franz Hoellering de The Nation opina lo mismo: "El resultado es una película que es un acontecimiento importante en la historia de la industria, pero sólo un logro menor en el arte cinematográfico. Hay momentos en los que las dos categorías se encuentran en buenos términos, pero los largos intervalos entre ellas están llenos de una eficacia espectacular."

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la novela, este aspecto también fue señalado como el factor principal que contribuyó a la larga duración. John C. Flinn escribió para Variety que Selznick se había "dejado demasiado" y que, como entretenimiento, la película se habría beneficiado si las escenas y los diálogos repetitivos de la última parte de la película se hubieran beneficiado. La historia había sido recortada. The Manchester Guardian consideró que el único inconveniente grave de la película era que la historia carecía de la calidad épica para justificar el gasto de tiempo y encontró la segunda mitad, que se centra en la vida de Scarlett. #34;matrimonios irrelevantes" y "disputas domésticas", en su mayoría superfluas, y la única razón para su inclusión había sido "simplemente porque Margaret Mitchell lo escribió de esa manera". The Guardian creía que si "la historia se hubiera acortado y ordenado en el punto marcado por el intervalo, y si el drama personal se hubiera subordinado a un tratamiento cinematográfico del tema central —el colapso y la devastación del Viejo Sur—entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una película realmente genial". Asimismo, Hoellering también encontró que la segunda mitad de la película era más débil que la primera: identificando la Guerra Civil como la fuerza impulsora de la primera parte mientras que los personajes dominan en la segunda parte, concluyó que ahí es donde radica el principal defecto de la película miente, comentando que "los personajes por sí solos no son suficientes". A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era convincente y que el "desarrollo psicológico" había sido descuidado.

Gran parte de los elogios se reservaron para el casting, y Vivien Leigh, en particular, fue destacada por su interpretación de Scarlett. Nugent la describió como el "eje del panorama" y creía que estaba "tan perfectamente diseñada para el papel por el arte y la naturaleza que cualquier otra actriz en el papel sería inconcebible". Del mismo modo, Hoellering encontró su estilo "perfecto" en "apariencia y movimientos"; sintió que ella actuaba mejor cuando se le permitía "acentuar la doble personalidad que retrata" y pensó que era particularmente efectiva en momentos de caracterización como la mañana después de la escena de la violación conyugal. Flinn también encontró que Leigh era adecuada físicamente para el papel y sintió que era mejor en las escenas en las que muestra coraje y determinación, como la fuga de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui. Leigh ganó en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1939. De la interpretación de Clark Gable como Rhett Butler, Flinn consideró que la caracterización era "lo más cercana a la concepción de la señorita Mitchell (y a la del público) como podría imaginarse", una visión con lo que Nugent estuvo de acuerdo, aunque Hoellering sintió que Gable no convenció del todo en las escenas finales, cuando Rhett abandona a Scarlett disgustado. De los otros miembros principales del reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron que Leslie Howard era "convincente"; como Ashley, de voluntad débil, y Flinn identifica a Olivia de Havilland como una figura "destacada"; como Melanie; Nugent también quedó especialmente cautivado con la actuación de De Havilland, y la describió como una "joya de caracterización elegante, digna y tierna". La interpretación de Hattie McDaniel como Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent creía que dio la mejor interpretación en la película después de Vivien Leigh, y Flinn la colocó en tercer lugar después de las actuaciones de Leigh y Gable. .

Premios de la Academia

En la 12ª edición de los Premios de la Academia, Lo que el viento se llevó estableció un récord de premios y nominaciones al Premio de la Academia, ganando en ocho de las categorías competitivas en las que fue nominado, de un total de trece nominaciones. Ganó los premios a Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística y Mejor Montaje, y recibió dos premios honoríficos más por su uso del equipo y el color (también se convirtió en el primer premio en color). película para ganar Mejor Película).

El récord de la película de ocho victorias competitivas se mantuvo hasta que Gigi (1958) ganó nueve, y su récord general de diez lo superó Ben-Hur ( 1959) que ganó once. Lo que el viento se llevó también ostentaba el récord de más nominaciones hasta que Eva al desnudo (1950) consiguió catorce. Fue la película sonora estadounidense más larga realizada hasta ese momento y aún puede ostentar el récord de ganadora de Mejor Película por mayor duración dependiendo de cómo se interprete. La duración de Lo que el viento se llevó es de poco menos de 221 minutos, mientras que Lawrence of Arabia (1962) dura poco más de 222 minutos; sin embargo, incluyendo la música de obertura, intermedio, entrada y salida, Lo que el viento se llevó dura 234 minutos (aunque algunas fuentes sitúan su duración total en 238 minutos), mientras que Lawrence of Arabia es un poco más corto, 232 minutos, con sus componentes adicionales.

Hattie McDaniel se convirtió en la primera afroamericana en ganar un Premio de la Academia, superando a su coprotagonista Olivia de Havilland, quien también fue nominada en la misma categoría, pero fue segregada racialmente de sus compañeros de reparto en la ceremonia de premiación en el Cocotero; ella y su escolta fueron obligados a sentarse en una mesa separada al fondo de la habitación. Mientras tanto, el guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo del Oscar y Selznick recibió personalmente el premio Irving G. Thalberg Memorial por sus logros profesionales.

Reacciones de los afroamericanos

Los comentaristas negros han criticado la película desde su estreno por su descripción de los negros y su "blanqueo" de la cuestión de la esclavitud. Aún así, inicialmente los periódicos controlados por estadounidenses blancos no informaron sobre estas críticas. Carlton Moss, un dramaturgo negro, observó en una carta abierta que mientras El nacimiento de una nación era un "ataque frontal a la historia estadounidense y al pueblo negro", Gone with el Viento fue un "ataque por la retaguardia al mismo". Continuó caracterizándolo como una "súplica nostálgica de simpatía por una causa aún viva de la reacción del Sur". Moss destacó además las caracterizaciones estereotipadas de los negros, como el "Pork holgazán y tonto", el "Prissy indolente y completamente irresponsable", el Big Sam "s" y el "Cerdo indolente y completamente irresponsable". aceptación radiante de la esclavitud", y Mammy con su "constante arenga y cariño por cada deseo de Scarlett". De manera similar, Melvin B. Tolson, poeta y educador, escribió que "El nacimiento de una nación era una mentira tan descarada que un imbécil podría ver a través de ella. Lo que el viento se llevó es una mentira tan sutil que millones de blancos y negros por igual la tragarán como verdad."

Tras la victoria de Hattie McDaniel en el Oscar, Walter Francis White, líder de la Asociación Nacional para el Progreso de las Personas de Color, la acusó de ser un Tío Tom. McDaniel respondió que "preferiría ganar setecientos dólares a la semana interpretando a una criada que siete dólares siendo una"; Además, cuestionó la calificación de White para hablar en nombre de los negros, ya que era de piel clara y sólo un octavo de negro.

La opinión en la comunidad negra estuvo generalmente dividida tras su estreno, y algunos calificaron la película como "arma de terror contra la América negra" y un insulto al público negro, y se llevaron a cabo manifestaciones en varias ciudades. Malcolm X recordó más tarde que "cuando Butterfly McQueen entró en su acto, sentí ganas de esconderme debajo de la alfombra". Aun así, algunos sectores de la comunidad negra reconocieron los logros de McDaniel como representativos del progreso: algunos afroamericanos cruzaron los piquetes y elogiaron la caracterización cálida e ingeniosa de McDaniel, y otros esperaban que la industria se recuperara. El reconocimiento de su trabajo daría lugar a una mayor visibilidad en la pantalla para otros actores negros. En su felicitación editorial a McDaniel por ganar su Premio de la Academia, Opportunity: A Journal of Negro Life utilizó la película como un recordatorio del "límite" revestido de aspiración negra por viejos prejuicios.

Respuesta de la audiencia

Tras su lanzamiento, Lo que el viento se llevó batió récords de asistencia en todas partes. Sólo en el Capitol Theatre de Nueva York, obtuvo una media de once mil entradas diarias a finales de diciembre, y en los cuatro años siguientes a su estreno había vendido unas sesenta millones de entradas en todo Estados Unidos, ventas equivalentes a poco menos de la mitad de la población de la época. . Repitió su éxito en el extranjero y fue un éxito sensacional durante el Blitz en Londres, se inauguró en abril de 1940 y estuvo en cartelera durante cuatro años. Cuando MGM la retiró de la circulación, a finales de 1943, su distribución mundial había arrojado un alquiler bruto (la parte del estudio en taquilla) de 32 millones de dólares, lo que la convertía en la película más rentable jamás realizada. hasta ese punto. Finalmente se estrenó en Japón en septiembre de 1952 y se convirtió en la película extranjera más taquillera allí.

Aunque ganó a sus inversores aproximadamente el doble que el récord anterior, El nacimiento de una nación, los resultados de taquilla de las dos películas probablemente estuvieron mucho más cerca. La mayor parte de las ganancias de Lo que el viento se llevó provino de su gira y de sus estrenos, donde el distribuidor recibió el 70 por ciento y el 50 por ciento de la taquilla bruta, respectivamente, en lugar de su estreno general. , que en ese momento normalmente consideraba que la participación del distribuidor se fijaba entre el 30 y el 35 por ciento del bruto. En el caso de El nacimiento de una nación, su distribuidor, Epoch, vendió muchos de sus territorios de distribución en un acuerdo de "derechos estatales" base, que normalmente ascendía al 10 por ciento de la taquilla bruta, y las cuentas de Epoch sólo son indicativas de sus propias ganancias de la película, y no de los distribuidores locales. Carl E. Milliken, secretario de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas, estimó que El nacimiento de una nación había sido visto por cincuenta millones de personas en 1930.

Cuando se relanzó en 1947, obtuvo un alquiler de 5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y fue uno de los diez estrenos más importantes del año. Los relanzamientos exitosos en 1954 y 1961 le permitieron mantener su posición como la película con mayores ingresos de la industria, a pesar de los importantes desafíos de películas más recientes como Ben-Hur, pero finalmente fue superada por El sonido de la música en 1966.

La reedición de 1967 fue inusual porque MGM decidió realizar una exhibición itinerante, lo que la convirtió en la reedición más exitosa en la historia de la industria. Generó una taquilla bruta de 68 millones de dólares, lo que la convierte en la película más lucrativa de MGM después de Doctor Zhivago de la segunda mitad de la década. MGM obtuvo un alquiler de 41 millones de dólares por el estreno, y la participación de Estados Unidos y Canadá ascendió a más de 30 millones de dólares, lo que la sitúa en segundo lugar después de The Graduate ese año. Incluyendo el alquiler de 6,7 millones de dólares de la reedición de 1961, fue el cuarto con mayores ingresos de la década en el mercado norteamericano, sólo superado por The Sound of Music, The Graduate y Doctor Zhivago ganando más para sus distribuidores. Una nueva reedición en 1971 le permitió recuperar brevemente el disco de The Sound of Music, con lo que su alquiler bruto total en todo el mundo ascendió a unos 116 millones de dólares a finales de 1971, más del triple de sus ganancias de su lanzamiento inicial, antes de perder el disco nuevamente al año siguiente ante The Godfather.

Entre todos los estrenos, se estima que Lo que el viento se llevó ha vendido más de 200 millones de entradas en Estados Unidos y Canadá, generando más entradas a las salas de cine en ese territorio que cualquier otra película. La película también tuvo un éxito fenomenal en Europa Occidental, generando aproximadamente 35 millones de entradas en el Reino Unido y más de 16 millones en Francia, convirtiéndose respectivamente en la película con mayor y sexta mayor venta de entradas en esos mercados. El atractivo de la película ha perdurado en el extranjero, manteniendo una popularidad similar a su longevidad en el país; en 1975 se presentó al máximo de su capacidad todas las noches durante las tres primeras semanas de su presentación en el Teatro Plaza 2 de Londres, y en Japón generó más de medio millón de entradas en veinte salas durante cinco semanas. En total, Lo que el viento se llevó ha recaudado más de 390 millones de dólares en taquilla a nivel mundial; en 2007, Turner Entertainment estimó que el ingreso bruto equivalía aproximadamente a 3.300 millones de dólares cuando se ajustaba la inflación a los precios actuales; Guinness World Records alcanzó una cifra de 3.440 millones de dólares en 2014, lo que la convierte en la película más exitosa de la historia del cine.

La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI, habiendo sido votada como la película más popular en dos encuestas a nivel nacional entre estadounidenses realizadas por Harris Interactive en 2008, y nuevamente en 2014. La firma de investigación de mercado encuestó a más de dos mil adultos estadounidenses. , con los resultados ponderados por edad, sexo, raza/etnia, educación, región e ingresos del hogar, de modo que sus proporciones coincidieran con la composición de la población adulta.

Reevaluación crítica

Al revisar la película en la década de 1970, Arthur M. Schlesinger Jr. creía que las películas de Hollywood generalmente envejecen bien, revelando una profundidad o integridad inesperadas, pero en el caso de Lo que el viento se llevó el tiempo ha cambiado. No lo trató amablemente. Richard Schickel argumentó que una medida de la calidad de una película es preguntar al espectador qué puede recordar de ella, y la película fracasa en este sentido: imágenes y diálogos inolvidables simplemente no están presentes. Stanley Kauffmann, de la misma manera, también consideró que la película era una experiencia en gran medida olvidable, afirmando que sólo podía recordar vívidamente dos escenas. Tanto Schickel como Schlesinger atribuyeron esto a que estaba "mal escrito", y a su vez describieron el diálogo como "florido". y poseer una "foto postal" sensibilidad. Schickel también cree que la película fracasa como arte popular porque tiene un valor limitado para volver a verla, un sentimiento con el que Kauffmann también está de acuerdo, afirmando que después de haberla visto dos veces espera "no volver a verla nunca más: dos veces es el doble que cualquiera". necesidades de toda la vida". Tanto Schickel como Andrew Sarris identifican que el principal defecto de la película es poseer una sensibilidad de productor más que artística: después de haber pasado por tantos directores y escritores, la película no transmite una sensación de ser "real". ;creado" o "dirigida", sino más bien haber surgido "humorante de una cocina abarrotada", donde la principal fuerza creativa era la obsesión del productor por hacer la película tan literalmente fiel a la novela como sea posible.

Sarris admite que, a pesar de sus fallos artísticos, la película tiene un mandato en todo el mundo como "el entretenimiento más querido jamás producido". Judith Crist observa que, kitsch aparte, la película sigue siendo "sin duda la mejor y más duradera pieza de entretenimiento popular que ha salido de las cadenas de montaje de Hollywood", producto de un showman con "gusto y inteligencia". Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un carácter "amplio y vigoroso"; que aspiran a su tema épico, pero coinciden con las críticas a la vida personal que toma el control en la segunda mitad, y cómo termina perdiendo su tema en un sentimentalismo poco convincente. Kauffmann también encuentra interesantes paralelismos con El Padrino, que acababa de sustituir a Lo que el viento se llevó como la película más taquillera de la época: ambas fueron producidas a partir de "ultra- americano" Las novelas más vendidas, ambas viven dentro de códigos de honor románticos y ambas, en esencia, ofrecen fabricación cultural o revisionismo.

La percepción crítica de la película ha cambiado en los años transcurridos, lo que la llevó a ocupar el puesto 235 en Sight & La prestigiosa encuesta decenal de críticos de Sound en 2012, y en 2015, sesenta y dos críticos de cine internacionales encuestados La BBC la votó como la 97ª mejor película estadounidense.

Reconocimiento de la industria

La película ha aparecido en varias encuestas de la industria de alto perfil. En 1977, el American Film Institute (AFI) la votó como la película más popular en una encuesta entre los miembros de la organización; El AFI también clasificó a la película en cuarto lugar en su lista de las "100 mejores películas" en 1998, y descendió al sexto lugar en la edición del décimo aniversario en 2007. Los directores de cine lo clasificaron en el puesto 322 en la edición de 2012 del certamen decenal Sight & Sound, y en 2016 fue seleccionado como el noveno mejor "logro como director" en una encuesta de miembros del Directors Guild of America. En 2014, ocupó el puesto decimoquinto en una extensa encuesta realizada por The Hollywood Reporter, que revisó todos los estudios, agencias, empresas de publicidad y productoras de la región de Hollywood.

Lo que el viento se llevó fue una de las veinticinco películas inaugurales seleccionadas para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1989 por ser "cultural, históricamente, o estéticamente significativo".

Análisis y controversias

Retrato histórico

Lo que el viento se llevó ha sido criticado por haber perpetuado los mitos de la Guerra Civil y los estereotipos negros. David Reynolds escribió que “las mujeres blancas son elegantes, sus hombres son nobles o al menos apuestos”. Y, en el fondo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y contentos, claramente incapaces de una existencia independiente." Reynolds comparó Lo que el viento se llevó con El nacimiento de una nación y otras reimaginaciones del Sur durante la era de la segregación, en la que los sureños blancos son retratados como defensores de valores tradicionales. , y la cuestión de la esclavitud se ignora en gran medida. La película ha sido descrita como una "regresión" que promueve tanto el mito del violador negro como el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción, y como "propaganda social" película que ofrece un "supremacista blanco" vista del pasado.

De 1972 a 1996, la Sociedad Histórica de Atlanta celebró varias exposiciones de Lo que el viento se llevó, entre ellas una exposición de 1994 titulada "Territorios en disputa: Lo que el viento se llevó y Mitos del Sur". Una de las preguntas que exploró la exposición fue "¿Cuán fieles a la vida eran los esclavos en GWTW?" Esta sección mostró que las experiencias de los esclavos eran diversas y, como resultado, concluyó que el "negro feliz" Era un mito, al igual que la creencia de que todos los esclavos experimentaban violencia y brutalidad.

W. Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que a pesar de las imprecisiones fácticas al describir el período de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó refleja interpretaciones contemporáneas que eran comunes a principios del siglo XX. Uno de esos puntos de vista se refleja en una breve escena en la que Mammy se defiende de un liberto que mira lascivamente: se puede escuchar a un político ofreciendo cuarenta acres y una mula a los esclavos emancipados a cambio de sus votos. Se entiende que la inferencia significa que los libertos ignoran la política y no están preparados para la libertad, convirtiéndose sin darse cuenta en herramientas de funcionarios corruptos de la Reconstrucción. Si bien perpetúa algunos mitos de la Causa Perdida, la película hace concesiones con respecto a otros. Después del ataque a Scarlett en el barrio de chabolas, un grupo de hombres, incluido el marido de Scarlett, Frank, Rhett Butler y Ashley, asaltan el pueblo; En la novela, pertenecen al Ku Klux Klan, lo que representa el tropo común de proteger la virtud de la mujer blanca, pero los realizadores neutralizan conscientemente la presencia del Klan en la película simplemente refiriéndose a él como "un grupo". ;reunión política".

Thomas Cripps razona que, en algunos aspectos, la película socava los estereotipos raciales; En particular, la película generó un mayor compromiso entre Hollywood y el público negro, con docenas de películas que hicieron pequeños gestos en reconocimiento a la tendencia emergente. Sólo unas pocas semanas después de su publicación inicial, un editor de historias de Warner escribió un memorando a Walter Wanger sobre Mississippi Belle, un guión que contenía los peores excesos de las películas de plantaciones, sugiriendo que Lo que se llevó el Wind había hecho que la película fuera "improducible". Más que cualquier película desde El nacimiento de una nación, desató una variedad de fuerzas sociales que presagiaban una alianza de liberales blancos y negros que alentaron la expectativa de que los negros algún día alcanzarían la igualdad. Según Cripps, la película acabó convirtiéndose en un modelo para medir el cambio social.

Reevaluación del siglo XXI

En el siglo XXI, las críticas a las representaciones de la raza y la esclavitud en la película limitaron su disponibilidad. En 2017, Lo que el viento se llevó fue retirado de la programación del Orpheum Theatre de Memphis, Tennessee, después de 34 años de proyecciones anuales. El 9 de junio de 2020, la película fue eliminada de HBO Max en respuesta a un artículo de opinión escrito por el guionista John Ridley que se publicó en la edición de ese día del Los Angeles Times, que pidió al servicio de transmisión que eliminara temporalmente la película de su biblioteca de contenidos. Escribió que "continúa dando cobertura a quienes afirman falsamente que aferrarse a la iconografía de la era de las plantaciones es una cuestión de "herencia, no de odio". Un portavoz de HBO Max dijo que la película era "un producto de su época" y, como resultado, representaba "prejuicios étnicos y raciales" que "estuvieron equivocados entonces y están equivocados hoy". También se anunció que la película regresaría al servicio de streaming en una fecha posterior, aunque incorporaría "una discusión sobre su contexto histórico y una denuncia de esas mismas representaciones, pero se presentará tal como fue creada originalmente porque hacer lo contrario sería lo mismo que afirmar que estos prejuicios nunca existieron. Si queremos crear un futuro más justo, equitativo e inclusivo, primero debemos reconocer y comprender nuestra historia."

La eliminación de la película provocó un debate sobre la corrección política que iba demasiado lejos, y críticos de cine e historiadores criticaron a HBO por ejercer censura. Tras su retirada, la película alcanzó la cima de la lista de ventas de películas y televisión más vendidas de Amazon, y el quinto lugar en la lista de películas de la iTunes Store de Apple. HBO Max devolvió la película a su servicio a finales de ese mes, con una nueva introducción de Jacqueline Stewart. Stewart describió la película, en un artículo de opinión para CNN, como "un texto primordial para examinar las expresiones de la supremacía blanca en la cultura popular", y dijo que "es precisamente debido a la actual y dolorosa patrones de injusticia racial y desprecio por las vidas de los negros que Lo que el viento se llevó deberían permanecer en circulación y disponibles para su visualización, análisis y debate." Describió la controversia como "una oportunidad para pensar en lo que las películas clásicas pueden enseñarnos".

En un mitin político en febrero de 2020, el presidente Donald Trump criticó la 92ª ceremonia de los Premios de la Academia, afirmando que Lo que el viento se llevó y Sunset Boulevard (1950) eran más merecedoras del premio a la Mejor Película que la ganadora de ese año, la película surcoreana Parasite. Sus comentarios provocaron comentarios de los críticos, y un escritor de la revista Entropy opinó que habían provocado una reacción violenta de expertos de todo el espectro político en las redes sociales.

Representación de la violación conyugal

Una de las escenas más notorias y ampliamente condenadas de Lo que el viento se llevó representa lo que ahora se define legalmente como "violación conyugal". La escena comienza con Scarlett y Rhett al pie de la escalera, donde él comienza a besarla, negándose a que le digan 'no'. por la luchadora Scarlett; Rhett ignora su resistencia, la regaña y la lleva escaleras arriba hasta el dormitorio, donde el público no tiene dudas de que "obtendrá lo que se merece". La siguiente escena, a la mañana siguiente, muestra a Scarlett brillando con una satisfacción sexual apenas reprimida; Rhett se disculpa por su comportamiento y le echa la culpa a su forma de beber. La escena ha sido acusada de combinar romance y violación al hacerlos indistinguibles entre sí, y de reforzar una noción sobre el sexo forzado: que las mujeres lo disfrutan en secreto y que es una forma aceptable para un hombre de tratar a su esposa.

La crítica de cine Molly Haskell ha argumentado que, sin embargo, para las mujeres que no critican la escena, en general es consistente con lo que tienen en mente si fantasean con ser violadas. Sus fantasías giran en torno al amor y el romance más que al sexo forzado; Asumirán que Scarlett no era una pareja sexual involuntaria y quería que Rhett tomara la iniciativa e insistiera en tener relaciones sexuales.

Legado

En la cultura popular

Lo que el viento se llevó y su producción han sido referenciados, satirizados, dramatizados y analizados explícitamente en numerosas ocasiones a través de una variedad de medios, desde obras contemporáneas como Second Fiddle—una película de 1939 que simula la "búsqueda de Scarlett"—hasta programas de televisión actuales, como Los Simpson. The Scarlett O'Hara War (una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett), Moonlight and Magnolias (una obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza a Ben Hecht) ;la reescritura del guión que duró cinco días) y "¡Se llevó el viento!" (un boceto de The Carol Burnett Show que parodiaba la película después de su debut televisivo en 1976) se encuentran entre los ejemplos más notables de su presencia duradera en la cultura popular. También fue el tema de un documental de 1988, The Making of a Legend: Lo que el viento se llevó, que detalla la difícil historia de producción de la película. En 1990, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello que mostraba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazados en una escena de la película. En 2003, Leigh y Gable (como Scarlett y Rhett) ocuparon el puesto 95 en la lista de VH1 de los "200 mayores iconos de la cultura pop de todos los tiempos".

Secuela

Tras la publicación de su novela, Margaret Mitchell se vio inundada de solicitudes para una secuela, pero afirmó no tener idea de lo que les pasó a Scarlett y Rhett y, como resultado, los había "dejado en paz". su destino final". Hasta su muerte en 1949, Mitchell continuó resistiendo la presión de Selznick y MGM para escribir una secuela. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell (quien asumió el control de su patrimonio), autorizó una secuela que sería producida conjuntamente por MGM y Universal Studios con un presupuesto de 12 millones de dólares. Anne Edwards recibió el encargo de escribir la secuela como novela, que luego se adaptaría a un guión y se publicaría junto con el estreno de la película. Edwards presentó un manuscrito de 775 páginas titulado Tara, la continuación de Lo que el viento se llevó, ambientado entre 1872 y 1882 y centrado en el divorcio de Scarlett de Rhett; MGM no quedó satisfecha con la historia y el trato fracasó.

La idea revivió en la década de 1990 cuando finalmente se produjo una secuela en 1994 en forma de miniserie de televisión. Scarlett se basó en la novela de Alexandra Ripley, que a su vez es una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton fueron elegidos para interpretar a Scarlett y Rhett, y la serie sigue el traslado de Scarlett a Irlanda después de que Rhett vuelve a quedar embarazada.

Notas explicativas