Libro de historietas

Un libro de historietas, también llamado cómic, revista de historietas o simplemente historieta, es una publicación que consiste en arte de historietas en forma de paneles yuxtapuestos secuenciales que representan escenas individuales. Los paneles a menudo van acompañados de prosa descriptiva y narrativa escrita, por lo general, diálogo contenido en globos de palabras emblemáticos de la forma de arte de los cómics. Aunque los cómics tienen algunos orígenes en el siglo XVIII en el este de Asia, los libros de historietas se popularizaron por primera vez en los Estados Unidos y el Reino Unido durante la década de 1930. El primer cómic moderno, Famous Funnies, fue lanzado en los EE. UU. en 1933 y fue una reimpresión de tiras cómicas de humor de periódicos anteriores, que habían establecido muchos de los recursos narrativos utilizados en los cómics. El término cómic deriva de los cómics estadounidenses que alguna vez fueron una compilación de tiras cómicas de tono humorístico; sin embargo, esta práctica fue reemplazada por historias de todos los géneros, generalmente sin un tono humorístico.

El mayor mercado de cómics es Japón. Para 1995, el mercado del manga en Japón estaba valorado en 586,4 mil millones de yenes (6 a 7 mil millones de dólares), con ventas anuales de 1,9 mil millones de libros de manga (volúmenes de tankōbon y revistas de manga) en Japón, equivalente a 15 números por persona. En 2020, el mercado del manga en Japón alcanzó un nuevo valor récord de 612 500 millones de yenes debido al rápido crecimiento de las ventas de manga digital, así como al aumento de las ventas impresas. El mercado de los cómics en los Estados Unidos y Canadá se valoró en 1090 millones de dólares en 2016. A partir de finales de la década de 2010, el manga comenzó a venderse masivamente más que los cómics estadounidenses. A partir de 2017, la editorial de cómics más grande de los Estados Unidos es la distribuidora de manga Viz Media, seguida por DC Comics y Marvel Comics. Las categorías de cómics más vendidas en los EE. UU. a partir de 2019 son ficción infantil juvenil con un 41 %, manga con un 28 % y cómics de superhéroes con un 10 % del mercado. Otro importante mercado de cómics es Francia, donde los cómics franco-belgas y el manga japonés representan cada uno el 40 % del mercado, seguidos por los cómics estadounidenses con una cuota de mercado del 10 %.

Estructura

Los cómics dependen de su organización y apariencia. Los autores se centran en gran medida en el marco de la página, el tamaño, la orientación y las posiciones del panel. Estos aspectos característicos de los cómics son necesarios para transmitir el contenido y los mensajes del autor. Los elementos clave de los cómics incluyen paneles, globos (burbujas de diálogo), texto (líneas) y personajes. Los globos suelen ser contenedores espaciales convexos de información que se relacionan con un personaje mediante un elemento de cola. La cola tiene un origen, trayectoria, punta y dirección puntiaguda. Las tareas clave en la creación de cómics son escribir, dibujar y colorear. Hay muchas fórmulas tecnológicas que se utilizan para crear cómics, incluidas direcciones, ejes, datos y métricas. Después de estos procedimientos clave de formato está la escritura, el dibujo y el coloreado.En los Estados Unidos, el término cómic se usa generalmente para publicaciones periódicas de cómics y libros de bolsillo comerciales, mientras que novela gráfica es el término que se usa para libros independientes.

Cómics americanos

Los cómics como medio impreso han existido en los Estados Unidos desde la impresión de Las aventuras del Sr. Obadiah Oldbuck en 1842 en tapa dura, lo que lo convierte en el primer prototipo de cómic estadounidense conocido. Las publicaciones periódicas de proto-cómics comenzaron a aparecer a principios del siglo XX, y el primer cómic de tamaño estándar fue Funnies on Parade. Funnies on Parades fue el primer libro que estableció el tamaño, la duración y el formato del cómic moderno. A esto siguió, Famous Funnies: A Carnival of Comics de 36 páginas de Dell Publishing como el primer cómic estadounidense verdadero en el puesto de periódicos; Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la publicación de revistas".En 1905, GW Dillingham Company publicó 24 tiras seleccionadas del dibujante Gustave Verbeek en un libro de antología llamado 'The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo'. La introducción del Superman de Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938 convirtió las historietas en una industria importante y marcó el comienzo de la Edad de Oro de las historietas. La Edad de Oro originó el arquetipo del superhéroe. Según el historiador Michael A. Amundson, los atractivos personajes de los cómics ayudaron a aliviar el miedo de los lectores jóvenes a la guerra nuclear y neutralizaron la ansiedad sobre las cuestiones planteadas por la energía atómica.

Los historiadores generalmente dividen la línea de tiempo del cómic estadounidense en eras. La edad de oro de los cómics comenzó en 1938, con el debut de Superman en Action Comics #1, publicado por Detective Comics (predecesor de DC Comics), que generalmente se considera el comienzo del cómic moderno tal como se conoce hoy. En general, se considera que la Edad de Plata de los cómics data del primer renacimiento exitoso de la forma de superhéroe entonces inactiva, con el debut de Flash en Showcase # 4 (octubre de 1956).La Edad de Plata duró hasta finales de la década de 1960 o principios de la de 1970, tiempo durante el cual Marvel Comics revolucionó el medio con superhéroes tan naturalistas como Stan Lee y Jack Kirby's Fantastic Four y Lee y Steve Ditko's Spider-Man. La demarcación entre la Edad de Plata y la era siguiente, la Edad de Bronce de los cómics, está menos definida, y la Edad de Bronce se extiende desde principios de la década de 1970 hasta mediados de la de 1980. La era moderna de los cómics se extiende desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.

Un evento notable en la historia del cómic estadounidense se produjo con las críticas del psiquiatra Fredric Wertham al medio en su libro Seduction of the Innocent (1954), que llevó al Subcomité del Senado estadounidense sobre Delincuencia Juvenil a investigar los cómics. Wertham afirmó que los cómics eran responsables de un aumento de la delincuencia juvenil, así como de una posible influencia en la sexualidad y la moral de los niños. En respuesta a la atención del gobierno y de los medios de comunicación, la industria del cómic estadounidense creó la Asociación de Revistas de Cómics de América.La CMAA inculcó la Autoridad del Código de Historietas en 1954 y redactó el Código de Historietas de autocensura ese año, que requería que todas las historietas pasaran por un proceso de aprobación. No fue hasta la década de 1970 que se pudieron publicar cómics sin pasar por la inspección de la CMAA. El Código quedó formalmente extinto en noviembre de 2011.

Cómics clandestinos

A fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, surgió una oleada de creatividad en lo que se conoció como cómics clandestinos. Publicados y distribuidos independientemente de la industria de cómics establecida, la mayoría de estos cómics reflejaban la contracultura juvenil y la cultura de las drogas de la época. Cómic subterráneo "reflejó y comentó sobre las divisiones sociales y las tensiones de la sociedad estadounidense".Muchos tenían un estilo desinhibido, a menudo irreverente; sus francas representaciones de desnudez, sexo, blasfemias y política no tenían paralelo fuera de sus precursores, las "biblias de Tijuana" pornográficas e incluso más oscuras. Los cómics clandestinos casi nunca se vendían en los quioscos, sino en puntos de venta orientados a los jóvenes, como tiendas de artículos de tocador y tiendas de discos, así como por correo. Los cómics clandestinos alentaron a los creadores a publicar su trabajo de forma independiente para que tuvieran todos los derechos de propiedad sobre sus personajes.

Las aventuras de Jesús de Frank Stack, publicado bajo el nombre de Foolbert Sturgeon, ha sido acreditado como el primer cómic clandestino; mientras que R. Crumb y el equipo de dibujantes que trabajaron en Zap Comix popularizaron la forma.

Cómics alternativos

El auge de las tiendas especializadas en cómics a fines de la década de 1970 creó / fue paralelo a un mercado dedicado a los cómics "independientes" o "alternativos" en los EE. UU. Los primeros cómics de este tipo incluyeron la serie de antología Star Reach, publicada por el escritor de cómics Mike Friedrich de 1974 a 1979, y American Splendor de Harvey Pekar, que continuó publicándose esporádicamente en el siglo XXI y que Shari Springer Berman y Robert Pulcini adaptaron a una película de 2003.. Algunos cómics independientes continuaron con la tradición de los cómics clandestinos. Si bien su contenido generalmente permaneció menos explícito, otros se parecían a la producción de las principales editoriales en formato y género, pero fueron publicados por empresas más pequeñas propiedad de artistas o por artistas individuales. Algunos (especialmente RAW) representó intentos experimentales de acercar los cómics al estatus de bellas artes.

Durante la década de 1970, la cultura de la "pequeña prensa" creció y se diversificó. En la década de 1980, varias editoriales independientes, como Pacific, Eclipse, First, Comico y Fantagraphics, habían comenzado a publicar una amplia gama de estilos y formatos, desde cómics de superhéroes en color, detectives y ciencia ficción hasta cómics en blanco y negro. Cuentos en formato revista blanca del realismo mágico latinoamericano.

Varias editoriales pequeñas en la década de 1990 cambiaron el formato y la distribución de sus cómics para parecerse más a las publicaciones que no son cómics. La forma de "minicomics", una versión extremadamente informal de la autoedición, surgió en la década de 1980 y se volvió cada vez más popular entre los artistas en la década de 1990, a pesar de llegar a una audiencia aún más limitada que la prensa pequeña.

Las pequeñas editoriales que lanzan títulos regularmente incluyen Avatar Press, Hyperwerks, Raytoons y Terminal Press, impulsadas por avances en la tecnología de impresión como la impresión digital bajo demanda.

Novelas gráficas

En 1964, Richard Kyle acuñó el término "novela gráfica". Los precursores de la forma existieron en la década de 1920, que vio un renacimiento de la tradición del grabado en madera medieval por parte del belga Frans Masereel, el estadounidense Lynd Ward y otros, incluido Stan Lee. En 1950, St. John Publications produjo la "novela ilustrada" del tamaño de un resumen, orientada a adultos, It Rhymes with Lust, un resumen de 128 páginas del escritor seudónimo "Drake Waller" (Arnold Drake y Leslie Waller), el dibujante Matt Baker y el entintador. Ray Osrin, promocionado como "una novela original de larga duración" en su portada. En 1971, el escritor y artista Gil Kane y sus colaboradores idearon la "novela de historietas" de bolsillo Blackmark. Will Eisner popularizó el término "novela gráfica"Un contrato con Dios y otras historias de viviendas en 1978.

Cómics digitales

Tamaño de mercado

En 2017, el tamaño del mercado de cómics para América del Norte fue de poco más de $ 1 mil millones con ventas digitales estables, librerías con una disminución del 1 por ciento y tiendas de cómics con una disminución del 10 por ciento con respecto a 2016. El tamaño del mercado mundial de cómics aumentó en 12% en 2020 para llegar a USD 8,49 mil millones. En 2021, la valoración anual del mercado ascendió a 9.210 millones de dólares. La popularidad del producto se está disparando en todo el mundo, impulsada por los esfuerzos de colaboración que se están realizando entre las marcas para ofrecer contenido cómico más atractivo.

Coleccionismo de historietas

La década de 1970 vio el advenimiento de las tiendas especializadas en cómics. Inicialmente, los editores comercializaban cómics para niños porque los cómics se percibían como un entretenimiento para niños. Sin embargo, con el creciente reconocimiento de los cómics como una forma de arte y la creciente presencia en la cultura pop de las convenciones de cómics, ahora son adoptados por muchos adultos.

Los coleccionistas de cómics suelen ser entusiastas de las historias de los cómics durante toda su vida y, por lo general, se centran en héroes particulares e intentan reunir toda la tirada de un título. Los cómics se publican con un número secuencial. El primer número de una serie de cómics de larga duración suele ser el más raro y el más deseable para los coleccionistas. Sin embargo, la primera aparición de un personaje específico podría estar en un título preexistente. Por ejemplo, la primera aparición de Spider-Man fue en Amazing Fantasy #15. Los nuevos personajes a menudo se presentaban de esta manera y no recibían sus propios títulos hasta que había una audiencia comprobada para el héroe. Como resultado, los cómics que cuentan con la primera aparición de un personaje importante a veces serán incluso más difíciles de encontrar que el primer número del propio título de un personaje.

Algunas historietas raras incluyen copias del inédito Motion Picture Funnies Weekly #1 de 1939. Ocho copias, más una sin portada, surgieron en el patrimonio del editor fallecido en 1974. La "Copia de pago" de este libro se vendió por $ 43,125 en una subasta de Heritage de 2005.

Los cómics estadounidenses más valiosos han combinado rareza y calidad con las primeras apariciones de personajes populares y perdurables. Cuatro cómics se han vendido por más de 1 millón de dólares estadounidenses hasta diciembre de 2010, incluidos dos ejemplos de Action Comics #1, la primera aparición de Superman, ambos vendidos de forma privada a través del distribuidor en línea ComicConnect.com en 2010, y Detective Comics #27, el primero aparición de Batman, vía subasta pública.

Actualizando el precio anterior obtenido por Action Comics #1, la primera aparición de Superman, la venta más alta registrada para este libro es de $3.2 millones, por una copia 9.0.

Los errores tipográficos, las impresiones promocionales de incentivos para comerciantes de cómics y las ediciones con una distribución extremadamente baja también suelen tener un valor de escasez. Los cómics modernos más raros incluyen la tirada de prensa original de The League of Extraordinary Gentlemen # 5, que el ejecutivo de DC Paul Levitz recordó y eliminó debido a la aparición de un anuncio de la época victoriana de "Marvel Douche", que el editor consideró ofensivo; solo existen 100 copias, la mayoría de las cuales han sido calificadas por CGC. (Consulte Cómics retirados del mercado para conocer más cómics recortados, retirados del mercado y erróneos).

En 2000, una compañía llamada Comics Guaranty (CGC) comenzó a "cortar" los cómics, envolviéndolos en plástico grueso y dándoles una calificación numérica. Desde entonces, han surgido otras empresas clasificadoras. Debido a que la condición es importante para el valor de las historietas raras, la idea de que una empresa que no compra ni vende historietas las clasifique parece buena. Sin embargo, existe cierta controversia acerca de si este servicio de clasificación vale la pena el alto costo y si es un desarrollo positivo para los coleccionistas, o si sirve principalmente a los especuladores que desean obtener ganancias rápidas comerciando con cómics como uno podría comerciar con acciones o arte fino. La clasificación de cómics ha creado estándares de valoración que las guías de precios en línea, como GoCollect y GPAnalysis, han utilizado para informar sobre valores de mercado en tiempo real.

También se recopilan las páginas de ilustraciones originales de los cómics, y estos son quizás los artículos de colección de cómics más raros, ya que solo hay una página única de ilustraciones para cada página que se imprimió y publicó. Estos fueron creados por un escritor, quien creó la historia; un artista del lápiz, que dispuso los paneles secuenciales en la página; un artista de la tinta, que repasaba el lápiz con pluma y tinta negra; un letrista, que proporcionó el diálogo y la narración de la historia escribiendo a mano cada palabra; y finalmente un colorista, que agregaba color como último paso antes de que las páginas terminadas fueran a la imprenta.

Cuando la imprenta devuelve las páginas originales de la obra de arte, generalmente se las devuelve a los artistas, quienes a veces las venden en convenciones de cómics o en galerías y exposiciones de arte relacionadas con el arte de los cómics. Las páginas originales de las primeras apariciones de personajes tan legendarios como Superman, Batman, Wonder Woman y Spider-Man se consideran invaluables.

Historia de la raza en los cómics de EE. UU.

Muchas iteraciones tempranas de personajes negros en los cómics "se convirtieron en variaciones de la 'imagen estereotipada única de Sambo'". Sambo estaba estrechamente relacionado con el estereotipo de mapache, pero tenía algunas diferencias sutiles. Ambos son una forma despectiva de retratar personajes negros. "El nombre en sí, una abreviatura de mapache, es deshumanizante. Al igual que con Sambo, el mapache fue retratado como un bufón perezoso, fácilmente asustadizo, crónicamente ocioso, inarticulado". Esta representación "fue, por supuesto, otro intento de solidificar la inferioridad intelectual de la raza negra a través de la cultura popular". Sin embargo, en la década de 1940 hubo un cambio en la representación de los personajes negros. "Una mirada superficial... podría dar la impresión de que las situaciones habían mejorado para los afroamericanos en los cómics".En muchos cómics producidos en esta época hubo un gran impulso a favor de la tolerancia entre razas. "Estos héroes de mentalidad igualitaria comenzaron a entrar en acción justo cuando se les pedía a los afroamericanos que participaran en el esfuerzo de guerra".

Durante este tiempo, un programa dirigido por el gobierno, la Junta de Guerra de Escritores, se involucró mucho en lo que se publicaría en los cómics. "La Junta de Guerra de Escritores usó cómics para dar forma a las percepciones populares de raza y etnia..." No solo usaban cómics como un medio para reclutar a todos los estadounidenses, sino que también los usaban como propaganda para "[construir] una justificación por el odio basado en la raza hacia los enemigos extranjeros de Estados Unidos". La Junta de Guerra de Escritores creó cómics destinados a "[promover] la armonía racial doméstica". Sin embargo, "estas narrativas a favor de la tolerancia lucharon por superar los tropos negativos populares y ampliamente entendidos utilizados durante décadas en la cultura de masas estadounidense...". Sin embargo,

En Captain Marvel Adventures, un personaje llamado Steamboat fue una amalgama de algunos de los peores estereotipos de la época. La Junta de Guerra de Escritores no pidió ningún cambio con este personaje. "Eliminar Steamboat requirió los esfuerzos decididos de un grupo de jóvenes negros en la ciudad de Nueva York". Originalmente, su solicitud fue rechazada por personas que trabajaban en el cómic y afirmaron que " Captain Marvel Adventures incluía muchos tipos de caricaturas 'por el bien del humor'". El grupo de jóvenes negros respondió con "esta no es la raza negra, pero su millón y medio de lectores pensarán que sí".Posteriormente, Steamboat desapareció de los cómics por completo. Se creó un cómic sobre el Escuadrón 99, también conocido como Tuskegee Airmen, una unidad de la fuerza aérea completamente negra. En lugar de hacer el cómic sobre su historia, el cómic era sobre Hop Harrigan. Un piloto blanco que captura a un nazi, le muestra videos del Escuadrón 99 derrotando a sus hombres y luego le revela al nazi que sus hombres fueron derrotados por afroamericanos, lo que lo enfureció porque los ve como una raza menos superior y no puede creer que superaron a los suyos. hombres. "Los aviadores de Tuskegee, e imágenes de aviadores negros aparecen en solo tres de los cincuenta y tres paneles... los pilotos del 99º Escuadrón no tienen diálogo e interactúan ni con Hop Harrigan ni con su cautivo nazi".Durante este tiempo, también utilizaron personajes negros en cómics como un medio para invalidar a los grupos negros militantes que luchaban por la igualdad dentro de los EE. UU. "Spider-Man" dejó en claro que el poder negro militante no era el remedio para la injusticia racial. " "El Halcón criticó abiertamente el comportamiento de los negros al afirmar que 'tal vez es importante que calmemos las cosas, para que podamos proteger los derechos por los que hemos estado luchando'". Esta representación y desarrollo del carácter de los personajes negros se puede atribuir en parte al hecho de que, durante este tiempo, "rara vez se había permitido a un artista o escritor negro en una importante compañía de cómics".

Los personajes asiáticos enfrentaron algo del mismo trato en los cómics que los personajes negros. Fueron deshumanizados y la narrativa que se impulsaba era que eran "incompetentes e infrahumanos". "Una edición de 1944 de los Marines de los Estados Unidos incluía una narración titulada El olor de los hombres mono. La historia describe a los soldados japoneses como brutos simios cuyo repugnante olor corporal traiciona sus ubicaciones ocultas". Los caracteres chinos recibieron el mismo tratamiento. "Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, las percepciones negativas de los chinos eran una parte establecida de la cultura de masas...". Sin embargo, preocupados de que los japoneses pudieran utilizar el material antichino de Estados Unidos como propaganda, comenzaron a "presentar una imagen más positiva". de América'Así como intentaron mostrar una mejor representación de los negros en los cómics, hicieron lo mismo con los asiáticos. Sin embargo, "los personajes japoneses y filipinos eran visualmente indistinguibles. Ambos grupos tienen dientes grotescos, ropa andrajosa y piel de color amarillo brillante". "Los editores representaron a los aliados asiáticos de Estados Unidos a través de imágenes despectivas y un lenguaje perfeccionado durante las décadas anteriores". Los personajes asiáticos se representaban anteriormente como "espantosos demonios amarillos". Durante la Segunda Guerra Mundial, "[cada] superhéroe importante que valiera su spandex se dedicó a la erradicación de los invasores asiáticos". Había "

"La única representación específica de un superhéroe hispano no terminó bien. En 1975, Marvel nos dio a Héctor Ayala (también conocido como El tigre blanco)". "Aunque luchó durante varios años junto a héroes mucho más populares como Spider-Man y Daredevil, solo duró seis años antes de que las ventas de cómics con él fueran tan malas que Marvel hizo que se retirara. El personaje hispano más famoso es Bane., un villano de Batman".

La representación de los nativos americanos en los cómics "se puede resumir en el estereotipo del buen salvaje" "un tema recurrente... instó a los indios americanos a abandonar su tradicional hostilidad hacia los Estados Unidos. Eran ellos los que se pintaban como intolerantes e irrespetuosos con los dominantes". preocupaciones de la América blanca".

Cómics de Asia oriental

Manga japones

Manga (漫画) son cómics o novelas gráficas originarias de Japón. La mayoría del manga se ajusta a un estilo desarrollado en Japón a fines del siglo XIX, aunque la forma de arte tiene una larga prehistoria en el arte japonés anterior. El término manga se usa en Japón para referirse tanto a los cómics como a las caricaturas. Fuera de Japón, la palabra se usa típicamente para referirse a los cómics publicados originalmente en el país.

Dōjinshi

Dōjinshi (同人 誌, revista de fans), cómics japoneses hechos por fans, operan en un mercado mucho más grande en Japón que el mercado estadounidense de "cómics clandestinos"; la feria de dōjinshi más grande, Comiket, atrae a 500.000 visitantes dos veces al año.

Manhwa coreano

El manhwa coreano ha ganado rápidamente popularidad fuera de Corea en los últimos tiempos como resultado de la ola coreana. La industria del manhwa ha sufrido dos colapsos y una estricta censura desde sus inicios como resultado de la ocupación japonesa de la península que frena el crecimiento de la industria, pero ahora ha comenzado a florecer gracias en parte a Internet y nuevas formas de leer manhwa. ya sea en computadoras o a través de teléfonos inteligentes. En el pasado, el manhwa se comercializaba como manga fuera del país para asegurarse de que se vendiera bien, pero ahora eso ya no es necesario, ya que más personas conocen mejor la industria y la cultura coreana.

Webtoons

Los webtoons se han vuelto populares en Corea del Sur como una nueva forma de leer cómics. Gracias en parte a las diferentes reglas de censura, el color y los efectos visuales únicos, y la optimización para facilitar la lectura en teléfonos inteligentes y computadoras. Más manhwa han hecho el cambio de manhwa impreso tradicional a webtoons en línea gracias a mejores salarios y más libertad que el manhwa impreso tradicional. El formato webtoon también se ha expandido a otros países fuera de Corea, como China, Japón, el sudeste asiático y los países occidentales. Los principales distribuidores de webtoon incluyen Lezhin, Naver y Kakao.

Manhua chino

Truyện tranh vietnamita

Cómics europeos

Cómics franco-belgas

Francia y Bélgica tienen una larga tradición en cómics y libros de historietas, a menudo llamados BD (una abreviatura de bandes dessinées, que significa literalmente "tiras dibujadas") en francés y tiras en holandés o flamenco. Los cómics belgas escritos originalmente en holandés muestran la influencia de los cómics francófonos "franco-belgas", pero tienen su propio estilo distintivo.

Cómics británicos

Aunque Half Holiday (1884) de Ally Sloper estaba dirigido a un mercado para adultos, los editores se dirigieron rápidamente a un grupo demográfico más joven, lo que ha llevado a que la mayoría de las publicaciones sean para niños y ha creado una asociación en la mente del público de los cómics como algo juvenil. The Guardian se refiere a Ally Sloper como "uno de los primeros personajes de dibujos animados icónicos del mundo" y "tan famoso en la Gran Bretaña victoriana como lo sería Dennis the Menace un siglo después". Los cómics británicos de principios del siglo XX evolucionaron típicamente a partir de novelas ilustradas de la era victoriana (con Sweeney Todd, Dick Turpin y Varney the Vampire). Publicado por primera vez en la década de 1830, los penny dreadfuls eran "Britain"

Los dos cómics británicos más populares, The Beano y The Dandy, fueron publicados por primera vez por DC Thomson en la década de 1930. Hacia 1950 la tirada semanal de ambos alcanzaba los dos millones. Al explicar la enorme popularidad de los cómics en el Reino Unido durante este período, Anita O'Brien, directora curadora del Cartoon Museum de Londres, afirma: "Cuando los cómics como Beano y Dandy se inventaron en la década de 1930, y realmente hasta las décadas de 1950 y 1960 – estos cómics eran casi el único entretenimiento disponible para los niños". Dennis the Menace se creó en la década de 1950, cuando las ventas de The Beano se dispararon. Aparece en la portada de The Beano. , y la BBC se refirió a él como el "niño travieso definitivo del mundo del cómic".

En 1954, los cómics de Tiger presentaron a Roy of the Rovers, la tira muy popular basada en el fútbol que relata la vida de Roy Race y el equipo para el que jugó, Melchester Rovers. La frase de los medios de comunicación "cosas reales de 'Roy of the Rovers'" es utilizada a menudo por escritores de fútbol, ​​comentaristas y fanáticos cuando describen demostraciones de gran habilidad o resultados sorprendentes que van en contra de las probabilidades, en referencia a las historias dramáticas que fueron la tira. marca comercial. Otros cómics como Eagle, Valiant, Warrior, Viz y 2000 AD también florecieron. Algunos cómics, como Judge Dredd y otros 2000 ADtítulos, han sido publicados en formato tabloide. Los cómics clandestinos y los títulos de "pequeña prensa" también han aparecido en el Reino Unido, en particular Oz y Escape Magazine.

El contenido de la acción, otro título dirigido a niños y lanzado a mediados de la década de 1970, se convirtió en tema de discusión en la Cámara de los Comunes. Aunque en una escala menor que investigaciones similares en los EE. UU., tales preocupaciones llevaron a una moderación del contenido publicado dentro de los cómics británicos. Tal moderación nunca llegó a formalizarse hasta el punto de promulgar un código, ni duró mucho. El Reino Unido también ha establecido un mercado próspero en la reimpresión y el reenvasado de material, en particular material procedente de EE.UU. La falta de suministros confiables de cómics estadounidenses llevó a una variedad de reimpresiones en blanco y negro, incluidos los cómics de monstruos de Marvel de la década de 1950, el Capitán Marvel de Fawcett y otros personajes como Sheena, Mandrake the Magician y Phantom. Varias empresas de reimpresión se involucraron en el reenvasado de material estadounidense para el mercado británico. en particular, el importador y distribuidor Thorpe & Porter. Marvel Comics estableció una oficina en el Reino Unido en 1972. DC Comics y Dark Horse Comics también abrieron oficinas en la década de 1990. El reenvasado de material europeo se ha producido con menor frecuencia, aunqueLos seriales Las aventuras de Tintín y Asterix se han traducido y reempaquetado con éxito en libros de tapa blanda. El número de cómics europeos disponibles en el Reino Unido ha aumentado en las últimas dos décadas. La compañía británica Cinebook, fundada en 2005, ha lanzado versiones traducidas al inglés de muchas series europeas.

En la década de 1980, un resurgimiento de escritores y artistas británicos ganó prominencia en los cómics convencionales, lo que se denominó la "invasión británica" en la historia del cómic. Estos escritores y artistas trajeron consigo sus propios temas y filosofías maduros, como la anarquía, la controversia y la política, comunes en los medios británicos. Estos elementos allanarían el camino para cómics maduros y "más oscuros y atrevidos" y darían comienzo a la era moderna de los cómics. Los escritores incluyeron a Alan Moore, famoso por su V de Vendetta, From Hell, Watchmen, Marvelman y The League of Extraordinary Gentlemen; Neil Gaiman con los mitos de The Sandman y Books of Magic; Warren Ellis, creador de Transmetropolitan y Planetary; y otros como Mark Millar, creador de Wanted y Kick-Ass. La serie de historietas de John Constantine, Hellblazer, ambientada en gran parte en Gran Bretaña y protagonizada por el mago John Constantine, allanó el camino para escritores británicos como Jamie Delano.

En Navidad, los editores vuelven a empaquetar y encargan material para cómics anuales, impresos y encuadernados como libros de tamaño A4 de tapa dura; "Rupert" proporciona un famoso ejemplo del cómic anual británico. DC Thomson también vuelve a empaquetar las tiras de The Broons y Oor Wullie en libros de tamaño A4 de tapa blanda para la temporada navideña.

El 19 de marzo de 2012, el servicio postal británico, Royal Mail, lanzó un conjunto de sellos que representan personajes y series de cómics británicos. La colección incluía a The Beano, The Dandy, Eagle, The Topper, Roy of the Rovers, Bunty, Buster, Valiant, Twinkle y 2000 AD.

Historietas españolas

Se ha afirmado que las Cantigas de Santa María del siglo XIII podrían considerarse como el primer "tebeo" español, aunque las historietas (también conocidas en España como historietas o tebeos) debutaron hacia 1857. La revista TBO influyó en la popularización de la medio. Después de la Guerra Civil española, el régimen franquista impuso una estricta censura en todos los medios: se prohibieron los cómics de superhéroes y, en consecuencia, los héroes cómicos se basaron en la ficción histórica (en 1944 se creó el héroe medieval El Guerrero del Antifaz por Manuel Gago y otro popular héroe medieval, Capitán Trueno, fue creado en 1956 por Víctor Mora y Miguel Ambrosio Zaragoza). Dos editoriales, Editorial Bruguera y Editorial Valenciana, dominaron el mercado del cómic español durante su época dorada (1950-1970). Los tebeos más populares mostraban un reconocible estilo de humor slapstick (influenciado por autores franco-belgas como Franquin): Carpanta y Zipi y Zape de Escobar, Las hermanas Gilda y Anacleto de Vázquez, Mortadelo y Filemón de Ibáñez y 13. Rue del Percebe o Superlópez de Jan. Tras el final del franquismo, aumentó el interés por los cómics para adultos con revistas como Tótem, El Jueves, 1984 y El Víbora, y obras como Paracuellos de Carlos Giménez.

Los artistas españoles han trabajado tradicionalmente en otros mercados encontrando un gran éxito, ya sea en el estadounidense (p. ej., los ganadores del Premio Eisner Sergio Aragonés, Salvador Larroca, Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín o David Aja), el británico (p. ej., Carlos Ezquerra, co-creador del juez Dredd) o la franco-belga (por ejemplo, el ganador del Fauve d'Or Julio Ribera o los autores de Blacksad Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido).

Cómics italianos

En Italia, los cómics (conocidos en italiano como fumetti) debutaron como tiras cómicas a finales del siglo XIX, y luego evolucionaron hacia historias de aventuras. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Hugo Pratt y Guido Crepax expusieron los cómics italianos a una audiencia internacional. Los cómics populares como Diabolik o la línea Bonelli, a saber, Tex Willer o Dylan Dog, siguen siendo los más vendidos.

Los cómics convencionales generalmente se publican mensualmente, en un formato de tamaño de resumen en blanco y negro, con aproximadamente 100 a 132 páginas. También son habituales las colecciones de material clásico de los personajes más famosos, normalmente con más de 200 páginas. Los cómics de autor se publican en formato BD francés, siendo un ejemplo Corto Maltese de Pratt.

Los dibujantes italianos muestran la influencia de los cómics de otros países, incluidos Francia, Bélgica, España y Argentina. Italia también es famosa por ser uno de los principales productores de historietas de Walt Disney fuera de los EE. UU.; El alter ego del superhéroe del Pato Donald, Paperinik, conocido en inglés como Superduck, fue creado en Italia.

Cómics en otros países

Distribución

Históricamente, la distribución ha sido un problema para la industria de los cómics, ya que muchos minoristas principales se niegan a tener grandes existencias de los cómics más interesantes y populares. El smartphone y la tablet han resultado ser un medio idóneo para la distribución online.

Distribución digital

El 13 de noviembre de 2007, Marvel Comics lanzó Marvel Digital Comics Unlimited, un servicio de suscripción que permite a los lectores leer muchos cómics de la historia de Marvel en línea. El servicio también incluye el lanzamiento periódico de nuevos cómics que no están disponibles en otros lugares. Con el lanzamiento de Avenging Spider-Man #1, Marvel también se convirtió en la primera editorial en proporcionar copias digitales gratuitas como parte de la copia impresa del cómic.

Con la creciente popularidad de los teléfonos inteligentes y las tabletas, muchas editoriales importantes han comenzado a publicar títulos en formato digital. La plataforma más popular es comiXology. Algunas plataformas, como Graphicly, se han cerrado.

Colecciones de historietas en bibliotecas

Muchas bibliotecas tienen extensas colecciones de cómics en forma de novelas gráficas. Esta es una manera conveniente para que muchos en el público se familiaricen con el medio.

Records Mundiales Guinness

En 2015, el artista de manga japonés Eiichiro Oda recibió el título de Guinness World Records por tener la "Mayor cantidad de copias publicadas para la misma serie de cómics por un solo autor". Su serie de manga One Piece, que escribe e ilustra, ha sido serializada en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump desde diciembre de 1997, y para 2015, se habían publicado 77 volúmenes recopilados. Guinness World Records informó en su anuncio que los volúmenes recopilados de la serie habían vendido un total de 320 866 000 unidades. One Piece también tiene el título de Guinness World Records por "La mayoría de las copias publicadas para la misma serie de manga".

El 5 de agosto de 2018, el título de Guinness World Records por el "cómic más grande jamás publicado" fue otorgado al cómic brasileño Turma da Mônica - ¡O Maior Gibi do Mundo! , publicado por Panini Comics Brasil y Mauricio de Sousa Produções. El cómic mide 69,9 cm por 99,8 cm (2 pies 3,51 pulgadas por 3 pies 3,29 pulgadas). El cómic de 18 páginas tuvo una tirada de 120 copias.

Con la publicación en julio de 2021 del volumen recopilatorio número 201 de su serie de manga Golgo 13, el artista de manga japonés Takao Saito recibió el título de Guinness World Records por "La mayoría de los volúmenes publicados para una sola serie de manga". Golgo 13 se ha serializado continuamente en la revista japonesa Big Comic desde octubre de 1968, lo que también lo convierte en el manga más antiguo aún en publicación.