Libro cómico
Un libro de historietas, también llamado libro de historietas, revista de historietas o (en el Reino Unido e Irlanda) simplemente comic b>, es una publicación que consiste en cómics de arte en forma de paneles secuenciales yuxtapuestos que representan escenas individuales. Los paneles a menudo van acompañados de prosa descriptiva y narrativa escrita, por lo general, diálogo contenido en globos de palabras emblemáticos de la forma de arte de los cómics.
"Cortes cómicos" fue un cómic británico publicado entre 1890 y 1953. Fue precedido por "Ally Sloper's Half Holiday" (1884), que destaca por el uso de viñetas secuenciales para desarrollar la narrativa. Estos cómics británicos existieron junto con los populares espeluznantes 'Penny dreadfuls'. (como "Spring-heeled Jack"), chicos' "Documentos de la historia" y la humorística Punch (revista) que fue la primera en utilizar el término "dibujos animados" en su sentido moderno de dibujo humorístico. William Blake (1757 - 1857), entre otros, fue pionero en el entretejido de dibujos y la palabra escrita en obras como "The Descent Of Christ" (1804 - 1820).
El primer cómic moderno (estilo americano), Famous Funnies, se publicó en los EE. UU. en 1934 y era una reimpresión de las tiras cómicas humorísticas de periódicos anteriores, que habían establecido muchas de las historias dispositivos utilizados en los cómics. El término cómic deriva de los cómics estadounidenses que alguna vez fueron una compilación de tiras cómicas de tono humorístico; sin embargo, esta práctica fue reemplazada por historias de todos los géneros, generalmente sin un tono humorístico.
El mayor mercado de cómics es Japón. En 1995, el mercado del manga en Japón estaba valorado en ¥586,4 mil millones ($6–7 mil millones), con ventas anuales de 1,9 mil millones de libros de manga (volúmenes de tankōbon y revistas de manga) en Japón, lo que equivale a 15 números por persona. En 2020, el mercado del manga en Japón alcanzó un nuevo valor récord de 612 500 millones de yenes debido al rápido crecimiento de las ventas de manga digital, así como al aumento de las ventas impresas. El mercado de cómics en los Estados Unidos y Canadá se valoró en 1090 millones de dólares en 2016. A partir de 2017, la editorial de cómics más grande de los Estados Unidos es distribuidora de manga. Viz Media, seguido por DC Comics y Marvel Comics, las franquicias originales de edición especial de larga duración que incluyen a Superman, Batman, Wonder Woman, Spider-Man, Incredible Hulk y X-Men. Las categorías de cómics más vendidas en los EE. UU. a partir de 2019 son ficción infantil juvenil con un 41 %, manga con un 28 % y cómics de superhéroes con un 10 % del mercado. Otro importante mercado de cómics es Francia, donde los cómics franco-belgas y el manga japonés representan cada uno el 40 % del mercado, seguidos por los cómics estadounidenses con una cuota de mercado del 10 %.
Estructura
Los cómics dependen de su organización y apariencia. Los autores se centran en gran medida en el marco de la página, el tamaño, la orientación y las posiciones del panel. Estos aspectos característicos de los cómics son necesarios para transmitir el contenido y los mensajes del autor. Los elementos clave de los cómics incluyen paneles, globos (burbujas de diálogo), texto (líneas) y personajes. Los globos suelen ser contenedores espaciales convexos de información que se relacionan con un personaje mediante un elemento de cola. La cola tiene un origen, trayectoria, punta y dirección puntiaguda. Las tareas clave en la creación de cómics son escribir, dibujar y colorear. Hay muchas fórmulas tecnológicas que se utilizan para crear cómics, incluidas direcciones, ejes, datos y métricas. Después de estos procedimientos clave de formato está la escritura, el dibujo y el coloreado. En los Estados Unidos, el término cómic se usa generalmente para publicaciones periódicas de cómics y libros de bolsillo comerciales, mientras que novela gráfica es el término que se usa para libros independientes.
Tebeos americanos
Los cómics como medio impreso han existido en los Estados Unidos desde la impresión de Las aventuras del Sr. Obadiah Oldbuck en 1842 en tapa dura, lo que lo convierte en el primer prototipo de cómic estadounidense conocido. Las publicaciones periódicas de proto-cómics comenzaron a aparecer a principios del siglo XX, y el primer cómic de tamaño estándar fue Funnies on Parade. Funnies on Parades fue el primer libro que estableció el tamaño, la duración y el formato del cómic moderno. Después de esto, Dell Publishing publicó Famous Funnies: A Carnival of Comics, de 36 páginas, como el primer libro de historietas estadounidense de verdad; Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la publicación de revistas". En 1905 G. W. Dillingham Company publicó 24 tiras seleccionadas del dibujante Gustave Verbeek en un libro de antología llamado 'The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo'. La introducción de Superman de Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938 convirtió las historietas en una industria importante y marcó el comienzo de la Edad de Oro de las historietas. La Edad de Oro originó el arquetipo del superhéroe. Según el historiador Michael A. Amundson, los personajes atractivos de los cómics ayudaron a tranquilizar a los lectores jóvenes. miedo a la guerra nuclear y neutralizar la ansiedad sobre las cuestiones planteadas por la energía atómica.
Los historiadores generalmente dividen la línea de tiempo del cómic estadounidense en eras. La edad de oro de los cómics comenzó en 1938, con el debut de Superman en Action Comics #1, publicado por Detective Comics (predecesor de DC Comics), que generalmente se considera el comienzo del cómic moderno tal como se conoce hoy. En general, se considera que la Edad de Plata de los cómics data del primer renacimiento exitoso de la forma de superhéroe entonces inactiva, con el debut de Flash en Showcase #4 (octubre de 1956). La Edad de Plata duró hasta finales de la década de 1960 o principios de la de 1970, tiempo durante el cual Marvel Comics revolucionó el medio con superhéroes tan naturalistas como Stan Lee y Jack Kirby's Fantastic Four y Lee y Steve Ditko's Spider-Man. La demarcación entre la Edad de Plata y la era siguiente, la Edad de Bronce de los cómics, está menos definida, y la Edad de Bronce se extiende desde principios de la década de 1970 hasta mediados de la de 1980. La era moderna de los cómics se extiende desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.
Un evento notable en la historia del cómic estadounidense se produjo con las críticas del psiquiatra Fredric Wertham al medio en su libro Seduction of the Innocent (1954), que provocó que el Senado estadounidense Subcomisión de Delincuencia Juvenil para investigar historietas. Wertham afirmó que los cómics eran responsables de un aumento de la delincuencia juvenil, así como de una posible influencia en la sexualidad y la moralidad de los niños. En respuesta a la atención del gobierno y de los medios de comunicación, la industria del cómic estadounidense creó la Asociación de Revistas de Cómics de América. La CMAA inculcó la Autoridad del Código de Historietas en 1954 y redactó el Código de Historietas de autocensura ese año, que requería que todas las historietas pasaran por un proceso de aprobación. No fue hasta la década de 1970 que se pudieron publicar cómics sin pasar por la inspección de la CMAA. El Código quedó formalmente extinto en noviembre de 2011.
Cómics clandestinos
A fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, surgió una oleada de creatividad en lo que se conoció como cómics clandestinos. Publicados y distribuidos independientemente de la industria de cómics establecida, la mayoría de estos cómics reflejaban la contracultura juvenil y la cultura de las drogas de la época. Cómic underground "reflejaba y comentaba las divisiones y tensiones sociales de la sociedad estadounidense". Muchos tenían un estilo desinhibido, a menudo irreverente; sus francas representaciones de la desnudez, el sexo, las blasfemias y la política no tenían paralelo fuera de sus precursores, las 'biblias de Tijuana' pornográficas y aún más oscuras. Los cómics clandestinos casi nunca se vendían en los quioscos, sino en puntos de venta orientados a los jóvenes, como tiendas de artículos de tocador y tiendas de discos, así como por correo. Los cómics clandestinos alentaron a los creadores a publicar su trabajo de forma independiente para que tuvieran todos los derechos de propiedad sobre sus personajes.
Las aventuras de Jesús de Frank Stack, publicado bajo el nombre de Foolbert Sturgeon, ha sido acreditado como el primer cómic clandestino; mientras que R. Crumb y el equipo de dibujantes que trabajaron en Zap Comix popularizaron la forma.
Cómics alternativos
El auge de las tiendas especializadas en cómics a fines de la década de 1970 creó o fue paralelo a un mercado dedicado a los artículos "independientes" o "cómics alternativos" en los EE.UU. Los primeros cómics de este tipo incluyeron la serie de antología Star Reach, publicada por el escritor de cómics Mike Friedrich de 1974 a 1979, y American Splendor de Harvey Pekar, que continuó esporádicamente. publicación en el siglo XXI y que Shari Springer Berman y Robert Pulcini adaptaron a una película de 2003. Algunos cómics independientes continuaron con la tradición de los cómics clandestinos. Si bien su contenido generalmente permaneció menos explícito, otros se parecían a la producción de las principales editoriales en formato y género, pero fueron publicados por empresas más pequeñas propiedad de artistas o por artistas individuales. Unos pocos (sobre todo RAW) representan intentos experimentales de acercar los cómics al estado de las bellas artes.
Durante la década de 1970, la "prensa pequeña" la cultura creció y se diversificó. En la década de 1980, varias editoriales independientes, como Pacific, Eclipse, First, Comico y Fantagraphics, habían comenzado a publicar una amplia gama de estilos y formatos, desde cómics de superhéroes en color, detectives y ciencia ficción hasta cómics en blanco y negro. Cuentos en formato revista blanca del realismo mágico latinoamericano.
En la década de 1990, varias editoriales pequeñas cambiaron el formato y la distribución de sus historietas para parecerse más a las publicaciones que no son historietas. Los "minicómics" form, una versión extremadamente informal de la autoedición, surgió en la década de 1980 y se hizo cada vez más popular entre los artistas en la década de 1990, a pesar de llegar a una audiencia aún más limitada que la pequeña prensa.
Las pequeñas editoriales que publican títulos con regularidad incluyen Avatar Press, Hyperwerks, Raytoons y Terminal Press, impulsadas por avances en la tecnología de impresión como la impresión digital bajo demanda.
Novelas gráficas
En 1964, Richard Kyle acuñó el término "novela gráfica". Los precursores de la forma existieron en la década de 1920, que vio un renacimiento de la tradición del grabado en madera medieval por parte del belga Frans Masereel, el estadounidense Lynd Ward y otros, incluido Stan Lee. En 1950, St. John Publications produjo la "novela ilustrada" It Rhymes with Lust, un compendio de 128 páginas del escritor seudónimo "Drake Waller" (Arnold Drake y Leslie Waller), el dibujante Matt Baker y el entintador Ray Osrin, promocionada como "una novela original de larga duración" en su portada. En 1971, el escritor y artista Gil Kane y sus colaboradores idearon el libro de bolsillo "novela de cómics" Marca negra. Will Eisner popularizó el término "novela gráfica" cuando lo usó en la portada de la edición de bolsillo de su obra Un contrato con Dios y otras historias de viviendas en 1978.
Cómics digitales
Tamaño del mercado
En 2017, el tamaño del mercado de cómics en América del Norte superó los mil millones de dólares, con ventas digitales estables, librerías con un descenso del 1 % y tiendas de cómics con un descenso del 10 % con respecto a 2016. El mercado mundial de cómics el tamaño aumentó un 12 % en 2020 hasta alcanzar los 8490 millones de USD. En 2021, la valoración anual del mercado ascendió a 9.210 millones de dólares. La popularidad del producto se está disparando en todo el mundo, impulsada por los esfuerzos de colaboración que se están realizando entre las marcas para ofrecer contenido cómico más atractivo.
Colección de cómics
La década de 1970 vio el advenimiento de las tiendas especializadas en cómics. Inicialmente, los editores comercializaban las historietas para los niños porque las historietas se percibían como un entretenimiento para niños. Sin embargo, con el creciente reconocimiento de los cómics como una forma de arte y la creciente presencia en la cultura pop de las convenciones de cómics, ahora muchos adultos los adoptan.
Los coleccionistas de cómics suelen ser entusiastas de las historias de los cómics durante toda su vida y, por lo general, se centran en héroes concretos e intentan reunir toda la tirada de un título. Los cómics se publican con un número secuencial. El primer número de una serie de cómics de larga duración suele ser el más raro y el más deseable para los coleccionistas. Sin embargo, la primera aparición de un personaje específico podría estar en un título preexistente. Por ejemplo, la primera aparición de Spider-Man fue en Amazing Fantasy #15. Los nuevos personajes a menudo se presentaban de esta manera y no recibían sus propios títulos hasta que había una audiencia comprobada para el héroe. Como resultado, los cómics que cuentan con la primera aparición de un personaje importante a veces serán incluso más difíciles de encontrar que el primer número del propio título de un personaje.
Algunos cómics raros incluyen copias del inédito Motion Picture Funnies Weekly #1 de 1939. Ocho copias, más una sin portada, surgieron en el patrimonio del editor fallecido en 1974. El & #34;Copia de pago" de este libro se vendió por $43,125 en una subasta de Heritage en 2005.
Los cómics estadounidenses más valiosos han combinado rareza y calidad con las primeras apariciones de personajes populares y perdurables. Cuatro cómics se han vendido por más de 1 millón de dólares hasta diciembre de 2010, incluidos dos ejemplos de Action Comics n.º 1, la primera aparición de Superman, ambos vendidos de forma privada a través del distribuidor en línea ComicConnect.com en 2010, y Detective Comics #27, la primera aparición de Batman, vía subasta pública.
Actualizando el precio anterior obtenido por Action Comics #1, la primera aparición de Superman, la venta más alta registrada para este libro es de $3.2 millones, por una copia 9.0.
Los errores tipográficos, las impresiones promocionales de incentivos para comerciantes de cómics y las ediciones con una distribución extremadamente baja también suelen tener un valor de escasez. Los cómics modernos más raros incluyen la tirada de prensa original de La Liga de los Hombres Extraordinarios #5, que el ejecutivo de DC Paul Levitz recordó y eliminó debido a la aparición de un anuncio antiguo de la época victoriana de 'Marvel'. Douche", que el editor consideró ofensivo; solo existen 100 copias, la mayoría de las cuales han sido calificadas por CGC. (Consulte Cómics retirados del mercado para conocer más cómics recortados, retirados del mercado y erróneos).
En 2000, una empresa llamada Comics Guaranty (CGC) comenzó a "losa" cómics, envolviéndolos en plástico grueso y dándoles una calificación numérica. Desde entonces, han surgido otras empresas clasificadoras. Debido a que la condición es importante para el valor de las historietas raras, la idea de que una empresa que no compra ni vende historietas las clasifique parece buena. Sin embargo, existe cierta controversia sobre si este servicio de clasificación vale la pena el alto costo y si es un desarrollo positivo para los coleccionistas, o si principalmente sirve a los especuladores que desean obtener ganancias rápidas comerciando con cómics como uno podría comerciar con acciones o arte fino. La clasificación de cómics ha creado estándares de valoración que las guías de precios en línea, como GoCollect y GPAnalysis, han utilizado para informar sobre valores de mercado en tiempo real.
También se recopilan las páginas de ilustraciones originales de los cómics, y estos son quizás los artículos de colección de cómics más raros, ya que solo hay una página única de ilustraciones para cada página que se imprimió y publicó. Estos fueron creados por un escritor, quien creó la historia; un artista del lápiz, que dispuso los paneles secuenciales en la página; un artista de la tinta, que repasaba el lápiz con pluma y tinta negra; un letrista, que proporcionó el diálogo y la narración de la historia escribiendo a mano cada palabra; y finalmente un colorista, que agregaba color como último paso antes de que las páginas terminadas fueran a la imprenta.
Cuando el impresor devuelve las páginas originales de la obra de arte, normalmente se las devuelve a los artistas, quienes a veces las venden en convenciones de cómics o en galerías y exposiciones de arte relacionadas con el arte de los cómics. Las páginas originales de DC y Marvel, las primeras apariciones de personajes tan legendarios como Superman, Batman, Wonder Woman, Hulk y Spider-Man, se consideran invaluables.
Historia de la raza en los cómics estadounidenses
Muchas iteraciones tempranas de personajes negros en los cómics "se convirtieron en variaciones de la 'imagen estereotipada única de Sambo'." Sambo estaba estrechamente relacionado con el estereotipo de mapache, pero tenía algunas diferencias sutiles. Ambos son una forma despectiva de retratar personajes negros. "El nombre en sí, una abreviatura de mapache, es deshumanizante. Al igual que con Sambo, el mapache fue retratado como un bufón perezoso, fácilmente asustadizo, crónicamente ocioso, inarticulado. Esta representación "fue, por supuesto, otro intento de solidificar la inferioridad intelectual de la raza negra a través de la cultura popular". Sin embargo, en la década de 1940 hubo un cambio en la representación de los personajes negros. "Una mirada superficial... podría dar la impresión de que las situaciones han mejorado para los afroamericanos en los cómics." En muchos cómics producidos en esta época hubo un gran impulso a favor de la tolerancia entre razas. "Estos héroes de mentalidad igualitaria comenzaron a entrar en acción justo cuando se les pedía a los afroamericanos que participaran en el esfuerzo bélico."
Durante este tiempo, un programa dirigido por el gobierno, el Writers' War Board, se involucró mucho en lo que se publicaría en cómics. "Los escritores' War Board usó cómics para dar forma a las percepciones populares de raza y etnia..." No solo usaban los cómics como un medio para reclutar a todos los estadounidenses, sino que también los usaban como propaganda para "[construir] una justificación para el odio basado en la raza hacia los enemigos extranjeros de Estados Unidos". Los escritores' War Board creó cómics destinados a "[promover] la armonía racial doméstica". Sin embargo, "estas narrativas a favor de la tolerancia lucharon por superar los tropos negativos populares y ampliamente entendidos utilizados durante décadas en la cultura de masas estadounidense...". Sin embargo, no estaban logrando esta agenda en todos sus cómics.
En Captain Marvel Adventures, un personaje llamado Steamboat era una amalgama de algunos de los peores estereotipos de la época. Los escritores' War Board no pidió ningún cambio con este personaje. 'La eliminación de Steamboat requirió los esfuerzos decididos de un grupo de jóvenes negros en la ciudad de Nueva York'. Originalmente, su solicitud fue rechazada por las personas que trabajaban en el cómic afirmando que "Captain Marvel Adventures incluía muchos tipos de caricaturas 'por el bien del humor'." El grupo de jóvenes negros respondió con 'esta no es la raza negra, pero su millón y medio de lectores pensarán que sí'. Posteriormente, Steamboat desapareció de los cómics por completo. Se creó un cómic sobre el Escuadrón 99, también conocido como Tuskegee Airmen, una unidad de la fuerza aérea completamente negra. En lugar de hacer el cómic sobre su historia, el cómic era sobre Hop Harrigan. Un piloto blanco que captura a un nazi, le muestra videos del Escuadrón 99 derrotando a sus hombres y luego le revela al nazi que sus hombres fueron derrotados por afroamericanos, lo que lo enfureció porque los ve como una raza menos superior y no puede creer que superaron a los suyos. hombres. "Los aviadores de Tuskegee, e imágenes de aviadores negros aparecen en solo tres de los cincuenta y tres paneles... los pilotos del Escuadrón 99 no tienen diálogo y no interactúan ni con Hop Harrigan ni con su cautivo nazi."; Durante este tiempo, también usaron personajes negros en cómics como un medio para invalidar a los grupos negros militantes que luchaban por la igualdad dentro de los EE. UU. 'Spider-Man' dejó en claro que el poder negro militante no era el remedio para la injusticia racial'." "El Halcón criticó abiertamente el comportamiento de los negros afirmando que' tal vez sea importante para nosotros [sic] calmar las cosas, para que podamos proteger los derechos por los que hemos estado luchando. para'." Esta representación y el desarrollo del carácter de los personajes negros se puede atribuir en parte al hecho de que, durante este tiempo, "rara vez se había permitido a un artista o escritor negro en una importante compañía de cómics".
Los personajes asiáticos recibieron el mismo trato en los cómics que los personajes negros. Fueron deshumanizados y la narrativa que se promovía era que eran "incompetentes e infrahumanos". "Un número de 1944 de United States Marines incluía una narración titulada The Smell of the Monkeymen. La historia muestra a los soldados japoneses como simios brutos cuyo repugnante olor corporal delata sus ubicaciones ocultas. Los caracteres chinos recibieron el mismo tratamiento. "Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, las percepciones negativas de los chinos eran una parte establecida de la cultura de masas..." Sin embargo, preocupados de que los japoneses pudieran utilizar el material anti-chino de Estados Unidos como propaganda, comenzaron a 'presentar una imagen más positiva de los aliados chinos de Estados Unidos...' Así como intentaron mostrar una mejor representación de los negros en los cómics, hicieron lo mismo con los asiáticos. Sin embargo, los caracteres japoneses y filipinos eran visualmente indistinguibles. Ambos grupos tienen dientes grotescos, ropa andrajosa y piel de color amarillo brillante." "Los editores representaron a los aliados asiáticos de Estados Unidos a través de imágenes despectivas y un lenguaje perfeccionado durante las décadas anteriores". Los personajes asiáticos se representaban anteriormente como "espantosos demonios amarillos". Durante la Segunda Guerra Mundial, "[cada] gran superhéroe digno de su spandex se dedicó a la erradicación de los invasores asiáticos". Había 'una carrera de relevos constante en la que una cultura asiática simplemente entregaba la batuta del odio a otra sin cambios perceptibles en la forma en que se representaban los personajes'.
"La única representación específica de un superhéroe hispano no terminó bien. En 1975, Marvel nos dio a Héctor Ayala (también conocido como El tigre blanco)." “Aunque luchó durante varios años junto a héroes mucho más populares como Spider-Man y Daredevil, solo duró seis años antes de que las ventas de cómics con él fueran tan malas que Marvel hizo que se retirara. El personaje hispano más famoso es Bane, un villano de Batman."
La representación de los nativos americanos en los cómics "se puede resumir en el estereotipo del buen salvaje" " un tema recurrente... instó a los indios americanos a abandonar su tradicional hostilidad hacia los Estados Unidos. Ellos fueron los que fueron pintados como intolerantes e irrespetuosos con las preocupaciones dominantes de la América blanca.
Cómics de Asia oriental
Manga japonesa
(feminine)Manga (漫画) son cómics o novelas gráficas que se originan en Japón. La mayoría del manga se ajusta a un estilo desarrollado en Japón a fines del siglo XIX, aunque la forma de arte tiene una larga prehistoria en el arte japonés anterior. El término manga se usa en Japón para referirse tanto a los cómics como a las caricaturas. Fuera de Japón, la palabra se usa típicamente para referirse a los cómics publicados originalmente en el país.
Dojinshi
Dōjinshi (同人誌, fan magazine), cómics japoneses hechos por fans, operan en un ámbito mucho más grande mercado en Japón que el estadounidense "cómics clandestinos" mercado; la feria de dōjinshi más grande, Comiket, atrae a 500.000 visitantes dos veces al año.
Manhwa coreana
(feminine)El manhwa coreano ha ganado rápidamente popularidad fuera de Corea en los últimos tiempos como resultado de la ola coreana. La industria del manhwa ha sufrido dos colapsos y una estricta censura desde sus inicios como resultado de la ocupación japonesa de la península que frena el crecimiento de la industria, pero ahora ha comenzado a florecer gracias en parte a Internet y nuevas formas de leer manhwa. ya sea en computadoras o a través de teléfonos inteligentes. En el pasado, el manhwa se comercializaba como manga fuera del país para asegurarse de que se vendiera bien, pero ahora eso ya no es necesario, ya que más personas conocen mejor la industria y la cultura coreana.
Webtoons
Los webtoons se han vuelto populares en Corea del Sur como una nueva forma de leer cómics. Gracias en parte a las diferentes reglas de censura, el color y los efectos visuales únicos, y la optimización para facilitar la lectura en teléfonos inteligentes y computadoras. Más manhwa han hecho el cambio de manhwa impreso tradicional a webtoons en línea gracias a mejores salarios y más libertad que el manhwa impreso tradicional. El formato webtoon también se ha expandido a otros países fuera de Corea, como China, Japón, el sudeste asiático y los países occidentales. Los principales distribuidores de webtoon incluyen Lezhin, Naver y Kakao.
Manhua china
(feminine)Vietnamita truyện tranh
Cómics europeos
Cómics franco-belgas
Francia y Bélgica tienen una larga tradición en cómics y libros de historietas, a menudo llamados BDs (una abreviatura de bandes dessinées, que significa literalmente "tiras dibujadas").;) en francés y strips en holandés o flamenco. Los cómics belgas escritos originalmente en holandés muestran la influencia de la lengua francófona "franco-belga" cómics pero tienen su propio estilo distintivo.
Cómics británicos
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Aunque Ally Sloper's Half Holiday (1884) estaba dirigido a un mercado para adultos, los editores se dirigieron rápidamente a un grupo demográfico más joven, lo que ha llevado a que la mayoría de las publicaciones sean para niños y ha creado una asociación en la mente del público de los cómics como algo juvenil. The Guardian se refiere a Ally Sloper como "uno de los primeros personajes de dibujos animados icónicos del mundo" y "tan famoso en la Gran Bretaña victoriana como lo sería Dennis the Menace". un siglo después." Los cómics británicos de principios del siglo XX evolucionaron típicamente a partir de novelas ilustradas de la era victoriana (con Sweeney Todd, Dick Turpin y Varney the Vampire). Publicado por primera vez en la década de 1830, Penny Dreadfuls fue la primera prueba de la cultura popular producida en masa para los jóvenes en Gran Bretaña.
Los dos cómics británicos más populares, The Beano y The Dandy, fueron publicados por primera vez por DC Thomson en la década de 1930. Hacia 1950 la tirada semanal de ambos alcanzaba los dos millones. Al explicar la enorme popularidad de los cómics en el Reino Unido durante este período, Anita O'Brien, directora curadora del Cartoon Museum de Londres, afirma: 'Cuando los cómics como Beano y Dandy se inventaron en la década de 1930 – y hasta las décadas de 1950 y 1960 – estos cómics eran casi el único entretenimiento disponible para los niños." Dennis the Menace se creó en la década de 1950, cuando las ventas de The Beano se dispararon. Aparece en la portada de The Beano, y la BBC se refiere a él como el "niño travieso definitivo del mundo del cómic".
En 1954, los cómics de Tiger presentaron Roy of the Rovers, la muy popular tira basada en el fútbol que cuenta la vida de Roy Race y el equipo en el que jugó, Melchester Rovers. La frase de los medios de comunicación "real 'Roy of the Rovers' cosas" es usado a menudo por escritores de fútbol, comentaristas y fanáticos cuando describen demostraciones de gran habilidad o resultados sorprendentes que van en contra de las probabilidades, en referencia a las tramas dramáticas que eran la marca registrada de la tira. Otros cómics como Eagle, Valiant, Warrior, Viz y 2000 AD también floreció. Algunos cómics, como Judge Dredd y otros títulos de 2000 AD, se han publicado en forma de tabloide. Cómics clandestinos y "pequeña prensa" También han aparecido títulos en el Reino Unido, en particular Oz y Escape Magazine.
El contenido de Action, otro título dirigido a los niños y lanzado a mediados de la década de 1970, se convirtió en tema de discusión en la Cámara de los Comunes. Aunque en una escala menor que investigaciones similares en los EE. UU., tales preocupaciones llevaron a una moderación del contenido publicado dentro de los cómics británicos. Tal moderación nunca llegó a formalizarse hasta el punto de promulgar un código, ni duró mucho. El Reino Unido también ha establecido un mercado próspero en la reimpresión y el reenvasado de material, en particular material procedente de EE.UU. La falta de suministros confiables de cómics estadounidenses dio lugar a una variedad de reimpresiones en blanco y negro, incluidos los cómics de monstruos de Marvel de la década de 1950, el Capitán Marvel de Fawcett y otros personajes como Sheena, Mandrake the El Mago y el Fantasma. Varias empresas de reimpresión se involucraron en el reenvasado de material estadounidense para el mercado británico, en particular el importador y distribuidor Thorpe & Portero. Marvel Comics estableció una oficina en el Reino Unido en 1972. DC Comics y Dark Horse Comics también abrieron oficinas en la década de 1990. El reenvasado de material europeo se ha producido con menos frecuencia, aunque las series Las aventuras de Tintín y Asterix se han traducido y reenvasado con éxito en libros de tapa blanda. El número de cómics europeos disponibles en el Reino Unido ha aumentado en las últimas dos décadas. La compañía británica Cinebook, fundada en 2005, ha lanzado versiones traducidas al inglés de muchas series europeas.
En la década de 1980, un resurgimiento de escritores y artistas británicos ganó prominencia en los cómics convencionales, lo que se denominó la "invasión británica" en la historia del cómic. Estos escritores y artistas trajeron consigo sus propios temas y filosofías maduros, como la anarquía, la controversia y la política, comunes en los medios británicos. Estos elementos allanarían el camino para modelos maduros y "más oscuros y atrevidos" cómics y poner en marcha la era moderna de los cómics. Los escritores incluyeron a Alan Moore, famoso por su V de Vendetta, From Hell, Watchmen, Marvelman y La Liga de los Hombres Extraordinarios; Neil Gaiman con los mitos de The Sandman y Books of Magic; Warren Ellis, creador de Transmetropolitan y Planetary; y otros como Mark Millar, creador de Wanted y Kick-Ass. La serie de cómics John Constantine, Hellblazer, ambientada en gran parte en Gran Bretaña y protagonizada por el mago John Constantine, allanó el camino para escritores británicos como Jamie Delano.
En Navidad, los editores vuelven a empaquetar y encargan material para cómics anuales, impresos y encuadernados como libros de tapa dura de tamaño A4; "Ruperto" proporciona un famoso ejemplo del cómic anual británico. DC Thomson también vuelve a empaquetar las tiras de The Broons y Oor Wullie en libros de tapa blanda tamaño A4 para la temporada navideña.
El 19 de marzo de 2012, el servicio postal británico, Royal Mail, lanzó una serie de sellos con personajes y series de cómics británicos. La colección contó con The Beano, The Dandy, Eagle, The Topper, Roy of the Rovers, Bunty, Buster, Valiant, Twinkle y 2000 AD.
Tebeos españoles
Se ha afirmado que las Cantigas de Santa María del siglo XIII podrían considerarse como el primer "comic" español, aunque las historietas (también conocidas en España como historietas o tebeos) debutaron alrededor de 1857. La revista TBO influyó en la popularización del medio. Tras la Guerra Civil española, el régimen franquista impuso una estricta censura en todos los medios: se prohibieron los cómics de superhéroes y, en consecuencia, los héroes cómicos se basaron en la ficción histórica (en 1944, el héroe medieval El Guerrero del Antifaz fue creado por Manuel Gago y otro héroe popular medieval, Capitán Trueno, fue creado en 1956 por Víctor Mora y Miguel Ambrosio Zaragoza). Dos editoriales, Editorial Bruguera y Editorial Valenciana, dominaron el mercado del cómic español durante su época dorada (1950-1970). Los tebeos más populares mostraban un estilo reconocible de humor slapstick (influenciado por autores franco-belgas como Franquin): Carpanta y Zipi y Zape de Escobar, Vázquez&# 39;s Las hermanas Gilda y Anacleto, Ibáñez's Mortadelo y Filemón y 13. Rue del Percebe o Jan's Superlópez. Tras el final del franquismo, aumentó el interés por el cómic adulto con revistas como Totem, El Jueves, 1984 y El Víbora, y obras como Paracuellos de Carlos Giménez.
Tradicionalmente, los artistas españoles han trabajado en otros mercados con gran éxito, ya sea en el estadounidense (por ejemplo, los ganadores del Premio Eisner Sergio Aragonés, Salvador Larroca, Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín o David Aja), el británico (por ejemplo, Carlos Ezquerra, cocreador de Judge Dredd) o el franco-belga (por ejemplo, el ganador del Fauve d'Or Julio Ribera o los autores de Blacksad Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido).
Cómics italianos
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En Italia, los cómics (conocidos en italiano como fumetti) debutaron como tiras cómicas a finales del siglo XIX y luego evolucionaron hacia las historias de aventuras. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Hugo Pratt y Guido Crepax expusieron los cómics italianos a una audiencia internacional. Libros de historietas populares como Diabolik o la línea Bonelli, es decir, Tex Willer o Dylan Dog, siguen siendo los más vendidos..
Los cómics convencionales generalmente se publican mensualmente, en formato de resumen en blanco y negro, con aproximadamente 100 a 132 páginas. También son habituales las colecciones de material clásico de los personajes más famosos, normalmente con más de 200 páginas. Los cómics de autor se publican en formato BD francés, por ejemplo, Corto Maltese de Pratt.
Los dibujantes italianos muestran la influencia de los cómics de otros países, incluidos Francia, Bélgica, España y Argentina. Italia también es famosa por ser uno de los principales productores de historietas de Walt Disney fuera de los EE. UU.; El alter ego del superhéroe del Pato Donald, Paperinik, conocido en inglés como Superduck, fue creado en Italia.
Cómics en otros países
Distribución
Históricamente, la distribución ha sido un problema para la industria de los cómics, ya que muchos minoristas principales se niegan a tener grandes existencias de los cómics más interesantes y populares. El smartphone y la tablet han resultado ser un medio idóneo para la distribución online.
Distribución digital
El 13 de noviembre de 2007, Marvel Comics lanzó Marvel Digital Comics Unlimited, un servicio de suscripción que permite a los lectores leer muchos cómics de la historia de Marvel en línea. El servicio también incluye el lanzamiento periódico de nuevos cómics que no están disponibles en otros lugares. Con el lanzamiento de Avenging Spider-Man #1, Marvel también se convirtió en la primera editorial en proporcionar copias digitales gratuitas como parte de la copia impresa del cómic.
Con la creciente popularidad de los teléfonos inteligentes y las tabletas, muchas editoriales importantes han comenzado a publicar títulos en formato digital. La plataforma más popular es comiXology. Algunas plataformas, como Graphicly, se han cerrado.
Colecciones de historietas en bibliotecas
Muchas bibliotecas tienen extensas colecciones de cómics en forma de novelas gráficas. Esta es una manera conveniente para que muchos en el público se familiaricen con el medio.
Récords mundiales Guinness
En 2015, el mangaka japonés Eiichiro Oda recibió el título Guinness World Records por tener la "Más copias publicadas de la misma serie de cómics por un solo autor". Su serie de manga One Piece, que escribe e ilustra, ha sido serializada en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump desde diciembre de 1997, y para 2015, se habían publicado 77 volúmenes recopilados.. Guinness World Records informó en su anuncio que los volúmenes recopilados de la serie habían vendido un total de 320 866 000 unidades. One Piece también posee el título de Guinness World Records por "Más copias publicadas para la misma serie de manga".
El 5 de agosto de 2018, el título Guinness World Records del "cómic más grande jamás publicado" fue otorgado al cómic brasileño Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo!, publicado por Panini Comics Brasil y Mauricio de Sousa Produções. El cómic mide 69,9 cm por 99,8 cm (2 pies 3,51 pulgadas por 3 pies 3,29 pulgadas). El cómic de 18 páginas tuvo una tirada de 120 copias.
Con la publicación en julio de 2021 del volumen recopilatorio número 201 de su serie de manga Golgo 13, el mangaka japonés Takao Saito recibió el título Guinness World Records por "La mayoría de los volúmenes publicados para una sola serie de manga." Golgo 13 ha sido serializado continuamente en la revista japonesa Big Comic desde octubre de 1968, lo que también lo convierte en el manga más antiguo aún en publicación.