Leo ornstein
Leo Ornstein (nacido Лев Орнштейн, Lev Ornshteyn; c. 11 de diciembre de 1895 - 24 de febrero de 2002) fue un compositor y pianista experimental estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores de vanguardia y sus propias piezas innovadoras e incluso impactantes lo convirtieron en una causa célebre a ambos lados del Atlántico. La mayor parte de sus obras experimentales fueron escritas para piano.
Ornstein fue el primer compositor importante en hacer un uso extensivo del grupo de tonos. Como pianista, fue considerado un talento de clase mundial. A mediados de la década de 1920, se alejó de su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de los cuarenta años, continuó escribiendo música durante otro medio siglo y más. En gran parte olvidado durante décadas, fue redescubierto a mediados de la década de 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990 a la edad de noventa y cuatro años, lo que lo convirtió en el compositor publicado de mayor edad en la historia en ese momento (una marca que ya pasó Elliott Carter).
Primeros años
Ornstein nació en Kremenchug, Gobernación de Poltava, Imperio Ruso (hoy parte de Ucrania). Creció en un ambiente musical: su padre era un cantor judío (Hazzan), mientras que un tío violinista alentó los estudios del niño. Ornstein fue reconocido desde el principio como un prodigio del piano; en 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó tocar a Ornstein, de seis años. Hofmann le dio una carta de recomendación para el prestigioso Conservatorio de San Petersburgo. Poco después, Ornstein fue aceptado como alumno en la Escuela Imperial de Música de Kiev, entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilowitsch lo escuchó tocar y lo recomendó al Conservatorio de Moscú. En 1904, Ornstein, de nueve años, hizo una audición y fue aceptado en la escuela de San Petersburgo. Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova. A la edad de once años, Ornstein se ganaba la vida entrenando a cantantes de ópera. Para escapar de los pogromos incitados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso, la familia emigró a Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. Se instalaron en el Lower East Side de Nueva York y Ornstein se matriculó en el Instituto de Arte Musical, antecesor de la Juilliard School, donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper. En 1911, hizo un debut bien recibido en Nueva York con piezas de Bach, Beethoven, Chopin y Schumann. Grabaciones dos años después de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador musical Michael Broyles, "un pianista de sensibilidad, prodigiosa habilidad técnica y madurez artística".
Fama y "futurismo"
Ornstein pronto se movió en una dirección muy diferente. Comenzó a componer obras que contenían sonidos disonantes y sorprendentes. El propio Ornstein estaba inquieto por la primera de estas composiciones: "Realmente dudé de mi cordura al principio". Simplemente dije, ¿qué es eso? Estaba completamente alejado de cualquier experiencia que haya tenido." El 27 de marzo de 1914, en Londres, realizó su primera representación pública de obras entonces llamadas 'futuristas', ahora conocidas como modernistas. Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg, Ornstein interpretó varias de sus propias composiciones. El concierto causó un gran revuelo. Un periódico describió el trabajo de Ornstein como "la suma de Schoenberg y Scriabine [sic] al cuadrado". Otros fueron más analíticos: "Nunca hemos sufrido una fealdad tan insoportable, expresada en términos de la llamada música".
La actuación de seguimiento de Ornstein provocó casi un alboroto: "En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa". Yo mismo no podía escuchar el piano. La multitud silbó y aulló e incluso arrojó prácticos misiles al escenario." Sin embargo, la reacción no fue universalmente negativa: el Musical Standard lo llamó "uno de los compositores más notables de la época... [con] ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genialidad." Al año siguiente, fue el tema de conversación de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras de vanguardia de Schoenberg, Scriabin, Bartók, Debussy, Kodály, Ravel y Stravinsky (muchas de ellas estrenos en EE., composiciones aún más radicales.
Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando prácticamente dejó de actuar en público, Ornstein fue una de las figuras más conocidas (en cierto modo, notorias) de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "atracción" fue inmensa. Actuó constantemente ante salas llenas, a menudo más de dos mil, en muchos lugares la 'mayor audiencia de la temporada.'& #34; Sus piezas para piano solo, como Wild Men's Dance (también conocida como Danse Sauvage; ca. 1913–14) e Impressions of the Thames (ca. 1913–14) fue pionero en el uso integrado del grupo de tonos en la composición de música clásica, que Henry Cowell, tres años menor que Ornstein, haría aún más por popularizar. En la descripción del erudito Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente y rebelde, compuesta de densos conjuntos de acordes... y acentos brutales. Ritmos complejos y acordes gigantescos que chocan atraviesan todo el rango del piano. Esta sigue siendo una obra para un gran virtuoso capaz de imbuirla de una energía ardiente y feroz." Aaron Copland recordó una actuación como el momento más controvertido de sus últimos años de adolescencia. En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo impactante". Según el crítico Kyle Gann, Impressions of the Thames, "si Debussyan en sus texturas utilizó acordes más espinosos de los que Debussy jamás se atrevió, y también agrupaciones en el rango de agudos y un golpeteo bajo que presagiaba Carlomagno Palestina, pero modulada... con un convincente sentido de unidad."
Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para violín y piano (1915; no 1913, como suele darse erróneamente) fue incluso más allá; "al borde", como él lo expresó: "Diría que [la sonata] había llevado la música hasta el límite... Simplemente retrocedí y dije: " 39;más allá de eso se encuentra el caos total.'" En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo ciertamente se ha movido entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". Esa primavera, Ornstein dio una serie de recitales en la casa de Nueva York de uno de sus defensores; estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales prosperaría la escena musical moderna en la década de 1920. Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz. Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:
Nunca pensé que debería vivir para escuchar el sonido de Arnold Schoenberg, pero sí suena —casi tímido y detenido— después de Ornstein quien es, más enfáticamente, el único compositor verdadero, genuino, futurista vivo.
Además de "futurista", Ornstein también fue a veces etiquetado, junto con Cowell y otros en su círculo, como "ultramodernista". Un artículo en el Baltimore Evening Sun se refirió a él como "el pianista intransigente, que ha puesto a todo el mundo musical por las orejas y que es probablemente la figura más discutida en el escenario de los conciertos.& #34; En The Musical Quarterly fue descrito como "el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo". El compositor nacido en Suiza Ernest Bloch lo declaró "el único compositor en Estados Unidos que muestra signos positivos de genialidad".
En 1918, Ornstein era lo suficientemente famoso como para publicar una biografía completa de él. El libro, de Frederick H. Martens, sugiere no solo el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su efecto divisivo en la escena cultural:
Leo Ornstein a muchos representa a un genio musical malo vagando sin el máximo pálido de la ortodoxia tonal, en una extraña tierra de No-Man atormentada con sonido tortuoso, con velos de desesperación futurista, con chillidos cubistas y gritos post-impresionistas y accidentes. Es el gran anarquista, el iconoclasta.
Cowell, que había conocido a Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, seguiría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también implicaba escritos ambiciosos sobre teoría musical y esfuerzos de publicación y promoción en apoyo de la vanguardia. guardia Ornstein, el iconoclasta de vanguardia de la música clásica estadounidense, siguió a una musa mucho más idiosincrásica: "Me guío completamente solo por mi instinto musical en cuanto a lo que siento que es importante o intrascendente". Prueba de ello es el hecho de que, incluso en el apogeo de su notoriedad ultramodernista, también escribió varias obras líricas y tonales, como la Primera Sonata para violonchelo y piano: "[Esta] escrita en menos de una semana bajo una compulsión que no podía ser resistida”, dijo más tarde Ornstein. "Por qué debería haber escuchado esta pieza romántica en el mismo período en que estaba tumultuosamente involucrado en el primitivismo de [otras obras] está más allá de mi comprensión." Al comentar sobre la pieza después de la muerte de Ornstein, aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "competencia con la [sonata para violonchelo] de Rachmaninov en magníficas melodías".
Antes del cambio de década, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein produjo una de sus obras más distintivas que involucraba grupos de tonos, Suicidio en un avión. Su partitura requiere un patrón de ostinato de graves de alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación de vuelo. La pieza serviría de inspiración para la Airplane Sonata (1923) de George Antheil, quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como la Sonata Sauvage (1923). Escribiendo en 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicide in an Airplane entre esas piezas de Ornstein que "representaban (y aún pueden representar) el ne plus ultra de violencia pianística."
Transición en la década de 1920
Ornstein, agotado, renunció efectivamente a su célebre carrera como actor a principios de la década de 1920. Su 'música pronto se olvidó', escribe el académico Erik Levi, dejándolo 'una figura esencialmente periférica en la vida musical estadounidense'. Tal como lo describe Broyles, "Ornstein casi se había retirado cuando aparecieron las nuevas organizaciones musicales de la década de 1920". Demasiado temprano y demasiado independiente, Ornstein tenía poco deseo de participar en el movimiento modernista en el momento en que se arraigó en los Estados Unidos... [Él] parecía poco preocupado por la publicidad o la falta de ella. Solo escuchaba su propia voz."
El estilo compositivo principal de Ornstein también estaba cambiando. Como lo describe el crítico de los últimos días Gordon Rumson, su
el lenguaje musical se organizó en una gradación brillante y luminosa entre simplicidad y dureza. Las melodías tienen un tinte hebraico, y Ornstein no tímido de colocar música dissonante y tonal lado a lado. Este cambio de estilo es sólo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una dirección de emoción que hace que la música sea realmente atractiva. También cabe señalar que su música está idealmente escrita para el piano y es claramente el trabajo de un pianista maestro.
Esta transformación contribuyó al desvanecimiento de Ornstein en la oscuridad. Aquellos a quienes había inspirado ahora lo rechazaban, casi con tanta vehemencia como los críticos a los que había escandalizado una década antes. '[Él] había sido el chico del cartel del modernismo radical a lo largo de la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despreciado', según Broyles. "Ni siquiera Cowell, conocido por su temperamento de aceptación, pudo perdonar a Ornstein".
Habiendo abandonado no solo el escenario del concierto, sino también los ingresos que lo acompañaban, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para hacer rollos de piano. Hizo más de dos docenas de rollos para Ampico, la mayoría de un repertorio no modernista; los compositores que interpretó con mayor frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt. Dos rollos contenían sus propias composiciones: Berceuse (Cradle Song) (ca. 1920–21) y Prélude tragique (1924). Ornstein nunca grabó, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que lo habían llevado a la fama.
A mediados de la década de 1920, Ornstein se fue de Nueva York para aceptar un puesto de profesor en la Academia Musical de Filadelfia, que luego formaría parte de la Universidad de las Artes. Durante este período, escribió algunas de sus obras más importantes, incluido el Concierto para piano, encargado por la Orquesta de Filadelfia en 1925. Dos años más tarde, produjo su Quinteto para piano. Una obra tonal épica marcada por un uso aventurero de la disonancia y arreglos rítmicos complejos, es reconocida como una obra maestra del género.
Vida posterior
A principios de la década de 1930, Ornstein realizó su última actuación pública. Unos años más tarde, él y su esposa, la ex Pauline Cosio Mallet-Prèvost (1892–1985), también pianista, fundaron la Escuela de Música Ornstein en Filadelfia. Entre los estudiantes allí, John Coltrane y Jimmy Smith seguirían carreras importantes en el jazz. Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta que cerró con su jubilación en 1953. Esencialmente desaparecieron de la vista del público hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora musical Vivian Perlis: la pareja estaba pasando el invierno en un tráiler de Texas. park (también tenían una casa en New Hampshire). Ornstein había seguido componiendo música; equipado con una memoria poderosa, no fue diligente en escribirlo todo y no había tratado de publicitarlo durante décadas. Aunque su estilo se había templado mucho desde la década de 1910, conservó su carácter único y con su redescubrimiento llegó un nuevo estallido de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein en sus años ochenta, como Solitude y Rendezvous at the Lake, presentaban melodías que "surgían a través de un sinfín de florituras ornamentadas que no recordaban a ningún otro compositor."
En 1988, Ornstein, de noventa y dos años, escribió su séptima sonata para piano. Con esta composición, Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado más antiguo, hasta Elliott Carter, en producir una obra nueva sustancial. El 23 de septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, Ornstein completó su última obra, la Octava Sonata para piano. Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no solo el paso de un lapso de tiempo notable, sino también un sentido del humor inquebrantable y un espíritu explorador: I. 'Life's Turmoil and a Few Bits of Satire' #34; / II. "Un viaje al ático: una lágrima o dos por una infancia que se ha ido para siempre" (a. "El corneta" / b. "Un lamento por un juguete perdido" / c. "Una cuna medio mutilada—Berceuse" / d. &# 34;Primer paseo en carrusel y sonidos de zanfoña") / III. "Disciplinas e improvisaciones." Al revisar el debut de la obra en Nueva York, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura rugiente del primer y el tercer movimiento, el movimiento intermedio es una suite de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de la infancia descubiertos en un ático". Aunque completamente incongruente, el cambio de tono es audaz y la música encantadora. El público escuchó embelesado y luego estalló en aplausos."
El 24 de febrero de 2002, Ornstein murió en Green Bay, Wisconsin. A la edad de 106 años, fue uno de los compositores más longevos.
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