Lección de música

Un profesor usando una pizarra para ilustrar una lección de música en Nueva Orleans en 1940

Juilliard School of Music Chamber Orchestra. Aunque las lecciones son a menudo individuales (un maestro y un estudiante), también se realizan clases de grupo o sesiones de entrenamiento.

Las lecciones de música son un tipo de instrucción formal para tocar un instrumento musical o cantar. Por lo general, un estudiante que toma lecciones de música se encuentra con un profesor de música para sesiones de capacitación individuales que van desde 30 minutos hasta una hora de duración durante un período de semanas o años. Dependiendo de las lecciones a impartir, los estudiantes aprenden diferentes habilidades relacionadas con los instrumentos utilizados. Los profesores de música también asignan ejercicios técnicos, piezas musicales y otras actividades para ayudar a los estudiantes a mejorar sus habilidades musicales. Si bien la mayoría de las lecciones de música son individuales (privadas), algunos maestros también enseñan a grupos de dos a cuatro estudiantes (lecciones semiprivadas) y, para instrucción muy básica, algunos instrumentos se enseñan en lecciones de grupos grandes, como piano. y guitarra acústica. Desde la disponibilidad generalizada de alta velocidad. Internet de baja latencia, las lecciones privadas también pueden realizarse a través de video chat en vivo usando cámaras web, micrófonos y videotelefonía en línea.

Las lecciones de música son parte tanto de la instrucción musical amateur como de la formación profesional. En contextos de música amateur y recreativa, niños y adultos toman lecciones de música para mejorar sus habilidades de canto o interpretación instrumental y aprender técnicas básicas a intermedias. En contextos de formación profesional, como conservatorios de música, programas universitarios de interpretación musical (por ejemplo, Licenciatura en música, Maestría en música, DMA, etc.), los estudiantes que aspiran a una carrera como músicos profesionales toman una lección de música una vez por semana durante una hora o más. más con un profesor de música durante un período de años para aprender técnicas avanzadas de interpretación o canto. Muchos intérpretes y cantantes instrumentales, incluidas varias celebridades de la música pop, han aprendido música "de oído", especialmente en estilos de música folclórica como el blues y estilos populares como la música rock. Sin embargo, incluso en estilos folclóricos y populares, varios artistas han recibido algún tipo de lecciones de música, como reunirse con un entrenador de canto o recibir instrucción en la infancia en un instrumento como el piano.

Postura

Profesor de la Escuela de Música de Manhattan Timothy Cobb enseñando una lección de bajo a finales de los años 2000

Para las lecciones de canto, los maestros les muestran a los estudiantes cómo sentarse o pararse y respirar, y cómo colocar la cabeza y la boca para lograr un buen tono vocal. Para las lecciones de instrumentos, los maestros muestran a los estudiantes cómo sentarse o pararse con el instrumento, cómo sostener el instrumento y cómo manipular los dedos y otras partes del cuerpo para producir tonos y sonidos del instrumento. Para los instrumentos de viento y metal, el maestro muestra al alumno cómo usar los labios, la lengua y la respiración para producir tonos y sonidos. Para algunos instrumentos, los maestros también entrenan a los estudiantes en el uso de los pies, como en el caso del piano u otros instrumentos de teclado que tienen pedales de amortiguación o sostenido en el piano, el teclado de pedales en un órgano de tubos y algunos tambores y platillos en el kit de batería, como el pedal de bombo y el pedal de charles. Además de enseñar digitación, los maestros también brindan otros tipos de instrucción. Un guitarrista clásico aprende a rasguear y pulsar cuerdas; los músicos de instrumentos de viento aprenden sobre el control de la respiración y la embocadura, y los cantantes aprenden a aprovechar al máximo sus cuerdas vocales sin lastimarse la garganta o las cuerdas vocales.

Los profesores también les muestran a los estudiantes cómo lograr la postura correcta para obtener resultados de juego más eficientes. Para todos los instrumentos, la mejor manera de mover los dedos y los brazos para lograr el efecto deseado es aprender a tocar con la menor tensión posible en las manos y el cuerpo. Esto también previene la formación de hábitos que pueden dañar el marco esquelético y los músculos. Por ejemplo, al tocar el piano, tocar los dedos (qué dedos poner en qué teclas) es una habilidad que se aprende lentamente a medida que el alumno avanza, y existen muchas técnicas estándar que un maestro puede transmitir.

Existen muchos mitos y conceptos erróneos entre los profesores de música, especialmente en la tradición clásica occidental, acerca de lo "bueno" postura y "malo" postura. Los estudiantes que descubren que tocar sus instrumentos les causa dolor físico deben comunicárselo a sus maestros' atención. Podría ser un riesgo potencialmente grave para la salud, pero a menudo se pasa por alto cuando se aprende a tocar un instrumento. Aprender a usar el cuerpo de una manera consistente con la forma en que su anatomía está diseñada para funcionar puede significar la diferencia entre una lesión paralizante y una vida de disfrute. Muchos profesores de música advertirían a los estudiantes acerca de tomar "sin dolor, sin ganancia" como una respuesta aceptable de su profesor de música con respecto a una queja de dolor físico. Las preocupaciones sobre las lesiones relacionadas con el uso y la ergonomía de la maestría musical han ganado una mayor aceptación en los últimos años. Los músicos recurren cada vez más a profesionales médicos, fisioterapeutas y técnicas especializadas que buscan aliviar el dolor y prevenir lesiones graves. Existe una pluralidad de técnicas especiales para una pluralidad aún mayor de dificultades potenciales. La Técnica Alexander es solo un ejemplo de estos enfoques especializados.

Teoría e historia

Para entender completamente la música que se toca, el estudiante debe aprender los conceptos básicos de la teoría musical subyacente. Junto con la notación musical, los estudiantes aprenden técnicas rítmicas, como controlar el tempo, reconocer las firmas de tiempo y la teoría de la armonía, incluidos los acordes y las firmas clave. Además de la teoría básica, un buen profesor enfatiza la musicalidad, o cómo hacer que la música suene bien. Esto incluye cómo crear un tono bueno y agradable, cómo hacer frases musicales y cómo usar la dinámica (volumen y suavidad) para hacer que la pieza o canción sea más expresiva.

La mayoría de las lecciones de música incluyen alguna instrucción sobre la historia del tipo de música que el estudiante está aprendiendo. Cuando un estudiante toma lecciones de música clásica occidental, los profesores de música a menudo pasan algún tiempo explicando las diferentes eras de la música clásica occidental, como la Era Barroca, la Era Clásica, la Era Romántica y la era de la música clásica contemporánea, porque cada era es asociado con diferentes estilos de música y diferentes técnicas de práctica de interpretación. La música instrumental de la era barroca a menudo se toca en la década de 2000 como piezas didácticas para estudiantes de piano, instrumentistas de instrumentos de cuerda e instrumentos de viento. Si los estudiantes simplemente intentan tocar estas piezas barrocas leyendo las notas de la partitura, es posible que no obtengan el tipo correcto de interpretación. Sin embargo, una vez que un estudiante aprende que la mayor parte de la música instrumental barroca estaba asociada con bailes, como la gavota y la zarabanda, y que la música de teclado de la era barroca se tocaba en el clavicémbalo o el órgano de tubos, un estudiante de hoy en día es más capaz de entender cómo se debe tocar la pieza. Si, por ejemplo, a un violonchelista se le asigna una gavota que se escribió originalmente para clavecín, esto le da al estudiante una idea de cómo tocar la pieza. Dado que es un baile, debe tener un pulso regular y claro, en lugar de un tempo rubato cambiante al estilo de la era romántica. Además, dado que originalmente se escribió para el clavicémbalo, un instrumento de teclado de sonido ligero en el que las cuerdas se puntean con púas, esto sugiere que las notas deben tocarse con relativa suavidad y con espacios entre cada nota, en lugar de tocarlas de forma completa. -legato sostenido y con cuerpo.

Ejercicios técnicos

Aunque no se acepta universalmente, muchos maestros enseñan a los estudiantes a tocar repetitivamente ciertos patrones, como escalas, arpegios y ritmos. Las escalas a menudo se enseñan porque son los componentes básicos de la melodía en la mayoría de la música artística occidental. Además, existen estudios de flexibilidad, que facilitan físicamente la ejecución del instrumento. Los instrumentos de percusión usan rudimentos que ayudan en el desarrollo de patrones pegados, técnicas de balanceo y otros pequeños matices como flams y drags.

Hay conjuntos de ejercicios para piano diseñados para estirar la conexión entre los dedos anular y quinto, haciéndolos más independientes. Los músicos de metales practican ligaduras de labios, que son cambios no articulados en la embocadura entre parciales. Los músicos de viento de madera (saxofón, clarinete y flauta) tienen una multitud de ejercicios para ayudar con las técnicas de lengua, la destreza de los dedos y el desarrollo del tono. Se han escrito libros completos de estudios con este propósito.

Piezas

Los profesores normalmente asignan a los estudiantes piezas (o canciones para estudiantes de canto) de dificultad que aumenta lentamente. Además de usar piezas para enseñar varios rudimentos musicales (ritmo, armonía, tono, etc.) y enseñar los elementos de un buen estilo para tocar (o cantar), un buen maestro también inspira cualidades más intangibles, como la expresividad y la maestría musical. Las piezas (o canciones) son más agradables para la mayoría de los estudiantes que la teoría o los ejercicios de escala, y generalmente se requiere un énfasis en el aprendizaje de nuevas piezas para mantener a los estudiantes. motivación. Sin embargo, el maestro no debe acomodarse demasiado al deseo de "diversión" piezas. A menudo, la idea del estudiante de música divertida son selecciones vocales populares, bandas sonoras de películas y temas musicales de programas de televisión, etc. se pueden interpretar piezas, las piezas también deben seleccionarse por razones pedagógicas, como desafiar al estudiante y perfeccionar sus habilidades. Los estudiantes deben aprender algo de cada pieza que tocan. Además, para que los estudiantes sean completos, deben tocar muchos tipos de piezas de compositores y compositores de diferentes épocas, desde música renacentista hasta piezas de los siglos XX y XXI. Un repertorio variado aumenta la comprensión y habilidad musical del estudiante.

Exámenes

Una medida popular del progreso, especialmente para los niños, es la evaluación externa del progreso del alumno mediante un examen regular. Varias juntas de examen evalúan a los alumnos en teoría o práctica musical. Estos están disponibles para casi todos los instrumentos musicales. Un método común para marcar el progreso son los exámenes calificados, por ejemplo, desde el grado 1 (principiante) hasta el grado 8 (listo para ingresar a estudios superiores en la escuela de música). Algunos profesores prefieren otros métodos de establecimiento de objetivos para sus alumnos. El más habitual es el concierto de alumno, que da experiencia de tocar en público y bajo cierto grado de presión, sin críticas descaradas ni un sistema de puntuación más o menos arbitrario. Otro es el sistema de calificación de los libros seguido por los profesores del método Suzuki, en el que se celebra la finalización de cada libro, sin un sistema de calificación o clasificación de los alumnos.

Beneficios extramusicales

Jean-Marc Nattier, La lección de música, (1711)

Algunos estudios sugieren que las lecciones de música brindan a los niños importantes beneficios de desarrollo más allá del simple conocimiento o la habilidad de tocar un instrumento musical. La investigación sugiere que las lecciones musicales pueden mejorar la inteligencia y el rendimiento académico, desarrollar la autoestima y mejorar la disciplina. Un estudio reciente de la Fundación Rockefeller encontró que las carreras de música tienen la tasa más alta de admisión a las facultades de medicina, seguidas por la bioquímica y las humanidades. En las pruebas SAT, los puntajes promedio nacionales fueron 427 en verbal y 476 en matemáticas. Al mismo tiempo, los estudiantes de música promediaron 465 en verbal y 497 en matemáticas, 38 y 21 puntos más, respectivamente. Sin embargo, la correlación observada entre la habilidad musical y matemática puede ser inherente más que adquirida. Además, es posible que exista la correlación entre tomar lecciones de música y la capacidad académica porque ambos están fuertemente correlacionados con los ingresos y la educación de los padres. Incluso si las lecciones de música no tuvieran impacto en la capacidad académica, uno esperaría ver una correlación entre las lecciones de música y la capacidad académica. Un artículo de Inc.com titulado "Los beneficios de tocar música ayudan a su cerebro más que cualquier otra actividad" dice que los estudios muestran que aprender a tocar un instrumento musical expande la capacidad del cuerpo de las células neuronales en numerosas áreas del cerebro. También refuerza los vínculos de largo alcance entre ellos. Incluso más investigaciones muestran que la pedagogía musical puede amplificar la memoria verbal, el razonamiento espacial y las habilidades de alfabetización.

Sin embargo, las habilidades aprendidas a través de la disciplina de la música pueden transferirse a habilidades de estudio, habilidades de comunicación y habilidades cognitivas útiles en cada parte de los estudios de un niño en la escuela. Un estudio en profundidad de la Universidad de Harvard encontró evidencia de que el razonamiento espacio-temporal mejora cuando los niños aprenden a hacer música, y este tipo de razonamiento mejora temporalmente cuando los adultos escuchan ciertos tipos de música, incluido Mozart. Este hallazgo (llamado El efecto Mozart) sugiere que la música y el razonamiento espacial están relacionados psicológicamente (es decir, pueden depender de algunas de las mismas habilidades subyacentes) y quizás también neurológicamente. Sin embargo, ha habido una controversia considerable sobre esto, ya que los investigadores posteriores no pudieron reproducir los hallazgos originales de Rauscher (por ejemplo, Steele, Bass & Crook, 1999), cuestionaron tanto la teoría como la metodología del estudio original (Fudis & Lembesis 2004) y sugirió que los efectos potenciadores de la música en los experimentos se deben simplemente a un mayor nivel de excitación (Thompson, Schellenberg & Husain, 2001).

También se ha informado en la literatura de una relación entre la música y el fortalecimiento de las habilidades en matemáticas, danza, lectura, pensamiento creativo y artes visuales. (Winner, Hetland, Sanni, según lo informado en The Arts and Academic Achievement – What the Evidence Shows, 2000) Sin embargo, los hallazgos recientes del Dr. Levitin de la Universidad McGill en Montreal, Canadá, socavan la conexión sugerida entre habilidad musical y habilidades matemáticas superiores. En un estudio realizado en pacientes con síndrome de Williams (un trastorno genético que causa baja inteligencia), descubrió que a pesar de que su inteligencia era la de los niños pequeños, todavía poseían un nivel inusualmente alto de habilidad musical.