Las reglas del juego

Las reglas del juego (título original en francés: La règle du jeu) es un francés de 1939 Película satírica de comedia dramática dirigida por Jean Renoir. El elenco del conjunto incluye a Nora Gregor, Paulette Dubost, Mila Parély, Marcel Dalio, Julien Carette, Roland Toutain, Gaston Modot, Pierre Magnier y Renoir.

La interpretación de Renoir del sabio y lúgubre Octave ancla el estado de ánimo fatalista de esta pensativa comedia costumbrista. La película muestra a miembros de la sociedad francesa de clase alta y sus sirvientes justo antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial, mostrando su insensibilidad moral en vísperas de la destrucción.

En ese momento, Las reglas del juego fue la película francesa más cara que se hizo: su presupuesto original de 2,5 millones de francos finalmente aumentó a más de 5 millones de francos. En 1939, Renoir y el director de fotografía Jean Bachelet hicieron un uso extensivo del enfoque profundo y los planos largos durante los cuales la cámara se mueve constantemente, técnicas cinematográficas sofisticadas.

La carrera de Renoir en Francia estaba en su apogeo en 1939 y Las reglas del juego se esperaba con impaciencia. Sin embargo, su estreno fue recibido con desdén y desaprobación por parte de la crítica y el público. Renoir redujo el tiempo de ejecución de la película de 113 minutos a 85, pero aun así, la película fue un desastre financiero y crítico. En octubre de 1939, fue prohibido por el gobierno francés durante la guerra por "tener una influencia indeseable sobre los jóvenes".

Durante muchos años, la versión de 85 minutos fue la única disponible; aun así, su reputación creció lentamente. Sin embargo, en 1956, se descubrieron cajas de material original, y ese año se estrenó una versión reconstruida de la película en el Festival de Cine de Venecia, con solo una escena menor faltante del primer corte de Renoir. Desde entonces, Las reglas del juego ha sido calificada como una de las mejores películas de la historia del cine. Numerosos críticos de cine y directores lo han elogiado mucho, citándolo como inspiración para su propio trabajo. Es la única película que se ganó un lugar entre las diez mejores películas en el respetado Sight & Sound (British Film Institute) crítica decenal' encuesta para cada década desde el inicio de la encuesta en 1952 hasta la lista de 2012 (en 2022 cayó al puesto 13).

Trama

El aviador André Jurieux aterriza en el aeródromo de Le Bourget en las afueras de París después de cruzar el Atlántico en su avión. Es recibido por su amigo Octave, quien le dice a André que Christine, la noble austro-francesa que ama André, no ha venido a saludarlo. André tiene el corazón roto. Cuando un reportero de radio llega a transmitir las primeras palabras de André al aterrizar, explica su dolor y denuncia a Christine. Está escuchando la transmisión en su departamento de París mientras la atiende su criada, Lisette. Christine ha estado casada con Robert, marqués de la Chesnaye durante tres años. Lisette lleva dos años casada con Schumacher, el guardabosques de la finca de Robert, La Colinière en Sologne, pero está más dedicada a Christine que a su marido. La relación pasada de Christine con André es conocida abiertamente por su marido, su doncella y su amigo Octave. Después de que Christine y Robert discutan en broma la exhibición emocional de André y se prometan devoción mutua, Robert se excusa para hacer una llamada telefónica. Hace arreglos para encontrarse con su amante Geneviève a la mañana siguiente.

En el departamento de Geneviève, Robert dice que debe terminar su relación, pero la invita a unirse a ellos para un retiro de fin de semana en La Colinière. Christine también invita a su sobrina, Jackie. Más tarde, Octave convence a Robert para que también invite a André a la finca. Bromean diciendo que André y Geneviève comenzarán una relación, resolviendo así los problemas de todos. En la finca, Schumacher vigila los terrenos y trata de eliminar a los conejos. Marceau, un cazador furtivo, se cuela en la finca para recuperar un conejo atrapado en una trampa. Antes de que Marceau pueda escapar, Schumacher lo atrapa y comienza a escoltarlo fuera de la propiedad cuando Robert exige saber qué está pasando. Marceau explica que puede atrapar conejos y Robert lo contrata como sirviente. Una vez dentro de la casa, Marceau coquetea con Lisette. Los invitados reunidos van de cacería dirigidos por Schumacher, quien está resentido con Marceau. En el camino de regreso al castillo de La Colinière, Robert le dice a Geneviève que ya no la ama. Geneviève quiere empacar e irse, pero Christine la convence para que se quede.

En un baile de máscaras, se hacen varias relaciones románticas. André y Christine se declaran su amor y planean fugarse juntos. Marceau persigue a Lisette y el celoso Schumacher está molesto. Robert y André discuten sobre Christine. En el invernadero apartado, Octave declara que él también ama a Christine, que ahora tiene dudas sobre André, y deciden huir juntos. Schumacher y Marceau, ambos expulsados de la finca por Robert después de una pelea por Lisette, observan a Octave y Christine en el invernadero. Como en las Las bodas de Fígaro de Beaumarchais, la base literaria de la ópera de Mozart, confunden a Christine con Lisette porque Christine lleva puesta la capa y la capucha de Lisette. Octave regresa a la casa por su abrigo y sombrero, donde Lisette le ruega que no se vaya con Christine.

Rompiendo su promesa a Christine, Octave se encuentra con André y lo envía con Christine al invernadero, prestándole su abrigo. Cuando André llega al invernadero con el abrigo de Octave, Schumacher lo confunde con Octave, quien cree que está tratando de fugarse con su esposa Lisette, y Schumacher lo mata a tiros.

En los momentos finales de la película, Octave y Marceau se adentran en la noche mientras Robert trae a Schumacher de vuelta a la casa y explica que informará del asesinato a las autoridades como nada más que un desafortunado accidente.

Reparto

Créditos adaptados del British Film Institute.

Producción

Antecedentes y redacción

En 1938, la industria cinematográfica francesa estaba en auge y Renoir estaba en el apogeo de su carrera. Había tenido tres películas exitosas consecutivas y La Grande Illusion había ganado premios de los Críticos de Cine de Nueva York, la Junta Nacional de Revisión y el Festival de Cine de Venecia. El éxito financiero de La Bête Humane facilitó que Renoir obtuviera suficiente respaldo financiero para formar su propia compañía de producción. En 1938 fundó la Nouvelle Édition Française (NEF) con su hermano Claude Renoir, junto con André Zwoboda, Oliver Billiou y Camille Francois. Los cinco invirtieron 10.000 francos en la empresa y tenían la intención de producir dos películas al año. La compañía se inspiró en la productora de cine estadounidense United Artists, que se formó en 1919 como una compañía de distribución de películas para artistas independientes de Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks, D.W. Griffith y Mary Pickford. Renoir reunió a sus amigos de la industria cinematográfica en torno a la empresa y obtuvo el apoyo financiero de René Clair, Julien Duvivier, Jean Gabin y Simone Simon. La sede de NEF en la Rue la Grange-Batelière fue subarrendada a la productora de Marcel Pagnol. El 8 de diciembre de 1938, Georges Cravenne publicó un comunicado de prensa en Paris-Soir anunciando que Renoir y Pagnol estaban a punto de firmar un acuerdo para adquirir un gran teatro donde proyectarían públicamente "las películas que dirigirían a partir de entonces". Las reglas del juego fue la única película producida por la compañía.

En mayo de 1938, Renoir completó el drama histórico La Marsellesa y quiso hacer una comedia. Estaba ansioso por el acuerdo de Munich y la fuerte posibilidad de otra guerra mundial, y quería filmar un 'sueño feliz'. para dominar su pesimismo. Escribió una sinopsis para una película titulada Les Millions d'Arlequin, que tenía personajes similares a los de Las reglas del juego. Al concebir la película, Renoir se inspiró en el arte clásico francés, como las obras de Pierre de Marivaux, Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais y, especialmente, Les Caprices de Marianne de Alfred de Musset. Renoir inicialmente pretendía adaptar la obra clásica francesa Les Caprices de Marianne; NEF anunció por primera vez la película como una adaptación de la misma. Renoir dijo más tarde que nunca tuvo la intención de adaptar directamente Les Caprices de Marianne sino solo releerlo y otros clásicos de la literatura francesa en busca de inspiración.

Después de regresar de dar una conferencia en Londres en enero de 1939, Renoir dejó París para trabajar en un guión. Le dijo a un reportero que su próxima película sería 'Una descripción precisa de la burguesía de nuestra época'. Renoir, Carl Koch y Zwoboda acudieron a Marlotte para trabajar en el guión. Debido a que Renoir quería permitir que los actores improvisaran sus diálogos, solo se escribió un tercio de la película y el resto fue un esquema detallado. Renoir dijo más tarde que su "ambición cuando hice la película era ilustrar este comentario: estamos bailando en un volcán". Renoir llamó a la película un "divertissement" por su uso de música barroca y aspectos de comedias clásicas francesas. La inspiración inicial de Renoir en Les Caprices de Marianne llevó a que los cuatro personajes principales de la película se correlacionaran con los de la obra; una esposa virtuosa, un esposo celoso, un amante desesperado y un amigo intercesor. Tanto en la obra como en la película, el amigo intercesor se llama Octave. Octave también es el único de los cuatro personajes inspirados en la obra que comparte rasgos con su contraparte. En ambas obras, Octave es un "payaso triste" llena de dudas y autocompasión. Los personajes' los nombres cambiaban constantemente entre las versiones del guión; Renoir dijo que en un borrador inicial, André Jurieux era un director de orquesta en lugar de un aviador.

Reparto

Nora Gregor en 1932. Renoir re-wrote the character Christine for the Austrian act and reportedly fell in love with her during pre-production.

Renoir originalmente quería todo el elenco de La bête humaine, incluidos Fernand Ledoux, Simone Simon, Jean Gabin y Julien Carette, para la película. A Gabin le ofrecieron el papel de André, pero lo rechazó y aceptó un papel en Le jour se lève de Marcel Carné. Fue reemplazado por Roland Toutain. A Simon le ofrecieron el papel de Christine, pero pidió 800.000 francos, que era un tercio del presupuesto total de la película. La solicitud de salario de Simon fue vetada por el administrador de NEF, Camille François. A Ledoux se le ofreció el papel de Schumacher. Estaba casado con Simon en ese momento; él se negó cuando su solicitud de salario fue denegada y en su lugar asumió un papel en Volpone de Maurice Tourneur. Fue reemplazado por Gastón Modot. A Claude Dauphin se le ofreció el papel de marqués de la Chesnaye; él lo rechazó y en su lugar actuó con Simon en Cavalcade d'amour de Raymond Bernard. Renoir luego eligió a Marcel Dalio como el marqués. Años más tarde, Dalio le preguntó a Renoir por qué lo habían elegido después de haber interpretado papeles burlescos o traidores. Renoir le dijo a Dalio que él era lo opuesto al cliché de lo que era un marqués y que Dalio era el único actor que conocía que podía representar la inseguridad del personaje. El hermano de Renoir, Pierre, fue elegido como Octave, y Carette fue elegido como Marceau.

Francois sugirió a la recientemente famosa actriz de teatro Michele Alfa para el papel de Christine, y Renoir fue con su esposa Marguerite y Zwoboda a verla actuar en una obra. Mientras estaba en la obra, Renoir notó a Nora Gregor en un palco entre la audiencia y preguntó por ella durante el intermedio. Se enteró de que Gregor era la esposa del príncipe Ernst Rüdiger von Starhemberg, un noble austriaco. Renoir se hizo amigo de Gregor y su esposo, y los conoció durante varias cenas en París. Starhemberg se vio obligado a renunciar a su papel de liderazgo en Heimwehr, un partido fascista paramilitar, porque Gregor era judío y antifascista. Cuando Alemania anexó Austria en marzo de 1938, Gregor y Starhemberg huyeron a Francia. Renoir dijo que estaban "en un estado de gran desorden". Todo en lo que creían se estaba derrumbando." Gregor era una actriz del Burgtheater vienés y había aparecido en algunas películas, incluida Michael de Carl Theodor Dreyer. El primer marido de Gregor había sido el concertista de piano Mitja Nikisch, hijo del renombrado director de orquesta Arthur Nikisch de la Ópera de Leipzig y según el teórico del cine Charles Drazin, una posible inspiración para algunas características de Octave.

A pesar de las objeciones de sus colegas de NEF, Renoir contrató a Gregor para el papel de Christine. Ella era mayor que el personaje original y él hizo cambios en el personaje basándose en la personalidad de Gregor y en sus conversaciones durante la cena, como convertir a Christine en la hija de un director de orquesta austriaco. Muchos de los amigos de Renoir creían que se enamoró de Gregor poco después de elegirla. Zwoboda dijo que Gregor tenía "lo que Renoir amaba por encima de todo; una clase indiscutible, un estilo, los gestos y el porte de una gran distinción". Renoir dijo que eligió a Gregor por su acento austriaco, que creía que crearía "una pequeña barrera... entre ella y su entorno". y por su apariencia, que él consideraba "de pájaro" y "sincero".

Renoir terminó de elegir los papeles restantes a fines de enero de 1939. Cuando se le preguntó quién era el personaje principal de la película, Renoir respondió: "¡No hay ninguno!". Mi concepción al principio –y al final– era hacer un film d'ensemble, una película que representara una sociedad, un grupo de personas, casi toda una clase, y no una película de asuntos personales."

Filmación

El rodaje de escenas exteriores ambientadas en el campo comenzó el 15 de febrero de 1939, en Sologne y fuera del Chateau de la Ferté-Saint-Aubin. Renoir dijo más tarde que eligió Sologne porque su padre, Pierre-Auguste Renoir, "lamentaba no haber podido pintarla". Qué bien comprendo la sinceridad de esos lamentos ante estos hermosos paisajes de Sologne, en colores asombrosos, de una gracia tan melancólica pero tan dulce." Renoir dijo que la niebla de Sologne "me devolvió a los días felices de mi infancia".

El elenco y el equipo llegaron a Sologne entre el 6 y el 15 de febrero. El hijo de Renoir, Alain, trabajó como asistente de cámara y Dido Freire trabajó como guionista. Los asistentes de Renoir en la película fueron Koch, Zwoboda y Henri Cartier-Bresson. Tony Corteggiani fue contratado como asesor técnico para la secuencia de caza del conejo. El elenco y el equipo se hospedaron en el Hotel Rat en Lamotte-Beuvron. Las fuertes lluvias impidieron el inicio del rodaje en Sologne durante varias semanas y Renoir reescribió partes del guión para adaptarse a la lluvia. Mientras terminaba el guión, toda la compañía jugaba a las cartas y se unía; lo describieron como un momento feliz en sus vidas justo antes de que comenzaran los horrores de la Segunda Guerra Mundial. Paulette Dubost dijo que filmar la película fue muy divertido.

Los retrasos provocaron que Pierre Renoir se retirara de la película debido a compromisos previos con obras de teatro en París. Renoir luego le pidió a Michel Simon que tocara Octave, pero Simon estaba ocupado con otros proyectos. Renoir finalmente se eligió a sí mismo y luego dijo que "solo estaba esperando el momento en que Pierre dijera '¿Por qué no interpretas el papel tú mismo, Jean?' No tuvo que pedírmelo dos veces." Agregó que luego de haber ganado experiencia y confianza como director su 'sueño más terco ha sido ser actor'. Renoir reescribió el papel de Octave para que se adaptara mejor a él, ya que él y Pierre eran física y personalmente muy diferentes.

Para recaudar fondos adicionales para la producción desbordada, Zwoboda había utilizado el éxito de La Bête Humane para vender los derechos de proyección anticipada en grandes salas a Jean Jay, el director de Gaumont Film Company. Cuando finalmente comenzó el rodaje en Sologne, el progreso fue lento debido a las constantes improvisaciones de los actores, que Renoir alentó, y las dificultades de Gregor con su papel. Jay visitó el set y no estaba contento con el lento progreso y con la actuación de Renoir. Sin embargo, el elenco y el equipo admiraron a Renoir y disfrutaron de la atmósfera despreocupada en el set, olvidándose de la inminente situación política. Las improvisaciones del elenco provocaron algunos cambios con respecto al guión original. Christine fue escrita inicialmente como una burguesa aburrida de clase alta cuya principal preocupación era planear fiestas, pero Renoir modificó esto para adaptarse a la actuación de Gregor. Renoir también eliminó la mayoría de las referencias al padre del director de orquesta de Christine, Stiller, como su relación con el marqués. El marqués se escribió inicialmente como un mecenas de las artes y la música en lugar de un coleccionista de cajas de música.

Los periodistas a menudo visitaban el plató y escribían positivamente sobre la producción. La película se rodó casi cronológicamente en Sologne y nuevamente en Joinville, Val-de-Marne, que Renoir consideró importante para los actores. actuaciones Renoir dijo que no necesitaba hacer mucha dirección ya que los actores estaban muy involucrados en sus papeles. Cuando se dirigía a sí mismo, Renoir organizaba primero los movimientos de los artistas y luego actuaba en las escenas. Jay presionó a Renoir para que terminara de filmar en Sologne y trasladara la producción a platós construidos en los estudios Pathé en Joinville. Renoir finalmente estuvo de acuerdo y dejó a Zwoboda, Corteggiani y Cartier-Bresson en Sologne para filmar imágenes B-roll de la secuencia de caza del conejo. Cientos de animales fueron asesinados durante la filmación y la población local fue utilizada como suplente de los actores.

El rodaje en los platós de Joinville continuó a paso lento. Renoir a menudo filmaba de quince a veinte tomas de tomas individuales y cambiaba el diálogo en el set, haciendo que las tomas anteriores fueran inútiles. El historiador de cine Joel Finler dijo que la película "verdaderamente evolucionó " durante su realización, mientras Renoir trabajaba en escribir y reescribir el guión, equilibrando y reequilibrando los personajes y las relaciones, las tramas y las subtramas." Cartier-Bresson dijo que la improvisación durante el rodaje fue como una jam session; Se alentó tanto al elenco como a los miembros del equipo a sugerir ideas y el diálogo a menudo cambiaba en la mañana del rodaje.

El 16 de marzo de 1939, Alemania invadió Checoslovaquia, rompiendo el Acuerdo de Munich, lo que provocó que el ejército francés comenzara a movilizarse en previsión de una guerra venidera. Poco después, varios de los electricistas y técnicos de la película se marcharon para alistarse en el ejército. El escenógrafo Eugène Lourié se fue porque era judío y comunista, y Max Douy asumió el cargo de escenógrafo de la película.

Durante el rodaje, Renoir se sintió decepcionado por la actuación de Gregor. Comenzó a cortar sus escenas y agregar nuevas escenas para Paulette Dubost y Mila Parély. El historiador de cine Gerald Mast consideró que la actuación de Gregor era "tan inquietante y hechizante como una jirafa de plástico". Durante la producción, Jay le dijo a Renoir que odiaba su actuación como Octave. Renoir se ofreció a reemplazarlo por Michel Simon, pero Jay se negó porque ya se habían filmado dos tercios de la película. Jay le pidió a Renoir que eliminara las escenas de Octave, que aún no se habían filmado. Renoir se negó y, durante el rodaje, agregó nuevas escenas para Octave. El rodaje en Joinville finalmente concluyó en mayo de 1939; la película estaba fuera de horario y se necesitaba el estudio de sonido alquilado para otras películas. Renoir originalmente quería estrenar la película en junio porque la guerra potencial haría imposible un estreno después del verano.

Renoir continuó filmando escenas adicionales con algunos de los actores. La escena inicial en el aeródromo se rodó a mediados de junio en el aeropuerto de Bourget en mitad de la noche con todos los extras que pudieron encontrar. Renoir casi se quedó sin dinero cuando filmó la escena del accidente automovilístico, que fue filmada muy rápidamente con Alain Renoir como operador de cámara. A Renoir nunca le gustó la escena e inicialmente la eliminó. La fotografía principal se atrasó nueve semanas y media cuando finalmente terminó en junio.

A pesar de que el rodaje comenzó enamorado de Gregor, el enamoramiento de Renoir no fue correspondido. Durante la producción de la película, terminó su relación con su concubina Marguerite y comenzó otra con la guionista Dido Freire, a quien conocía desde hacía 12 años y era la niñera de Alain Renoir. Eventualmente, Dido se casó con Renoir.

Liberar

Edición inicial y vistas previas

Renoir editó la película durante el rodaje; su primer corte duró tres horas. Él y la editora Marguerite completaron un corte final de 113 minutos de la película en julio de 1939. Jay lo odió y exigió que Renoir hiciera cortes, incluida la supresión de toda la actuación de Renoir como Octave. Renoir se negó a omitir por completo a Octave, pero accedió a eliminar 13 minutos de la película.

Las reglas del juego fue la película más cara producida en Francia cuando se estrenó. Su presupuesto original había sido de 2,5 millones de francos (lo que ya la convertía en la película francesa más cara de ese año) y se incrementó en otros 2 millones de francos, con un coste total de más de 5 millones de francos.

La película tuvo una elaborada campaña publicitaria que comenzó una semana antes de su estreno en previsión de que se convirtiera en otra película exitosa para Renoir. Esta campaña incluía un crucigrama promocional publicado tres días antes de la noche de estreno de la película; el premio por resolver el rompecabezas eran boletos gratis.

La primera proyección preliminar de la versión de 113 minutos de Las reglas del juego tuvo lugar el 28 de junio de 1939. Recibió una mala reacción de la audiencia. El 29 de junio, la película fue proyectada para el Ministro de Educación Nacional y Bellas Artes, Jean Zay, y para el jurado del Premio anual Louis Delluc a la mejor película francesa. Cuando se anunciaron los premios 10 días después, Le Quai des brumes de Marcel Carne ganó el primer premio y The Rules of the Game no quedó finalista. Debido al éxito y la popularidad de las películas anteriores de Renoir, Las reglas del juego fue muy esperada y Zay esperaba otorgarle el premio. Renoir dijo más tarde que pensaba que la película sería un éxito comercial.

Liberación y recepción

Las reglas del juego se estrenó el viernes 7 de julio de 1939 en el Teatro Colisée de París a sala llena y posteriormente en el Aubert Palace también de París. Se mostró en un programa doble con un documental patriótico sobre la historia de Francia. La audiencia en la proyección estaba compuesta por miembros de las organizaciones de derecha, quienes abuchearon después de un rato en la proyección; Paulette Dubost dijo que la gente en la proyección peleó y una persona intentó incendiar el teatro. Renoir dijo que "representaba personajes agradables y comprensivos, pero los mostraba en una sociedad en proceso de desintegración, de modo que fueron derrotados desde el principio... la audiencia lo reconoció". La verdad es que se reconocieron a sí mismos. A las personas que se suicidan no les importa hacerlo frente a testigos."

En Francia, la asistencia al cine solía ser baja en julio; Las reglas del juego finalizó su presentación en el Teatro Colisée después de tres semanas debido a la escasa asistencia. Más tarde se mostró en el Aubert-Palace de París. Renoir dijo sobre la asistencia: "Me quedé completamente estupefacto cuando se hizo evidente que la película, que quería que fuera agradable, molestó a la mayoría de la gente". Renoir inicialmente quería proyectar la película en la Feria Mundial de 1939 en la ciudad de Nueva York, pero esta idea fue abandonada después del desastroso estreno en Francia.

Claude Gauteur revisó las reseñas de Las reglas del juego publicadas en París y dijo que 12 eran "absolutamente desfavorables", 13 eran "favorables con reservas", y 10 fueron "favorables." Muchas reseñas criticaron la película por ser "antipatriótica, frívola e incomprensible". Una crítica mixta provino de Nino Frank de Pour Vous, quien lo calificó como "un trabajo copioso, incluso demasiado, muy complejo y profundamente inteligente de un extremo al otro". Le Figaro lo llamó un "espectáculo extraño" que fue "una larga sucesión de errores... una fantasía de mano dura con diálogos confusos". En la edición de 1943 de Histoire du cinéma, Robert Brasillach escribió que Las reglas del juego se encontraba entre las obras más 'confusas' de Renoir. y "confundido" pero aplaudió la mordaz sátira, que consideró "proustiana". Brasillach también elogió la variación técnica empleada por el director y dijo que la película era una obra maestra no realizada. En los Estados Unidos, una crítica negativa de Variety dijo que Renoir "intenta acumular demasiadas ideas en 80 minutos de película, lo que genera confusión". Según François Truffaut, la película desconcertó mucho al público de la época por su peculiar atmósfera, lo que explica su fracaso comercial.

Nora Gregor, Jean Renoir, Pierre Nay y Pierre Magnier durante la escena de caza de conejos. Renoir cortó la mayor parte de su propio rendimiento como Octave después de la recepción negativa de la película.

Si bien la película recibió críticas en su mayoría desfavorables, la mayoría de los críticos elogiaron la actuación, incluida la de Renoir, y solo la prensa de extrema derecha criticó la actuación de Marcel Dalio. En julio de 1939, un periódico francés de derecha criticó la película por retratar al marqués judío casado con la austriaca Christine. La Union Sacrée, un grupo fascista clerical francés, organizó manifestaciones en todos los lugares donde se proyectó la película. Renoir era un conocido pacifista y partidario del Partido Comunista, lo que lo hizo impopular en las tensas semanas previas al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Años más tarde, Renoir dijo que “no se trataba de artilugios; mis enemigos no tuvieron nada que ver con su fracaso. En cada sesión a la que asistí pude sentir la desaprobación unánime de la audiencia."

En las semanas que siguieron al estreno, Renoir redujo la duración de la película de los 113 minutos originales a 100 minutos, luego a 90 minutos y finalmente a 85 minutos. Le dijo a Margurite Renoir y Zwoboda que cortaran las escenas que la audiencia había encontrado más perturbadoras. Renoir dijo que en su mayoría cortó sus propias escenas o diálogos "como si me avergonzara, después de este rechazo, de mostrarme en la pantalla". Más tarde defendió su propia actuación como incómoda, como debería haber sido Octave. La reducción de la duración eliminó la complejidad de Octave y cambió por completo los motivos del personaje al final de la película. En la versión de 85 minutos, Octave no tiene la intención de fugarse con Christine y simplemente le presta a André su abrigo para calentarse antes de enviarlo al invernadero. La omisión de este elemento en la trama dio lugar a la idea errónea de que la película tiene un final alternativo; esto fue informado por primera vez por Roger Manvell después de verlo en su estreno en Londres en 1946. En un momento, Jean Jay le dijo a Renoir que restaurara la película a la versión de 100 minutos 'para evitar un desastre comercial', pero nada. de las versiones más cortas mejoró sus cifras de recepción o asistencia. Cuando se le preguntó acerca de la mala recepción de la película entre los miembros de la audiencia, Renoir dijo: "Pensé que era amable con ellos y pensaron que me estaba riendo de ellos".

En octubre de 1939, Las reglas del juego se prohibió oficialmente en Francia por ser "deprimente, morboso, inmoral [y] tener una influencia indeseable sobre los jóvenes." Otras películas que fueron igualmente prohibidas incluyeron Le Quai des brumes y Le Jour Se Lève de Marcel Carné. El Ministerio de Relaciones Exteriores afirmó "estamos especialmente ansiosos por evitar representaciones de nuestro país, nuestras tradiciones y nuestra raza que cambian su carácter, mienten sobre él y lo deforman bajo el prisma de un individuo artístico que muchas veces es original pero no siempre sonido." Las bodas de Fígaro, una de las inspiraciones de la película, había sido prohibida por razones similares. Después del final de la Segunda Guerra Mundial, la versión de 85 minutos de la película se relanzó en París el 26 de septiembre de 1945 y se prohibió nuevamente.

Renoir dijo que de todas sus películas, Las reglas del juego fue el mayor fracaso en el momento de su estreno. También dijo que su fracaso "me deprimió tanto que decidí dejar el cine o irme de Francia". Durante el rodaje, a Renoir se le ofreció la oportunidad de filmar una adaptación de Tosca de productores italianos; aceptó el trato el 14 de julio de 1939 y lo vio como una oportunidad para salir de Francia. Renoir y Carl Koch viajaron a Roma el 10 de agosto para la preproducción, pero tuvieron que partir el 23 de agosto después de que el pacto germano-soviético hiciera que su ciudadanía francesa fuera un problema. En cambio, Koch dirigió la película y Renoir emigró a Hollywood.

Redescubrimiento

En 1942, durante uno de los bombardeos aliados de Boulogne-sur-Seine, el G.M. Film Lab, que albergaba el negativo original de Las reglas del juego, fue destruido. En 1946, se encontró una copia de la versión de 85 minutos en una caja y se hizo una nueva copia a partir de ella. Esta versión se proyectó ocasionalmente en cineclubes, cinematecas y festivales de cine, y su reputación comenzó a crecer lentamente. Finalmente se estrenó en la ciudad de Nueva York en abril de 1950, pero fracasó críticamente. Una reseña en The New York Times lo llamó "uno para los buitres" y declaró "el maestro ha asestado a sus admiradores un golpe sordo e inútil debajo del cinturón". En 1952, la versión de 85 minutos se incluyó en Sight & Sound's lista inaugural de las 10 mejores películas jamás realizadas.

En 1956, los entusiastas del cine Jean Gaborit y Jacques Maréchal fundaron la Société des Grands Films Classiques, una empresa de restauración de películas centrada en películas abandonadas. Las reglas del juego fue una de las primeras restauraciones de la empresa; Gaborit y Maréchal persuadieron a Camille François para que les vendiera los derechos de la película. Con François' ayuda, descubrieron registros que conducían a 224 cajas que se habían encontrado en el G.M. Sitio del Laboratorio de Cine. Estas cajas incluían copias negativas, copias duplicadas y mezclas de sonido de la película. Con la ayuda y el consejo de Renoir y Jacques Durand, Gaborit y Maréchal restauraron la mayor parte del metraje cortado de la versión original de Renoir y montaron una versión de 106 minutos de la película.

A mediados de 1959, Renoir vio por primera vez la versión reconstruida de la película y salió llorando del cine. Dijo que "solo falta una escena en esta reconstrucción, una escena que no es muy importante". Es una escena conmigo y Roland Toutain que trata sobre las criadas. interés sexual." La versión restaurada se estrenó en el Festival de Cine de Venecia de 1959, donde fue calificada de obra maestra. Claude Chabrol, Alain Resnais y Louis Malle asistieron y llamaron públicamente a Renoir su maestro mientras elogiaban la versión reconstruida de la película. En 1961, Howard Thompson de The New York Times afirmó que la película "justificó por completo su reputación europea... [es] una experiencia memorable". Archer Winsten del New York Post elogió la película por "mostrar la corrupción de la sociedad francesa de arriba a abajo" y una reseña del New York Herald Tribune lo llamó "una sátira de la sociedad francesa... una dura crítica de las pretensiones sociales". La versión reconstruida de la película se exhibió en Francia el 23 de abril de 1965. Ganó el premio Bodil de 1966 a la mejor película no estadounidense / mejor película europea (Bedste europæiske film) en Dinamarca.

Temas

Las reglas del juego se recuerda como un comentario sobre la insensibilidad moral de la clase alta europea y sus sirvientes justo antes de la Segunda Guerra Mundial. Mientras hacía la película, Renoir sabía que se avecinaba una nueva guerra mundial; Más tarde dijo que había una sensación de ello en la película y escribió "es una película de guerra y, sin embargo, no hay ninguna referencia a la guerra". Esta sensación de fatalidad comenzó justo antes de que comenzara el rodaje en enero, cuando Barcelona cayó ante Franco, y durante toda la producción, cuando el primer ministro de Francia, Édouard Daladier, reconoció a la España franquista, Italia anexó Albania y Adolf Hitler preparó su Invasión de Polonia. Renoir articuló este tema no mencionado de la película diciendo:

lo que es interesante sobre esta película, tal vez, es el momento en que se hizo. Fue disparado entre Munich y la guerra, y lo disparé absolutamente impresionado, absolutamente perturbado por el estado de ánimo de una parte de la sociedad francesa, una parte de la sociedad inglesa, una parte de la sociedad mundial. Y me pareció que una manera de interpretar este estado mental, al mundo con esperanza, no era hablar de esa situación, sino contar una historia frívola. Busqué inspiración a Beaumarchais, a Marivaux, a los autores clásicos de la comedia.

El padre de Renoir, Pierre-Auguste Renoir, lo pintó en Retrato de Jean Renoir como cazador (1910). Jean consideraba que la caza era cruel, y no filmaba Las reglas del juego'S caza escena él mismo.

Renoir quería representar a las personas como realmente eran en ese momento de la historia; dijo que Las reglas del juego era "un documental reconstruido, un documental sobre la condición de una sociedad en un momento dado". Él creía que esta descripción era la razón detrás del estreno desastroso de la película, y dijo que "la reacción de la audiencia se debió a mi franqueza". Las bodas de Fígaro, una inspiración para la película, también había sido considerada controvertida por su ataque al sistema de clases. Las reglas del juego siguieron siendo controvertidas con el público francés poco después de la Segunda Guerra Mundial, cuando se prohibió una vez más. El biógrafo de Renoir, Ronald Bergan, dijo que la película tocó la fibra sensible del público al representar a "personas que podrían haber tenido una influencia en la configuración del mundo, [pero] no hicieron nada para evitar el avance del fascismo; algunos de los cuales, de hecho, lo acogieron con satisfacción".

La escena de la caza del conejo a menudo se compara con la muerte sin sentido que ocurre durante la guerra; Renoir dijo que quería mostrar cierta clase de personas que matan sin razón. El mismo Renoir nunca había matado a un animal y llamó a la caza 'un abominable ejercicio de crueldad'. Bergan vio la analogía con los acontecimientos mundiales y escribió: "En el gran escenario de la cacería, la insensible crueldad de los invitados queda al descubierto cuando disparan contra cualquier conejo y pájaro que se mueva después de que los golpeadores hayan llevado el juego al matadero". #34;.

La línea de diálogo más citada de la película, pronunciada por Octave, es "Verás, en este mundo hay una cosa horrible, y es que todos tienen sus razones". El sentimiento de Renoir de humanismo objetivo para los personajes de la película se articula con el comentario de Octave y muestra su empatía por las personas a las que simultáneamente criticaba. Richard Roud elogió el papel de Renoir en la película y observó que la honestidad de Renoir lo obligó a incluir su propio papel en su crítica social: "no quería quedarse afuera". Y Renoir/Octave sirve como el estándar contra el cual se pueden medir la realidad y la ficción." En su esquema original de la película, Renoir dijo que pretendía que todos los personajes fueran sinceros y que la película no tuviera villanos.

Renoir dijo que André era "la víctima que, tratando de encajar en un mundo al que no pertenece, no respeta las reglas del juego", y que André pensó que podía romper las reglas por un vuelo mundial, mientras que Christine pensó que podía hacer lo mismo siguiendo su corazón. Las "reglas" del título de la película son su único villano. Renoir dijo que "el mundo está hecho de camarillas... Cada una de estas camarillas tiene sus costumbres, sus costumbres, de hecho, su propio idioma. En pocas palabras, cada uno tiene sus reglas, y estas reglas determinan el juego." Renoir dijo que toda actividad humana está "sujeta a protocolos sociales que son menos evidentes que los practicados por Luis XIV, pero igual de estrictos". El hijo de Renoir, Alain, dijo que la película sigue siendo relevante y popular porque muestra la alegría artificial de la era moderna en contraste con las reglas de esa (o cualquier) era.

Estilo

Filmar La Bête Humane de Émile Zola inspiró a Renoir a "hacer una ruptura, y tal vez alejarse completamente del naturalismo, para tratar de tocar un estilo más clásico, más poético. género." Mientras filmaba, Renoir comenzó a escuchar música barroca de Louis Couperin, Jean-Philippe Rameau, Jean-Baptiste Lully y André Grétry. Más tarde dijo "Poco a poco, mi idea tomó forma y el tema se hizo más simple. Seguí viviendo de ritmos barrocos, y después de unos días más, el tema se volvió cada vez más preciso." También dijo que comenzó a imaginarse a Simone Simon "moviéndose con el espíritu de la música". Esta preocupación por la música barroca durante el rodaje condujo a la idea original de Renoir de adaptar Les Caprices de Marianne a una película.

Las reglas del juego es conocido por su uso temprano y elaborado de cinematografía de enfoque profundo. Renoir dijo que él y su director de fotografía Jean Bachelet "ordenaron algunos lentes especiales, lentes muy rápidos, pero que aun así nos dieron una profundidad considerable, para que pudiéramos mantener nuestros fondos enfocados casi todo el tiempo". Esta profundidad de campo en sus tomas permitió a Renoir filmar en grandes habitaciones y largos pasillos en las secuencias del castillo, y los personajes pudieron moverse libremente entre el fondo y el primer plano. Aproximadamente la mitad de los planos de la película tienen movimientos de cámara. En muchas tomas, la cámara se mueve, se detiene, cambia de dirección y gira alrededor de los sujetos. El crítico de cine David Thomson dijo que "uno tiene la impresión de una cámara que siempre se mueve para cubrir tanto como sea posible". Uno no nota los cortes, uno se deleita en una continuidad que a menudo está al borde del caos y finalmente conduce a la tragedia en la intrusión de la subtrama en la trama, de lo teatral en lo real y del desastre en los equilibrios."

Renoir utilizó pocos primeros planos o tomas inversas y la mayoría de las tomas son dos tomas. La escena de la caza difiere del resto de la película; utiliza una edición rápida, mientras que la mayor parte de la película utiliza largas tomas de diálogo o acción. Renoir quería rodar la película en color para aprovechar la belleza de Sologne en el invierno, pero no pudo conseguir financiación de Jean Jay. Una semana antes de que comenzara la filmación, Renoir intentó persuadir a Technicolor para que financiara la cinematografía en color, pero la compañía se negó.

El sonido de la película era complejo para su época; incluía diálogos hablados sobre ruidos ambientales como multitudes en el aeropuerto y disparos durante la caza. El director de cine Jean Prat dijo que la banda sonora de la película era "de una perfección nunca igualada por ninguna película francesa". Los personajes a menudo hablan a la vez o hablan sobre las líneas del otro. Un ejemplo de la densa banda sonora es la escena de la fiesta, que incluye diálogos entre gritos, disparos y música. Excepto por los créditos iniciales y el final de la película, toda la música que se escucha en la película es incidental. El ingeniero de sonido fue Joseph de Bretagne. La música utilizada en la película incluye las Tres danzas alemanas de Mozart, Le déserteur de Monsigny, Louis Byrec, Léon Garnier y de Eugène Rimbault i>En revenant de la revue [fr], Strauss's Die Fledermaus, Danse macabre de Saint-Saëns, Minute Waltz de Chopin y À de Scotto Barbizon. La música fue arreglada por Joseph Kosma y Roger Désormière.

Los escenógrafos de la película, Eugène Lourié y Max Douy, construyeron uno de los decorados más caros de la historia del cine francés en el Joinville Studio. Según Douy, se basaron en el guión y no fueron reproducciones del interior del Chateau de la Ferté-Saint-Aubin, donde se rodaron escenas exteriores. Las cajas de música utilizadas en la película se tomaron prestadas de varias fuentes y algunas se encuentran ahora en un museo en Neuilly-sur-Seine. Renoir pensó que la escena del órgano musical y la actuación de Dalio en ella era la mejor escena que jamás había filmado. Disparó la escena varias veces antes de quedar satisfecho con ella. El vestuario de la película fue diseñado por Coco Chanel.

Legado

Desde su restauración, Las reglas del juego ha llegado a ser considerada por muchos críticos y directores de cine como una de las mejores películas de todos los tiempos. En Rotten Tomatoes, la película tiene una calificación del 96% según 52 reseñas, con una calificación promedio de 9.50/10. El consenso del sitio web dice: "Su genialidad escapó a muchos espectadores en ese momento, pero en retrospectiva, Las reglas del juego se erige como una de las de Jean Renoir, y las mejores obras del cine." La encuesta decenal de críticos internacionales realizada por Sight & La revista Sound lo clasificó en el puesto número 10 en 1952, lo elevó al número 3 en 1962 y al número 2 en 1972, 1982 y 1992. En 2002 cayó al número 3 detrás de Citizen Kane y Vértigo. En 2012, cayó al número 4, detrás de Vertigo, Citizen Kane y Tokyo Story. Es la única película que se ha incluido en cada lista de las diez mejores desde 1952. La revista Empire ocupó el puesto 13 en su lista de "Las 100 mejores películas del cine mundial" en 2010. En la lista de Le Figaro's de 2008 de las mejores películas jamás realizadas empatado en segundo lugar con The Night of the Hunter, detrás de Citizen Kane. En 2018, la película ocupó el quinto lugar en la lista de la BBC de las 100 mejores películas en lengua extranjera, según la votación de 209 críticos de cine de 43 países.

Desde su restauración, Las reglas del juego ha llegado a ser considerada por muchos críticos y directores de cine como una de las mejores películas de todos los tiempos. En Rotten Tomatoes, la película tiene una calificación del 96% según 52 reseñas, con una calificación promedio de 9.50/10. El consenso del sitio web dice: "Su genialidad escapó a muchos espectadores en ese momento, pero en retrospectiva, Las reglas del juego se erige como una de las de Jean Renoir, y las mejores obras del cine." La encuesta decenal de críticos internacionales realizada por Sight & La revista Sound lo clasificó en el puesto número 10 en 1952, lo elevó al número 3 en 1962 y al número 2 en 1972, 1982 y 1992. En 2002 cayó al número 3 detrás de Citizen Kane y Vértigo. En 2012, cayó al número 4, detrás de Vertigo, Citizen Kane y Tokyo Story. Es la única película que se ha incluido en cada lista de las diez mejores desde 1952. La revista Empire ocupó el puesto 13 en su lista de "Las 100 mejores películas del cine mundial" en 2010. En la lista de Le Figaro's de 2008 de las mejores películas jamás realizadas empatado en segundo lugar con The Night of the Hunter, detrás de Citizen Kane. En 2018, la película ocupó el quinto lugar en la lista de la BBC de las 100 mejores películas en lengua extranjera, según la votación de 209 críticos de cine de 43 países.

Muchos críticos de cine contemporáneos han escrito favorablemente sobre la película. Ha sido aclamada como una obra maestra por Kent Jones, Adolf Heinzlmeier, Berndt Schulz y Penelope Gilliatt, quienes dijeron que "no solo era una obra maestra del cine, no solo una gran obra de humanismo en un marco rococó perfecto, sino también un acto de testimonio histórico." Sus temas han sido analizados por el estudioso del cine y biógrafo de Renoir, Leo Braudy, quien observó que la película "encarna un mundo social en el que hay reglas pero no valores". Si no conoces las reglas, estás aplastado; pero si conoces las reglas estás separado de tu propia naturaleza." Dudley Andrew describió la 'crítica social compleja' de la película. mientras que Kenneth Browser y Peter Cowie escribieron sobre su sentido de humanidad. Otros críticos han escrito sobre los temas más oscuros de la película; Andrew Sarris elogió su descripción de las diferencias de clase. La complejidad de las técnicas narrativas de Renoir ha sido examinada por Roger Ebert, quien las llamó "tan simples y tan laberínticas, tan cándidas y tan enojadas, tan inocentes y tan peligrosas, que no se puede simplemente obsérvalo, tienes que absorberlo", Lucy Sante, quien lo calificó como "un denso mecanismo de relojería" y Robin Wood, quien dijo que la película "opera en todos los niveles". Los críticos han elogiado sus elementos ridículos: Pauline Kael la caracterizó como "una gran comedia satírica, una danza de la muerte". y Gerald Mast escribió '[representa] el fracaso del amor, el fracaso de la sociedad y el fracaso de los hombres para superar el ridículo. Su único éxito es que lo intentan y les importa." David Thomson elogió la actuación de Renoir y comentó sobre la admisión de 'Renoir' de que el director, supuestamente la figura autoritaria y manipuladora, es tanto víctima como creador de las circunstancias.' Amy Taubin dijo: "No puedo pensar en ninguna otra película que sea tan infaliblemente generosa: con su público, sus personajes, sus actores, el entorno y el medio". J. Hoberman escribió sobre su influencia en Woody Allen, Robert Altman y Mike Leigh.

La película fue especialmente apreciada por cineastas y críticos de cine asociados con el movimiento de la Nueva Ola francesa. Bazin dijo que "como historia de amor convencional, la película podría haber sido un éxito si el escenario hubiera respetado las reglas del juego cinematográfico". Pero Renoir quería hacer su propio estilo de drame gai [drama alegre], y la mezcla de géneros resultó desconcertante para el público." El crítico de cine Claude Beylie la llamó "la piedra angular de la obra de Jean Renoir, el punto de llegada y el canto del cisne del cine francés de los años treinta...Las reglas del juego es una rara combinación de sátira, vodevil y tragedia." Fue una gran fuente de inspiración para Alain Resnais, quien dijo que ver la película fue "la experiencia más abrumadora que he tenido en el cine"; y Louis Malle, quien dijo "para todos nosotros, mi generación de cineastas franceses, La Règle du jeu fue la obra maestra absoluta." François Truffaut expresó la enorme influencia de la película y dijo que "no es casualidad que Las reglas del juego haya inspirado a un gran número de jóvenes que primero habían pensado en expresándose como novelistas para emprender carreras como cineastas." También dijo "Es el credo de los amantes del cine, la película de las películas, la película más odiada cuando se hizo y más apreciada después, hasta el punto de que finalmente se convirtió en un verdadero éxito comercial".

Satyajit Ray la llamó 'una película que no lleva sus innovaciones en la manga... ¿Humanista? ¿Clásico? ¿Vanguardia? ¿Contemporáneo? Desafío a cualquiera a ponerle una etiqueta. Este es el tipo de innovación que me atrae." Otros cineastas notables que la han elogiado incluyen a Bernardo Bertolucci, Wim Wenders, Peter Bogdanovich, Noah Baumbach y Cameron Crowe. Henri Cartier-Bresson, quien trabajó en la película antes de comenzar una larga carrera como reportero gráfico, la calificó como "una de las cumbres del arte y una premonición de todo lo que sucedería en el mundo". Robert Altman dijo que "Las reglas del juego me enseñaron las reglas del juego."

Gosford Park de Altman es similar a Las reglas del juego en muchos de los elementos de la trama, incluida la relación entre los ricos y sus sirvientes. como la secuencia de caza. El crítico de cine italiano Francis Vanoye afirmó que Las reglas del juego ha influido en numerosas películas que presentan a un grupo de personajes que pasan un breve tiempo juntos en una fiesta o reunión, a menudo mientras cazan animales, durante los cuales se expresan sus verdaderos sentimientos. el uno del otro son revelados. Junto con Gosford Park, estas películas incluyen Summer Light de Jean Grémillon, Smiles of a Summer Night de Ingmar Bergman, La caza de Carlos Saura, Escenas de caza en Baviera de Peter Fleischmann, Una pieza inacabada para pianola de Nikita Mikhalkov , The Hunters de Theo Angelopoulos y The Decline of the American Empire de Denys Arcand. Scenes from the Class Struggle in Beverly Hills de Paul Bartel y The Big Chill de Lawrence Kasdan también se han comparado con The Rules of the Juego.