La música rock
La música rock es un amplio género de música popular que se originó como "rock and roll" en los Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se convirtió en una variedad de estilos diferentes a mediados de la década de 1960 y más tarde, particularmente en los Estados Unidos y el Reino Unido. Tiene sus raíces en el rock and roll de las décadas de 1940 y 1950, un estilo que se inspiró directamente en los géneros de blues y rhythm and blues de la música afroamericana y de la música country. El rock también se basó en gran medida en otros géneros, como el blues eléctrico y el folk, e incorporó influencias del jazz, la música clásica y otros estilos musicales. Para la instrumentación, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, generalmente como parte de un grupo de rock con bajo eléctrico, batería y uno o más cantantes. Por lo general, el rock es música basada en canciones con un compás de 44 usando una forma de verso-estribillo, pero el género se ha vuelto extremadamente diverso. Al igual que la música pop, las letras a menudo enfatizan el amor romántico, pero también abordan una amplia variedad de otros temas que suelen ser sociales o políticos. El rock fue el género musical más popular en los Estados Unidos y gran parte del mundo occidental desde la década de 1950 hasta la de 2010 y sigue siendo popular.
Los músicos de rock a mediados de la década de 1960 comenzaron a promover el álbum por delante del sencillo como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, con los Beatles a la vanguardia de este desarrollo. Sus contribuciones le dieron al género una legitimidad cultural en la corriente principal e iniciaron una era de álbumes basados en el rock en la industria de la música durante las próximas décadas. A fines de la década de 1960, el "rock clásico" período, habían surgido una serie de subgéneros distintos de la música rock, incluidos híbridos como el blues rock, el folk rock, el country rock, el rock sureño, el raga rock y el jazz rock, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico, que fue influenciado por el escena contracultural psicodélica y hippie. Los nuevos géneros que surgieron incluyeron el rock progresivo, que amplió los elementos artísticos, el glam rock, que destacó el talento para el espectáculo y el estilo visual, y el subgénero diverso y duradero del heavy metal, que hizo hincapié en el volumen, la potencia y la velocidad. En la segunda mitad de la década de 1970, el punk rock reaccionó produciendo críticas sociales y políticas enérgicas y despojadas. El punk fue una influencia en la década de 1980 en la nueva ola, el post-punk y, finalmente, en el rock alternativo.
Desde la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar la música rock y a irrumpir en la corriente principal en forma de grunge, britpop e indie rock. Desde entonces, han surgido otros subgéneros de fusión, incluidos el pop punk, el rock electrónico, el rap rock y el rap metal, así como intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluidos los renacimientos de garage rock/post-punk y techno-pop en el años 2000 La década de 2010 vio un lento declive en la popularidad y la relevancia cultural de la música rock, y el hip hop lo superó como el género más popular en los Estados Unidos; El rock fue el género musical más popular en los Estados Unidos y gran parte del mundo occidental desde la década de 1950 hasta finales de la década de 2010.
El rock también ha encarnado y servido como vehículo para movimientos culturales y sociales, lo que ha dado lugar a importantes subculturas que incluyen mods y rockers en el Reino Unido, el movimiento hippie y el movimiento de contracultura occidental más amplio que se extendió desde San Francisco en los EE. UU. en la década de 1960. el último de los cuales continúa hasta el día de hoy. Del mismo modo, la cultura punk de la década de 1970 generó las subculturas gótica, punk y emo. Al heredar la tradición popular de la canción de protesta, la música rock se ha asociado con el activismo político, así como con cambios en las actitudes sociales hacia la raza, el sexo y el uso de drogas, y a menudo se la ve como una expresión de la rebelión de los jóvenes contra el consumismo y la conformidad de los adultos. Al mismo tiempo, ha tenido un gran éxito comercial, lo que ha dado lugar a acusaciones de venta.
Características
Una buena definición de roca, de hecho, es que es música popular que en cierto grado no le importa si es popular.
- Bill Wyman entra Vulture (2016)
El sonido del rock se centra tradicionalmente en la guitarra eléctrica amplificada, que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularidad del rock and roll. También estuvo muy influenciado por los sonidos de los guitarristas de blues eléctrico. El sonido de una guitarra eléctrica en la música rock suele estar respaldado por un bajo eléctrico, que fue pionero en la música jazz en la misma época, y por la percusión producida a partir de una batería que combina tambores y platillos. Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros instrumentos, en particular teclados como el piano, el órgano Hammond y el sintetizador. La instrumentación básica del rock se derivó de la instrumentación básica de la banda de blues (guitarra principal destacada, segundo instrumento de cuerdas, bajo y batería). Un grupo de músicos que interpretan música rock se denomina banda de rock o grupo de rock. Además, normalmente consta de entre tres (el trío de poder) y cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren uno o más roles, incluido el de vocalista, guitarrista principal, guitarrista rítmico, bajista, baterista y, a menudo, teclista u otro instrumentista.
4 patrón de tambor común en la música rock
Jugar(help·info)La música rock se construye tradicionalmente sobre una base de ritmos sincopados simples en un 4
4 compás, con un contratiempo repetitivo de caja en los tiempos dos y cuatro. Las melodías a menudo se originan en modos musicales más antiguos, como Dorian y Mixolydian, así como en modos mayores y menores. Las armonías van desde la tríada común hasta cuartas y quintas perfectas paralelas y progresiones armónicas disonantes. Desde finales de la década de 1950, y particularmente desde mediados de la década de 1960 en adelante, la música rock a menudo usó la estructura de verso-estribillo derivada del blues y la música folclórica, pero ha habido una variación considerable de este modelo. Los críticos han destacado el eclecticismo y la diversidad estilística del rock. Debido a su compleja historia y su tendencia a tomar prestado de otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que "es imposible vincular la música rock a una definición musical rígidamente delineada". En opinión del periodista musical Robert Christgau, "el mejor rock sacude las virtudes del arte popular (franqueza, utilidad, audiencia natural) hacia el presente con tomas de tecnología moderna y disociación modernista".
Rock and roll fue concebido como una salida para adolescentes anhelos... Hacer rock and roll es también una forma ideal para explorar intersecciones de sexo, amor, violencia y diversión, para difundir los placeres y limitaciones de la región, y para lidiar con las depredaciones y beneficios de la propia cultura de masas.
- Robert Christgau en Christgau's Record Guide (1981)
A diferencia de muchos estilos anteriores de música popular, las letras de rock han abordado una amplia gama de temas, incluidos el amor romántico, el sexo, la rebelión contra "The Establishment", preocupaciones sociales y estilos de vida. Estos temas se heredaron de una variedad de fuentes, como la tradición pop de Tin Pan Alley, la música folclórica y el rhythm and blues. Christgau caracteriza las letras de rock como un "medio genial" con dicción simple y estribillos repetidos, y afirma que la "función" principal del rock "pertenece a la música, o, más generalmente, al ruido." A menudo se ha observado el predominio de músicos blancos, masculinos y, a menudo, de clase media en la música rock, y el rock se ha visto como una apropiación de formas musicales negras para una audiencia joven, blanca y mayoritariamente masculina. Como resultado, también se ha visto que articula las preocupaciones de este grupo tanto en estilo como en letras. Christgau, escribiendo en 1972, dijo, a pesar de algunas excepciones, "el rock and roll por lo general implica una identificación de la sexualidad masculina y la agresión".
Dado que el término "rock" comenzó a usarse con preferencia a "rock and roll" desde finales de la década de 1960, por lo general se ha contrastado con la música pop, con la que ha compartido muchas características, pero de la que a menudo se distancia por un énfasis en la maestría musical, la interpretación en vivo y un enfoque en temas serios y progresistas como parte de una ideología de autenticidad que frecuentemente se combina con una conciencia de la historia y el desarrollo del género. Según Simon Frith, el rock era "algo más que pop, algo más que rock and roll" y "[r]ock músicos combinaron un énfasis en la habilidad y la técnica con el concepto romántico del arte como expresión artística, original y sincera".
En el nuevo milenio, el término rock se ha utilizado ocasionalmente como un término general que incluye formas como la música pop, la música reggae, la música soul e incluso el hip hop, con el que ha sido influenciado pero a menudo contrastado a lo largo de gran parte de su historia. Christgau ha utilizado el término de manera amplia para referirse a la música popular y semipopular que se adapta a su sensibilidad como 'un rock and roll', incluida la afición por un buen ritmo, una letra significativa con algo de ingenio y la tema de la juventud, que tiene una "eterna atracción" tan objetiva "que toda música juvenil participa de la sociología y del informe de campo". Escribiendo en Christgau's Record Guide: The '80s (1990), dijo que esta sensibilidad es evidente en la música de la cantautora folk Michelle Shocked, el rapero LL Cool J y el dúo de synth-pop Pet Shop Boys, "todos los niños están trabajando en sus identidades", tanto como en la música de Chuck Berry, los Ramones y los Replacements.
Finales de la década de 1940-mediados de la década de 1960
Rock and roll
Los cimientos de la música rock están en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, y se extendió rápidamente a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes inmediatos se encuentran en una fusión de varios géneros musicales negros de la época, incluidos el ritmo y el blues y la música gospel, con el country y el western. En 1951, el disc jockey de Cleveland, Ohio, Alan Freed, comenzó a tocar música de rhythm and blues (entonces denominada "música de carreras") para una audiencia multirracial, y se le atribuye haber utilizado por primera vez la frase "rock and blues". rollo" para describir la música.
El debate rodea las muchas grabaciones que se han sugerido como "el primer disco de rock and roll". Los contendientes incluyen "La casa de las luces azules" de Ella Mae Morse y Freddie Slack (1946); Wynonie Harris' "Buen rock esta noche" (1948); 'Rock Awhile' de Goree Carter (1949); 'Rock the Joint' de Jimmy Preston (1949), que luego fue versionada por Bill Haley & sus cometas en 1952; y "Cohete 88" de Jackie Brenston y sus Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda The Kings of Rhythm), grabado por Sam Phillips para Sun Records en 1951. Cuatro años más tarde, 'Rock Around the Clock' de Bill Haley #34; (1955) se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las principales listas de ventas y reproducción al aire de la revista Billboard, y abrió la puerta en todo el mundo a esta nueva ola de cultura popular.
También se ha argumentado que "Eso está bien (mamá)" (1954), el primer sencillo de Elvis Presley para Sun Records en Memphis, podría ser el primer disco de rock and roll, pero, al mismo tiempo, "Shake, Rattle & Roll', más tarde versionada por Haley, ya estaba en lo más alto de las listas de R&B de Billboard. Otros artistas con primeros éxitos del rock and roll incluyen a Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Gene Vincent. Pronto, el rock and roll se convirtió en la fuerza principal en las ventas de discos estadounidenses y los cantantes, como Eddie Fisher, Perry Como y Patti Page, que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron reducido significativamente su acceso a las listas de éxitos.
Se ha considerado que el rock and roll conduce a una serie de subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina rock and roll con "hillbilly" la música country, que habitualmente era tocada y grabada a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y con el mayor éxito comercial, Elvis Presley. Los movimientos hispanos y latinoamericanos de rock and roll, que eventualmente conducirían al éxito del rock latino y el rock chicano en los EE. UU., comenzaron a surgir en el suroeste; con el músico estándar de rock and roll Ritchie Valens e incluso con otros géneros heredados, como Al Hurricane junto con sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby cuando comenzaron a combinar el rock and roll con el country-western dentro de la música tradicional de Nuevo México. Otros estilos, como el doo wop, pusieron énfasis en las armonías vocales de varias partes y las letras de acompañamiento (de las cuales el género obtuvo su nombre más tarde), que generalmente se apoyaban con instrumentación ligera y tenían sus orígenes en los grupos vocales afroamericanos de las décadas de 1930 y 1940. Actos como los Crows, los Penguins, El Dorados y los Turbans obtuvieron grandes éxitos, y grupos como los Platters, con canciones que incluyen "The Great Pretender" (1955), y los Coasters con canciones humorísticas como "Yakety Yak" (1958), clasificado entre los actos de rock and roll más exitosos de la época.
La era también vio el crecimiento de la popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de tocar específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore. El uso de la distorsión, iniciado por guitarristas de swing occidentales como Junior Barnard y Eldon Shamblin, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. El uso de acordes de potencia, iniciado por Francisco Tárrega y Heitor Villa-Lobos en el siglo XIX y luego por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a fines de la década de 1950.
En el Reino Unido, los movimientos tradicionales de jazz y folk atrajeron a artistas de música blues visitantes a Gran Bretaña. El éxito de 1955 de Lonnie Donegan 'Rock Island Line' fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de música skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluidos los Quarrymen de John Lennon, pasaron a tocar rock and roll.
Los comentaristas tradicionalmente han percibido un declive del rock and roll a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. En 1959, la muerte de Buddy Holly, el Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la partida de Elvis para el ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los juicios a Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y la ruptura de el escándalo de la payola (que implicó a figuras importantes, incluido Alan Freed, en sobornos y corrupción en la promoción de actos o canciones individuales), dio la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin.
Pop rock y rock instrumental
El término pop se ha utilizado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, pero a partir de mediados de la década de 1950 comenzó a utilizarse para un género diferenciado, dirigido a un mercado juvenil., a menudo caracterizado como una alternativa más suave al rock and roll. Aproximadamente desde 1967, se utilizó cada vez más en oposición al término música rock, para describir una forma que era más comercial, efímera y accesible. En contraste, se consideraba que la música rock se centraba en obras extensas, en particular álbumes, a menudo se asociaba con subculturas particulares (como la contracultura de la década de 1960), ponía énfasis en los valores artísticos y la "autenticidad", enfatizaba en vivo interpretación y virtuosismo instrumental o vocal y, a menudo, se consideraba que encapsulaba desarrollos progresivos en lugar de simplemente reflejar tendencias existentes. Sin embargo, gran parte de la música pop y rock ha sido muy similar en sonido, instrumentación e incluso contenido lírico.
El período de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se ha visto tradicionalmente como una era de pausa para el rock and roll. Más recientemente, algunos autores han enfatizado importantes innovaciones y tendencias en este período sin las cuales los desarrollos futuros no hubieran sido posibles. Mientras que el rock and roll temprano, particularmente a través del advenimiento del rockabilly, vio el mayor éxito comercial para los artistas masculinos y blancos, en esta era, el género estaba dominado por artistas negros y femeninos. El rock and roll no había desaparecido a fines de la década de 1950 y parte de su energía se puede ver en la moda del Twist dance de principios de la década de 1960, beneficiando principalmente la carrera de Chubby Checker.
Cliff Richard tuvo el primer éxito del rock and roll británico con 'Move It', que marcó el comienzo del sonido del rock británico. A principios de la década de 1960, su grupo de apoyo The Shadows fue el grupo de grabación instrumental más exitoso. Mientras el rock and roll se desvanecía en pop ligero y baladas, los grupos de rock británicos en clubes y bailes locales, fuertemente influenciados por pioneros del blues-rock como Alexis Korner, comenzaban a tocar con una intensidad y un impulso que rara vez se encuentran en los actos estadounidenses blancos.
También fue significativo el advenimiento de la música soul como una importante fuerza comercial. Desarrollado a partir del rhythm and blues con una reinyección de música gospel y pop, liderado por pioneros como Ray Charles y Sam Cooke de mediados de la década de 1950, por figuras de principios de la década de 1960 como Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaba las listas de R&B y se abría paso en las principales listas de éxitos pop, ayudando a acelerar su eliminación de la segregación, mientras que Motown y Stax/Volt Records se estaban convirtiendo en fuerzas importantes en la industria discográfica. Algunos historiadores de la música también han señalado desarrollos técnicos importantes e innovadores que se basaron en el rock and roll en este período, incluido el tratamiento electrónico del sonido por parte de innovadores como Joe Meek, y los elaborados métodos de producción de Wall of Sound perseguidos por Phil Spector.
Música surfera
El rock and roll instrumental de artistas como Duane Eddy, Link Wray y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale, quien agregó el distintivo "wet" reverberación, punteo alternado rápido e influencias de Oriente Medio y México. Produjo el éxito regional "Let's Go Trippin'" en 1961 y lanzó la moda de la música surf, seguida de canciones como "Misirlou" (1962). Al igual que Dale y sus Del-Tones, la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluidos Bel-Airs, Challengers y Eddie & los Showmen. Los Chantays lograron un éxito entre los diez primeros a nivel nacional con 'Pipeline'. en 1963 y probablemente la canción de surf más conocida fue 'Wipe Out' de 1963, de Surfaris, que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas Billboard en 1965.
La música surf logró su mayor éxito comercial como música vocal, particularmente el trabajo de los Beach Boys, formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluían surf rock instrumental (entre ellos versiones de música de Dick Dale) y canciones vocales, inspiradas en el rock and roll y el doo wop y las armonías cercanas de actos de pop vocal como los Four Freshmen. El primer éxito de las listas de éxitos de los Beach Boys, "Surfin'" en 1962 alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a hacer de la moda de la música surf un fenómeno nacional. A menudo se argumenta que la moda de la música surf y las carreras de casi todos los actos de surf terminaron efectivamente con la llegada de la invasión británica de 1964, porque la mayoría de los éxitos de la música surf se grabaron y lanzaron entre 1961 y 1965.
Mediados de los 60-principios de los 90
Invasión británica
A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles, Gerry & los marcapasos y los buscadores de Liverpool y Freddie y los soñadores, los ermitaños de Herman y los Hollies de Manchester. Se basaron en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluido el rock and roll, el soul, el rhythm and blues y la música surf de la década de 1950, inicialmente reinterpretando melodías estadounidenses estándar y tocando para bailarines. Bandas como los Animals de Newcastle y Them de Belfast, y en particular las de Londres como los Rolling Stones y los Yardbirds, estaban mucho más directamente influenciadas por el rhythm and blues y el blues posterior. Pronto, estos grupos estaban componiendo su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndoles un ritmo de alta energía. Las bandas beat tendían a "melodías vivaces e irresistibles", mientras que los primeros actos de blues británico tendían a canciones menos sexualmente inocentes y más agresivas, a menudo adoptando una postura antisistema. Sin embargo, hubo, particularmente en las primeras etapas, un cruce musical considerable entre las dos tendencias. En 1963, liderados por los Beatles, los grupos de ritmo habían comenzado a lograr el éxito nacional en Gran Bretaña, y pronto serían seguidos en las listas de éxitos por los actos más centrados en el ritmo y el blues.
"Quiero tomar tu mano" eran los Beatles' primer éxito número uno en el Billboard Hot 100, pasando siete semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, atrayendo a unos 73 millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense) se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon 12 posiciones en la lista de sencillos Billboard Hot 100, incluidos los cinco primeros. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas estadounidenses por numerosas bandas británicas. Durante los siguientes dos años, los actos británicos dominaron las listas de éxitos propias y estadounidenses con Peter y Gordon, The Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders, Herman's Hermits, The Rolling Stones, los Troggs y Donovan, todos con uno o más sencillos número uno. Otros actos importantes que formaron parte de la invasión incluyeron a Kinks y Dave Clark Five.
La invasión británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los artistas británicos (e irlandeses) posteriores lograran el éxito internacional. Podría decirse que en Estados Unidos significó el fin de la música surf instrumental, los grupos de chicas vocales y (por un tiempo) los ídolos adolescentes, que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años 50 y 60. Abolló las carreras de actos de R&B establecidos como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de éxitos de los actos de rock and roll sobrevivientes, incluido Elvis. La invasión británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores. Siguiendo el ejemplo de los Beatles' LP de 1965 Rubber Soul en particular, otros actos de rock británicos lanzaron álbumes de rock pensados como declaraciones artísticas en 1966, incluidos los Rolling Stones' Consecuencias, los Beatles' propio Revolver y A Quick One de The Who, así como actos estadounidenses en los Beach Boys (Pet Sounds) y Bob Dylan (Rubia sobre rubia).
Roca de garaje
El rock de garaje era una forma cruda de música rock, particularmente prevalente en América del Norte a mediados de la década de 1960 y llamado así por la percepción de que se ensayaba en el garaje familiar suburbano. Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, con canciones sobre "chicas mentirosas" y las circunstancias sociales injustas son particularmente comunes. La letra y la entrega tendían a ser más agresivas de lo que era común en ese momento, a menudo con gruñidos o gritos que se disolvían en gritos incoherentes. Iban desde música tosca de un solo acorde (como Seeds) hasta calidad de músico casi de estudio (incluidos Knickerbockers, Remains y Fifth Estate). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con escenas florecientes, particularmente en California y Texas. Los estados del noroeste del Pacífico de Washington y Oregón tenían quizás el sonido regional más definido.
El estilo había evolucionado desde las escenas regionales desde 1958. "Tall Cool One" (1959) de los Wailers y "Louie Louie" by the Kingsmen (1963) son ejemplos de la corriente principal del género en sus etapas formativas. En 1963, los sencillos de bandas de garaje se estaban colando en las listas nacionales en mayor número, incluidos Paul Revere y los Raiders (Boise), los Trashmen (Minneapolis) y los Rivieras (South Bend, Indiana). Otras bandas de garaje influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100.
La invasión británica influyó mucho en las bandas de garaje, brindándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchos (a menudo grupos de surf o hot rod) a adoptar una influencia británica y alentó la formación de muchos más grupos. Miles de bandas de garaje existían en los EE. UU. Y Canadá durante la era y cientos produjeron éxitos regionales. A pesar de que decenas de bandas firmaron con sellos regionales importantes o grandes, la mayoría fueron fracasos comerciales. En general, se acepta que el garage rock alcanzó su punto máximo tanto comercial como artísticamente alrededor de 1966. Para 1968, el estilo desapareció en gran medida de las listas nacionales y a nivel local cuando los músicos aficionados se enfrentaron a la universidad, el trabajo o el draft. Los nuevos estilos habían evolucionado para reemplazar el garage rock.
Rock azul
Aunque el primer impacto de la invasión británica en la música popular estadounidense fue a través de actos basados en el ritmo y el R&B, el ímpetu pronto lo tomó una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente en el blues estadounidense, incluido Rolling Piedras y los Yardbirds. Los músicos británicos de blues de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se habían inspirado en la interpretación acústica de figuras como Lead Belly, que fue una gran influencia en la moda de Skiffle, y Robert Johnson. Adoptaron cada vez más un sonido amplificado fuerte, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago, particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que llevó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated. La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del boom del blues británico posterior, incluidos los miembros de los Rolling Stones y Cream, combinando estándares y formas de blues con instrumentación y énfasis en el rock.
El otro foco clave del blues británico fue John Mayall; su banda, los Bluesbreakers, incluía a Eric Clapton (después de la salida de Clapton de los Yardbirds) y más tarde a Peter Green. Particularmente significativo fue el lanzamiento del álbum Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) (1966), considerado una de las grabaciones fundamentales del blues británico y cuyo sonido fue muy emulado tanto en Gran Bretaña como en los Estados Unidos. Eric Clapton pasó a formar los supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos, seguidos de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues rock a la corriente principal. Green, junto con la sección rítmica de Bluesbreaker, Mick Fleetwood y John McVie, formaron Fleetwood Mac de Peter Green, que disfrutó de uno de los mayores éxitos comerciales del género. A fines de la década de 1960, Jeff Beck, también ex alumno de los Yardbirds, movió el blues rock en la dirección del rock pesado con su banda, Jeff Beck Group. El último guitarrista de Yardbirds fue Jimmy Page, quien pasó a formar The New Yardbirds, que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin. Muchas de las canciones de sus primeros tres álbumes, y ocasionalmente más adelante en sus carreras, fueron expansiones de canciones tradicionales de blues.
En Estados Unidos, el guitarrista Lonnie Mack fue pionero en el blues rock a principios de la década de 1960, pero el género comenzó a despegar a mediados de la década de 1960 cuando los actos desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Los actos clave incluyeron a Paul Butterfield (cuya banda actuó como los Bluesbreakers de Mayall en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat, los primeros Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, J. Geils Band y Jimi Hendrix. con sus poderosos tríos, Jimi Hendrix Experience (que incluía a dos miembros británicos y fue fundado en Gran Bretaña) y Band of Gypsys, cuyo virtuosismo de guitarra y talento para el espectáculo estarían entre los más emulados de la década. Las bandas de blues rock de los estados del sur, como Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd y ZZ Top, incorporaron elementos country en su estilo para producir el género distintivo del rock sureño.
Las primeras bandas de blues rock a menudo emulaban el jazz, tocando improvisaciones largas y complicadas, que luego serían un elemento importante del rock progresivo. Aproximadamente desde 1967, bandas como Cream y Jimi Hendrix Experience se habían alejado de la música puramente basada en el blues y se habían acercado a la psicodelia. En la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y más basado en riffs, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple, y las líneas entre el blues rock y el hard rock 'apenas eran visibles', cuando las bandas comenzaron a grabar. álbumes de estilo rock. El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers, pero, particularmente en la escena británica (excepto quizás por el advenimiento de grupos como Status Quo y Foghat, que se movieron hacia una forma de boogie rock repetitivo y de alta energía).), las bandas se centraron en la innovación del heavy metal y el blues rock comenzó a salirse de la corriente principal.
Folk rock
En la década de 1960, la escena que se había desarrollado a partir del renacimiento de la música folclórica estadounidense se había convertido en un movimiento importante, utilizando música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. En Estados Unidos, el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y, a menudo, se identifica con la política progresista o laboral. A principios de los años sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan se habían destacado en este movimiento como cantautores. Dylan había comenzado a llegar a una audiencia mayoritaria con éxitos como 'Blowin'; en el viento" (1963) y "Maestros de la guerra" (1963), que trajo "canciones de protesta" a un público más amplio, pero, aunque comenzaron a influirse mutuamente, el rock y la música folclórica habían permanecido en gran parte como géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes.
Los primeros intentos de combinar elementos de folk y rock incluyeron a Animals' "Casa del Sol Naciente" (1964), que fue la primera canción popular de éxito comercial que se grabó con instrumentación de rock and roll y los Beatles 'I'm a Loser'. (1964), posiblemente la primera canción de los Beatles influenciada directamente por Dylan. Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con los Byrds' grabación de 'Mr. Pandereta Hombre" que encabezó las listas de éxitos en 1965. Con miembros que habían formado parte de la escena folclórica de los cafés de Los Ángeles, los Byrds adoptaron la instrumentación de rock, incluida la batería y las guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas, que se convirtieron en un elemento importante en el sonido del género.. Más tarde ese mismo año, Dylan adoptó los instrumentos eléctricos, para indignación de muchos puristas del folk, con su "Like a Rolling Stone" convirtiéndose en un sencillo de éxito en los Estados Unidos. Según Ritchie Unterberger, Dylan (incluso antes de adoptar los instrumentos eléctricos) influyó en músicos de rock como los Beatles, demostrando "a la generación del rock en general que un álbum podía ser una gran declaración independiente sin singles exitosos", como como en The Freewheelin' Bob Dylan (1963).
El folk rock despegó particularmente en California, donde lideró actos como Mamas & the Papas and Crosby, Stills y Nash para pasar a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde generó artistas como Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel, con la acústica de este último "The Sounds of Silence" (1965) siendo remezclado con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. Estos actos influyeron directamente en artistas británicos como Donovan y Fairport Convention. En 1969, la Convención de Fairport abandonó su mezcla de versiones estadounidenses y canciones con influencia de Dylan para tocar música folk tradicional inglesa con instrumentos eléctricos. Este folk-rock británico fue retomado por bandas como Pentangle, Steeleye Span y Albion Band, que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y actos escoceses como JSD Band, Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel, a usar su música tradicional para crear una marca de rock celta a principios de la década de 1970.
El folk-rock alcanzó su punto máximo de popularidad comercial en el período de 1967 a 1968, antes de que muchos actos se movieran en una variedad de direcciones, incluidos Dylan and the Byrds, que comenzaron a desarrollar el country rock. Sin embargo, se ha visto que la hibridación de folk y rock tiene una gran influencia en el desarrollo de la música rock, aportando elementos de psicodelia y ayudando a desarrollar las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de &# 34;autenticidad".
Rock psicodélico
La vibra inspirada en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk. El primer grupo en promocionarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas. Los Beatles introdujeron muchos de los elementos principales del sonido psicodélico al público en este período, como la respuesta de la guitarra, el sitar indio y los efectos de sonido de backmasking. El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California cuando los grupos siguieron el cambio de los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y particularmente Los productos destacados de la escena fueron Big Brother and the Holding Company, Grateful Dead y Jefferson Airplane. El guitarrista principal de The Jimi Hendrix Experience, Jimi Hendrix, hizo improvisaciones distorsionadas y llenas de retroalimentación que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. 1967 vio a los Beatles lanzar su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, incluida la controvertida canción "Lucy in the Sky with Diamonds", los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request, y Pink Floyd debutaron con The Piper at the Gates of Dawn. Las grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y The Doors' Días extraños. Estas tendencias alcanzaron su punto máximo en el festival de Woodstock de 1969, que vio actuaciones de la mayoría de los principales actos psicodélicos.
Sargento. Pepper fue considerado más tarde como el mejor álbum de todos los tiempos y un punto de partida para la era de los álbumes, durante la cual la música rock pasó del formato de sencillos a álbumes y logró legitimidad cultural en la corriente principal. Liderados por los Beatles a mediados de la década de 1960, los músicos de rock promovieron el LP como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, iniciando una era de álbumes basados en el rock en la industria de la música durante las próximas décadas.
Rock progresivo
El rock progresivo, un término que a veces se usa indistintamente con el art rock, fue más allá de las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. Desde mediados de la década de 1960, el Left Banke, los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys fueron pioneros en la inclusión de clavicémbalos, viento y secciones de cuerdas en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco y se puede escuchar en sencillos como Procol. 'A Whiter Shade of Pale' de Harum (1967), con su introducción inspirada en Bach. The Moody Blues utilizó una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente creó sonidos orquestales con sintetizadores. La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior.
Los instrumentos eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en fantasía y ciencia ficción. Las cosas bonitas' SF Sorrow (1968) y The Kinks' Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) introdujo el formato de las óperas rock y abrió la puerta a los álbumes conceptuales, a menudo contando una historia épica o abordando un gran tema general. El álbum debut de King Crimson de 1969, In the Court of the Crimson King, que mezclaba poderosos riffs de guitarra y mellotron, con jazz y música sinfónica, a menudo se toma como la grabación clave del rock progresivo. ayudando a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas psicodélicas y de blues-rock existentes, así como los actos recién formados. La vibrante escena de Canterbury vio actos que siguieron a Soft Machine desde la psicodelia, a través de las influencias del jazz, hasta el rock duro más expansivo, incluidos Caravan, Hatfield and the North, Gong y National Health.
Un mayor éxito comercial lo disfrutó Pink Floyd, que también se alejó de la psicodelia tras la marcha de Syd Barrett en 1968, con El lado oscuro de la luna (1973), vista como una obra maestra de el género, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yes mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del teclista Rick Wakeman, mientras que Emerson, Lake & Palmer fue un supergrupo que produjo algunos de los trabajos técnicamente más exigentes del género. Jethro Tull y Genesis persiguieron marcas de música muy diferentes, pero claramente inglesas. Renaissance, formada en 1969 por los ex-Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, evolucionó hasta convertirse en una banda de alto concepto con la voz de tres octavas de Annie Haslam. La mayoría de las bandas británicas dependían de un público de culto relativamente pequeño, pero un puñado, incluidos Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir los diez mejores sencillos en casa y romper el mercado estadounidense. La marca estadounidense de rock progresivo varió desde el ecléctico e innovador Frank Zappa, Captain Beefheart y Blood, Sweat & Tears, hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston, Foreigner, Kansas, Journey y Styx. Estos, además de las bandas británicas Supertramp y ELO, demostraron una influencia del rock progresivo y, si bien se ubicaron entre los actos de mayor éxito comercial de la década de 1970, anunciaron la era de pomp o arena rock., que duraría hasta que los costos de espectáculos complejos (a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), serían reemplazados por festivales de rock más económicos como lugares principales en vivo en la década de 1990.
La vertiente instrumental del género resultó en álbumes como Tubular Bells (1973) de Mike Oldfield, el primer disco y éxito mundial del sello Virgin Records, que se convirtió en un pilar del genero El rock instrumental fue particularmente importante en Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk, Tangerine Dream, Can y Faust sortear la barrera del idioma. Su "krautrock" lleno de sintetizadores, junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el teclista de Roxy Music), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior. Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos a fines de la década de 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado como pretencioso y exagerado. Muchas bandas se separaron, pero algunas, incluidas Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, obtuvieron regularmente los diez primeros álbumes con exitosas giras mundiales de acompañamiento. Algunas bandas que surgieron después del punk, como Siouxsie and the Banshees, Ultravox y Simple Minds, mostraron la influencia del rock progresivo, así como sus influencias punk más reconocidas.
Jazz-rock
A fines de la década de 1960, el jazz-rock surgió como un subgénero distinto de las escenas del blues-rock, el rock psicodélico y el rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos de improvisación del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero con mayor frecuencia describe a los artistas que provienen del lado rockero de la ecuación". El jazz-rock "... generalmente surgió de los subgéneros de rock más ambiciosos desde el punto de vista artístico de finales de los 60 y principios de los 70, incluido el movimiento de cantautores. Muchos de los primeros músicos estadounidenses de rock and roll se habían iniciado en el jazz y habían llevado algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock, y muchas de sus principales figuras, como Ginger Baker y Jack Bruce de la banda Cream, liderada por Eric Clapton, habían surgido de la escena del jazz británico. A menudo destacado como la primera grabación verdadera de jazz-rock, es el único álbum de Free Spirits, con sede en Nueva York relativamente oscuro, con Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas en usar conscientemente la etiqueta fueron bandas de rock blanco orientadas al R&B que hicieron uso de secciones de viento jazzísticas, como Electric Flag, Blood, Sweat & Tears y Chicago, para convertirse en algunos de los actos de mayor éxito comercial de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970.
Los actos británicos que surgieron en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales y de improvisación del jazz, incluyeron Nucleus y el Colosseum derivado de Graham Bond y John Mayall. Del rock psicodélico y las escenas de Canterbury surgió Soft Machine, quien, según se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de los dos géneros. Quizás la fusión más aclamada por la crítica vino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis, particularmente influenciado por el trabajo de Hendrix, incorporando instrumentación de rock en su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia en los siguientes artistas de jazz influenciados por el rock, incluidos Herbie Hancock, Chick Corea y Weather Report. El género comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a tomar su audiencia, pero artistas como Steely Dan, Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron importantes álbumes influenciados por el jazz en este período, y ha seguido siendo un gran influencia en la música rock.
Mayor comercialización en la década de 1970
Reflexionando sobre los desarrollos que ocurrieron en la música rock a principios de la década de 1970, Robert Christgau escribió en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981):
La década es, por supuesto, un esquema arbitrario en sí mismo, el tiempo no sólo ejecuta un giro limpio hacia el futuro cada diez años. Pero como muchos conceptos artificiales —dinero, digamos— la categoría toma una realidad propia una vez que la gente descubra cómo ponerla a trabajar. "Los años 60 han terminado", un eslogan que uno sólo comenzó a escuchar en 1972 o así, movilizó a todos aquellos ansiosos de creer que el idealismo se había convertido en passe, y una vez que fueron movilizados, lo había hecho. En la música popular, abrazar los años 70 significaba tanto un retiro elitista de la escena desordenada del concierto y la contracultura y una búsqueda provechosa del mínimo común denominador en la radio FM y el rock del álbum.
El rock experimentó una mayor mercantilización durante esta década, convirtiéndose en una industria multimillonaria y duplicando su mercado mientras, como señaló Christgau, sufrió una importante "pérdida de prestigio cultural". "Tal vez los Bee Gees se hicieron más populares que los Beatles, pero nunca fueron más populares que Jesús", dijo. “En la medida en que la música conservaba algún poder mítico, el mito era autorreferencial: había muchas canciones sobre la vida del rock and roll, pero muy pocas sobre cómo el rock podía cambiar el mundo, excepto como una nueva marca de analgésico... En los años 70, los poderosos tomaron el control, cuando los industriales del rock capitalizaron el estado de ánimo nacional para reducir la música potente a una especie de entretenimiento a menudo reaccionario, y para transmutar la base popular del rock de la audiencia al mercado. "
Roca de raíces
Roots rock es el término que ahora se usa para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, a una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, particularmente la música country y folclórica, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. En 1966, Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde. Se ha considerado que este y los álbumes subsiguientes más claramente influenciados por el country, como Nashville Skyline, crearon el género del country folk, una ruta seguida por varios músicos de folk en gran parte acústicos. Otros actos que siguieron la tendencia de volver a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival con sede en California, los cuales mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes. de fines de la década de 1960. El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de solistas californianos como Ry Cooder, Bonnie Raitt y Lowell George, e influyó en el trabajo de artistas consagrados como los Rolling Stones' Beggar's Banquet (1968) y The Beatles' Déjalo ser (1970). Al reflexionar sobre este cambio de tendencias en la música rock en los últimos años, Christgau escribió en su 'Guía del consumidor' de junio de 1970: columna que esta "nueva ortodoxia" y "retraso cultural" abandonó las producciones improvisadas y ornamentadas en el estudio en favor de un énfasis en la "instrumentación estricta y de repuesto" y composición de canciones: "Sus referentes son el rock de los años 50, la música country y el rhythm and blues, y su principal inspiración es la Banda."
En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band, posiblemente el primer álbum de country rock verdadero. Más tarde ese mismo año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerada una de las grabaciones más influyentes del género. The Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para unirse a otro ex miembro de Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers, quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons partiera para seguir una carrera en solitario. Las bandas en California que adoptaron el country rock incluyen Hearts and Flowers, Poco, New Riders of the Purple Sage, Beau Brummels y Nitty Gritty Dirt Band. Algunos artistas también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluidos: los Everly Brothers; el antiguo ídolo adolescente Rick Nelson, quien se convirtió en el líder de Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith que formó la Primera Banda Nacional; y Neil Young. The Dillards eran, inusualmente, un acto de country, que se movió hacia la música rock. El mayor éxito comercial del country rock se produjo en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt y los Eagles (formados por miembros de Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que emergieron como uno de los actos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluyen Hotel California (1976).
Por lo general, se cree que los fundadores del rock sureño son Allman Brothers Band, quienes desarrollaron un sonido distintivo, en gran parte derivado del blues rock, pero que incorporó elementos de boogie, soul y country a principios de la década de 1970. El acto más exitoso que los siguió fue Lynyrd Skynyrd, quien ayudó a establecer el "Good ol' chico" imagen del subgénero y la forma general de 1970s' roca de guitarra Sus sucesores incluyeron a los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs, los Outlaws más influenciados por el country, Wet Willie inclinado hacia el funk/R&B y (incorporando elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils. Después de la pérdida de los miembros originales de Allmans y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a fines de la década de 1970, pero se mantuvo en la década de 1980 con actos como.38 Special, Molly Hatchet y Marshall Tucker Band.
Glam-rock
El glam rock surgió de las escenas inglesas de rock artístico y psicodélico de finales de la década de 1960 y puede verse como una extensión y una reacción contra esas tendencias. Musicalmente diverso, variando entre el simple revivalismo del rock and roll de figuras como Alvin Stardust hasta el complejo art rock de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. Visualmente, era una malla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de la década de 1930, pasando por el atractivo sexual pin-up de la década de 1950, la teatralidad de Cabaret de antes de la guerra, los estilos literarios y simbolistas victorianos, la ciencia ficción, el misticismo y la mitología antiguos y ocultos; manifestándose en ropa escandalosa, maquillaje, peinados y botas con suela de plataforma. Glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y sus representaciones de androginia, además del uso extensivo de la teatralidad. Fue prefigurado por el talento para el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de actos estadounidenses como Cockettes y Alice Cooper.
Los orígenes del glam rock están asociados con Marc Bolan, quien cambió el nombre de su dúo de folk a T. Rex y comenzó a tocar instrumentos eléctricos a fines de la década de 1960. Su aparición en el programa de música de la BBC Top of the Pops en marzo de 1971 se cita a menudo como el momento de su creación, vistiendo brillantina y satén, para interpretar lo que sería su segundo éxito en el Top 10 del Reino Unido (y su primer número en el Reino Unido). 1 hit), "Hot Love". A partir de 1971, ya como una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje de Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mimo y actuación en su acto. Estos artistas pronto fueron seguidos en el estilo por actos como Roxy Music, Sweet, Slade, Mott the Hoople, Mud y Alvin Stardust. Si bien tuvieron mucho éxito en las listas de éxitos individuales en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos pudieron tener un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la principal excepción al convertirse en una superestrella internacional y provocó la adopción de estilos glamorosos entre actos como Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls y Jobriath, a menudo conocido como "rock brillante" y con un contenido lírico más oscuro que sus homólogos británicos. En el Reino Unido, el término rock brillante se usaba con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam perseguida por Gary Glitter y sus músicos de apoyo, la Glitter Band, quienes entre ellos lograron dieciocho sencillos entre los diez primeros en el Reino Unido entre 1972 y 1976. Una segunda ola de actos de glam rock, incluidos Suzi Quatro, Roy Wood's Wizzard y Sparks, dominaron las listas británicas de sencillos entre 1974 y 1976. Los actos existentes, algunos que generalmente no se consideran fundamentales para el género, también adoptaron estilos glam, incluido Rod Stewart., Elton John, Queen y, durante un tiempo, incluso los Rolling Stones. También fue una influencia directa en los actos que se destacaron más tarde, incluidos Kiss y Adam Ant, y menos directamente en la formación del rock gótico y el glam metal, así como en el punk rock, que ayudó a terminar con la moda del glam desde aproximadamente 1976. Desde entonces, Glam ha disfrutado de resurgimientos modestos esporádicos a través de bandas como Chainsaw Kittens, The Darkness y en el acto cruzado de R&B Prince.
Roca chicana
Después de los primeros éxitos del rock latino en la década de 1960, músicos chicanos como Carlos Santana y Al Hurricane continuaron teniendo carreras exitosas a lo largo de la década de 1970. Santana abrió la década con éxito con su sencillo de 1970 "Black Magic Woman" en el álbum Abraxas. Su tercer álbum Santana III produjo el sencillo "No One to Depend On", y su cuarto álbum Caravanserai experimentó con su sonido con una recepción mixta. Más tarde lanzó una serie de cuatro álbumes que alcanzaron el estatus de oro: Welcome, Borboletta, Amigos y Festivál.. Al Hurricane continuó mezclando su música rock con la música de Nuevo México, aunque también estaba experimentando más intensamente con la música jazz, lo que lo llevó a varios sencillos exitosos, especialmente en su álbum Vestido Mojado, incluido el epónimo &# 34;Vestido Mojado", así como "Por Una Mujer Casada" y "Puño de Tierra"; sus hermanos tuvieron exitosos sencillos musicales de Nuevo México en "La Del Moño Colorado" de Tiny Morrie y "La Cumbia De San Antone" de Bebé Gaby. Al Hurricane Jr. también comenzó su exitosa carrera de grabación de música de Nuevo México con infusión de rock en la década de 1970, con su interpretación de 1976 de 'Flor De Las Flores'. Los Lobos ganaron popularidad en este momento, con su primer disco Los Lobos del Este de Los Ángeles en 1977.
Rock suave, rock duro y heavy metal temprano
Un momento extraño, 1971, aunque la balcanización de roca en los géneros estaba bien en marcha, a menudo era difícil decir una frase de captura de la siguiente. "Art-rock" podría significar cualquier cosa de los Velvets a los Blues Moody, y aunque Led Zeppelin fue lanzado y Black Sabbath celebró, " Metal pesado" seguía siendo un concepto amorfo.
—Robert Christgau
Desde finales de la década de 1960, se hizo común dividir la música rock convencional en rock duro y suave. El rock suave a menudo se derivó del folk rock, utilizando instrumentos acústicos y poniendo más énfasis en la melodía y las armonías. Los principales artistas incluyeron a Carole King, Cat Stevens y James Taylor. Alcanzó su pico comercial a mediados y finales de la década de 1970 con actos como Billy Joel, America y la reformada Fleetwood Mac, cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. Por el contrario, el hard rock se derivó más a menudo del blues-rock y se tocaba más fuerte y con más intensidad. A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como instrumento rítmico usando riffs repetitivos simples como como instrumento principal solista, y era más probable que se usara con distorsión y otros efectos. Los actos clave incluyeron bandas de invasión británica como The Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y Jeff Beck Group. Las bandas influenciadas por el hard rock que disfrutaron del éxito internacional a fines de la década de 1970 incluyeron a Queen, Thin Lizzy, Aerosmith, AC/DC y Van Halen.
Desde finales de la década de 1960, el término "heavy metal" comenzó a usarse para describir algo de hard rock tocado con aún más volumen e intensidad, primero como adjetivo y a principios de la década de 1970 como sustantivo. El término se usó por primera vez en música en "Born to Be Wild" de Steppenwolf. (1967) y comenzó a asociarse con bandas pioneras como Blue Cheer de San Francisco, James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan. Para 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple incorporó intereses sinfónicos y medievales de su fase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal, ayudando a producir un estilo "más oscuro" sonido. Estos elementos fueron retomados por una "segunda generación" de bandas de heavy metal a fines de la década de 1970, incluidas: Judas Priest, UFO, Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss, Ted Nugent y Blue Öyster Cult de EE. UU.; Rush de Canadá y Scorpions de Alemania, todos marcando la expansión de la popularidad del subgénero. A pesar de la falta de difusión y muy poca presencia en las listas de singles, el heavy metal de finales de la década de 1970 obtuvo un seguimiento considerable, particularmente entre los adolescentes varones de clase trabajadora en América del Norte y Europa.
Rock cristiano
El rock, principalmente el género heavy metal, ha sido criticado por algunos líderes cristianos, quienes lo han condenado como inmoral, anticristiano e incluso satánico. Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a fines de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman, generalmente visto como la primera "estrella" importante.; del rock cristiano. El género fue principalmente un fenómeno en los Estados Unidos. Muchos artistas de rock cristiano tienen vínculos con la escena musical cristiana contemporánea. A partir de la década de 1980, los artistas pop cristianos han tenido cierto éxito en la corriente principal. Si bien estos artistas eran en gran parte aceptables en las comunidades cristianas, la adopción de estilos de heavy rock y glam metal por parte de bandas como Stryper, que lograron un éxito considerable en la corriente principal en la década de 1980, fue más controvertida. Desde la década de 1990, hubo un número creciente de actos que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluidos P.O.D.
Roca del corazón
Heartland rock estadounidense orientado a la clase trabajadora, caracterizado por un estilo musical sencillo y una preocupación por la vida de los estadounidenses comunes y corrientes, desarrollado en la segunda mitad de la década de 1970. El término rock del corazón se utilizó por primera vez para describir a los grupos de rock de arena del medio oeste como Kansas, REO Speedwagon y Styx, pero que llegó a asociarse con una forma de rock de raíces más preocupada socialmente, más directamente influenciada por el folk, el country y el rock and roll. Se ha visto como una contraparte del Medio Oeste estadounidense y Rust Belt del country rock de la costa oeste y el rock sureño del sur de Estados Unidos. Dirigida por figuras que inicialmente se identificaron con el punk y la New Wave, estuvo más fuertemente influenciada por actos como Bob Dylan, los Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison, y el rock básico del garaje de la década de 1960 y los Rolling Stones.
Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen, Bob Seger y Tom Petty, junto con actos menos conocidos como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky and the Houserockers, fue en parte una reacción a la post- el declive urbano industrial en el este y el medio oeste, que a menudo se centra en cuestiones de desintegración social y aislamiento, además de una forma de reactivación del rock and roll en los buenos tiempos. El género alcanzó su pico comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen, que encabezó las listas de éxitos en todo el mundo y generó una serie de los diez mejores sencillos, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp, Steve Earle y cantautores más amables como Bruce Hornsby. También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel, Kid Rock y The Killers.
Heartland rock se desvaneció como un género reconocido a principios de la década de 1990, ya que la música rock en general y los temas de la clase obrera y blanca en particular, perdieron influencia entre las audiencias más jóvenes, y los artistas de Heartland recurrieron a obras más personales. Muchos artistas de rock del corazón continúan grabando hoy con éxito comercial y de crítica, sobre todo Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque sus obras se han vuelto más personales y experimentales y ya no encajan fácilmente en un solo género. Artistas más nuevos cuya música tal vez habría sido etiquetada como heartland rock si hubiera sido lanzada en los años 70 u 80, como los Bottle Rockets de Missouri y los Rock de Illinois. Uncle Tupelo, a menudo se encuentran etiquetados como alternativos.
Punk-rock
El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y Reino Unido. Arraigadas en el garage rock y otras formas de lo que ahora se conoce como música protopunk, las bandas de punk rock evitaron los excesos percibidos del rock convencional de la década de 1970. Crearon música rápida y dura, generalmente con canciones cortas, instrumentación simplificada y, a menudo, letras políticas y antisistema. El punk adopta una ética DIY (hazlo tú mismo), con muchas bandas autoproduciendo sus grabaciones y distribuyéndolas a través de canales informales.
A fines de 1976, grupos como los Ramones y Patti Smith, en la ciudad de Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash, en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. Al año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk se convirtió rápidamente en un importante fenómeno cultural en el Reino Unido. Los Sex Pistols' La escaramuza televisiva en vivo con Bill Grundy el 1 de diciembre de 1976 fue el punto de inflexión en la transformación del punk británico en un gran fenómeno mediático, incluso cuando algunas tiendas se negaron a almacenar los discos y la transmisión por radio era difícil de conseguir. En mayo de 1977, los Sex Pistols alcanzaron nuevos niveles de controversia (y el número dos en la lista de sencillos) con una canción que hacía referencia a la reina Isabel II, 'God Save the Queen', durante su Jubileo de Plata. En su mayor parte, el punk echó raíces en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada, que expresaba una rebelión juvenil y se caracterizaba por estilos de vestimenta distintivos y una variedad de ideologías antiautoritarias.
A principios de la década de 1980, estilos más rápidos y agresivos como el hardcore y Oi! se había convertido en el modo predominante del punk rock. Esto ha resultado en varias variedades evolucionadas de hardcore punk, como D-beat (un subgénero con mucha distorsión influenciado por la banda británica Discharge), anarco-punk (como Crass), grindcore (como Napalm Death) y crust punk.. Los músicos que se identificaron con el punk o se inspiraron en él también buscaron una amplia gama de otras variaciones, lo que dio lugar a la nueva ola, el post-punk y el movimiento del rock alternativo.
Nueva ola
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Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical importante, logró menos en cuanto a ventas de discos (al ser distribuido por pequeños sellos especializados como Stiff Records) o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena radiofónica siguió estando dominada por formatos principales como disco y rock orientado a álbumes). El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto las bandas que lucían un enfoque más literario y artístico, como Talking Heads y Devo, comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos sectores la descripción "nueva ola" comenzó a usarse para diferenciar estas bandas menos abiertamente punk. Los ejecutivos discográficos, que en su mayoría habían estado desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los actos de la nueva ola más accesibles y comenzaron a firmar y comercializar agresivamente cualquier banda que pudiera reclamar una conexión remota con el punk o la nueva ola. Muchas de estas bandas, como Cars y Go-Go's, pueden verse como bandas pop comercializadas como new wave; otros actos existentes, incluidos The Police, The Pretenders y Elvis Costello, utilizaron el movimiento de la nueva ola como trampolín para carreras relativamente largas y críticamente exitosas, mientras que "skinny tie" las bandas ejemplificadas por Knack, o la fotogénica Blondie, comenzaron como actos punk y se trasladaron a un territorio más comercial.
Entre 1979 y 1985, influenciada por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, David Bowie y Gary Numan, la nueva ola británica tomó la dirección de New Romantics como Spandau Ballet, Ultravox, Japan, Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk y Eurythmics, a veces usando el sintetizador para reemplazar todos los demás instrumentos. Este período coincidió con el auge de MTV y dio lugar a una gran exposición de esta marca de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda invasión británica. Algunas bandas de rock más tradicionales se adaptaron a la era del video y se beneficiaron de la difusión de MTV, más obviamente Dire Straits, cuyo "Money for Nothing" se burló suavemente de la estación, a pesar de que había ayudado a convertirlos en estrellas internacionales, pero en general, el rock orientado a la guitarra fue eclipsado comercialmente.
Post-punk
Si el hardcore perseguía más directamente la estética simplificada del punk, y la nueva ola llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias además de las bandas punk fueron Velvet Underground, Frank Zappa y Captain Beefheart, y la escena no wave con sede en Nueva York que puso énfasis en la actuación, incluidas bandas como James Chance and the Contortions, DNA y Sonic Youth. Los primeros contribuyentes al género incluyeron a las bandas estadounidenses Pere Ubu, Devo, Residents y Talking Heads.
La primera ola de post-punk británico incluyó a Gang of Four, Siouxsie and the Banshees y Joy Division, quienes pusieron menos énfasis en el arte que sus contrapartes estadounidenses y más en las oscuras cualidades emocionales de su música. Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus, the Cure y Sisters of Mercy se movieron cada vez más en esta dirección para fundar el rock gótico, que se había convertido en la base de una importante subcultura a principios de la década de 1980. Actos australianos como Birthday Party y Nick Cave persiguieron un territorio emocional similar. Los miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron un nuevo territorio estilístico como Love and Rockets y New Order respectivamente. Otro de los primeros movimientos post-punk fue la música industrial desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire, y Suicide de Nueva York, utilizando una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial y que se convertiría en una variedad de formas de música post-industrial en la década de 1980.
La segunda generación de bandas post-punk británicas que se abrió paso a principios de la década de 1980, incluidos The Fall, Pop Group, Mekons, Echo and the Bunnymen y Teardrop Explodes, tendía a alejarse de los paisajes sonoros oscuros. Podría decirse que la banda más exitosa que surgió del post-punk fue la irlandesa U2, que incorporó elementos de imágenes religiosas junto con comentarios políticos en su música, a menudo himno, y para fines de la década de 1980 se había convertido en una de las bandas más importantes del mundo.. Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y actuando, declinó como movimiento a mediados de la década de 1980 cuando los actos se disolvieron o se mudaron para explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo.
Aparición del rock alternativo
El término rock alternativo se acuñó a principios de la década de 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros dominantes de la época. Las bandas apodadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todos eran vistos como distintos de la música convencional. Las bandas alternativas estaban unidas por su deuda colectiva con el punk rock, a través del hardcore, la New Wave o los movimientos post-punk. Las bandas de rock alternativo importantes de la década de 1980 en los EE. UU. incluyeron a R.E.M., Hüsker Dü, Jane's Addiction, Sonic Youth y Pixies, y en el Reino Unido, The Cure, New Order, Jesus and Mary Chain y The Smiths. Los artistas se limitaron en gran medida a los sellos discográficos independientes, construyendo una extensa escena musical clandestina basada en la radio universitaria, los fanzines, las giras y el boca a boca. Rechazaron el synth-pop dominante de principios de la década de 1980, marcando un regreso al rock de guitarra basado en grupos.
Pocas de estas primeras bandas lograron el éxito general, aunque las excepciones a esta regla incluyen a R.E.M., The Smiths y The Cure. A pesar de la falta general de ventas espectaculares de álbumes, las bandas originales de rock alternativo ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que alcanzaron la mayoría de edad en la década de 1980 y terminaron alcanzando el éxito comercial en la década de 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. durante la década de 1980 incluyeron jangle pop, asociado con las primeras grabaciones de R.E.M., que incorporó las guitarras resonantes del pop y el rock de mediados de la década de 1960, y el rock universitario, utilizado para describir bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario. y la radio universitaria, que incluye actos como 10,000 Maniacs y Feelies. En el Reino Unido, el rock gótico era dominante a principios de la década de 1980, pero al final de la década, el indie o el dream pop como Primal Scream, Bogshed, Half Man Half Biscuit y Wedding Present, y lo que se denominó bandas de shoegaze como My Bloody Valentine Entraron, Slowdive, Ride y Lush. Particularmente vibrante fue la escena de Madchester, produciendo bandas como Happy Mondays, Inspiral Carpets y Stone Roses. La próxima década vería el éxito del grunge en los EE. UU. y el britpop en el Reino Unido, lo que llevaría el rock alternativo a la corriente principal.
Principios de la década de 1990-finales de la década de 2000
Grunge
Desafectados por el pop y el rock comercializados y altamente producidos a mediados de la década de 1980, las bandas en el estado de Washington (particularmente en el área de Seattle) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba marcadamente con la música dominante de la época. El género en desarrollo llegó a conocerse como "grunge", un término que describe el sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, que se rebelaron activamente contra las imágenes demasiado arregladas de otros artistas. El grunge fusionó elementos de hardcore punk y heavy metal en un solo sonido e hizo un uso intensivo de la distorsión de guitarra, el fuzz y la retroalimentación. Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo se referían a temas como la alienación social y el atrapamiento, aunque también era conocida por su humor negro y sus parodias del rock comercial.
Bandas como Green River, Soundgarden, Melvins y Skin Yard fueron pioneras en el género, y Mudhoney se convirtió en la más exitosa al final de la década. El grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito y contenía el himno "Smells Like Teen Spirit". Nevermind era más melódico que sus predecesores, al firmar con Geffen Records, la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos, como un video de MTV, exhibiciones en las tiendas y el uso de radio y música. #34;consultores" quien promovió la difusión en las principales estaciones de rock convencionales. Durante 1991 y 1992, otros álbumes grunge como Ten de Pearl Jam, Badmotorfinger de Soundgarden y Alice in Chains' Dirt, junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se ubicaron entre los 100 álbumes más vendidos. Los principales sellos discográficos contrataron a la mayoría de las bandas grunge restantes en Seattle, mientras que una segunda afluencia de actos se mudó a la ciudad con la esperanza de tener éxito. Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior ruptura de Nirvana en 1994, los problemas de gira de Pearl Jam y la salida de Alice in Chains' cantante principal Layne Staley en 1998, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por el britpop y el post-grunge con un sonido más comercial.
Pop británico
El pop británico surgió de la escena del rock alternativo británico de principios de la década de 1990 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de las décadas de 1960 y 1970. The Smiths fueron una gran influencia, al igual que las bandas de la escena de Madchester, que se había disuelto a principios de la década de 1990. El movimiento ha sido visto en parte como una reacción contra varias tendencias musicales y culturales basadas en los Estados Unidos a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, particularmente el fenómeno grunge y como una reafirmación de la identidad del rock británico. El britpop tenía un estilo variado, pero a menudo usaba melodías y ganchos pegadizos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la invasión británica de la década de 1960, incluidos los símbolos de identidad británica utilizados anteriormente por los mods. Fue lanzado alrededor de 1993 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur, a los que pronto se unieron otros como Oasis, Pulp, Supergrass y Elastica, que produjeron una serie de exitosos álbumes y sencillos. Durante un tiempo, la competencia entre Blur y Oasis fue convertida por la prensa popular en la "Battle of Britpop", inicialmente ganada por Blur, pero con Oasis logrando un mayor éxito internacional a largo plazo, influenciando directamente a las bandas posteriores de Britpop., como Ocean Color Scene y Kula Shaker. Los grupos de britpop llevaron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un movimiento cultural británico más grande conocido como Cool Britannia. Aunque sus bandas más populares, en particular Blur y Oasis, pudieron difundir su éxito comercial en el extranjero, especialmente en los Estados Unidos, el movimiento se había desmoronado en gran medida al final de la década.
Post-grunge
El término post-grunge se acuñó para la generación de bandas que siguió al surgimiento de la corriente principal y la pausa posterior de las bandas grunge de Seattle. Las bandas post-grunge emularon sus actitudes y su música, pero con un sonido de orientación comercial más favorable a la radio. A menudo trabajaron a través de las principales discográficas y llegaron a incorporar diversas influencias del jangle pop, el pop-punk, el metal alternativo o el hard rock. Originalmente, el término post-grunge tenía la intención de ser peyorativo, sugiriendo que eran simplemente derivados musicalmente, o una respuesta cínica a un "auténtico" movimiento de rocas Originalmente, las bandas grunge que surgieron cuando el grunge era la corriente principal y se sospechaba que emulaban el sonido grunge fueron etiquetadas peyorativamente como post-grunge. A partir de 1994, la nueva banda del ex baterista de Nirvana, Dave Grohl, Foo Fighters, ayudó a popularizar el género y a definir sus parámetros.
Algunas bandas post-grunge, como Candlebox, eran de Seattle, pero el subgénero estuvo marcado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Los Ángeles' Audioslave y Collective Soul de Georgia y más allá de los EE. UU. hasta Silverchair de Australia y Bush de Gran Bretaña, quienes consolidaron el post-grunge como uno de los subgéneros comercialmente más viables de fines de la década de 1990. Aunque las bandas masculinas predominaron en el post-grunge, el álbum de 1995 de la artista solista Alanis Morissette Jagged Little Pill, etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multiplatino. El post-grunge se transformó a fines de la década de 1990 cuando surgieron bandas post-grunge como Creed y Nickelback. Bandas como Creed y Nickelback llevaron el post-grunge al siglo XXI con un éxito comercial considerable, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos, narraciones y canciones románticas más convencionales, y les siguieron en este sentido grupos más nuevos, incluido Shinedown., Seether, 3 Doors Down y Puddle of Mudd.
Pop-punk
Los orígenes del pop punk de la década de 1990 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de la década de 1970, como Buzzcocks y The Clash, actos de la nueva ola comercialmente exitosos, como Jam y The Undertones, y los elementos más influenciados por el hardcore. del rock alternativo en la década de 1980. El pop-punk tiende a usar melodías power-pop y cambios de acordes con tempos punk rápidos y guitarras ruidosas. La música punk proporcionó la inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de la década de 1990, incluidos Rancid, Pennywise, Weezer y Green Day. En 1994, Green Day se mudó a un sello importante y produjo el álbum Dookie, que encontró una nueva audiencia, en su mayoría adolescente, y demostró ser un éxito sorpresivo de ventas de diamantes, lo que llevó a una serie de sencillos exitosos, incluidos dos número uno en los EE. Pronto fueron seguidos por el debut homónimo de Weezer, que generó tres singles entre los diez primeros en los EE. UU. Este éxito abrió la puerta a las ventas multiplatino de la banda de punk metálico The Offspring con Smash (1994). Esta primera ola de pop punk alcanzó su pico comercial con Nimrod de Green Day (1997) y Americana de Offspring (1998).
Una segunda ola de pop punk fue encabezada por Blink-182, con su exitoso álbum Enema of the State (1999), seguida por bandas como Good Charlotte, Simple Plan y Sum 41, quienes Hicieron uso del humor en sus videos y le dieron un tono más amigable a la radio a su música, mientras conservaban la velocidad, algo de la actitud e incluso el aspecto del punk de los años setenta. Las bandas de pop-punk posteriores, incluidas All Time Low, All-American Rejects y Fall Out Boy, tenían un sonido que se ha descrito como más cercano al hardcore de la década de 1980, sin dejar de lograr el éxito comercial.
Rock independiente
En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaban indistintamente. A mediados de la década de 1990, cuando los elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés general, en particular el grunge y luego el britpop, el post-grunge y el pop-punk, el término alternativa comenzó a perder su significado. Aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena fueron cada vez más referidas por la etiqueta indie. De manera característica, intentaron mantener el control de sus carreras lanzando álbumes por su cuenta o con pequeños sellos independientes, mientras dependían de las giras, el boca a boca y la transmisión al aire en estaciones de radio independientes o universitarias para la promoción. Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas duras e influenciadas por el grunge como The Cranberries y Superchunk, pasando por bandas experimentales de bricolaje como Pavement, hasta bandas punk. cantantes populares como Ani DiFranco. Se ha observado que el indie rock tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot grrrl con información feminista. Muchos países han desarrollado una extensa escena indie local, floreciente con bandas con suficiente popularidad para sobrevivir dentro del país respectivo, pero virtualmente desconocidas fuera de ellos.
A fines de la década de 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de finales de la década de 1980, se incluyeron bajo el paraguas del indie. Lo-fi evitó técnicas de grabación pulidas para un D.I.Y. ethos y fue encabezado por Beck, Sebadoh y Pavement. El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto el post rock, un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica, promovido por Bark Psychosis y retomado por actos como Tortoise, Stereolab y Laika, además de conducir a un estilo más denso y complejo., rock matemático basado en la guitarra, desarrollado por actos como Polvo y Chávez. El rock espacial miró hacia atrás a las raíces progresivas, con actos minimalistas y pesados de drones como Spacemen 3, las dos bandas creadas a partir de su división, Spectrum y Spiritualized, y grupos posteriores que incluyen Flying Saucer Attack, Godspeed You! Emperador Negro y Quickspace. En contraste, Sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters, mientras que el renacimiento del pop barroco reaccionó contra la música experimental y lo-fi poniendo énfasis en la melodía. e instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire, Belle and Sebastian y Rufus Wainwright.
Metal alternativo, rap rock y nu metal
El metal alternativo surgió de la escena hardcore del rock alternativo en los EE. UU. a fines de la década de 1980, pero ganó una audiencia más amplia después de que el grunge irrumpió en la corriente principal a principios de la década de 1990. Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades de hardcore y heavy metal, con actos como Jane's Addiction y Primus usando rock progresivo, Soundgarden y Corrosion of Conformity usando garage punk, Jesus Lizard y Helmet mezclando noise rock, Ministry y Nine Inch Nails influenciados por la música industrial, Monster Magnet moviéndose hacia la psicodelia, Pantera, Sepultura y White Zombie creando groove metal, mientras que Biohazard, Limp Bizkit y Faith No More recurrieron al hip hop y el rap.
El hip hop había atraído la atención de los actos de rock a principios de la década de 1980, incluidos The Clash with "The Magnificent Seven" (1980) y Blondie con "Rapture" (1980). Los primeros actos cruzados incluyeron Run DMC y Beastie Boys. El rapero de Detroit Esham se hizo conocido por su "rap ácido" estilo, que fusionaba el rap con un sonido que a menudo se basaba en el rock y el heavy metal. Los raperos que probaron canciones de rock incluyeron a Ice-T, Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy y Whodini. La mezcla de thrash metal y rap fue iniciada por Anthrax en su sencillo de 1987 influenciado por la comedia 'I'm the Man'.
En 1990, Faith No More irrumpió en la corriente principal con su sencillo 'Epic', a menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Colour, y nuevos actos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers, quienes fusionaron el rock y el hip hop, entre otras influencias. Entre la primera ola de artistas en obtener el éxito general como rap rock se encontraban 311, Bloodhound Gang y Kid Rock. Bandas como Limp Bizkit, Korn y Slipknot buscaron un sonido más metálico, nu metal. Más adelante en la década, este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y tocadiscos scratch, generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park, P.O.D. y Staind, quienes a menudo fueron clasificados como rap metal o nu metal, los primeros de los cuales son la banda más vendida del género.
En 2001, el nu metal alcanzó su apogeo con álbumes como Break the Cycle de Staind, Satellite de P.O.D's, Slipknot's Iowa y la teoría híbrida de Linkin Park. También surgieron nuevas bandas como Disturbed, Godsmack y Papa Roach, cuyo debut en un sello importante, Infest, se convirtió en un éxito de platino. El esperado quinto álbum de Korn, Untouchables, y el segundo álbum de Papa Roach, Lovehatetragedy, no se vendieron tan bien como sus lanzamientos anteriores, mientras que el nu metal las bandas tocaban con menos frecuencia en las estaciones de radio de rock y MTV comenzó a centrarse en el pop punk y el emo. Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un sonido más convencional de hard rock, heavy metal o música electrónica.
Post-britpop
Desde aproximadamente 1997, a medida que crecía la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia y el Britpop como movimiento comenzó a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta Britpop mientras seguían produciendo música derivada de ella. Muchas de estas bandas tendían a mezclar elementos del rock tradicional británico (o rock tradicional británico), en particular los Beatles, Rolling Stones y Small Faces, con influencias estadounidenses, incluido el post-grunge. Traídos de todo el Reino Unido (con varias bandas importantes surgiendo del norte de Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte), los temas de su música tendían a estar menos parroquialmente centrados en la vida británica, inglesa y londinense y más introspectivos de lo que habían sido. el caso del Britpop en su apogeo. Esto, además de una mayor voluntad de relacionarse con la prensa y los fanáticos estadounidenses, puede haber ayudado a algunos de ellos a lograr el éxito internacional.
Se ha considerado que las bandas posbritpop presentan la imagen de la estrella de rock como una persona común y su música cada vez más melódica fue criticada por ser insulsa o derivada. Bandas post-britpop como Travis de The Man Who (1999), Stereophonics de Performance and Cocktails (1999), Feeder de Echo Park (2001)), y particularmente Coldplay de su álbum debut Parachutes (2000), lograron un éxito internacional mucho más amplio que la mayoría de los grupos de Britpop que los habían precedido, y fueron algunos de los actos de mayor éxito comercial de finales de la década de 1990. y principios de la década de 2000, posiblemente proporcionando una plataforma de lanzamiento para el renacimiento posterior del garage rock o post-punk, que también se ha visto como una reacción a su estilo introspectivo de rock.
Post-hardcore y emo
El post-hardcore se desarrolló en los EE. UU., particularmente en las áreas de Chicago y Washington, DC, entre principios y mediados de la década de 1980, con bandas que se inspiraron en la ética del "hazlo tú mismo" y la música con mucha guitarra del hardcore punk., pero influenciado por el post-punk, adoptando formatos de canciones más largas, estructuras musicales más complejas y, en ocasiones, estilos vocales más melódicos.
Emo también surgió de la escena hardcore en la década de 1980 en Washington, D.C., inicialmente como 'emocore', que se usaba como un término para describir a las bandas que preferían las voces expresivas al estilo abrasivo y ladrador más común. La primera escena emo operaba como clandestina, con bandas de corta duración que lanzaban discos de vinilo de pequeña tirada en pequeños sellos independientes. Emo irrumpió en la cultura dominante a principios de la década de 2000 con el éxito de ventas de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come de Dashboard Confessional para temer más (2003). El nuevo emo tenía un sonido mucho más convencional que en la década de 1990 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, asociándose con la moda, un peinado y cualquier música que expresara emoción. En 2003, las bandas post-hardcore también habían llamado la atención de los principales sellos discográficos y comenzaron a disfrutar del éxito general en las listas de álbumes. Varias de estas bandas fueron vistas como una rama más agresiva de emo y recibieron la etiqueta a menudo vaga de screamo.
Resurgimiento del rock de garaje/post-punk
A principios de la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que tocaban una versión simplificada y básica del rock de guitarra emergió en la corriente principal. Fueron caracterizados de diversas formas como parte de un renacimiento de garage rock, post-punk o New Wave. Debido a que las bandas procedían de todo el mundo, citaron diversas influencias (desde el blues tradicional, pasando por New Wave hasta el grunge) y adoptaron diferentes estilos de vestimenta, se ha cuestionado su unidad como género. Hubo intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en las décadas de 1980 y 1990 y, para el año 2000, las escenas habían crecido en varios países.
El avance comercial de estas escenas estuvo liderado por cuatro bandas: The Strokes, que surgieron de la escena de clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); los White Stripes, de Detroit, con su tercer disco White Blood Cells (2001); los Hives de Suecia tras su álbum recopilatorio Your New Favourite Band (2001); y los Vines de Australia con Highly Evolved (2002). Fueron bautizados por los medios de comunicación como "The" bandas, y apodadas "Los salvadores del rock 'n' roll", lo que lleva a acusaciones de exageración. Una segunda ola de bandas que obtuvo reconocimiento internacional debido al movimiento incluyó a Black Rebel Motorcycle Club, The Killers, Interpol y Kings of Leon de EE. UU., The Libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party, Kaiser Chiefs y Franz Ferdinand del Reino Unido, Jet de Australia, y los Datsun y el D4 de Nueva Zelanda.
Rock electrónico digital
En la década de 2000, a medida que la tecnología informática se volvió más accesible y el software de música avanzó, se hizo posible crear música de alta calidad con poco más que una sola computadora portátil. Esto dio como resultado un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión y nuevas formas de interpretación como laptronica y codificación en vivo. Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes y por el desarrollo de géneros que mezclaban el rock con técnicas y sonidos digitales, incluidos el indie electrónico, el electroclash, el dance-punk y el new rave.
2010-2020
Disminución de la relevancia principal
Durante la década de 2010, la música rock experimentó un declive en popularidad y relevancia cultural y, en 2017, la música hip hop la había superado como el género musical más consumido en los Estados Unidos. Los críticos de la segunda mitad de la década se dieron cuenta de la disminución de la popularidad del género, citando como factores la popularidad de la música dance electrónica hip hop, el auge del streaming y la llegada de la tecnología que ha cambiado los enfoques hacia la creación musical. Ken Partridge de Genius sugirió que el hip-hop se volvió más popular porque es un género más transformador y no necesita depender de sonidos del pasado y que existe una conexión directa con el declive de la música rock y el cambio de actitudes sociales durante la década de 2010. Bill Flanagan, en un artículo de opinión de 2016 para The New York Times, comparó el estado del rock durante este período con el estado del jazz a principios de la década de 1980, "reduciendo la velocidad y mirando hacia atrás". #34; Vice sugiere que este declive en la popularidad en realidad podría beneficiar al género al atraer a los forasteros con 'algo que demostrar y nada que ganar'.
A pesar de la disminución de la popularidad del rock en la corriente principal, algunas bandas y grupos de rock han seguido logrando el éxito en la corriente principal en las décadas de 2010 y 2020, incluidos Tool, Fall Out Boy, Greta Van Fleet, Panic! at the Disco, Twenty One Pilots, Walk the Moon, Portugal. El Hombre, Las Llaves Negras, Avenged Sevenfold., Dreamcatcher y Foo Fighters.
Efectos de la pandemia de COVID-19
En medio de la pandemia de COVID-19, el virus trajo cambios extremos a la escena del rock en todo el mundo. Las restricciones, como las reglas de cuarentena, provocaron cancelaciones y aplazamientos generalizados de conciertos, giras, festivales, lanzamientos de álbumes, entregas de premios y concursos. Algunos artistas recurrieron a dar presentaciones en línea para mantener activas sus carreras. Otro esquema para eludir las limitaciones de la cuarentena se utilizó en un concierto del músico de rock danés Mads Langer: el público vio la actuación desde el interior de sus automóviles, como en un autocine. Musicalmente, la pandemia provocó un aumento en los nuevos lanzamientos de los subgéneros más lentos, menos enérgicos y más acústicos de la música rock. La industria recaudó fondos para ayudarse a sí misma a través de esfuerzos como Crew Nation, un fondo de ayuda para equipos de música en vivo organizado por Livenation.
Resurgimiento del pop punk y post-punk
A principios de la década de 2020, artistas de la música pop y rap lanzaron grabaciones populares de pop-punk, muchas de ellas producidas o asistidas por el baterista de Blink-182, Travis Barker. Representando un resurgimiento comercial del género, estos actos incluyeron a Machine Gun Kelly, Willow Smith, Trippie Redd, Halsey, Yungblud y Olivia Rodrigo. La popularidad de la plataforma de redes sociales TikTok ayudó a despertar la nostalgia por el estilo musical impulsado por la angustia entre los jóvenes oyentes durante la pandemia. Entre los lanzamientos más exitosos se encuentran el álbum Tickets to My Downfall de Machine Gun Kelly de 2020, que encabezó el Billboard 200, y el número de Rodrigo -un sencillo de éxito "Good 4 U" (2021).
A mediados o finales de la década de 2010 y principios de la de 2020, surgió una nueva ola de bandas post-punk de Gran Bretaña e Irlanda. Los grupos de esta escena se han descrito con el término "Crank Wave" por NME y The Quietus en 2019, y como "Post-Brexit New Wave" por el escritor de NPR Matthew Perpetua en 2021. Los artistas que se han identificado como parte del estilo incluyen Black Midi, Wet Leg, Squid, Black Country, New Road, Dry Cleaning, Shame, Sleaford Mods, Fontaines D.C., The Murder Capital, Idles and Ley de Patio. Los artistas pospunk que alcanzaron prominencia en la década de 2010 y principios de la de 2020 de otros países además del Reino Unido incluyeron Parquet Courts, Protomartyr and Geese (Estados Unidos), Preoccupations (Canadá), Iceage (Dinamarca) y Viagra Boys (Suecia).
Impacto social
Diferentes subgéneros del rock fueron adoptados y se convirtieron en el centro de la identidad de un gran número de subculturas. En las décadas de 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy Boy y Rocker, que giraban en torno al rock and roll estadounidense. La contracultura de la década de 1960 estuvo estrechamente asociada con el rock psicodélico. La subcultura punk de mediados de la década de 1970 comenzó en los EE. UU., pero la diseñadora británica Vivienne Westwood le dio un aspecto distintivo, un estilo que se extendió por todo el mundo. Fuera de la escena punk, crecieron las subculturas gótica y emo, las cuales presentaron estilos visuales distintivos.
Cuando se desarrolló una cultura rock internacional, suplantó al cine como la principal fuente de influencia de la moda. Paradójicamente, los seguidores de la música rock a menudo desconfían del mundo de la moda, que se considera que eleva la imagen por encima de la sustancia. Se ha visto que las modas del rock combinan elementos de diferentes culturas y períodos, además de expresar puntos de vista divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general ha sido destacada y criticada por facilitar una mayor libertad sexual. El rock también se ha asociado con diversas formas de consumo de drogas, incluidas las anfetaminas que consumían los mods a principios y mediados de la década de 1960, pasando por el LSD, la mescalina, el hachís y otras drogas alucinógenas vinculadas con el rock psicodélico a mediados de la década de 1960 y principios de la de 1970.; ya veces al cannabis, la cocaína y la heroína, todos los cuales han sido elogiados en canciones.
Se le atribuye al rock el cambio de actitud hacia la raza al abrir la cultura afroamericana al público blanco; pero al mismo tiempo se ha acusado al rock de apropiarse y explotar esa cultura. Si bien la música rock ha absorbido muchas influencias y ha presentado al público occidental diferentes tradiciones musicales, la difusión mundial de la música rock se ha interpretado como una forma de imperialismo cultural. La música rock heredó la tradición popular de la canción de protesta, haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos civiles, la justicia y el medio ambiente. El activismo político alcanzó su punto máximo con la campaña "Do They Know It's Christmas?" single (1984) y el concierto Live Aid para Etiopía en 1985, que, si bien crearon conciencia sobre la pobreza mundial y los fondos para la ayuda, también han sido criticados (junto con eventos similares), por proporcionar un escenario para el autoengrandecimiento y mayores ganancias para las estrellas de rock involucradas.
Desde su desarrollo temprano, la música rock se ha asociado con la rebelión contra las normas sociales y políticas, más obviamente en el rechazo del rock and roll temprano a una cultura dominada por adultos, el rechazo de la contracultura al consumismo y la conformidad y el rechazo del punk a todas las formas de convención social, sin embargo, también puede verse como un medio de explotación comercial de tales ideas y de desviar a la juventud de la acción política.
Papel de la mujer
Las mujeres instrumentistas profesionales son poco comunes en géneros de rock como el heavy metal, aunque bandas como Within Temptation han presentado mujeres como cantantes principales con hombres tocando instrumentos. Según Schaap y Berkers, “tocar en una banda es en gran parte una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es en gran medida una experiencia basada en pares, formada por redes de amistad segregadas por sexo existentes. Señalan que la música rock "a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura de alcoba femenina". (La teoría de la 'cultura del dormitorio' sostiene que la sociedad influye en las niñas para que no se involucren en delitos ni se desvíen atrapándolas virtualmente en su dormitorio; fue desarrollada por una socióloga llamada Angela McRobbie.) En la música popular, ha sido una "distinción entre participación pública (masculina) y privada (femenina)" en musica. "Varios estudiosos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de las bandas' ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales". "Las mujeres son vistas principalmente como consumidoras pasivas y privadas de música pop prefabricada y supuestamente ingeniosa (por lo tanto, inferior)..., excluyéndolas de participar como músicos de rock de alto nivel". Una de las razones por las que rara vez hay bandas mixtas es que "las bandas funcionan como unidades muy unidas en las que la solidaridad homosocial (vínculos sociales entre personas del mismo sexo...) juega un papel crucial". En la escena de la música rock de la década de 1960, "cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento... simplemente 'no se hacía".
"La rebelión de la música rock fue en gran medida una rebelión masculina; las mujeres (a menudo, en las décadas de 1950 y 1960, niñas adolescentes) en el rock solían cantar canciones como personas... completamente dependientes de sus machos novios...". Philip Auslander dice que "Aunque había muchas mujeres en el rock a fines de la década de 1960, la mayoría actuaba solo como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaban instrumentos en bandas americanas de garage rock exclusivamente femeninas, ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por lo tanto, "no proporcionaron plantillas viables para la participación continua de las mujeres en el rock". En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal, se ha dicho que "[los] intérpretes de heavy metal son casi exclusivamente hombres" "...al menos hasta mediados de la década de 1980" aparte de "... excepciones como Girlschool". Sin embargo, "...ahora [en la década de 2010], tal vez más que nunca, las mujeres fuertes del metal han puesto sus duques y se han puesto manos a la obra", "forjando un lugar considerable para [ellos] mismos." Cuando surgió Suzi Quatro en 1973, "ninguna otra música destacada trabajaba en el rock al mismo tiempo como cantante, instrumentista, compositora y directora de orquesta". Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando que una música... y este es un punto que me preocupa mucho... podría tocar también, si no mejor, que los chicos".
Una banda exclusivamente femenina es un grupo musical de géneros como el rock y el blues compuesto exclusivamente por mujeres. Esto es distinto de un grupo de chicas, en el que las integrantes femeninas son únicamente vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente.
Leer y escuchar más
- Bogdanov, V.; Woodstra, C.; Erlewine, S. T., eds. (2002). Toda la Guía de la Música de Rock: la Guía Definitiva de Rock, Pop y Soul (3a edición). Milwaukee, WI: Backbeat Books. ISBN 0-87930-653-X.
- Christgau, Robert (1992). "B.E.: A Dozen Moments in the Prehistory of Rock and Roll". Detalles.
- Gilliland, John (1969). "Crammer: Un animado curso de cangrejo en la historia de la roca y otras cosas" (audio). Crónicas Pop. Bibliotecas de la Universidad del Norte de Texas.
- Robinson, Richard. Pop, Rock y Soul. Nueva York: Libros de pirámide, 1972. ISBN 0-0515-2660-3.
- Shepherd, J., ed. (2003). Enciclopedia continua de la música popular del mundo: Volumen II: Performance and Production. Nueva York: Continuum. ISBN 0-8264-6322-3.
- Szatmary, David P. Rockin' in Time: a Social History of Rock-and-Roll. Tercera Ed. Upper Saddle River NJ: Prentice-Hall, 1996. xvi, 320 p., ill., mostly with b plagaw photos. ISBN 0-13-440678-8.
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