La importancia de llamarse Ernesto
La importancia de llamarse Ernesto, una comedia trivial para gente seria es una obra de teatro de Oscar Wilde. Presentada por primera vez el 14 de febrero de 1895 en el St James's Theatre de Londres, es una comedia burlesca en la que los protagonistas mantienen personajes ficticios para escapar de las onerosas obligaciones sociales. Trabajando dentro de las convenciones sociales del Londres victoriano tardío, los temas principales de la obra son la trivialidad con la que trata instituciones tan serias como el matrimonio y la sátira resultante de las costumbres victorianas. Algunas críticas contemporáneas elogiaron el humor de la obra y la culminación de la carrera artística de Wilde, mientras que otras se mostraron cautelosas por su falta de mensajes sociales. Su gran farsa y diálogo ingenioso han ayudado a hacer de La importancia de llamarse Ernesto la obra de teatro más popular de Wilde.
La exitosa noche de apertura marcó el clímax de la carrera de Wilde, pero también anunció su caída. El marqués de Queensberry, cuyo hijo, Lord Alfred Douglas, era el amante de Wilde, planeó obsequiar al escritor con un ramo de verduras podridas e interrumpir el espectáculo. Wilde recibió un aviso y se le negó la admisión a Queensberry. Su enemistad llegó a su clímax en la corte cuando Wilde demandó por difamación. El proceso proporcionó pruebas suficientes para su arresto, juicio y condena por cargos de indecencia grave. La homosexualidad de Wilde fue revelada al público victoriano y fue sentenciado a dos años de prisión con trabajos forzados. A pesar del éxito inicial de la obra, la notoriedad de Wilde hizo que la obra se cerrara después de 86 representaciones. Después de su liberación de la prisión, publicó la obra de teatro desde el exilio en París, pero no escribió más obras cómicas o dramáticas.
La importancia de llamarse Ernesto ha sido revivida muchas veces desde su estreno. Ha sido adaptada al cine en tres ocasiones. En una película de 1952, Edith Evans repitió su interpretación teatral de Lady Bracknell; una versión de 1992 dirigida por Kurt Baker utilizó un elenco completamente negro; y la película de 2002 de Oliver Parker incorporó parte del material original cortado por Wilde durante la preparación de la producción de la primera etapa.
Composición
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La obra fue escrita tras el éxito de las obras anteriores de Wilde El abanico de Lady Windermere, Un marido ideal y Una mujer de Sin Importancia. Pasó el verano de 1894 con su familia en Worthing, donde comenzó a trabajar en la nueva obra. Con su fama ahora en su apogeo, usó el título provisional Lady Lancing para evitar especulaciones preventivas sobre su contenido. Muchos nombres e ideas de la obra se tomaron prestados de personas o lugares que el autor había conocido; Lady Queensberry, la madre de Lord Alfred Douglas, por ejemplo, vivía en Bracknell. Los estudiosos de Wilde están de acuerdo en que la influencia más importante en la obra fue la farsa Engaged de 1877 de W. S. Gilbert, de la que Wilde tomó prestados no solo varios incidentes sino también "la gravedad del tono exigida por Gilbert de sus actores".
Wilde revisó continuamente el texto durante los meses siguientes. No se dejó ninguna línea sin tocar y la revisión tuvo consecuencias significativas. Sos Eltis describe las revisiones de Wilde como arte refinado en acción. Los primeros y más largos borradores escritos a mano de la obra se basan en incidentes ridículos, juegos de palabras amplios, diálogos sin sentido y giros cómicos convencionales. En la revisión, "Wilde transformó las tonterías estándar en la falta de lógica más sistémica y desconcertante que caracteriza el diálogo de Earnest". Richard Ellmann argumenta que Wilde había alcanzado su madurez artística y escribía con mayor seguridad y rapidez.
Wilde escribió el papel de Jack Worthing pensando en el actor y director Charles Wyndham. Wilde compartió la opinión de Bernard Shaw de que Wyndham era el actor de comedia ideal y basó al personaje en su personalidad en el escenario. Wyndham aceptó la obra para la producción en su teatro, pero antes de que comenzaran los ensayos cambió sus planes para ayudar a un colega en una crisis repentina. A principios de 1895, en el St. James's Theatre, la producción del actor y director George Alexander de Guy Domville de Henry James fracasó y cerró después de 31 representaciones, dejando Alexander necesita urgentemente una nueva obra para seguirlo. Wyndham renunció a sus derechos contractuales y permitió que Alexander representara la obra de Wilde.
Después de trabajar con Wilde en los movimientos escénicos con un teatro de juguete, Alexander le pidió al autor que acortara la obra de cuatro actos a tres. Wilde estuvo de acuerdo y combinó elementos del segundo y tercer actos. El corte más grande fue la eliminación del personaje del Sr. Gribsby, un abogado que viene de Londres para arrestar al libertino "Ernest" (es decir, Jack) por facturas de comidas impagas. La versión en cuatro actos se reprodujo por primera vez en una producción de radio de la BBC y todavía se representa a veces. Algunos consideran que la estructura de tres actos es más efectiva y teatralmente resonante que la edición publicada ampliada.
Producciones
Estreno
La obra se representó por primera vez en el St James's Theatre el día de San Valentín de 1895. Hacía mucho frío, pero Wilde llegó vestido con una "sobriedad florida" y un clavel verde. La audiencia, según un informe, "incluyó a muchos miembros de los grandes y buenos, ex ministros del gabinete y consejeros privados, así como actores, escritores, académicos y entusiastas". Allan Aynesworth, quien interpretó a Algernon Moncrieff, le recordó a Hesketh Pearson que "en mis cincuenta y tres años de actuación, nunca recuerdo un triunfo mayor que [esa] primera noche". Aynesworth era él mismo "elegante y elegante", y Alexander, que interpretó a Jack Worthing, "recatado".
El elenco fue:
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El marqués de Queensberry, el padre del amante de Wilde, Lord Alfred Douglas (quien estaba de vacaciones en Argel en ese momento), había planeado interrumpir la obra arrojando un ramo de verduras podridas al dramaturgo cuando este hizo su reverencia al final del espectáculo. Wilde y Alexander se enteraron del plan, y este último canceló la multa de Queensberry e hizo arreglos para que los policías bloquearan su entrada. Sin embargo, continuó acosando a Wilde, quien finalmente inició una acusación privada contra el compañero por difamación criminal, lo que desencadenó una serie de juicios que terminaron con el encarcelamiento de Wilde por indecencia grave. Alexander intentó, sin éxito, salvar la producción eliminando el nombre de Wilde de la cartelera, pero la obra tuvo que cerrarse después de solo 86 representaciones.
La producción original de Broadway de la obra se estrenó en el Empire Theatre el 22 de abril de 1895, pero cerró después de dieciséis representaciones. Su elenco incluía a William Faversham como Algy, Henry Miller como Jack, Viola Allen como Gwendolen e Ida Vernon como Lady Bracknell. El estreno australiano fue en Melbourne el 10 de agosto de 1895, presentado por Dion Boucicault Jr. y Robert Brough, y la obra fue un éxito inmediato. La caída de Wilde en Inglaterra no afectó la popularidad de sus obras en Australia.
Recepción crítica
En contraste con gran parte del teatro de la época, la trama ligera de La importancia de llamarse Ernesto no parece abordar problemas sociales y políticos serios, algo de lo que los críticos contemporáneos desconfiaban. Aunque no estaban seguros de la seriedad de Wilde como dramaturgo, reconocieron la inteligencia, el humor y la popularidad de la obra entre el público. Shaw, por ejemplo, hizo una reseña de la obra en el Saturday Review, argumentando que la comedia debe conmover tanto como divertir, "Voy al teatro para que me conmueva para risa." Más tarde, en una carta, dijo que la obra, aunque "extremadamente divertida", era la "primera [una] realmente despiadada" de Wilde. En The World, William Archer escribió que había disfrutado viendo la obra pero que la encontraba vacía de significado: "¿Qué puede hacer un pobre crítico con una obra que no plantea ningún principio, ya sea de arte o la moral, crea sus propios cánones y convenciones, y no es más que una expresión absolutamente voluntaria de una personalidad inconteniblemente ingeniosa?
En The Speaker, A. B. Walkley admiró la obra y fue uno de los pocos que la vio como la culminación de la carrera dramática de Wilde. Negó el término "farsa" fue despectivo, o incluso carente de seriedad, y dijo "Es de tonterías todo compacto, y mejor tonterías, creo, nuestro escenario no ha visto." H. G. Wells, en una reseña no firmada para The Pall Mall Gazette, calificó a Earnest como una de las comedias más frescas del año y dijo: "Tratar con más humor convenciones teatrales sería difícil de imaginar." También cuestionó si la gente vería completamente su mensaje, "... está por verse cómo la Gente Seria tomará esta Comedia Trivial destinada a su aprendizaje. Sin duda en serio." La obra fue tan alegre que muchos críticos la compararon con una ópera cómica en lugar de un drama. Más tarde, W. H. Auden (1963) la llamó "una ópera verbal pura", y The Times comentó: "La historia es casi demasiado absurda para prescindir de la música".; Mary McCarthy, en Sights and Spectacles (1959), sin embargo, y a pesar de encontrar la obra extremadamente divertida, la calificó como "un idilio feroz"; "la depravación es el héroe y el único personaje."
La importancia de llamarse Ernesto es la obra más popular de Wilde y se revive continuamente. Max Beerbohm calificó la obra de Wilde como "la mejor, la más innegablemente suya" y dijo que en sus otras comedias, La fan de Lady Windermere, A Mujer sin importancia y Un marido ideal: la trama, a la manera de Victorien Sardou, no está relacionada con el tema de la obra, mientras que en Seriamente el la historia se "disuelve" en la forma de la obra.
Avivamientos
La importancia de llamarse Ernesto y las otras tres obras de sociedad de Wilde se representaron en Gran Bretaña durante el encarcelamiento y el exilio del autor, aunque con pequeñas compañías itinerantes. La compañía de A. B. Tapping realizó una gira por Earnest entre octubre de 1895 y marzo de 1899 (su actuación en el Theatre Royal, Limerick, en la última semana de octubre de 1895 fue casi con seguridad la primera producción de la obra en Irlanda). La compañía de Elsie Lanham también realizó una gira de 'Earnest'. entre noviembre de 1899 y abril de 1900. Alexander revivió Earnest en un pequeño teatro en Notting Hill, en las afueras del West End, en 1901; en el mismo año presentó la pieza de gira, interpretando a Jack Worthing con un elenco que incluía a la joven Lilian Braithwaite como Cecily. La obra regresó al West End cuando Alexander presentó una reposición en el St James's en 1902. Las reposiciones de Broadway se montaron en 1902 y nuevamente en 1910, cada producción duró seis semanas.
Una edición completa de las obras de Wilde, publicada en 1908 y editada por Robert Ross, ayudó a restaurar su reputación como autor. Alexander presentó otra reposición de Earnest en St James's en 1909, cuando él y Aynesworth repitieron sus papeles originales; el renacimiento tuvo 316 funciones. Max Beerbohm dijo que la obra seguramente se convertiría en un clásico del repertorio inglés, y que su humor era tan fresco como cuando se escribió, y agregó que los actores habían "gastado tan bien como la obra"..
Para una reposición de 1913 en el mismo teatro, los jóvenes actores Gerald Ames y A. E. Matthews sucedieron a los creadores como Jack y Algy. Leslie Faber como Jack, John Deverell como Algy y Margaret Scudamore como Lady Bracknell encabezaron el elenco en una producción de 1923 en el Haymarket Theatre. Muchos avivamientos en las primeras décadas del siglo XX trataron "el presente" como el año en curso. No fue hasta la década de 1920 que se estableció el caso de los disfraces de la década de 1890; como lo expresó un crítico en The Manchester Guardian, "Treinta años después, uno comienza a sentir que Wilde debe estar vestido con el traje de su época, que su ingenio hoy necesita el respaldo de la atmósfera que le dio vida y verdad.... Las deslumbrantes y complejas felicidades verbales de Wilde no van bien con la teja y la falda corta."
En la producción de 1930 de Sir Nigel Playfair en el Lyric, Hammersmith, John Gielgud interpretó a Jack para Lady Bracknell de su tía, Mabel Terry-Lewis. Gielgud produjo y protagonizó una producción en el Globe (ahora Gielgud) Theatre en 1939, en un elenco que incluía a Edith Evans como Lady Bracknell, Joyce Carey como Gwendolen, Angela Baddeley como Cecily y Margaret Rutherford como Miss Prism. The Times consideró que la producción era la mejor desde la original y la elogió por su fidelidad a la concepción de Wilde, su "calidad de juego aireada y sensible". Más tarde, ese mismo año, Gielgud volvió a presentar la obra, con Jack Hawkins como Algy, Gwen Ffrangcon-Davies como Gwendolen y Peggy Ashcroft como Cecily, con Evans y Rutherford en sus papeles anteriores. La producción se presentó en varias temporadas durante y después de la Segunda Guerra Mundial, con casi los mismos actores principales. Durante una temporada de 1946 en Haymarket, el rey y la reina asistieron a una función que, como dijo el periodista Geoffrey Wheatcroft, le dio a la obra "un galardón final de respetabilidad". La producción realizó una gira por América del Norte y se representó con éxito en Broadway en 1947.
A medida que la obra de Wilde se volvió a leer y representar, fue La importancia de llamarse Ernesto la que recibió la mayor cantidad de producciones. En el momento de su centenario, el periodista Mark Lawson la describió como "la segunda obra de teatro más conocida y citada en inglés después de Hamlet."
Para la producción de Sir Peter Hall de 1982 en el Teatro Nacional, el elenco incluyó a Judi Dench como Lady Bracknell, Martin Jarvis como Jack, Nigel Havers como Algy, Zoë Wanamaker como Gwendolen y Anna Massey como Miss Prism. La producción de 1993 de Nicholas Hytner en el Teatro Aldwych, protagonizada por Maggie Smith, tenía referencias ocasionales al supuesto subtexto gay.
En 2005, el Abbey Theatre de Dublín produjo la obra con un elenco exclusivamente masculino; también presentó a Wilde como personaje: la obra comienza con él bebiendo en un café parisino, soñando con su obra. Melbourne Theatre Company realizó una producción en diciembre de 2011 con Geoffrey Rush como Lady Bracknell.
En 2007 Theatre Royal, Bath produjo la obra con la dirección de Peter Gill. Penelope Keith interpretó a Lady Bracknell, Harry Hadden-Paton interpretó a Jack, William Ellis interpretó a Algernon, Gwendolyn fue interpretada por Daisy Haggard y Cecily fue interpretada por Rebecca Night. La producción realizó una breve gira por el Reino Unido antes de tocar en el West End de Londres en el Vaudeville Theatre en 2008 y recibió críticas positivas.
En 2011, la Roundabout Theatre Company produjo una reposición de Broadway basada en la producción del Festival de Shakespeare de Stratford de 2009 con Brian Bedford como director y como Lady Bracknell. Se estrenó en el American Airlines Theatre el 13 de enero y duró hasta el 3 de julio de 2011. El elenco también incluía a Dana Ivey como Miss Prism, Paxton Whitehead como Canon Chasuble, Santino Fontana como Algernon, Paul O'Brien como Lane, Charlotte Parry como Cecily, David Furr como Jack y Sara Topham como Gwendolen. Fue nominado a tres premios Tony.
La obra también fue presentada internacionalmente, en Singapur, en octubre de 2004, por el British Theatre Playhouse, y la misma compañía la llevó al Greenwich Theatre de Londres en abril de 2005.
Michael Fentiman dirigió una reposición de 2018 para el Vaudeville Theatre de Londres, como parte de una temporada de cuatro obras de Wilde producidas por Dominic Dromgoole. La producción recibió críticas de prensa en gran parte negativas.
En 2021, durante la pandemia de covid-19, un grupo de estudiantes de la Universidad de Newcastle filmó una producción, incluidas escenas con el propio Wilde como personaje, en el Sunderland Empire para crear conciencia sobre los teatros en apuros y los artistas que habían sufrido Implicaciones de los confinamientos en el Reino Unido. La producción recibió una prensa en gran parte positiva por su mensaje.
Sinopsis
La obra está ambientada en "The Present" (es decir, 1895).
Acto I: Piso de Algernon Moncrieff en Half Moon Street, W
La obra comienza con Algernon Moncrieff, un joven caballero ocioso que recibe a su mejor amigo, Jack Worthing ("Ernest"). Ernest ha venido del campo para proponerle matrimonio a la prima de Algernon, Gwendolen Fairfax. Algernon se niega a dar su consentimiento hasta que Ernest explica por qué su pitillera lleva la inscripción: "De la pequeña Cecily, con su mayor amor a su querido tío Jack". 'Ernest' se ve obligado a admitir que lleva una doble vida. En el campo, asume una actitud seria en beneficio de su joven pupila, la heredera Cecily Cardew, y se hace llamar Jack, mientras finge que debe preocuparse por un derrochador hermano menor llamado Ernest en Londres. En la ciudad, mientras tanto, asume la identidad del libertino Ernest. Algernon confiesa un engaño similar: finge tener en el campo a un amigo inválido llamado Bunbury, a quien puede "visitar" siempre que desee evitar una obligación social no deseada. Jack se niega a decirle a Algernon la ubicación de su finca.
Gwendolen y su formidable madre, Lady Bracknell, ahora llaman a Algernon, quien distrae a Lady Bracknell en otra habitación mientras Jack le propone matrimonio a Gwendolen. Ella acepta, pero parece amarlo en gran parte por su nombre, Ernest. En consecuencia, Jack decide ser rebautizado como 'Ernest'. Al descubrirlos en este intercambio íntimo, Lady Bracknell entrevista a Jack como posible pretendiente. Horrorizada al saber que fue adoptado después de ser descubierto cuando era un bebé en un bolso de mano en la estación Victoria, ella lo rechaza y prohíbe tener más contacto con su hija. Gwendolen se las arregla para prometerle encubiertamente su amor eterno. Mientras Jack le da su dirección en el campo, Algernon la anota subrepticiamente en el puño de su manga: la revelación de Jack de su bella y rica joven pupila ha motivado a su amigo a conocerla.
Acto II: El jardín de la casa señorial, Woolton
Cecily está estudiando con su institutriz, la señorita Prism. Algernon llega, haciéndose pasar por Ernest Worthing, y pronto encanta a Cecily. Fascinada durante mucho tiempo por el hasta ahora ausente hermano de la oveja negra del tío Jack, está predispuesta a enamorarse de Algernon en su papel de Ernest (un nombre que aparentemente le gusta especialmente). Por lo tanto, Algernon también planea que el rector, Dr. Chasuble, lo rebautice como 'Ernest'. Jack ha decidido abandonar su doble vida. Llega de luto y anuncia la muerte de su hermano en París de un fuerte escalofrío, una historia socavada por la presencia de Algernon bajo la apariencia de Ernest. Gwendolen entra ahora, habiéndose escapado de casa. Durante la ausencia temporal de los dos hombres, conoce a Cecily, cada mujer declara indignada que ella es la que está comprometida con 'Ernest'. Cuando reaparecen Jack y Algernon, sus engaños quedan al descubierto.
Acto III: Salón matinal en la casa solariega, Woolton
Al llegar en busca de su hija, Lady Bracknell se sorprende al enterarse de que Algernon y Cecily están comprometidos. La revelación de la riqueza de Cecily pronto disipa las dudas iniciales de Lady Bracknell sobre la idoneidad de la joven, pero su guardián Jack prohíbe cualquier compromiso: él solo consentirá si Lady Bracknell está de acuerdo con la suya. unión con Gwendolen, algo que ella se niega a hacer.
El impasse se rompe con el regreso de Miss Prism, a quien Lady Bracknell reconoce como la persona que, 28 años antes como niñera de la familia, había sacado a pasear a un bebé varón en un cochecito y nunca regresó. Desafiada, la señorita Prism explica que, distraídamente, había puesto el manuscrito de una novela que estaba escribiendo en el cochecito y al bebé en un bolso, que había dejado en la estación Victoria. Jack produce el mismo bolso, lo que demuestra que él es el bebé perdido, el hijo mayor de la difunta hermana de Lady Bracknell y, por lo tanto, el hermano mayor de Algernon. Habiendo adquirido relaciones tan respetables, después de todo, es aceptable como pretendiente de Gwendolen.
Gwendolen, sin embargo, insiste en que solo puede amar a un hombre llamado Ernest. Lady Bracknell le informa a Jack que, como primogénito, habría recibido el nombre de su padre, el general Moncrieff. Jack examina las listas del ejército y descubre que el nombre de su padre, y por lo tanto su verdadero nombre, era en realidad Ernest. La pretensión fue la realidad todo el tiempo. Mientras las felices parejas se abrazan (Jack y Gwendolen, Algernon y Cecily, e incluso el Dr. Chasuble y Miss Prism), Lady Bracknell se queja a su nuevo pariente: "Mi sobrino, pareces estar mostrando signos de trivialidad".; "Al contrario, tía Augusta", responde, "ahora me doy cuenta por primera vez en mi vida de la importancia vital de ser Ernesto".
Personajes
- Jack Worthing ()ErnestUn joven caballero del país, enamorado de Gwendolen Fairfax.
- Algernon MoncrieffUn joven caballero de Londres, el sobrino de Lady Bracknell, enamorado de Cecily Cardew.
- Gwendolen FairfaxUna joven, amada por Jack Worthing.
- Lady Augusta BracknellUna señora de la sociedad, la madre de Gwendolen.
- Cecily CardewUna jovencita, la sala de Jack Worthing.
- Miss PrismLa institutriz de Cecily.
- El Reverendo Canon ChasubleEl sacerdote de la parroquia de Jack.
- LaneEl sirviente de Algernon.
- MerrimanEl mayordomo de la casa de campo de Jack.
Temas
Trivialidad
Arthur Ransome describió La importancia... como la obra de teatro más trivial de la sociedad de Wilde, y la única que produce "ese peculiar regocijo del espíritu por el cual reconocer lo bello." 'Lo es', escribió, 'precisamente porque es consistentemente trivial que no sea feo'. Ellmann dice que La importancia de llamarse Ernesto tocó muchos temas que Wilde había estado construyendo desde la década de 1880: la languidez de las poses estéticas estaba bien establecida y Wilde lo toma como punto de partida para los dos protagonistas. Mientras que Salomé, Un marido ideal y El retrato de Dorian Gray se habían detenido en fechorías más graves, el vicio en Seriamente está representado por el ansia de Algy por los sándwiches de pepino. Wilde le dijo a Robert Ross que el tema de la obra era "Que debemos tratar todas las cosas triviales de la vida con mucha seriedad, y todas las cosas serias de la vida con una trivialidad sincera y estudiada". El tema se insinúa en el título irónico de la obra y "seriedad" se alude repetidamente en el diálogo, Algernon dice en el Acto II, "uno tiene que ser serio acerca de algo si quiere divertirse en la vida", pero continúa reprochando a Jack por "ser serio en todo'". El chantaje y la corrupción habían perseguido la doble vida de Dorian Gray y Sir Robert Chiltern (en An Ideal Husband), pero en Earnest los protagonistas' la duplicidad (el 'bunburying' de Algernon y la doble vida de Worthing como Jack y Ernest) se lleva a cabo con propósitos más inocentes, en gran parte para evitar obligaciones sociales no deseadas. Si bien gran parte del teatro de la época abordó problemas sociales y políticos serios, Earnest trata superficialmente de nada en absoluto. "se niega a jugar el juego" de otros dramaturgos de la época, por ejemplo, Bernard Shaw, que utilizó sus personajes para atraer al público hacia ideales más grandiosos.
Como una sátira de la sociedad
La obra se burla repetidamente de las tradiciones victorianas y las costumbres sociales, el matrimonio y la búsqueda del amor en particular. En la época victoriana, la seriedad se consideraba el valor social primordial, que se originó en los intentos religiosos de reformar las clases bajas y se extendió también a las altas a lo largo del siglo. El mismo título de la obra, con su paradoja burlona (las personas serias lo son porque no ven comedias triviales), introduce el tema, continúa en la discusión de salón, " Sí, pero debes ser serio al respecto. Odio a la gente que no se toma en serio las comidas. Es tan superficial de ellos," dice Algernon en el Acto 1; Las alusiones son rápidas y desde múltiples ángulos.
Los hombres siguen los ritos matrimoniales tradicionales, mediante los cuales los pretendientes admiten sus debilidades ante sus posibles novias, pero las debilidades que excusan son ridículas y la farsa se basa en una absurda confusión de un libro y un bebé. Cuando Jack se disculpa con Gwendolen durante su propuesta de matrimonio es por no ser malvado:
Gwendolen, es algo terrible para un hombre descubrir de repente que toda su vida no ha estado hablando más que la verdad. ¿Puedes perdonarme?
Puedo. Porque siento que estás seguro de cambiar.
A su vez, tanto Gwendolen como Cecily tienen el ideal de casarse con un hombre llamado Ernest, un nombre popular y respetado en ese momento. Gwendolen, a diferencia del análisis metódico de su madre sobre la idoneidad de Jack Worthing como esposo, deposita toda su fe en un nombre de pila y declara en el Acto I: "El único nombre realmente seguro es Ernest". 34;. Esta es una opinión compartida por Cecily en el Acto II, "Me compadezco de cualquier pobre mujer casada cuyo esposo no se llame Ernest" y declaran indignados que han sido engañados al averiguar los nombres reales de los hombres.
Wilde encarnó ingeniosamente las reglas y los rituales de la sociedad en Lady Bracknell: la minuciosa atención a los detalles de su estilo creó un efecto cómico de afirmación por moderación. En contraste con su conocimiento enciclopédico de las distinciones sociales de los nombres de las calles de Londres, se evoca sutilmente la oscura ascendencia de Jack. Él se defiende de ella "¿Un bolso?" con la aclaración, "La Línea Brighton". En ese momento, la estación Victoria constaba de dos estaciones terminales separadas pero adyacentes que compartían el mismo nombre. Al este estaba el destartalado Ferrocarril LC&D, al oeste el lujoso LB&SCR, la Brighton Line, que iba a Worthing, la ciudad cara y de moda a la que viajaba el caballero que encontró al bebé Jack en ese momento (y después de lo cual se nombró a Jack).
Subtexto homosexual sugerido
Los académicos queer han argumentado que los temas de duplicidad y ambivalencia de la obra están indisolublemente ligados a la homosexualidad de Wilde, y que la obra exhibe una "parpadeo de presencia-ausencia de ... deseo homosexual". Al volver a leer la obra después de su liberación de prisión, Wilde dijo: "Fue extraordinario leer la obra". Cómo solía jugar con ese Tiger Life."
Se ha dicho que el uso del nombre Earnest puede haber sido una broma interna homosexual. En 1892, tres años antes de que Wilde escribiera la obra, John Gambril Nicholson había publicado el libro de poesía pederasta Love in Earnest. El soneto Of Boys' Los nombres incluían el verso: "Aunque Frank pueda sonar como una campana de plata / Y Cecil reclamo de música más suave / No pueden obrar el milagro / -"Ernest enciende mi corazón en llamas".; La palabra "seria" también puede haber sido una palabra clave para homosexual, como en: '¿Es serio?', de la misma manera que '¿Es así?' y "¿Es musical?" fueron empleados. Sir Donald Sinden, un actor que había conocido a dos del elenco original de la obra (Irene Vanbrugh y Allan Aynesworth), y Lord Alfred Douglas, escribió a The Times para cuestionar las sugerencias de que "Serio" tenía alguna connotación sexual:
Aunque tuvieron una oportunidad amplia, en ningún momento ninguno de ellos incluso insinúa que "Earnest" era un sinónimo de homosexual, o que "bunburying" puede tener sexo homosexual implícito. La primera vez que escuché que mencionó fue en los años 80 y consulté inmediatamente a Sir John Gielgud, cuyo propio desempeño de Jack Worthing en la misma obra fue legendario y cuyo conocimiento de la lóbula teatral fue enciclopédico. Él respondió en sus tonos sonando: "¡No! Tonterías, tonterías absolutas: lo habría sabido".
También se han presentado varias teorías para explicar la derivación de Bunbury y Bunburying, que se utilizan en la obra para implicar una doble vida secreta. Puede haber derivado de Henry Shirley Bunbury, un conocido hipocondríaco de la juventud de Wilde. Otra sugerencia, presentada en 1913 por Aleister Crowley, que conocía a Wilde, fue que Bunbury era una combinación de palabras: que Wilde había tomado una vez un tren a Banbury, conoció a un escolar allí y organizó una segunda reunión secreta con él en Sunbury.
Bunbury
Bunburying es una estratagema utilizada por personas que necesitan una excusa para evitar las obligaciones sociales en su vida diaria. La palabra "bunburying" aparece por primera vez en el Acto I cuando Algernon explica que inventó un amigo ficticio, un inválido crónico llamado 'Bunbury', para tener una excusa para escapar de los eventos a los que no desea asistir, particularmente con su tía Augusta (señora Bracknell). Algernon y Jack usan este método para visitar en secreto a sus amantes, Cecily y Gwendolen.
Análisis dramático
Uso del lenguaje
Si bien Wilde había sido famoso durante mucho tiempo por sus diálogos y su uso del lenguaje, Raby (1988) argumenta que logró una unidad y maestría en Earnest que no tuvo igual en sus otras obras, excepto quizás en Salomé. Mientras que sus comedias anteriores adolecen de un desnivel resultante del choque temático entre lo trivial y lo serio, Earnest logra un estilo perfecto que permite que estos se disuelvan. Hay tres registros diferentes detectables en la obra. La despreocupación dandi de Jack y Algernon, establecida temprano con el intercambio de Algernon con su sirviente, traiciona una unidad subyacente a pesar de sus diferentes actitudes. Las formidables declaraciones de Lady Bracknell sorprenden tanto por su uso de la hipérbole y la extravagancia retórica como por sus desconcertantes opiniones. En cambio, el discurso del Dr. Casulla y la señorita Prisma se distingue por "precepto pedante" y "desviación idiosincrásica". Además, la obra está llena de epigramas y paradojas. Max Beerbohm lo describió como plagado de "apitemas cincelados, ocurrencias no relacionadas con la acción o el carácter", de los cuales encontró que media docena eran del más alto nivel.
La línea de Lady Bracknell, "¿Un bolso de mano?", ha sido calificada como una de las más maleables del drama inglés y se presta a interpretaciones que van desde la incredulidad o el escandalo hasta el desconcierto. Edith Evans, tanto en el escenario como en la película de 1952, pronunció la línea en voz alta en una mezcla de horror, incredulidad y condescendencia. Stockard Channing, en el Gaiety Theatre de Dublín en 2010, silenció la línea, en palabras de un crítico, "con un apenas audible '¿Un bolso de mano?', rápidamente tragado por un inhalación brusca. Una interpretación discreta, sin duda, pero con una obra tan conocida, llena de ocurrencias y aforismos con vida propia, son las pequeñas cosas las que marcan la diferencia."
Caracterización
Aunque Wilde desplegó personajes que ya eran familiares (el dandy lord, la matriarca autoritaria, la mujer con un pasado, la joven puritana), su tratamiento es más sutil que en sus comedias anteriores. Lady Bracknell, por ejemplo, encarna la sociedad respetable de la clase alta, pero Eltis observa cómo su desarrollo 'de la duquesa autoritaria y familiar a un personaje más peculiar e inquietante' se puede rastrear a través de las revisiones de Wilde de la obra. Para los dos jóvenes, Wilde no presenta "tipos" sino seres inteligentes que, como dice Jackson, "hablan como su creador en oraciones completas bien formadas y rara vez usan jerga o palabras de moda". Dr. Chasuble y Miss Prism se caracterizan por unos ligeros toques de detalle, su entusiasmo anticuado y la fastidiosa pedantería del canónigo, recortada por Wilde durante sus muchas reelaboraciones del texto.
Estructura y género
Ransome argumenta que Wilde se liberó al abandonar el melodrama, la estructura básica que subyace en sus comedias sociales anteriores, y basar la historia por completo en la presunción verbal de Earnest/Ernest. Libre de "estar a la altura de cualquier drama más serio que una conversación" Wilde ahora podía entretenerse más con bromas, bons mots, epigramas y réplicas que realmente tenían poco que ver. hacer con el negocio en cuestión.
El género de la Importancia de llamarse Ernesto ha sido profundamente debatido tanto por académicos como por críticos que han colocado la obra dentro de una amplia variedad de géneros que van desde la parodia hasta la sátira. En su crítica de Wilde, Foster argumenta que la obra crea un mundo donde "los valores reales se invierten [y] la razón y la sinrazón se intercambian". Del mismo modo, el uso del diálogo por parte de Wilde se burla de las clases altas de la Inglaterra victoriana, lo que otorga a la obra un tono satírico. Reinhart estipula además que el uso del humor burlesco para burlarse de las clases altas 'merece la obra tanto como sátira como drama'.
Publicación
Primera edición
Las dos últimas comedias de Wilde, Un marido ideal y La importancia de llamarse Ernesto, todavía estaban en escena en Londres en el momento de su enjuiciamiento, y pronto se cerraron cuando los detalles de su caso se hicieron públicos. Después de dos años de prisión con trabajos forzados, Wilde se exilió en París, enfermo y deprimido, su reputación destruida en Inglaterra. En 1898, cuando nadie más lo haría, Leonard Smithers acordó con Wilde publicar las dos obras finales. Wilde demostró ser un revisor diligente, enviando instrucciones detalladas sobre direcciones escénicas, listados de personajes y la presentación del libro, e insistiendo en que se reprodujera un cartel de la primera actuación en el interior. Ellmann argumenta que las pruebas muestran a un hombre 'muy en control de sí mismo y de la obra'. El nombre de Wilde no aparecía en la portada, era "Por el autor de El abanico de Lady Windermere". Sin embargo, su regreso al trabajo fue breve, ya que se negó a escribir nada más, "Puedo escribir, pero he perdido el placer de escribir". El 19 de octubre de 2007, se descubrió una primera edición (número 349 de 1000) dentro de un bolso en una tienda de Oxfam en Nantwich, Cheshire. El personal no pudo rastrear al donante. Se vendió por £ 650.
En traducción
La importancia de llamarse Ernesto'la popularidad ha hecho que se haya traducido a muchos idiomas, aunque el juego de palabras homófono en el título ("Ernest", un nombre propio masculino, y "earnest", la virtud de la firmeza y la seriedad) plantea un problema especial para los traductores. El caso más fácil de una traducción adecuada del juego de palabras, perpetuando su sentido y significado, puede haber sido su traducción al alemán. Dado que el inglés y el alemán son idiomas estrechamente relacionados, el alemán proporciona un adjetivo equivalente ("ernst") y también un nombre propio masculino coincidente ("Ernst"). El significado y el tenor del juego de palabras son exactamente los mismos. Sin embargo, hay muchos títulos diferentes posibles en alemán, principalmente relacionados con la estructura de la oración. Los dos más comunes son "Bunbury oder ernst / Ernst sein ist alles" y "Bunbury oder wie wichtig es ist, ernst / Ernst zu sein". En un estudio de traducciones italianas, Adrian Pablé encontró trece versiones diferentes usando ocho títulos. Dado que los juegos de palabras suelen ser exclusivos del idioma en cuestión, los traductores se enfrentan a la elección de permanecer fieles al original (en este caso, el adjetivo inglés y la virtud serio) o crear un juego de palabras similar en su propio idioma. idioma.
Los traductores han utilizado cuatro estrategias principales. El primero deja todos los caracteres' nombres sin cambios y en su ortografía original: por lo tanto, se respeta el nombre y se recuerda a los lectores el entorno cultural original, pero se pierde la vivacidad del juego de palabras. Eva Malagoli varió este enfoque orientado a la fuente utilizando tanto los nombres cristianos ingleses como el adjetivo serio, conservando así el juego de palabras y el carácter inglés de la obra, pero posiblemente forzando al lector italiano. Un tercer grupo de traductores reemplazó a Ernest con un nombre que también representa una virtud en el idioma de destino, favoreciendo la transparencia para los lectores en la traducción sobre la fidelidad al original. Por ejemplo, en italiano, estas versiones llaman de diversas formas a la obra L'importanza di essere Franco/Severo/Fedele, siendo los nombres de pila, respectivamente, los valores de honestidad, decoro y lealtad. French ofrece un juego de palabras más cercano: "Constant" es a la vez un nombre y la cualidad de la constancia, por lo que la obra se conoce comúnmente como De l'importance d'être Constant, aunque Jean Anouilh tradujo la obra con el título: Il est important d'être Aimé ("Aimé" es un nombre que también significa "amado"). Estos traductores difieren en su actitud hacia los títulos honoríficos originales en inglés, algunos los cambian todos, o ninguno, pero la mayoría deja una mezcla parcial como compensación por la pérdida adicional de inglés. Por último, una traducción le dio al nombre un toque italiano al traducirlo como Ernesto; este trabajo mezcló generosamente nombres propios de ambos idiomas.
Adaptaciones
Película
Además de varios "hechos para televisión" versiones, La importancia de llamarse Ernesto ha sido adaptado para el cine de habla inglesa al menos tres veces, primero en 1952 por Anthony Asquith, quien adaptó el guión y lo dirigió. Michael Denison (Algernon), Michael Redgrave (Jack), Edith Evans (Lady Bracknell), Dorothy Tutin (Cecily), Joan Greenwood (Gwendolen), Margaret Rutherford (Miss Prism) y Miles Malleson (Canon Chasuble) estaban entre el elenco. En 1992, Kurt Baker dirigió una versión con un elenco completamente negro con Daryl Keith Roach como Jack, Wren T. Brown como Algernon, Ann Weldon como Lady Bracknell, Lanei Chapman como Cecily, Chris Calloway como Gwendolen, CCH Pounder como Miss Prism y Brock Peters como Doctor Chasuble, ambientada en los Estados Unidos. Oliver Parker, un director que previamente había adaptado Un marido ideal de Wilde, hizo la película de 2002; está protagonizada por Colin Firth (Jack), Rupert Everett (Algy), Judi Dench (Lady Bracknell), Reese Witherspoon (Cecily), Frances O'Connor (Gwendolen), Anna Massey (Miss Prism) y Tom Wilkinson (Canon Chasuble).). La adaptación de Parker incluye al abogado reclamante Sr. Gribsby que persigue a 'Ernest'. a Hertfordshire (presente en el borrador original de Wilde, pero cortado a instancias del primer productor de la obra). Algernon también es perseguido por un grupo de acreedores en la escena inicial.
Una película de comedia romántica en telugu de 2008, titulada Ashta Chamma, es una adaptación de la obra.
Óperas y musicales
En 1960, Ernest in Love se representó fuera de Broadway. La compañía japonesa de teatro musical femenino Takarazuka Revue presentó este musical en 2005 en dos producciones, una de Moon Troupe y la otra de Flower Troupe.
En 1963, Erik Chisholm compuso una ópera a partir de la obra, usando el texto de Wilde como libreto.
En 1964, Gerd Natschinski compuso el musical Mein Freund Bunbury basado en la obra, 1964 estrenada en el Teatro Metropol de Berlín.
Según un estudio de Robert Tanitch, en 2002 se habían realizado al menos ocho adaptaciones de la obra como musical, aunque "nunca con un éxito notable". La versión más antigua de este tipo fue un programa estadounidense de 1927 titulado Oh Earnest. El periodista Mark Bostridge comenta: "El libreto de una adaptación musical de 1957, Half in Earnest, depositado en la Biblioteca Británica, es apenas más alentador. Se levanta el telón y Algy toca el piano y canta 'I can play Chopsticks, Lane'. Otras canciones incluyen 'A Bunburying I Must Go'."
Gerald Barry creó la ópera de 2011, La importancia de llamarse Ernesto, encargada por la Filarmónica de Los Ángeles y el Centro Barbican de Londres. Se estrenó en Los Ángeles en 2011. El estreno teatral fue realizado por la Opéra national de Lorraine en Nancy, Francia en 2013.
En 2017, Odyssey Opera of Boston presentó una producción completamente escenificada de la ópera de Mario Castelnuovo-Tedesco La importancia de llamarse Ernesto como parte de su serie Wilde Opera Nights, que fue una temporada. larga exploración de obras operísticas inspiradas en los escritos y el mundo de Oscar Wilde. La ópera para dos pianos, percusión y cantantes fue compuesta en 1961-2. Está lleno de citas musicales a cada paso. La ópera nunca se publicó, pero se representó dos veces: el estreno en Monte Carlo (1972 en italiano) y en La Guardia, NY (1975). Odyssey Opera pudo obtener el manuscrito de la Biblioteca del Congreso con el permiso de la nieta del compositor. Después de que la producción de Odyssey en el Wimberly Theatre, Calderwood Pavilion en el Boston Center for the Arts los días 17 y 18 de marzo, fue recibida con elogios de la crítica, The Boston Globe declaró: "Odyssey Opera reconoce 'The Importance de llamarse Ernesto.'"
Pastiche escénico
En 2016, los actores y escritores irlandeses Helen Norton y Jonathan White escribieron la obra de teatro cómica To Hell in a Handbag, que vuelve a contar la historia de Importance desde el punto de vista de la personajes Canon Chasuble y Miss Prism, dándoles su propia historia de fondo y mostrando lo que les sucede cuando no están en el escenario en la obra de Wilde.
Radio y televisión
Ha habido muchas versiones radiofónicas de la obra. En 1925, la BBC emitió una adaptación con Hesketh Pearson como Jack Worthing. Siguieron más transmisiones de la obra en 1927 y 1936. En 1977, BBC Radio 4 transmitió la versión en cuatro actos de la obra, con Fabia Drake como Lady Bracknell, Richard Pasco como Jack, Jeremy Clyde como Algy, Maurice Denham como Canon Chasuble, Sylvia Coleridge como Miss Prism, Barbara Leigh-Hunt como Gwendolen y Prunella Scales como Cecily. La producción fue lanzada más tarde en CD.
Para conmemorar el centenario de la primera representación de la obra, Radio 4 emitió una nueva adaptación el 13 de febrero de 1995; dirigida por Glyn Dearman, contó con Judi Dench como Lady Bracknell, Michael Hordern como Lane, Michael Sheen como Jack Worthing, Martin Clunes como Algernon Moncrieff, John Moffatt como Canon Chasuble, Miriam Margolyes como Miss Prism, Samantha Bond como Gwendolen y Amanda Root como cecilia Posteriormente, la producción se publicó en casete de audio.
El 13 de diciembre de 2000, BBC Radio 3 emitió una nueva adaptación dirigida por Howard Davies protagonizada por Geraldine McEwan como Lady Bracknell, Simon Russell Beale como Jack Worthing, Julian Wadham como Algernon Moncrieff, Geoffrey Palmer como Canon Chasuble, Celia Imrie como Miss Prism, Victoria Hamilton como Gwendolen y Emma Fielding como Cecily, con música compuesta por Dominic Muldowney. La producción fue lanzada en casete de audio.
Una adaptación televisiva comercial de 1964 protagonizada por Ian Carmichael, Patrick Macnee, Susannah York, Fenella Fielding, Pamela Brown e Irene Handl.
Las transmisiones de televisión de la BBC de la obra han incluido una versión Obra del mes de 1974 protagonizada por Coral Browne como Lady Bracknell con Michael Jayston, Julian Holloway, Gemma Jones y Celia Bannerman. Stuart Burge dirigió otra adaptación en 1986 con un elenco que incluía a Gemma Jones, Alec McCowen, Paul McGann y Joan Plowright.
Se adaptó para la televisión australiana en 1957.
Grabaciones comerciales
La interpretación de Gielgud se conserva en una grabación de audio de EMI que data de 1952, que también captura a Lady Bracknell de Edith Evans. El elenco también incluye a Roland Culver (Algy), Jean Cadell (Miss Prism), Pamela Brown (Gwendolen) y Celia Johnson (Cecily).
Otras grabaciones de audio incluyen "Obras maestras de teatro" versión de 1953, dirigida y narrada por Margaret Webster, con un reparto que incluía a Maurice Evans, Lucile Watson y Mildred Natwick; una versión de 1989 de California Artists Radio Theatre, con Dan O'Herlihy Jeanette Nolan, Les Tremayne y Richard Erdman; y uno de L.A. Theatre Works emitido en 2009, con Charles Busch, James Marsters y Andrea Bowen.