La deposición (Rafael)
La Deposición, también conocida como Pala Baglioni, Entierro Borghese o El Entierro, es una pintura al óleo de el pintor italiano del Alto Renacimiento Rafael. Firmado y fechado "Raphael. Urbinas. MDVII", el cuadro se encuentra en la Galería Borghese de Roma. Es el panel central de un retablo más grande encargado por Atalanta Baglioni de Perugia en honor a su hijo asesinado, Grifonetto Baglioni. Como muchas obras, comparte elementos de los temas comunes de la Deposición de Cristo, la Lamentación de Cristo y el Entierro de Cristo. El cuadro está sobre panel de madera y mide 184 x 176 cm.
La Comisión
A principios del siglo XVI, la violencia entre facciones, principalmente en forma de combate cuerpo a cuerpo, era relativamente común en Perugia y otras partes de Italia, como Florencia. La familia Baglioni eran los señores de Perugia y sus alrededores, y también destacados condotieros o líderes de tropas mercenarias. Hubo un episodio especialmente sangriento en Perugia la noche del 3 de julio de 1500, cuando Grifonetto Baglioni y algunos miembros enojados de la familia conspiraron para asesinar a gran parte del resto de la familia Baglioni mientras dormían. Según Matarazzo, cronista de la familia, tras el derramamiento de sangre, la madre de Grifonetto, Atalanta Baglioni, se negó a dar refugio a su hijo en su casa y cuando regresó a la ciudad se enfrentó a Gian Paolo Baglioni, el jefe de la familia que había sobrevivido a la noche escapando por los tejados. Atalanta cambió de opinión y corrió tras su hijo, pero llegó sólo a tiempo para ver cómo Gian Paolo y sus hombres mataban a su hijo. Unos años más tarde, Atalanta encargó al joven Rafael pintar un retablo para conmemorar a Grifonetto en la capilla familiar de San Francesco al Prato. Raphael se tomó muy en serio el encargo y durante dos años trabajó y desarrolló su diseño a través de dos fases y numerosos dibujos preparatorios.
Este fue el último de varios encargos importantes del joven Rafael para Perugia, la ciudad natal de su maestro Perugino. Ya había pintado para la misma iglesia el Retablo Oddi (ahora en el Vaticano) para la gran familia rival de los Baglioni (con quienes también estaban casados), y otras obras de gran tamaño. El nuevo encargo marcó una etapa importante en su desarrollo como artista y en la formación de su estilo maduro. La pintura permaneció en su ubicación hasta que en 1608 fue retirada por la fuerza por una banda que trabajaba para el cardenal Scipione Borghese, sobrino del Papa Pablo V. Para pacificar la ciudad de Perugia, el Papa encargó dos copias de la pintura a Giovanni Lanfranco y el Cavaliere d'Arpino, y el de Arpino todavía se encuentra en Perugia. Aunque confiscado por los franceses en 1797 y expuesto en París en el Louvre, luego rebautizado como Museo Napoleón, fue devuelto a la Galería Borghese en 1815, excepto la predela, que fue llevada a los Museos Vaticanos.
Estudios preparatorios
Raphael realizó numerosos bocetos o borradores preparatorios a medida que evolucionaba su idea para la composición (varios están en Wikimedia Commons; consulte el enlace a continuación). Comenzó con el tema de una Lamentación sobre Cristo muerto, similar al famoso cuadro del mismo nombre de su maestro Pietro Perugino. Pasó de esa idea a un Entierro de Cristo, tal vez inspirado en un antiguo relieve de sarcófago romano de Meleagro de la mitología griega, el Entierro de Miguel Ángel o la impresión del Entierro de Mantegna. Al revisar sus estudios, podemos ver que este largo período de evolución le dio a Rafael la oportunidad de poner en práctica gran parte del nuevo estilo y técnicas que había estado desarrollando a partir de sus estudios de los maestros del Renacimiento Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, así como de otros artistas del Renacimiento. el período. Las dos fases de diseño pueden denominarse en términos generales “perugiano” y “florentino”. El cambio significativo de tema de una Lamentación a un Entierro afectó el carácter de la pintura en general porque pasó de una Piedad más icónica a un tema con más interés narrativo.
Análisis
Giorgio Vasari, el famoso biógrafo de artistas italianos, también entendió la obra de Rafael como una pintura narrativa. Tras ver el retablo en su entorno original, Vasari da una descripción detallada:
En esta imagen más divina hay un Cristo Muerto siendo llevado al Sepulcro, ejecutado con tal frescura y tal cuidado amoroso, que parece que el ojo sólo ha sido pintado. En la composición de esta obra, Raffaello se imaginó a sí mismo el dolor que sienten los parientes más cercanos y afectuosos de los muertos acostándose a descansar el cuerpo de aquel que ha sido su mejor amado, y de quien, en verdad, la felicidad, el honor y el bienestar de toda una familia han dependido. Nuestra Señora es vista en una jura; y las cabezas de todas las figuras son muy graciosas en su llanto, en particular la de San Juan, quien, con sus manos apretadas, inclina su cabeza de tal manera que mueva el corazón más duro en compasión. Y en verdad, el que considera la diligencia, el amor, el arte y la gracia mostradas por esta imagen, tiene una gran razón para maravillarse, porque sorprende a todos los que la ven, lo que con el aire de las figuras, la belleza de los draperies, y en definitiva, la excelencia suprema que revela en cada parte.
Vasari adopta un tono reverencial al describir El Entierro, teniendo mucho cuidado de discutir no sólo las figuras importantes de la pintura, sino también su efecto en el espectador. Visto formalmente, la escena representada en realidad no es ni la Deposición ni el Entierro, sino que se encuentra en algún punto intermedio. Esto lo podemos determinar por el fondo: a la derecha está el Monte Calvario, el lugar de la Crucifixión y Deposición, y a la izquierda está la cueva donde tendrá lugar el Entierro. Y así dos hombres, carentes de aureolas, utilizan un trozo de lienzo para transportar a Cristo muerto y parece como si todos los participantes en el porte del cuerpo estuvieran en animación suspendida. Los dos hombres y Cristo forman diagonales muy fuertes en forma de V. Se supone que el hombre más joven de la derecha sosteniendo a Cristo es una representación del joven asesinado, el propio Grifonetto. Además de los dos hombres que cargan el cuerpo, tenemos a San Juan y Nicodemo detrás y a la izquierda y a María Magdalena sosteniendo la mano de Cristo. Las piernas de San Juan y Nicodemo presentan un problema de distracción, especialmente en el caso de Nicodemo porque debido a la obstrucción de la vista, no está claro qué está haciendo exactamente o qué está mirando exactamente.
En el extremo derecho, en el otro grupo figurativo ligeramente detrás de la acción, están las tres Marías que sostienen a la Virgen María, que se ha desmayado (una representación controvertida conocida como el desmayo de la Virgen) probablemente debido a su dolor abrumador. La forma en que una de las Marías está arrodillada es excesivamente torpe, con una torsión extrema y un drapeado muy cortado, también conocido como figura serpentinata. Aunque se ve en otras obras famosas, su posicionamiento parece haberse inspirado directamente en el ejemplo del Doni Tondo de Miguel Ángel, completado sólo unos años antes. En términos de color, Rafael equilibra el uso de rojos, azules, amarillos y verdes fuertes y crea un contraste sutil en los tonos de su piel, que se ve mejor con la María Magdalena viva sosteniendo la mano de Cristo muerto.
El Retablo
Como se indicó anteriormente, el retablo consistía en más que el panel principal. El moldeo superior (ahora en la Galleria Nazionale dell’Umbria en Perugia) tenía un panel de "Dios el Padre en una gloria de querubines, bendiciendo a su hijo." El panel principal tenía un marco, partes de las cuales todavía sobreviven, decorado por los griffins siendo coronados y alimentados por putti alado sentado en las cabezas de los carneros, todo de un color amarillo bronceado contra un suelo azul (el cresta de la familia Baglioni era la cabeza de un grifo, así como el nombre del marido y el hijo de Atalanta siendo Grifonetto). Abajo había una predella de tres grisaille (monocromo) compartimentos que ilustran las Virtuas Teológicas (1507. Óleo sobre tabla, tres secciones de 18 x 44 cm cada uno. Roma, Galería Vaticano). Los tres paneles fueron alineados originalmente en la base del retablo para mostrar, izquierda a derecha, Hope[1] Caridad[2], y Faith[3], con cada figura flanqueada por dos putti. Los temas de los predellas están destinados a relacionarse simbólicamente con el panel principal anterior: Caridad en el centro enfatiza el tema de la maternidad, mientras Hope y Faith referencia al motivo principal, la redención de Cristo. Así, la concepción de Rafael no sólo se refiere al tema del retablo, sino también a las circunstancias privadas del donante, Atalanta Baglioni.
Pinturas influenciadas por la deposición de Rafael
La Deposición de Cristo Friedrich Overbeck (1814)
