Juan Frankenheimer

John Michael Frankenheimer (19 de febrero de 1930 - 6 de julio de 2002) fue un director de cine y televisión estadounidense conocido por sus dramas sociales y sus películas de acción y suspenso. Entre sus créditos se encuentran Birdman of Alcatraz (1962), The Manchurian Candidate (1962), Seven Days in May (1964), El tren (1964), Segundos (1966), Gran Premio (1966), Conexión francesa II (1975), Domingo negro (1977), La isla del Dr. Moreau (1996) y Ronin (1998).

Ganó cuatro premios Emmy, tres consecutivos, en la década de 1990 por dirigir las películas para televisión Against the Wall, The Burning Season, Andersonville, y George Wallace, el último de los cuales también recibió un Globo de Oro a la Mejor Miniserie o Película para Televisión.

Los 30 largometrajes y más de 50 obras de teatro para televisión de Frankenheimer se destacaron por su influencia en el pensamiento contemporáneo. Se convirtió en un pionero del "thriller político moderno", habiendo comenzado su carrera en el apogeo de la Guerra Fría.

Él era técnicamente muy logrado desde sus días en la televisión en vivo; muchas de sus películas se destacaron por crear "dilemas psicológicos" para sus protagonistas masculinos además de tener un fuerte "sentido del medio ambiente" similar en estilo a las películas del director Sidney Lumet, para quien había trabajado anteriormente como asistente de dirección. Desarrolló una "tremenda propensión a explorar situaciones políticas" que atraparía a sus personajes.

El crítico de cine Leonard Maltin escribe que "en su época [década de 1960]... Frankenheimer trabajó con los mejores escritores, productores y actores en una serie de películas que trataban temas que estaban en la cima del momento: cosas que nos enfrentaban a todos."

Infancia y escolarización

Frankenheimer nació en Queens, ciudad de Nueva York, hijo de Helen Mary (de soltera Sheedy) y Walter Martin Frankenheimer, un corredor de bolsa. Su padre era de ascendencia judía alemana, su madre era católica irlandesa y Frankenheimer se crió en la religión de su madre. Cuando era joven, Frankenheimer, el mayor de tres hermanos, luchó por afirmarse con su padre dominante.

Al crecer en la ciudad de Nueva York, quedó fascinado con el cine a una edad temprana y recuerda asistir al cine con avidez todos los fines de semana. Frankenheimer informa que en 1938, a la edad de siete u ocho años, asistió a un programa de 25 episodios, 7 1 Maratón de ⁄2 horas de El llanero solitario acompañado de su tía.

En 1947, se graduó de la Academia Militar La Salle en Oakdale, Long Island, Nueva York, y en 1951 obtuvo una licenciatura en inglés de Williams College en Williamstown, Massachusetts. Como capitán del equipo de tenis de Williams, Frankenheimer consideró brevemente una carrera profesional en el tenis, pero reconsideró:

"Lo renuncié cuando empecé a actuar a los dieciocho o diecinueve, porque no había tiempo para hacer ambas cosas... mi interés era más para actuar en esos días y un actor es lo que quería ser. Actué en la universidad y en las acciones de verano por un año. Pero no era un buen actor. Yo era bastante tímido y bastante duro..."

Escuadrón de Cine de la Fuerza Aérea: 1951-1953

Después de graduarse de Williams College, Frankenheimer fue reclutado en la Fuerza Aérea y asignado a la Reserva de Oficiales' Training Corps (ROTC), sirviendo en la sala de correo del Pentágono en Washington, D. C. Rápidamente solicitó y fue transferido, sin ninguna calificación formal, a un escuadrón de filmación de la Fuerza Aérea en Burbank, California. Fue allí donde el teniente Frankenheimer "realmente comenzó a pensar seriamente en dirigir".

Frankenheimer recuerda su aprendizaje temprano con la unidad de fotografía de la Fuerza Aérea como uno de libertad casi ilimitada. Como oficial subalterno, los superiores de Frankenheimer 'no podrían haberme importado menos' lo que hizo en términos de utilizar el equipo de filmación. Frankenheimer informa que tenía la libertad de configurar la iluminación, operar la cámara y realizar la edición en proyectos que concibió personalmente. Su primera película fue un documental sobre una planta de fabricación de asfalto en Sherman Oaks, California. El teniente Frankenheimer recuerda el pluriempleo, a $40 a la semana, como escritor, productor y camarógrafo haciendo infomerciales de televisión para un criador de ganado local en Northridge, California, en los que se presentaba el ganado en los escenarios interiores. La FCC canceló la programación después de 15 semanas. Además de dominar los elementos básicos del cine, Frankenheimer comenzó a leer mucho sobre técnicas cinematográficas, incluidos los escritos del director soviético Sergei Eisenstein. Frankenheimer fue dado de baja del ejército en 1953.

La 'edad de oro' de la televisión: 1953-1960

Frankenheimer en Columbia Broadcasting Studios (CBS), 1952

Durante sus años en el servicio militar, Frankenheimer buscó arduamente una carrera cinematográfica en el sur de California. Al fallar esto, a los 23 años, regresó a Nueva York luego de su baja militar para buscar trabajo en la emergente industria de la televisión. Su seriedad impresionó a los ejecutivos de televisión de Columbia Broadcasting System (CBS), lo que le consiguió un trabajo en el verano de 1953 como director de fotografía en The Garry Moore Show. Frankenheimer recuerda su aprendizaje en CBS:

"Cuando me detengo y miro hacia atrás [The Garry Moore Show]... Estaba especialmente bien adaptado para ese trabajo... lo que harías es preparar un tiro para el director. Te diría lo que quería y lo conseguirías del camarógrafo... También sería responsable del momento del espectáculo. Pero creo - bueno, lo sé - nací con un buen ojo para la cámara y así el trabajo realmente estaba jugando bien en lo que yo llamaría mi propia fuerza."

Frankenheimer fue contratado como asistente del director Sidney Lumet para la serie de dramatización histórica de CBS You Are There, y más adelante en Danger de Charles Russell y Person de Edward R. Murrow. a Persona. A fines de 1954, Frankenheimer reemplazó a Lumet como director en You Are There y Danger bajo un contrato de 5 años (con una opción estándar de estudio para despedir a un director con un aviso de dos semanas).). El debut como director de Frankenheimer fue The Plot Against King Solomon (1954), un éxito de crítica.

Durante la década de 1950, dirigió más de 140 episodios de programas como Playhouse 90 y Climax. bajo los auspicios del ejecutivo de CBS Hubbell Robinson y el productor Martin Manulis, incluyeron excelentes adaptaciones de obras de Shakespeare, Eugene O'Neill, F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway y Arthur Miller. Destacados actores y actrices de teatro y cine protagonizaron estas producciones en directo, entre ellos Ingrid Bergman, John Gielgud, Mickey Rooney, Geraldine Page y Jack Lemmon. Frankenhiemer es ampliamente considerado una figura preeminente en la llamada 'Edad de oro de la televisión'.

El historiador de cine Stephen Bowie ofrece esta valoración del legado de Frankenheimer de la "Edad de Oro" de televisión:

"Junto a Sidney Lumet, John Frankenheimer fue el director principal para emerger y ser influenciado por la estética del drama de la televisión en vivo, que floreció brevemente en los EE.UU....La fama posterior de Frankkenheimer, y su nostalgia repetida para la televisión en vivo, lo han designado como el exponente quintaesencial de la forma: esta es una concepción errónea crucial. La estética de la televisión en vivo se definía por sus limitaciones temporales y espaciales: todo lo que se podía mostrar era lo que se podía crear físicamente dentro de una hora o media hora y fotografiado dentro de los confines de un pequeño espacio [emphasizing] ajustes de color azul calambre ('kitchen drama') porque estos fueron los escenarios más fácilmente para la transmisión en vivo... [aunque] perfectamente adaptados a este mundo de intimidad emocional y claustrofobia física reaccionar. Buscaba estrategias materiales y visuales que expandían los límites de lo que podía hacerse en la televisión en vivo... Como director de televisión en vivo que tomó el medio en una dirección explícitamente cinematográfica, Frankenheimer era en realidad el menos típico".

Carrera cinematográfica

Las primeras películas de Frankenheimer abordaron temas contemporáneos como "delincuencia juvenil, criminalidad y el entorno social" y están representados por The Young Stranger (1957), The Young Savages (1961) y All Fall Down (1962).

La joven extraña (1957)

La primera incursión de Frankenheimer en el mundo del cine se produjo cuando todavía tenía contrato con CBS Television. El jefe de CBS en California, William Dozier, se convirtió en el director ejecutivo de los estudios de cine RKO. A Frankenheimer se le asignó la dirección de una versión cinematográfica de su producción televisiva Climax! titulada "Deal a Blow", escrita por el hijo de William Dozier, Robert. La versión cinematográfica de 1956, The Young Stranger, está protagonizada por James MacArthur como el rebelde hijo adolescente de un poderoso productor de películas de Hollywood (James Daly). Frankenheimer recordó que su primera experiencia cinematográfica le pareció insatisfactoria:

"Tengo una consideración muy alta para mi [televisión] tripulación, porque las entrego; en El joven extraño Me dieron una tripulación, y pensé que eran terribles y me trataron muy mal. Me hizo muy amargo con toda la experiencia... Me sentí muy confinada, limitada y mala directora... Había tantas cosas que pensé que podría haber hecho pero no hice... Como resultado de esta experiencia estaba harto de películas y volví a la televisión".

Frankenheimer agrega que a fines de la década de 1950, la televisión estaba pasando de producciones en vivo a programas grabados: "... un director de televisión en vivo era como ser un herrero de pueblo después de la llegada del automóvil... Sabía que tenía que salir..." En 1961, Frankenheimer abandonó la televisión y volvió al cine después de un paréntesis de cuatro años, continuando su examen de los temas sociales que informaron su The Young Stranger de 1957. El historiador de cine Gordon Gow distingue el manejo de Frankenheimer de temas que abordan el individualismo y los "inadaptados" durante los años cincuenta' obsesión con los adolescentes descontentos:

"Hubo una sensación especialmente verdadera al problema del niño de 16 años que se convirtió en "El joven extraño"... Esta película, en 1957, a la altura del vógueo problemático, sonó una nota tranquila de contraste. En parte, su verdadera calidad podría ser derribada al hecho de que [ambos directores y escritores] estaban a mediados de los años veinte, mucho más cerca de la edad de su personaje central [James MacArthur], alrededor de veinte en el momento (pero mirando más joven)... Lo que lo hizo especialmente distintivo en medio del sensacionalismo general fue la trivialidad del delito menor: un poco menor de duro en un cine de barrio... La diferencia entre El joven extraño, que alcanzó un final feliz plausiblemente, y la carrera general de películas del delincuente-problema fue su moderación..."

Los jóvenes salvajes (1961)

El segundo esfuerzo cinematográfico de Frankenheimer se basa en A Matter of Conviction (1959) del novelista Evan Hunter. Los ejecutivos de publicidad de United Artists cambiaron el título de la taquilla por el vagamente espeluznante The Young Savages, a lo que se opuso Frankenheimer. La historia involucra el intento de explotación política de un asesinato descarado que involucra a pandillas juveniles puertorriqueñas e italianas ambientadas en el Harlem español de la ciudad de Nueva York. El fiscal de distrito, Dan Cole (Edward Andrews), que busca la gobernación del estado, envía al asistente del fiscal de distrito Hank Bell (Burt Lancaster) a reunir pruebas para asegurar una condena. Bell, que creció en el distrito de viviendas, ha escapado de sus orígenes empobrecidos para lograr el éxito social y económico. Inicialmente adopta una hostilidad cínica hacia los jóvenes que investiga, lo que sirve a sus propios objetivos profesionales. La narrativa explora las complejidades humanas y legales del caso y la lucha de Bell para confrontar sus prejuicios y compromisos personales y sociales. La impactante secuencia de apertura de la película que representa un asesinato, que es clave para la trama, revela los orígenes de Frankenheimer en la televisión. La acción, "filmada y editada de manera brillante", ocurre antes de los créditos y está acompañada por una banda sonora convincente del compositor David Amram, que sirve para cautivar rápidamente el interés de la audiencia.

The Young Savages, aunque se centra en la delincuencia juvenil, es cinematográficamente un avance significativo con respecto al primer esfuerzo cinematográfico de Frankenheimer, de temática similar, The Young Stranger (1957). El historiador de cine Gerald Pratley atribuye esto a la insistencia de Frankenheimer en seleccionar a su principal apoyo técnico para el proyecto, incluido el escenógrafo Bert Smidt, el director de fotografía Lionel Lindon y los guionistas J. P. Miller. Pratley observó:

"Los jóvenes salvajes es mucho más vivo y real que [The Young Stranger]... los jóvenes podrían ser algunos de los que nos conocimos en la primera película, pero ahora más a lo largo de sus maneras delincuentes. La actuación en todas partes es autoritativa, con retrataciones vívidas de los jugadores italianos y puertorriqueños... toda la película está fotográficamente viva con un sentido fuerte y visual que iba a caracterizar toda la futura obra de Frankenheimer..."

Aunque "artificial y familiar en sus preocupaciones sociales" Frankenheimer y el protagonista Burt Lancaster, ambos liberales en su perspectiva política, dramatizan la "pobreza, la violencia y la desesperación de la vida en la ciudad". con una moderación tal que "los eventos y personajes parecen consistentemente creíbles." Frankenheimer recordó "Rodé The Young Savages principalmente para mostrarle a la gente que podía hacer una película, y aunque no fue completamente exitosa, mi punto quedó probado... La película se hizo en un presupuesto relativamente barato y rodar en locaciones de Nueva York para una compañía de Hollywood es muy caro. Esos eran los días antes de que la alcaldesa Lindsay tuviera que pagar a todos los demás policías de la ronda...

Todos caen (1962)

La película sobre la mayoría de edad All Fall Down fue filmada y estrenada mientras Birdman of Alcatraz (1962) de Frankenheimer estaba en posproducción y The Manchurian Candidate (1962) estaba en preproducción.

La película fue escrita por William Inge, quien también escribió Splendor in the Grass (1961) y trata sobre el personaje Berry-Berry (Warren Beatty), un buscavidas emocionalmente irresponsable, y su adorado hermano menor Clinton. (Brandon deWilde), para quien Berry-Berry aparece como una figura byronesca romántica. El trato cruel del hermano mayor a Echo O'Brien (Eva Marie Saint), su amante que queda embarazada, desengaña al ingenuo Clinton de la perfección de Berry-Berry. Su visión angustiosa le permite a Clinton alcanzar la madurez emocional y la independencia. El crítico de cine David Walsh comenta:

"All Fall Down es vagamente moralista y conformista, y las escenas de la reaparición del personaje Beatty contrivado en el extremo. All Fall Down es salvada por las representaciones de Eva Marie Saint, tranquila y amable, como el desafortunado Echo, y Angela Lansbury, extravagante y calumnia, como la madre de Berry-Berry, dentro de la cual los fuegos incestuosos parecen encender. Los críticos han observado que Annabell Willart (Landsbury) fue la primera de tres madres desesperadamente controladoras en las películas de Frankenheimer de 1962: las otras dos interpretadas por Thelma Ritter en Birdman de Alcatraz (1962) y Lansbury de nuevo en El Candidato Manchurian (1961). En las tres películas, el padre es débil o ausente."

El hombre pájaro de Alcatraz (1962)

Basada en una biografía de Thomas E. Gaddis, Birdman of Alcatraz (1962) es una dramatización de tipo documental de la vida de Robert Stroud, condenado a cadena perpetua en régimen de aislamiento por matar a un guardia de la prisión. Mientras cumple su condena, Stroud (Burt Lancaster) se convierte en un respetado experto en enfermedades aviares a través del estudio de los canarios. Frankenheimer rastrea el surgimiento de Stroud de su misantropía antisocial hacia una madurez humana, a pesar de las brutales condiciones de su encarcelamiento.

En 1962, la producción y filmación de Birdman of Alcatraz ya estaba en marcha cuando United Artists reclutó a Frankenheimer para reemplazar al director británico Charles Crichton. Como tal, ya se habían tomado decisiones clave de producción y Frankenheimer se consideraba a sí mismo como un "director contratado" con poco control directo sobre la producción. El productor Harold Hecht y el guionista Guy Trosper insistieron en una adaptación exhaustiva de la biografía de Gaddis. El corte preliminar filmado que surgió tuvo una duración de más de cuatro horas. Cuando se descartó simplemente editar el trabajo como impracticable, se reescribió el guión y se volvió a filmar la película en gran parte, produciendo un montaje final de 2 horas y media. Según Frankenheimer, en la década de 1950 tenía la opción de hacer una adaptación televisiva de la historia de Stroud, pero la Oficina Federal de Prisiones advirtió a CBS y el proyecto se abandonó.

El candidato de Manchuria (1962)

El thriller político de Frankenheimer de 1962, The Manchurian Candidate, es ampliamente considerado como su obra cinematográfica más destacada. El biógrafo Gerald Prately observa que “el impacto de esta película fue enorme. Con él, John Frankenheimer se convirtió en una fuerza a tener en cuenta en el cine contemporáneo; lo estableció como el cineasta más artístico, realista y vital en el trabajo en Estados Unidos o en cualquier otro lugar”.

Frankenheimer y el productor George Axelrod compraron la novela de Richard Condon de 1959 después de que muchos estudios de Hollywood la rechazaran. Después de que Frank Sinatra se comprometiera con la película, obtuvieron el respaldo de United Artists. La trama se centra en el veterano de la Guerra de Corea, Raymond Shaw, parte de una prominente familia política. Los captores chinos y rusos le lavan el cerebro a Shaw después de que su pelotón del ejército es encarcelado. Regresa a la vida civil en los Estados Unidos, donde se convierte en un asesino "durmiente" involuntario en una conspiración comunista internacional para subvertir y derrocar al gobierno de los Estados Unidos.

La película fue coprotagonizada por Laurence Harvey (como el sargento Raymond Shaw), Janet Leigh, James Gregory y John McGiver. Angela Lansbury, como madre y controladora de su hijo asesino "durmiente", obtuvo una nominación al Premio de la Academia por una actuación "fascinante" en "el mejor papel en la pantalla de su carrera". Frank Sinatra, como el comandante Bennett Marco, que invierte los mecanismos de control mental de Shaw y expone la conspiración, ofrece quizás su actuación cinematográfica más satisfactoria. Frankenheimer declaró que tanto técnica como conceptualmente tenía “control total” sobre la producción.

La "fluidez" técnica exhibida en El candidato de Manchuria revela la lucha de Frankenheimer por transmitir esta narrativa de la Guerra Fría. El historiador de cine Andrew Sarris comentó que el director "obviamente estaba sudando por su técnica... en lugar de construir secuencias, Frankenheimer las explota prematuramente, evitando que sus películas se unan de manera coherente". The Manchurian Candidate, sin embargo, transmite la “paranoia y el delirio de los años de la Guerra Fría” a través de su puesta en escena de estilo documental. Una demostración de la bravura dirección y la "invención visual" de Frankenheimer aparece en la notable secuencia de lavado de cerebro, que presenta los siniestros procedimientos desde la perspectiva tanto del perpetrador como de la víctima. La complejidad de la secuencia y sus antecedentes en televisión son descritos por el crítico de cine Stephen Bowie:

“La famosa secuencia de lavado de cerebros en la que Frankenheimer se mueve perfectamente entre una perspectiva objetiva (los soldados capturados en un seminario comunista) y una subjetiva (los soldados que asistan a una reunión inocua de la Sociedad de Jardín de las Damas). Esto tour de force era una destilación pura de la técnica de televisión de Frankenheimer, abriendo con una sartén autoconsciente de 360 grados que utilizaba los conjuntos de ‘testigo’ que permitían a las cámaras de televisión moverse hacia posiciones aparentemente imposibles. ”

En 1968, Frankenheimer reconoció que los métodos que usaba en televisión eran “el mismo tipo de estilo que usé en El candidato de Manchuria. Fue la primera vez que tuve la seguridad y la confianza en mí mismo para volver a lo que había sido realmente bueno en la televisión”. En cuanto a la composición, Frankenheimer concentra a sus actores en un menaje de "lente larga", en el que se producen interacciones dramáticas en primer plano, plano medio y plano largo, una configuración que repetía "obsesivamente". El crítico de cine Stepen Bowie observa que “este estilo significó que la primera producción de Frankenheimer se convirtió en un cine de exactitud en lugar de espontaneidad”.

The Manchurian Candidate fue lanzado en el período posterior al Terror Rojo de principios de la década de 1960, cuando aún prevalecía la ideología política anticomunista. Apenas un mes después del estreno de la película, la administración de John F. Kennedy estaba en medio de la crisis de los misiles en Cuba y la política arriesgada nuclear con la Unión Soviética.

Que Frankenheimer y el guionista Axelrod persistieran en la producción es una medida de su liberalismo político, en un período histórico en el que, según el biógrafo Gerald Pratley, “era claramente peligroso hablar de política en la vena abierta y satírica que caracterizaba a Frankenheimer y al guionista Axelrod. esta imagen." El crítico de cine David Walsh agrega que "el nivel de convicción y urgencia" que informa a The Manchurian Candidate refleja "la confianza y el optimismo relativos que sentían los liberales estadounidenses a principios de la década de 1960". La “parábola aterradora” de Frankenheimer sobre el medio político estadounidense fue lo suficientemente bien recibida como para evitar su rechazo sumario por parte de los distribuidores.

El candidato de Manchuria, por su temática y su proximidad al asesinato de Kennedy, está indisolublemente ligado a dicho evento. Frankenheimer así lo reconoció cuando, en 1968, describió El candidato de Manchuria como “una película terriblemente profética. Es aterrador lo que ha sucedido en nuestro país desde que se hizo esa película”.

Después de completar The Manchurian Candidate, Frankenheimer recuerda que estaba decidido a continuar haciendo cine: “Quería iniciar el proyecto, quería tener el control total, nunca quise volver a ser contratado. como director otra vez”. Le ofrecieron un contrato para dirigir una película biográfica sobre la cantante francesa Edith Piaf, con Natalie Wood en el papel protagónico. Rechazó enfáticamente la oferta cuando se enteró de que las canciones de Piaf se cantarían en inglés, en lugar del francés original.

En 1963, Frankenheimer y el guionista George Axelrod conocieron al productor Edward Lewis, considerando una producción televisiva sobre la Unión Estadounidense de Libertades Civiles. Cuando se consideró que el proyecto era demasiado caro para la televisión, un asociado de Lewis, el actor y productor Kirk Douglas, se acercó a Frankenheimer para comprar y adaptar al cine la novela Seven Days in May de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II.

Siete días de mayo (1964)

Siete días de mayo (1964), basada en gran medida en la novela más vendida de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II y un guión de Rod Serling, dramatiza un intento de golpe militar. 'état en los Estados Unidos, ambientada en 1974. Los perpetradores están dirigidos por el general James M. Scott (Burt Lancaster), presidente del Estado Mayor Conjunto (JCS), un autoritario virulentamente anticomunista. Cuando el presidente estadounidense Jordan Lyman (Frederic March) negocia un tratado de desarme nuclear con la Unión Soviética, un acto que Scott considera una traición, Scott moviliza su conspiración militar. Operando en una base remota en el oeste de Texas, se preparan para apoderarse de las redes de comunicación de la nación y tomar el control del Congreso. Cuando el ayudante de JCS de Scott, el coronel Martin "Jiggs" Casey (Kirk Douglas), descubre el golpe planeado, se horroriza y convence al presidente Lyman de la gravedad de la amenaza. Lyman moviliza a sus propios leales gubernamentales, y se desarrolla un choque sobre los principios constitucionales entre Lyman y Scott en la Oficina Oval, con el presidente denunciando al general como un traidor a la Constitución de los Estados Unidos. Cuando Scott es expuesto públicamente, sus partidarios militares lo abandonan y la conspiración se derrumba. Frankenheimer señala la continuidad tópica de sus novelas políticas:

Siete días en mayo fue tan importante para mí como El Candidato Manchurian. Sentí que la voz del ejército era demasiado fuerte... el síndrome General MacArthur estaba muy en evidencia...Siete días en mayo fue la oportunidad de ilustrar lo que es una fuerza tremenda que el complejo militar-industrial es... no pedimos cooperación al Pentágono porque sabíamos que no lo conseguiríamos. ”

El personaje del general Scott ha sido identificado por los historiadores del cine como una combinación de dos importantes figuras militares y políticas: Curtis LeMay y Edwin Walker. La película pone gran énfasis en la santidad de las normas constitucionales estadounidenses como baluarte contra las invasiones de elementos antidemocráticos en los Estados Unidos. El biógrafo Gerald Pratley escribe:

“Un aspecto a admirar es el uso por Frankenheimer de discursos dados por el presidente Lyman. Escondidos por algunos críticos como [reflexión] "líneas respetables y liberales", son entregados por marzo con el naturalismo completo en momentos en que son llamados lógicamente, y con gran honestidad y convicción. Reanudan principios familiares [constitucionales]... Frankenheimer los maneja de forma puntual pero nunca propagandística... ”

La crítica de cine Joanne Laurier añade que "el tema principal del guionista Rod Serling y Frankenheimer es la necesidad de que las fuerzas armadas estén subordinadas al gobierno civil elegido". Como énfasis visual, “los créditos iniciales de Seven Days in May pasan sobre una imagen del borrador original de 1787 de la Constitución de los Estados Unidos.

Siete días de mayo ha sido ampliamente elogiado por el alto calibre de las actuaciones del elenco. El biógrafo Charles Higham escribe que "la película se interpreta con una habilidad extraordinaria, lo que demuestra que la intensidad de Frankenheimer se comunicó con éxito a sus actores".

Frankenheimer, un ex oficial de la Fuerza Aérea que trabajó brevemente en el Pentágono, anticipó la hostilidad del estamento militar a la premisa de Siete días de mayo. De hecho, circularon memorandos internos en la Oficina Federal de Investigaciones (FBI) que registraban la alarma de que Seven Days in May podría dañar la reputación de la oficina. Los críticos de cine Joanne Laurier y David Walsh informan que “El ejército y el FBI tomaron una nota muy definida de Seven Days in May, revelando su intensa sensibilidad a tales críticas. Un memorando descubierto en el archivo del FBI de Ronald Reagan revela que a la oficina le preocupaba que la película se usara como propaganda comunista y, por lo tanto, fuera 'dañina para nuestras Fuerzas Armadas y nuestra nación'”. El presidente Kennedy expresó personalmente su aprobación por la adaptación cinematográfica, y su secretario de prensa, Pierre Salinger, permitió a Frankenhiemer ver el Despacho Oval para dibujar su interior.

Siete días de mayo, filmada en el verano de 1963, estaba programada para estrenarse en diciembre de ese año, pero se retrasó debido al asesinato del presidente John F. Kennedy en noviembre. El lanzamiento de la sátira del director Stanley Kubrick Dr. Strangelove (1964) también se pospuso. Frankenheimer reconoció los aspectos “proféticos” de su The Manchurian Candidate (1962), una película que examina los asesinatos políticos conspirativos. El contexto histórico en el que aparece Siete días de mayo lo vincula inevitablemente con el asesinato de Kennedy en 1963. El crítico de cine David Walsh hace explícita la conexión: “Para cuando Seven Days in May llegó a los cines, Kennedy había sido asesinado, en una operación que se creía organizada por personas con conexiones militares o con la CIA. ”

Siete días de mayo fue bien recibido por la crítica y los cinéfilos.

El tren (1964)

A principios de 1964, Frankenheimer se mostró reacio a embarcarse en otro proyecto cinematográfico debido a la fatiga: "The Train es una película que no tenía intención de hacer nunca [y] no era un tema que me preocupara mucho... I& #39;acababa de terminar Siete días de mayo (1964). Estaba bastante cansado.

Adaptada de la novela Le Front de l'Art: Le front de l'art: Défense des collections françaises, 1939-1945 de Rose Valland, la imagen de estilo documental examina la desesperada lucha de la Resistencia francesa para interceptar un tren cargado de tesoros artísticos de valor incalculable y sabotearlo antes de que los oficiales de la Wehrmacht pudieran escapar con él a la Alemania nazi. La película dramatiza un concurso de voluntades entre el inspector de ferrocarriles francés Labiche (Burt Lancaster) y el conocedor de arte alemán, el coronel von Waldheim (Paul Scofield), encargado de apoderarse de la obra de arte. El rodaje de The Train había comenzado en Francia cuando el cineasta Arthur Penn, originalmente contratado para dirigir la adaptación, fue despedido por el actor y productor Lancaster, supuestamente por incompatibilidad personal y diferencias interpretativas irreconciliables.

Frankenheimer, que había dirigido con éxito a Lancaster en tres películas anteriores, accedió a reemplazar a Penn, pero con graves reservas, considerando el guión "casi espantoso" y señalando que "el maldito tren no salió de la estación hasta la p. 140.” Frankenhiemer pospuso la producción de Seconds (1966) para adaptarse a la producción de Lancaster.

La filmación de The Train se canceló temporalmente y se descartó el metraje existente. Frankenhiemer, en colaboración con los guionistas Nedrick Young (sin acreditar), Franklin Coen, Frank Davis y Walter Bernstein, enmarcaron un guión completamente nuevo que combinaba suspenso, intriga y acción, reflejando los requisitos previos de Lancaster.

Frankenheimer inserta una pregunta ética en la narrativa: ¿Está justificado sacrificar una vida humana para salvar una obra de arte? Su controvertida respuesta fue enfáticamente, no. El crítico de cine Stephen Bowie observa: "La tesis de Frankenheimer, que la vida humana tiene más valor que el arte, puede parecer simplista, pero agrega un componente moral esencial a lo que de otro modo sería solo una costosa versión de acción real de un tren eléctrico. colocar." The Train es elogiado por su realismo documental y la integración magistral de Frankenheimer de la narrativa humana con sus escenas de acción de tour-de-force.

El biógrafo Gerald Pratley ofrece esta evaluación del manejo de Frankenheimer de la compleja serie de secuencias de trenes, percibiendo la influencia del director soviético Sergei Eisenstein:

“El perito sentido de la narración de Frankkenhiemer lleva los acontecimientos junto con el drama y la emoción cada vez crecientes, y a veces la tragedia abrumadora mientras los hombres son disparados y asesinados... puede destrozar trenes y realizar redadas aéreas, y sin embargo sostiene a sus personajes en un alto nivel de interés... La insistencia de Frankenheimer en usar fondos naturales da una tremenda sensación de realidad a la película. Los esbozos espeluznantes y dramáticos de la locomotora blindada camuflada emergente de los cobertizos son dignos de Eisenstien; la persecución en el túnel mostrando la locomotora parando pulgadas desde la abertura, y el ingeniero tirando de la cadena del silbato, es magistral. ”

El crítico de cine Tim Palen explica la experiencia técnica de Frankenheimer en El tren: "El director hace un uso excelente de lentes de gran angular, travellings largos y primeros planos extremos, manteniendo la profundidad de campo... asegura deliberadamente que se planeó un elaborado movimiento de cámara y corte para que 'logísticamente supieras dónde estaba cada tren', en relación con la acción". The Train ejemplifica la centralidad de las aplicaciones técnicas que comenzaron a caracterizar el enfoque cinematográfico de Frankenheimer a fines de la década de 1960, "blandiendo el estilo por sí mismo".

The Train recibió una nominación al Premio de la Academia. Había costado 6,7 millones de dólares. y fue una de las 13 películas más populares en el Reino Unido en 1965.

Segundos (1966)

Seconds presenta una historia surrealista e inquietante de un ejecutivo corporativo desilusionado, Arthur Hamilton (John Randolph). En un esfuerzo por escapar de su existencia vacía, se somete a un procedimiento quirúrgico traumático que transforma su cuerpo en el de un hombre más joven, Tony Wilson (Rock Hudson). El esfuerzo de Randolph por borrar su antiguo yo en una nueva personalidad resulta inútil y lo lleva a su horrible muerte. El biógrafo Gerald Pratley describe Seconds como "una imagen fría, gris y aterradora de un mundo deshumanizado... basada en la antigua búsqueda de la eterna juventud... una amalgama de misterio, terror y ciencia ficción". …”

Basado en una novela de David Ely y un guión de Lewis John Carlino, Frankenheimer explicó sus objetivos temáticos:

“Un individuo es lo que es, y tiene que vivir con su vida. Él no puede cambiar nada, y toda la literatura y las películas de hoy sobre el escapismo son sólo basura porque usted no puede y nunca debe escapar de lo que usted es. Tu experiencia es lo que te hace la persona que eres... De eso se trata la película. También se trata de esta tontería en la sociedad que siempre debes ser joven, este acento en la juventud en la publicidad... Quería hacer una cuestión de hecho pero horrible retrato de grandes negocios que hará cualquier cosa por cualquiera que esté dispuesto a pagar por ello [y] la creencia de que todo lo que necesitas hacer en la vida es ser económicamente exitoso. ”

Frankenheimer reconoció su dificultad para elegir a los ancianos y desmoralizó a Arthur Hamilton, lo que requirió que el director mostrara de manera convincente su metamorfosis, tanto quirúrgica como fisiológicamente, en el joven y artístico Tony Wilson. Se consideró un papel dual interpretado por un solo actor, y Frankenheimer abogó por el actor británico Laurence Olivier. Paramount rechazó esto a favor de dos actores, en los que un actor (Randolph) sufre una transformación radical para emerger con la apariencia e identidad del otro (Hudson). La interpretación de Wilson por parte de Rock Hudson introdujo un problema de plausibilidad inquietante que Frankenheimer reconoció plenamente: "Sabíamos que íbamos a tener un momento terrible para hacer creer al público que el hombre que entró en la sala de operaciones (Randolph) podría emerger como Rock". Hudson, citando la disparidad física entre los actores como problemática. El historiador de cine Gerald Pratley está de acuerdo: “la debilidad [en Seconds] es tratar de convencer al público de que el actor que interpreta a Hamilton podría emerger, después de la cirugía plástica, como Wilson en la forma de Rock Hudson. Aquí es donde el star system ha trabajado contra Frankeheimer”.

Frankenheimer identificó la fuente de la debilidad de la película menos en las disparidades físicas de sus actores y más en sus dificultades para transmitir los temas necesarios para explicar la incapacidad de Wilson para adaptarse socialmente a su nueva vida: “Pensamos que habíamos mostrado por qué [Wilson] fracasó, pero después de que terminó la película me di cuenta de que no lo habíamos hecho”.

La destreza técnica de Frankenheimer se muestra en Seconds, donde el director y su camarógrafo James Wong Howe experimentaron con varios lentes, incluido el lente ojo de pez de 9,5 mm para lograr la "distorsión y exageración". ” que dramatizaría la lucha de Hamilton por “liberarse de su camisa de fuerza emocional”.

El uso de distorsiones visuales por parte de Howe y Frankenheimer es fundamental para revelar los estados mentales alucinatorios de su personaje y, según Frankenheimer, es "casi psicodélico". En una escena, se utilizan un total de cuatro Arriflexes para enfatizar la impotencia sexual de Hamilton con su esposa separada. El historiador de cine Peter Wilshire considera que la elección de Frankenheimer de James Wong Howe como camarógrafo para el proyecto fue su "decisión direccional más importante". Howe fue nominado a los Premios de la Academia a la Mejor Fotografía por sus esfuerzos.

A instancias de Frankenheimer, los ejecutivos de Paramount acordaron presentar Seconds en el Festival de Cine de Cannes de 1966, con la esperanza de que la película confiriera prestigio al estudio y aumentara los ingresos de taquilla. Por el contrario, Seconds fue atacada salvajemente por los críticos europeos en la competencia cinematográfica, calificándola de misantrópica y “cruel”. Frankenheimer recordó que "fue un desastre" y se negó a asistir a la conferencia de prensa posterior al festival. A raíz de este fiasco, Paramount retiró los recursos promocionales y Seconds fracasó en la taquilla. Como consuelo por sus fracasos críticos y comerciales, Seconds finalmente fue recompensada con un seguimiento de culto entre los cineastas.

La valoración crítica de la película ha variado mucho. Gerald Pratley, en 1968, declara que Seconds, a pesar de su mala acogida en 1966, algún día será reconocida como “una obra maestra”. El crítico de cine Peter Wilshire ofrece elogios calificados: "A pesar de sus debilidades obvias, Seconds es una película extremadamente compleja, innovadora y ambiciosa". Brian Baxter menosprecia a Seconds como "vergonzoso... poco convincente, incluso como ciencia ficción". y el crítico David Walsh considera que Seconds es "particularmente errado, tenso y tonto". El biógrafo Charles Higham escribe:

“Segundos, superbly shot by James Wong Howe...fails to achieve the political portrait of the California rich which would have made it a triunfa. Los importantes pasajes centrales en Malibu tienen toda la suavidad de un sueño-come-true. Conspirando con su propio objetivo, Frankenheimer muestra que la corrupción se ha apoderado de él. Ni siquiera un poderoso clímax —el héroe que prefiere la muerte en Nueva York para ‘vida’ en Malibu, volviendo a ser asesinado en una horrible escena de la sala de operaciones— ataca el hecho de que la película ha sido comprometida. ”

Gran Premio (1966)

Frankenheimer en el set de Grand Prix

A mediados de los sesenta, Frankenheimer se había convertido en uno de los principales directores de Hollywood. Como tal, M-G-M proporcionó una generosa financiación para Grand Prix (1966), la primera película en color de Frankenheimer y filmada en Cinerama de 70 mm. Él mismo, ex piloto de carreras aficionado, abordó el proyecto con genuino entusiasmo.

El guión de Robert Alan Aurthur y un Frankenheimer no acreditado trata sobre la fortuna profesional y personal del corredor de Fórmula Uno Pete Aron (James Garner) durante toda una temporada de carreras competitivas. La acción culmina en Monza, donde Aron, Scott Stoddard (Brian Bedford), Jean Pierre Sarti (Yves Montand) y Nino Barlini (Antonio Sabàto Sr.) compiten por el campeonato, con resultados trágicos.

Deseando crear una interpretación muy realista de las carreras y su entorno, reunió una panoplia de técnicas cinematográficas innovadoras con aparatos ingeniosos y efectos especiales. Trabajando en estrecha colaboración con el director de fotografía Lionel Lindon, Frankenheimer montó cámaras directamente en los autos de carrera, eliminando tomas de proceso y brindando al público una vista de la acción desde el punto de vista del conductor.

Frankenheimer incorporó pantallas divididas para yuxtaponer entrevistas de estilo documental de los corredores con tomas de acción de alta velocidad en la pista. Frankenheimer explica su uso del “cañón de hidrógeno”:

“Los efectos especiales, los accidentes, fueron muy difíciles de hacer. Tenía un excelente hombre de efectos especiales, Milton Rice, que diseñó un cañón de hidrógeno que trabajaba en el principio de un tirador de guisantes. El coche estaba atado a un eje y cuando el hidrógeno explotó el coche fue literalmente propulsado a través del aire como un proyectil a unas 125 a 135 millas por hora y usted podría apuntarlo a cualquier lugar que quisiera que fuera. Y todos los restos se hicieron así. Eran autos reales. No hay modelos. Todo era muy real. Y por eso fue bueno... ”

Caracterizado en gran medida por la aplicación bravura de Frankenheimer de su llamativo estilo cinematográfico, Grand Prix ha sido denominado "en gran medida un ejercicio técnico" por el crítico de cine David Walsh y "blandir el estilo por sí mismo". ” según The Film Encyclopedia. El historiador de cine Andrew Sarris observó que el estilo de Frankenheimer había “degenerado en un academicismo que lo abarca todo, un verdadero glosario de técnicas cinematográficas”.

Un éxito comercial, Grand Prix obtuvo tres premios Oscar en los Premios de la Academia a los Mejores Efectos de Sonido (de Gordon Daniel), Mejor Montaje (Henry Berman, Stu Linder y Frank Santillo) y Mejor Sonido. Grabación (Franklin Milton y Roy Charman)

El marinero extraordinario (1969)

La primera incursión de Frankenheimer en la "comedia ligera" representa una desviación importante de su trabajo a menudo distópico y dramático que aborda temas sociales y sus películas de acción de gran presupuesto. The Extraordinary Seaman presenta una colección de personajes inadaptados ambientados en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial en el teatro del Pacífico. El teniente comandante británico Finchhaven, R. N. (David Niven), un fantasma, es condenado a una existencia al estilo del Holandés Errante, vagando por los mares en su barco Carmudgeon en busca de redención por su vergonzosa ineptitud durante un Mundial. Misión de combate de la Primera Guerra. Durante la Segunda Guerra Mundial, el Crumudgeon es fletado y luego varado en una remota isla del Pacífico por asistentes a la fiesta. Cuatro marineros estadounidenses náufragos se topan con el barco no apto para navegar: el teniente Morton Krim (Alan Alda), Cook 3/C W.W. J. Oglethorpe (Mickey Rooney), el ayudante de artillero Orville Toole (Jack Carter) y el marinero 1/C Lightfoot Star (Manu Tupou). Jennifer Winslow (Faye Dunaway), propietaria de un garaje en la jungla, proporciona suministros para reparar el cascarrabias abandonado para salir de la isla. El comandante Finchaven recluta a la tripulación, en gran parte incompetente, para buscar y hundir un acorazado japonés y así reivindicar el honor de su familia. La imagen de 79 minutos muestra los "peligros y desventuras" posteriores de la tripulación. The Extraordinary Seaman, basado en un guión y una historia de Phillip Rock, es una parodia de las convenciones y los clichés de la época de la guerra que integra fragmentos de noticieros de la época para lograr un efecto cómico.

Frankenheimer se involucra en una parodia burlesca y heroica, y titula los episodios de la película "Gran alianza", "La tormenta que se avecina", "Su mejor hora", La bisagra del destino" y "Triunfo y tragedia", tomados prestados de las memorias de posguerra de Winston Churchill.

Filmado durante la guerra de Vietnam, el historiador de cine Gerald Pratley percibe "una fuerte relación temática" entre la oposición de Frankenheimer a la invasión estadounidense de Indochina y El marinero extraordinario. Frankenheimer recuerda que él y el guionista Phillip Rock “decidieron que realmente podíamos usar esta premisa [de un oficial naval fantasmal] para hacer una declaración contra la guerra. Creo que lo hicimos, y aterrorizó a MGM."

Metro-Goldwyn-Mayer retrasó el estreno de la película durante dos años, supuestamente debido a su mala respuesta entre los críticos y "proyecciones pésimas", aunque Frankenheimer atribuye el retraso a la legalidad de obtener el lanzamiento de imágenes históricas del noticiero. El estudio solo hizo esfuerzos superficiales para promocionar y exhibir la película después de las malas críticas y la débil respuesta de taquilla de The Extraordinary Seaman.

El reparador (1968)

Frankenheimer abordó su adaptación cinematográfica de The Fixer de Bernard Malamud con presteza, y obtuvo las galeradas para la novela de 1966 antes de su publicación. The Fixer se basa en la persecución y el juicio de 1913 del campesino judío Menahem Mendel Beilis, acusado de libelo de sangre durante el reinado del zar Nicolás II.

The Fixer fue ampliamente elogiado por los críticos de cine por el éxito de Frankenhiemer en obtener actuaciones sobresalientes de Alan Bates como el brutalizado Yakov Shepsovitch Bok, Dirk Bogarde como Boris Bibikov, su defensa humana designada por la corte. abogado, y David Warner como el conde Odoevsky. Ministerio de Justicia. Bates recibió su única nominación al Premio de la Academia como Mejor Actor en este papel. Renata Adler del New York Times observó que “la dirección, de John Frankenheimer, es poderosa y discreta. Evita las consumaciones fáciles y feas de la violencia... y te da crédito por imaginar el resultado". Esto, a pesar de la admisión de Frankenheimer de que "hay una escena muy violenta en The Fixer":

“Tienes que demostrar lo que este hombre [Bok] pasó en cinco años de prisión, y lo que sus captores le hicieron. Los ejecutivos de Metro estaban preocupados por esta escena. Dijeron “con el clima de hoy es peligroso mostrar esto”. He dicho que tiene que estar ahí. Esta es la escena donde los rusos vienen y lo golpearon por negarse a convertirse al cristianismo... no es una escena de violencia que acaba de poner allí por su propio bien. Espero que el público sienta esto... No creo en la violencia por la explotación. ”

Mientras que Frankenheimer estaba profundamente satisfecho con su manejo cinematográfico de la obra ganadora del Premio Pulitzer de Malamud y declaró: "Me siento mejor con The Fixer que con cualquier otra cosa que haya hecho en mi vida", varios críticos de cine registraron críticas severas. El crítico de cine Roger Ebert escribió:

“La tarea de Frankkenheimer era hacer una película que, en sí misma, haría una declaración moral. Ha fallado. La película tiene poca realidad propia; en cambio, saca su poder y emoción de la materia prima de su materia... La tentación es elogiar la película porque estamos de acuerdo con su mensaje. Esta es la misma falacia crítica que llevó a la alabanza de Juicio en Nuremberg (1961)—una película corrupta y comercial—porque desaprobamos los crímenes de guerra nazis, una película no se vuelve buena simplemente tomando la posición ideológica correcta. ”

Ebert agrega: "Lo que se necesitaba eran menos discursos humanistas conscientes de sí mismos... Frankenheimer debería habernos mostrado el sufrimiento de su héroe y las torturas legales kafkianas del estado, sin comentarlas".

La crítica de cine Renata Adler señala al guionista y víctima de la lista negra Dalton Trumbo por menosprecio:

“La trivialidad del guión de Dalton Trumbo, la vieja fórmula sentimental de Hollywood (unos momentos de felicidad leve, una hora y media de reversales y miseria, con violín, un final feliz con tambores) se aplica, casi intacto, a historias de perros, historias de caballos, historias deportivas, historias de amor. ”

Adler concluye: "No es suficiente poner a [Bok-Bates] en algunos aprietos cliché... [el diálogo] se vuelve degradante y vulgar cuando se prolonga con aproximaciones de elocuencia a la ficción". El biógrafo Charles Higham descarta la película y escribe que “desde el fracaso comercial de Seconds (1966), las películas de Frankenheimer han sido mediocres, desde The Fixer (1968) a Los jinetes (1971).”

Frankenheimer se hizo muy amigo del senador Robert F. Kennedy durante la realización de El candidato de Manchuria en 1962. En 1968, Kennedy le pidió a Frankenheimer que hiciera algunos comerciales para usarlos en la campaña presidencial, en los que esperaba convertirse en el candidato demócrata. La noche en que fue asesinado en junio de 1968, fue Frankenheimer quien llevó a Kennedy desde el aeropuerto de Los Ángeles al Hotel Ambassador para su discurso de aceptación.

The Gypsy Moths era un drama romántico sobre un grupo de paracaidistas que asaltaban un granero y su impacto en una pequeña ciudad del medio oeste. La celebración de Americana protagonizó a Frankenheimer, Lancaster habitual, y lo reunió con la coprotagonista de From Here to Eternity Deborah Kerr, y también contó con Gene Hackman. La película no logró encontrar una audiencia, pero Frankenheimer afirmó que era una de sus favoritas.

Década de 1970

Frankenheimer siguió esto con I Walk the Line en 1970. La película, protagonizada por Gregory Peck y Tuesday Weld, sobre un sheriff de Tennessee que se enamora de la hija de un licorero, estaba ambientada con canciones de Johnny Cash. El siguiente proyecto de Frankenheimer lo llevó a Afganistán. The Horseman se centró en la relación entre un padre y un hijo, interpretados por Jack Palance y Omar Sharif. El personaje de Sharif, un experto jinete, practicaba el deporte nacional afgano de buzkashi.

Objeto Imposible, también conocido como Historia de una Historia de Amor, sufrió dificultades de distribución y no fue ampliamente difundido. Luego vino una película de cuatro horas de The Iceman Cometh de O'Neill, en 1973, protagonizada por Lee Marvin, y la decididamente poco convencional 99 and 44/100% Dead, una comedia negra policíaca protagonizada por Richard Harris.

Con su francés fluido y su conocimiento de la cultura francesa, se le pidió a Frankenheimer que dirigiera French Connection II, ambientada íntegramente en Marsella. Con Hackman retomando su papel como el policía de Nueva York Popeye Doyle, la película fue un éxito y le consiguió a Frankenheimer su próximo trabajo. El Domingo Negro, basado en la única novela del autor Thomas Harris que no es de Hannibal Lecter, involucra a un agente del Mossad israelí (Robert Shaw) que persigue a una terrorista pro-palestina (Marthe Keller) y a un afligido por PTSD. El veterano de Vietnam (Bruce Dern), que planea un espectacular asesinato en masa que involucra al Goodyear Blimp que vuela sobre el Super Bowl. Se filmó en el Super Bowl X real en enero de 1976 en Miami, con el uso de un Goodyear Blimp real. La película fue muy satisfactoria, y Paramount y Frankenheimer tenían grandes expectativas para ella, pero no fue un éxito (Paramount culpó del fracaso al trabajo de efectos especiales en el clímax, y Universal Studios lanzó el thriller de temática similar Two- Minuto de advertencia solo seis meses antes).

En 1977, Carter DeHaven contrató a Frankenheimer para dirigir el guión de William Sackheim y Michael Kozoll para First Blood. Después de considerar a Michael Douglas, Powers Boothe y Nick Nolte para el papel de John Rambo, Frankenheimer eligió a Brad Davis. También eligió a George C. Scott como el coronel Trautman. Sin embargo, la producción fue abandonada después de que Orion Pictures adquiriera su distribuidora Filmways, y el guión de Sackheim y Kozoll sería reescrito por Sylvester Stallone como base para la película de 1982 de Ted Kotcheff.

Se cita a Frankenheimer en la biografía de Champlin diciendo que su problema con el alcohol hizo que hiciera un trabajo que estaba por debajo de sus propios estándares en Prophecy (1979), una película de monstruos ecológicos sobre un mutante. oso grizzly aterrorizando un bosque en Maine.

Década de 1980

En 1981, Frankenheimer viajó a Japón para rodar la película de acción y artes marciales de culto The Challenge, con Scott Glenn y el actor japonés Toshiro Mifune. Le dijo a Champlin que su consumo de alcohol se volvió tan severo mientras filmaba en Japón que en realidad bebió en el set, lo que nunca había hecho antes, y como resultado ingresó a rehabilitación al regresar a Estados Unidos. La película se estrenó en 1982, junto con su adaptación televisiva de HBO de la aclamada obra The Rainmaker.

En 1985, Frankenheimer dirigió una adaptación del éxito de ventas de Robert Ludlum The Holcroft Covenant, protagonizada por Michael Caine. A eso le siguió al año siguiente otra adaptación, 52 Pick-Up, de la novela de Elmore Leonard. Dead Bang (1989) siguió a Don Johnson mientras se infiltraba en un grupo de supremacistas blancos. En 1990, regresó al género de suspenso político de la Guerra Fría con La Cuarta Guerra con Roy Scheider (con quien Frankenheimer había trabajado anteriormente en 52 Pick-Up) como un cañón suelto. Coronel del ejército envuelto en una peligrosa guerra personal con un oficial soviético. No fue un éxito comercial.

Década de 1990

Frankenheimer en el set de la película de televisión Andersonville en 1994

La mayoría de sus películas de la década de 1980 tuvieron menos éxito, tanto desde el punto de vista crítico como financiero, pero Frankenheimer pudo reaparecer en la década de 1990 regresando a sus raíces en la televisión. Dirigió dos películas para HBO en 1994: Against the Wall y The Burning Season que le valieron varios premios y una renovada aclamación. El director también dirigió dos películas para Turner Network Television, Andersonville (1996) y George Wallace (1997), que fueron muy elogiadas.

La película de Frankenheimer de 1996 La isla del doctor Moreau, de la que se hizo cargo después del despido del director original Richard Stanley, fue la causa de innumerables historias de problemas de producción y choques de personalidad y recibió críticas mordaces. Se dijo que Frankenheimer no podía soportar a Val Kilmer, el joven coprotagonista de la película y cuya interrupción, según los informes, había llevado a la eliminación de Stanley media semana después de la producción. Cuando se completó la última escena de Kilmer, se dice que Frankenheimer dijo: "Ahora saca a ese bastardo de mi plató". También afirmó: "Hay dos cosas que nunca haré en toda mi vida: nunca escalaré el monte Everest y nunca volveré a trabajar con Val Kilmer". El veterano director también declaró que 'Will Rogers nunca conoció a Val Kilmer'. En una entrevista, Frankenheimer se negó a hablar sobre la película y solo dijo que la pasó muy mal haciéndola.

Sin embargo, su siguiente película, Ronin de 1998, protagonizada por Robert De Niro, fue un regreso a la forma, presentando las elaboradas persecuciones de autos ahora características de Frankenheimer entretejidas en un espionaje laberíntico. trama. Coprotagonizada por un elenco internacional que incluía a Jean Reno y Jonathan Pryce, fue un éxito de crítica y taquilla. A medida que la década de 1990 llegaba a su fin, incluso tuvo un papel actoral inusual, apareciendo en un cameo como un general estadounidense en La hija del general (1999). Anteriormente tuvo un cameo no acreditado como director de televisión en su película Black Sunday de 1977.

Últimos años y muerte

La última película teatral de Frankenheimer, Reindeer Games de 2000, protagonizada por Ben Affleck, tuvo un rendimiento inferior. Pero luego llegó su última película, Path to War para HBO en 2002, que lo devolvió a sus puntos fuertes: maquinaciones políticas, Estados Unidos de la década de 1960 y drama basado en personajes, y fue nominado a numerosos premios. Una mirada retrospectiva a la Guerra de Vietnam, protagonizada por Michael Gambon como el presidente Lyndon Johnson junto con Alec Baldwin y Donald Sutherland. Uno de los últimos proyectos de Frankenheimer fue el cortometraje de acción de BMW de 2001 Ambush para la serie promocional The Hire, protagonizada por Clive Owen.

Frankenheimer estaba programado para dirigir Exorcist: The Beginning, pero se anunció antes de que comenzara la filmación que se retiraría, citando problemas de salud. Paul Schrader lo reemplazó. Aproximadamente un mes después, murió repentinamente en Los Ángeles, California, de un derrame cerebral debido a complicaciones luego de una cirugía de columna a la edad de 72 años.

Política

Frankenheimer nació en una familia políticamente conservadora y asistió a una academia militar católica. Se desempeñó como oficial subalterno en la Fuerza Aérea de los EE. UU. durante la Guerra de Corea. En su juventud, consideró brevemente ingresar al sacerdocio.

Alcanzó la mayoría de edad durante el apogeo de las investigaciones del Comité de Actividades Antiamericanas de la Casa Anticomunista y Red Scare a principios de la década de 1950, un período en el que los estudios de Hollywood incluyeron a cineastas y guionistas de izquierda en la lista negra. Las tempranas sensibilidades políticas liberales de Frankenheimer se manifestaron por primera vez en disputas con su padre conservador, un corredor de bolsa:

Cuando estaba en la secundaria, empecé a discrepar mucho con mi padre en política, porque era muy conservador. Él realmente quería el status quo, y yo no quería el status quo. Toda la cuestión racial me molestó. Vine de Nueva York, y una de mis primeras novias fue una bailarina afroamericana. Y esto causó un furor dentro de mi familia.

La "sensibilidad liberal" de Frankenheimer surgió profesionalmente cuando comenzó su aprendizaje en la industria televisiva temprana:

Cuando llegué a la televisión en vivo [en 1952], había todo el negocio de McCarthy—no puedes imaginar lo terrible que fue. Eso realmente me galvanizó en una arena política. Y por supuesto en la televisión en vivo fue muy difícil hacer cosas políticas porque había la lista negra. Podrías hacer algo psicológico, pero nada sociológico.

El crítico de cine David Walsh señala que “cualquier medio que emergiera como propiedad de las grandes corporaciones estadounidenses con fines de lucro y bajo el escrutinio minucioso de las autoridades estadounidenses en medio de la Guerra Fría, con su anticomunismo, conformismo y, en general, estancamiento intelectual el clima, sería inevitablemente deformado por esos procesos... Frankenheimer trabajó y aparentemente prosperó dentro de este marco artístico e ideológico general”.

Relaciones políticas con los Kennedy

En una entrevista de 1998 con el crítico de cine Alex Simon, Frankenheimer recordó que su primer contacto con la política de la familia Kennedy ocurrió durante las campañas presidenciales de 1960:

Probablemente fui el mejor director de televisión. Y me acercaron a hacer un trabajo para John Kennedy. Y no sé... tenía 30 años. Estaba pasando por un divorcio [con la esposa Carolyn Miller], y no quería lidiar con ello, así que dije que no.

A la luz del asesinato de Kennedy en noviembre de 1963, Frankenheimer se lamentó: "Luego lo mataron y siempre me sentí culpable por no haber hecho ese trabajo por él desde el principio". 34;

Durante la filmación de The Manchurian Candidate (1962), Frankenheimer informa que él y el productor y guionista George Axelrod estaban ansiosos de que la administración Kennedy pudiera oponerse a la trama, que representa gráficamente un intento de asesinato de un candidato presidencial liberal por parte de una derecha. -ala conspiración. Cuando se envió al miembro del reparto Frank Sinatra, un amigo personal de Kennedy, para sondear su reacción ante la película, Kennedy (que había leído la novela de Richard Condon) respondió con entusiasmo: "Me encanta El candidato de Manchuria". ¿Quién va a hacer de madre?

Cuando Frankenheimer comenzó la preproducción de su thriller político Siete días de mayo (1964) en el verano de 1963, se acercó al secretario de prensa de Kennedy, Pierre Salinger, para concertar la filmación. un segmento en locaciones cercanas a la Casa Blanca. La historia trata sobre un golpe político organizado por un presidente fascista del Estado Mayor Conjunto (interpretado por Burt Lancaster) para deponer al presidente liberal (interpretado por Fredric March) e instalar una dictadura militar. Kennedy aprobó la imagen y acomodó a Frankenheimer al retirarse a su casa en Hyannisport durante el fin de semana durante la filmación de la Casa Blanca.

En cuanto a si Frankenheimer conoció alguna vez a Kennedy, el director ofreció versiones contradictorias. Al biógrafo Gerald Pratley en 1968, Frankenheimer le dijo: 'Nunca tuve el placer de conocer a [JFK] personalmente'. pero señaló que Kennedy había apoyado completamente la producción de Seven Days in May. En 1998, durante una entrevista con el crítico de cine Alex Simon, Frankenheimer recordó que supuestamente Kennedy le dijo a Salinger, "si es John Frankenheimer [dirigiendo Seven Days in May] quiero conocerlo." Frankenheimer agrega: “Así que lo conocí, fui a una conferencia de prensa con él. Él fue maravilloso conmigo”.

Frankenheimer consideró el asesinato de Kennedy como una profunda calamidad para Estados Unidos: "Creo que perdimos nuestra inocencia como país con la muerte de John F. Kennedy".

Los críticos de cine Joanne Laurier y David Walsh observan que “El asesinato de Kennedy marcó un punto de inflexión histórico. Uno de sus objetivos, en el que finalmente tuvo éxito, fue cambiar las políticas del gobierno de EE. UU. hacia la derecha e intimidar a la oposición política”.

El vínculo más significativo de Frankenheimer con los Kennedy fue su relación política y personal con el senador Robert F. Kennedy, a quien rápidamente comprometió sus servicios durante la campaña presidencial de 1968: “Cuando [Robert Kennedy] declaró su candidatura en '68, inmediatamente llamé a [director de campaña] Pierre Salinger y le dije 'Pierre, quiero ser parte de esto'."

Frankenheimer informa que filmó las apariciones de campaña de Robert Kennedy y entrenó al senador para mejorar su imagen política, brindando este apoyo a Kennedy durante tres meses en la primavera de 1968.

Frankenheimer quedó devastado por el asesinato de RFK en junio de 1968, debido en parte a su proximidad al evento. Primero había sido programado para acompañar a Kennedy a través del Ambassador Hotel después del discurso de victoria del candidato en las primarias de California. Los primeros informes noticiosos mencionaron a Frankenheimer como uno de los heridos en el séquito de Kennedy. Frankenheimer y su cónyuge Evans Evans estaban esperando en una entrada lateral del Hotel Ambassador para recoger a Kennedy cuando salió de la conferencia de prensa y lo llevó a su casa. Según Frankenheimer, presenciaron cómo la policía sacaba de las instalaciones a Sirhan Sirhan, más tarde condenado por el tiroteo, y luego descubrieron que Kennedy había sido herido de muerte.

Traumatizado por el evento, Frankenheimer se retiró de la política y, después de completar The Gypsy Moths (1969), se mudó a Francia para estudiar artes culinarias. Recordó en 1998: “Sí. Logré terminar una película, The Gypsy Moths, pero pensé: "¿Cuál es el punto?". ¿Qué importa realmente todo esto? Quiero decir, cuando eres parte de algo así y de repente te lo quitan con una sola bala [chasquea los dedos]. Realmente te hace hacer un balance de lo que es importante... Fue entonces cuando fui a Francia, y fue cuando fui a Le Cordon Bleu, porque tenía que hacer algo más con mi vida, y realmente no pude acercarme a la política durante mucho tiempo después de eso”. Walsh comenta:

Las preocupaciones sociales de Frankenheimer desaparecieron en gran parte de su trabajo durante las próximas dos décadas. Se identificó cada vez más como un "director de acción" con obras competentes y no inspiradas como Conexión francesa II (1975) y Domingo negro (1977). La primera es memorable principalmente para la tensión de violencia, de hecho violencia sádica, que aparece en el trabajo de Frankenheimer. Esto alcanzó algo de altura en el gris y sin sentido 52 Pick-Up (1986) y soportó en el trabajo de Frankenheimer a través de sus películas de última generación, incluyendo Ronin (1998) y Juegos de renos (2000).

Archivo

La colección de imágenes en movimiento de John Frankenheimer se encuentra en el Archivo de Cine de la Academia.

Filmografía

Película

Televisión

Series de televisión

Películas de televisión

Premios y nominaciones

Premios de Cine de la Academia Británica

• 1964 Tren propuestos Mejor película - Cualquier fuente
• 1962 Candidato Manchurian nominado para la mejor película - Tanto cualquier fuente como británico

Festival de Cine de Cannes

• 1966 Segundos nominada para Competing Film
• 1962 All Fall Down nominada para Competing Film

Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York

• 1968 Fijación nominated for Best Direction
• 1968 Fijación nominado para Mejor Película

Festival de Cine de Venecia

• 1962 Birdman de Alcatraz nominada para Competing Film
• 1962 Birdman de Alcatraz won for San Giorgio Prize

Frankenheimer también es miembro del Salón de la Fama de la Televisión y fue admitido en 2002.