Juan Coltrane

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Saxofonista de jazz americano (1926-1967)

John William Coltrane (23 de septiembre de 1926 - 17 de julio de 1967) fue un saxofonista, director de orquesta y compositor de jazz estadounidense. Es una de las figuras más influyentes y aclamadas de la historia del jazz y la música del siglo XX.

Nacido y criado en Carolina del Norte, Coltrane se mudó a Filadelfia después de graduarse de la escuela secundaria, donde estudió música. Trabajando en los lenguajes bebop y hard bop al principio de su carrera, Coltrane ayudó a ser pionero en el uso de modos y fue uno de los músicos a la vanguardia del free jazz. Dirigió al menos cincuenta sesiones de grabación y apareció en muchos álbumes de otros músicos, incluido el trompetista Miles Davis y el pianista Thelonious Monk. A lo largo de su carrera, la música de Coltrane adquirió una dimensión cada vez más espiritual, como se ejemplifica en su álbum más aclamado A Love Supreme (1965) y otros. Décadas después de su muerte, Coltrane sigue siendo influyente y ha recibido numerosos premios póstumos, incluido un premio Pulitzer especial, y fue canonizado por la Iglesia Ortodoxa Africana.

Su segunda esposa fue la pianista y arpista Alice Coltrane. La pareja tuvo tres hijos: John Jr. (1964-1982), bajista; Ravi (nacido en 1965), saxofonista; y Oran (nacido en 1967), saxofonista, guitarrista, baterista y cantante.

Biografía

1926–1945: Primeros años

Las primeras grabaciones de Coltrane se hicieron cuando era marinero.

Coltrane nació en sus padres' apartamento en 200 Hamlet Avenue en Hamlet, Carolina del Norte, el 23 de septiembre de 1926. Su padre era John R. Coltrane y su madre era Alice Blair. Creció en High Point, Carolina del Norte y asistió a la escuela secundaria William Penn. Mientras estaba en la escuela secundaria, Coltrane tocaba el clarinete y la trompeta en una banda comunitaria antes de cambiarse al saxofón en el otoño de 1940, después de haber sido influenciado por artistas como Lester Young y Johnny Hodges. A partir de diciembre de 1938, su padre, tía y abuelos murieron con unos pocos meses de diferencia, dejándolo a cargo de su madre y un primo cercano. En junio de 1943, poco después de graduarse de la escuela secundaria, Coltrane y su familia se mudaron a Filadelfia, donde consiguió trabajo en una refinería de azúcar. En septiembre de ese año, cuando cumplió 17 años, su madre le compró su primer saxofón, un alto. De 1944 a 1945, Coltrane tomó lecciones de saxofón en la Escuela de Música Ornstein con Mike Guerra. Desde principios hasta mediados de 1945, tuvo su primer trabajo profesional: un "trío de coctelería" con piano y guitarra.

Un momento importante en la progresión del desarrollo musical de Coltrane ocurrió el 5 de junio de 1945, cuando vio actuar a Charlie Parker por primera vez. En un artículo de la revista DownBeat de 1960 recordaba: “la primera vez que escuché tocar a Bird, me golpeó justo entre los ojos”.

1945–1946: servicio militar

Para evitar ser reclutado por el Ejército, Coltrane se alistó en la Armada el 6 de agosto de 1945, el día en que se lanzó la primera bomba atómica estadounidense sobre Japón. Fue entrenado como aprendiz de marinero en la Estación de Entrenamiento Naval de Sampson en el norte del estado de Nueva York antes de ser enviado a Pearl Harbor, donde estuvo estacionado en Manana Barracks, el puesto más grande de militares afroamericanos en el mundo. Cuando llegó a Hawái a fines de 1945, la Armada se estaba reduciendo. El talento musical de Coltrane fue reconocido, y se convirtió en uno de los pocos hombres de la Marina que se desempeñó como músico sin haber obtenido la calificación de músico cuando se unió a Melody Masters, la banda base de swing. Debido a que Melody Masters era una banda de blancos, Coltrane fue tratado como un artista invitado para evitar alertar a los oficiales superiores de su participación en la banda. Continuó realizando otras tareas cuando no tocaba con la banda, incluidos los detalles de cocina y seguridad. Al final de su servicio, había asumido un papel de liderazgo en la banda. Sus primeras grabaciones, una sesión informal en Hawái con músicos de la Marina, se produjeron el 13 de julio de 1946. Tocó el saxofón alto en una selección de estándares de jazz y melodías de bebop. Fue dado de baja oficialmente de la Armada el 8 de agosto de 1946. Recibió la Medalla de la Campaña Estadounidense, la Medalla de la Campaña Asia-Pacífico y la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial.

1946–1954: Carrera inmediata de la posguerra

Después de ser dado de baja de la Marina como marinero de primera clase en agosto de 1946, Coltrane regresó a Filadelfia, donde "se sumergió en la embriagadora emoción de la nueva música y la floreciente escena del bebop". Coltrane utilizó el G.I. Bill para inscribirse en la Granoff School of Music, donde estudió teoría musical con el guitarrista y compositor de jazz Dennis Sandole. Coltrane continuaría bajo la tutela de Sandole desde 1946 hasta principios de la década de 1950. Coltrane también tomó lecciones de saxofón con Matthew Rastelli, un profesor de saxofón en Granoff, una vez por semana durante unos dos o tres años, pero las lecciones se detuvieron cuando G.I. Se acabaron los fondos de la factura. Después de una gira con King Kolax, se unió a una banda dirigida por Jimmy Heath, a quien su antiguo compañero de la Marina, el trompetista William Massey, quien había tocado con Coltrane en Melody Masters, le presentó a Coltrane. Aunque comenzó con el saxofón alto, comenzó a tocar el saxofón tenor en 1947 con Eddie Vinson.

Coltrane llamó a esto un momento en que "un área más amplia de escucha se abrió para mí. Había muchas cosas que gente como Hawk [Coleman Hawkins], y Ben [Webster] y Tab Smith estaban haciendo en los años 40 que no entendía, pero que sentía emocionalmente. Una influencia significativa, según el saxofonista tenor Odean Pope, fue el pianista, compositor y teórico de Filadelfia Hasaan Ibn Ali. "Hasaan fue la clave para... el sistema que usa Trane. Hasaan fue la gran influencia en el concepto melódico de Trane." Coltrane se volvió fanático de practicar y desarrollar su oficio, practicando "25 horas al día" según Jimmy Heath. Heath recuerda un incidente en un hotel en San Francisco cuando, después de que se emitió una queja, Coltrane se sacó el cuerno de la boca y practicó digitación durante una hora completa. Tal era su dedicación que era común que se durmiera con el cuerno todavía en la boca o practicara una sola nota durante horas y horas.

Charlie Parker, a quien Coltrane había escuchado tocar por primera vez antes de su tiempo en la Marina, se convirtió en un ídolo, y él y Coltrane tocarían juntos ocasionalmente a fines de la década de 1940. Fue miembro de grupos dirigidos por Dizzy Gillespie, Earl Bostic y Johnny Hodges desde principios hasta mediados de la década de 1950.

1955-1957: período de Miles y Monk

En 1955, Coltrane trabajaba como autónomo en Filadelfia mientras estudiaba con Sandole cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis. Davis había tenido éxito en la década de 1940, pero su reputación y su trabajo se vieron dañados en parte por la adicción a la heroína; volvió a estar activo ya punto de formar un quinteto. Coltrane estuvo con esta edición de la banda de Davis (conocida como el "Primer Gran Quinteto"—junto con Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería) desde octubre de 1955 hasta abril de 1957 (con algunas ausencias). Durante este período, Davis lanzó varias grabaciones influyentes que revelaron los primeros signos de la creciente capacidad de Coltrane. Este quinteto, representado por dos sesiones maratónicas de grabación para Prestige en 1956, dio como resultado los álbumes Cookin', Relaxin', Workin' y Steamin'. El "Primer Gran Quinteto" se disolvió debido en parte a la adicción a la heroína de Coltrane.

Durante la última parte de 1957, Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el Five Spot Café de Nueva York y tocó en el cuarteto de Monk (julio-diciembre de 1957), pero, debido a conflictos contractuales, tomó parte en una sola sesión de grabación de estudio oficial con este grupo. Coltrane grabó muchas sesiones para Prestige bajo su propio nombre en ese momento, pero Monk se negó a grabar para su antiguo sello. Una grabación privada hecha por Juanita Naima Coltrane de una reunión del grupo en 1958 fue publicada por Blue Note Records como Live at the Five Spot—Discovery! en 1993. Una cinta de alta calidad de un concierto dado por esta El cuarteto en noviembre de 1957 se encontró más tarde y fue lanzado por Blue Note en 2005. Grabado por Voice of America, las actuaciones confirman la reputación del grupo y el álbum resultante, Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall, está muy bien valorado.

Blue Train, la única cita de Coltrane como líder de Blue Note, con el trompetista Lee Morgan, el bajista Paul Chambers y el trombonista Curtis Fuller, a menudo se considera su mejor álbum de este período. Cuatro de sus cinco pistas son composiciones originales de Coltrane, y la canción principal, 'Moment's Notice', y 'Lazy Bird', se han convertido en estándares.

1958: Davis y Coltrane

Coltrane se reincorporó a Davis en enero de 1958. En octubre de ese año, el crítico de jazz Ira Gitler acuñó el término "hojas de sonido" para describir el estilo que Coltrane desarrolló con Monk y fue perfeccionando en el grupo de Davis, ahora un sexteto. Su forma de tocar fue comprimida, con carreras rápidas en cascada en muchas notas por minuto. Coltrane recordó: “Me di cuenta de que había una cierta cantidad de progresiones de acordes para tocar en un momento determinado y, a veces, lo que tocaba no funcionaba en corcheas, semicorcheas o tresillos. Tuve que poner las notas en grupos desiguales como cincos y sietes para que entraran todas."

Coltrane se quedó con Davis hasta abril de 1960, trabajando con el saxofonista alto Cannonball Adderley; los pianistas Red Garland, Bill Evans y Wynton Kelly; el bajista Paul Chambers; y los bateristas Philly Joe Jones y Jimmy Cobb. Durante este tiempo participó en las sesiones de Davis Milestones y Kind of Blue, y en las grabaciones de conciertos Miles & Monk en Newport (1963) y Jazz en el Plaza (1958).

1959–1961: Periodo con Atlantic Records

Al final de este período, Coltrane grabó Giant Steps (1960), su álbum publicado como líder de Atlantic que contenía solo sus composiciones. En general, se considera que la canción principal del álbum tiene una de las progresiones de acordes más difíciles de cualquier composición de jazz ampliamente interpretada, lo que finalmente se conoce como cambios de Coltrane. Su desarrollo de estos ciclos lo llevó a una mayor experimentación con melodías y armonías improvisadas que continuó a lo largo de su carrera.

'Giant Steps '
Una de las grabaciones más aclamadas de Coltrane, "Giant Steps" cuenta con estructuras armónicas más complejas que la mayoría de los músicos de jazz de la época.
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Coltrane formó su primer cuarteto para presentaciones en vivo en 1960 para una presentación en la Jazz Gallery de la ciudad de Nueva York. Después de pasar por diferentes miembros del personal, incluidos Steve Kuhn, Pete La Roca y Billy Higgins, mantuvo al pianista McCoy Tyner, al bajista Steve Davis y al baterista Elvin Jones. Tyner, nativo de Filadelfia, había sido amigo de Coltrane durante algunos años, y los dos hombres tenían un acuerdo de que Tyner se uniría a la banda cuando se sintiera listo. My Favourite Things (1961) fue el primer disco grabado por esta banda. Fue el primer álbum de Coltrane con saxofón soprano, que comenzó a practicar mientras estaba con Miles Davis. Se consideró un movimiento poco convencional porque el instrumento estaba más asociado con el jazz anterior.

1961–1962: ¡Primeros años con Impulse! Registros

Coltrane en Amsterdam, 1961

En mayo de 1961, Impulse! compró el contrato de Coltrane con Atlantic. El paso a Impulse! significó que Coltrane reanudó su relación de grabación con el ingeniero Rudy Van Gelder, quien había grabado sus sesiones y las de Davis para Prestige. Grabó la mayoría de sus álbumes para Impulse! en el estudio de Van Gelder en Englewood Cliffs, Nueva Jersey.

A principios de 1961, el bajista Davis había sido reemplazado por Reggie Workman, mientras que Eric Dolphy se unió al grupo como segundo cuerno. El quinteto tuvo una residencia célebre y extensamente grabada en Village Vanguard, lo que demostró la nueva dirección de Coltrane. Incluía la música más experimental que había tocado, influenciada por las ragas indias, el modal jazz y el free jazz. John Gilmore, un saxofonista de mucho tiempo con el músico Sun Ra, fue particularmente influyente; después de escuchar una actuación de Gilmore, se informa que Coltrane dijo: "¡Lo tiene!". ¡Gilmore tiene el concepto! La más célebre de las melodías de Vanguard, el blues de 15 minutos "Chasin' el 'Trane', se inspiró fuertemente en la música de Gilmore.

En 1961, Coltrane comenzó a emparejar a Workman con un segundo bajista, generalmente Art Davis o Donald Garrett. Garrett recordó haber tocado una cinta para Coltrane en la que "tocaba con otro bajista". Estábamos haciendo algunas cosas rítmicamente y Coltrane se entusiasmó con el sonido. Obtuvimos el mismo tipo de sonido que obtienes del tambor de agua de las Indias Orientales. Un bajo permanece en el registro más bajo y es lo que estabiliza y pulsa, mientras que el otro bajo es libre de improvisar, como si la mano derecha estuviera en el tambor. Así que a Coltrane le gustó la idea." Coltrane también recordó: “Pensé que otro bajo agregaría ese cierto sonido rítmico. Estábamos tocando muchas cosas con una especie de ritmo suspendido, con un bajo tocando una serie de notas alrededor de un punto, y parecía que otro bajo podía llenar los espacios." Según Eric Dolphy, una noche: 'Wilbur Ware entró y se subió al estrado, así que tenían tres bajos funcionando. John y yo nos bajamos del estrado y escuchamos." Coltrane empleó dos bajos en los álbumes de 1961 Olé Coltrane y Africa/Brass, y más tarde en The John Coltrane Quartet Plays y Ascension. Tanto Reggie Workman como Jimmy Garrison tocan el bajo en las grabaciones de Village Vanguard de 1961 de "India" y "Millas' Modo".

Durante este período, los críticos estaban divididos en su valoración de Coltrane, quien había cambiado radicalmente su estilo. El público también estaba perplejo; en Francia fue abucheado durante su última gira con Davis. En 1961, la revista DownBeat llamó a Coltrane y Dolphy jugadores de "anti-jazz" en un artículo que desconcertó y molestó a los músicos. Coltrane admitió que algunos de sus primeros solos se basaron principalmente en ideas técnicas. Además, la interpretación angulosa y parecida a la voz de Dolphy le valió la reputación de figura decorativa de 'New Thing', también conocido como free jazz, un movimiento liderado por Ornette Coleman que fue denigrado por algunos músicos de jazz. músicos (incluido Davis) y críticos. Pero a medida que se desarrollaba el estilo de Coltrane, estaba decidido a hacer de cada actuación "una expresión total del ser de uno".

1962–1965: Período del Cuarteto Clásico

'En un Mood Sentimental '
La balada romántica cuenta con Coltrane con el pianista Duke Ellington.
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En 1962, Dolphy se fue y Jimmy Garrison reemplazó a Workman como bajista. A partir de entonces, el 'Classic Quartet', como llegó a ser conocido, con Tyner, Garrison y Jones, produjo un trabajo de búsqueda espiritual. Coltrane se movía hacia un estilo armónicamente más estático que le permitía expandir sus improvisaciones rítmica, melódica y motivacionalmente. La música armónicamente compleja todavía estaba presente, pero en el escenario, Coltrane prefería reelaborar continuamente sus "estándares": "Impresiones", "Mis cosas favoritas" y " Quiero hablar de ti".

Las críticas al quinteto con Dolphy pueden haber afectado a Coltrane. En contraste con el radicalismo de sus grabaciones de 1961 en el Village Vanguard, sus álbumes de estudio de los dos años siguientes (con la excepción de Coltrane, 1962, que presentaba una versión vertiginosa de Harold Arlen's 'Out of This World') eran mucho más conservadores. Grabó un álbum de baladas y participó en colaboraciones de álbumes con Duke Ellington y el cantante Johnny Hartman, un barítono especializado en baladas. El álbum Ballads (grabado entre 1961 y 1962) es emblemático de la versatilidad de Coltrane, ya que el cuarteto arrojó nueva luz sobre estándares como "It's Easy to Remember&#34.;. A pesar de un enfoque más pulido en el estudio, en concierto el cuarteto continuó equilibrando los "estándares" y su propia música más exploratoria y desafiante, como se puede escuchar en Impressions (grabado entre 1961 y 1963), Live at Birdland y Newport '63 (ambos grabados en 1963). Impressions consta de dos improvisaciones extendidas que incluyen la canción principal junto con "Dear Old Stockholm", "After the Rain" y un azul. Coltrane dijo más tarde que le gustaba tener un "catálogo equilibrado".

El 6 de marzo de 1963, el grupo ingresó a Van Gelder Studio en Nueva Jersey y grabó una sesión que se perdió durante décadas después de que Impulse Records destruyera su cinta maestra para reducir el espacio de almacenamiento. El 29 de junio de 2018, ¡Impulso! lanzó Both Directions at Once: The Lost Album, compuesto por siete pistas hechas a partir de una copia de repuesto que Coltrane le había dado a su esposa. El 7 de marzo de 1963, Hartman se unió a ellos en el estudio para la grabación de seis pistas para el álbum John Coltrane and Johnny Hartman, lanzado en julio.

¡Impulso! siguió al exitoso "álbum perdido" lanzamiento con Blue World de 2019, compuesto por una banda sonora de 1964 para la película The Cat in the Bag, grabada en junio de 1964.

The Classic Quartet produjo su álbum más vendido, A Love Supreme, en diciembre de 1964. Como culminación de gran parte del trabajo de Coltrane hasta ese momento, esta suite de cuatro partes es una oda a su fe y amor a Dios. Estas preocupaciones espirituales caracterizaron gran parte de la composición e interpretación de Coltrane a partir de ese momento, como se puede ver en títulos de álbumes como Ascension, Om y Meditations . El cuarto movimiento de A Love Supreme, "Salmo", es, de hecho, un escenario musical para un poema original a Dios escrito por Coltrane e impreso en el álbum' notas del trazador de líneas de s. Coltrane toca casi exactamente una nota por cada sílaba del poema y basa su fraseo en las palabras. El álbum fue compuesto en la casa de Coltrane en Dix Hills en Long Island.

El cuarteto tocó A Love Supreme en vivo solo tres veces, grabó dos veces: en julio de 1965 en un concierto en Antibes, Francia y en octubre de 1965 en Seattle, Washington. ¡Impulso lanzó una grabación del concierto de Antibes! en 2002 en la edición Deluxe remasterizada de A Love Supreme, y nuevamente en 2015 en la "Super Deluxe Edition" de Los Maestros Completos. Una segunda grabación amateur recientemente descubierta titulada "A Love Supreme: Live in Seattle" fue lanzado en 2021.

1965: Incorporación al cuarteto y Jazz de Vanguardia

A medida que el interés de Coltrane en el jazz se hizo experimental, añadió Pharoah Sanders (centro; circa 1978) a su conjunto.

En su último período, Coltrane mostró interés en el jazz de vanguardia de Ornette Coleman, Albert Ayler y Sun Ra. Fue especialmente influenciado por la disonancia del trío de Ayler con el bajista Gary Peacock, que había trabajado con Paul Bley, y el baterista Sunny Murray, cuya forma de tocar se perfeccionó con Cecil Taylor como líder. Coltrane defendió a muchos jóvenes músicos de free jazz como Archie Shepp y, bajo su influencia, Impulse! se convirtió en un sello líder de free jazz.

Después de que se grabara A Love Supreme, el estilo de Ayler se hizo más prominente en la música de Coltrane. Una serie de grabaciones con el Classic Quartet en la primera mitad de 1965 muestran cómo la forma de tocar de Coltrane se vuelve abstracta, con una mayor incorporación de dispositivos como multifónicos, uso de armónicos y tocando en el registro altissimo, así como un regreso mutado de Las hojas de sonido de Coltrane. En el estudio, casi abandonó el saxofón soprano para concentrarse en el tenor. El cuarteto respondió tocando con una libertad cada vez mayor. La evolución del grupo se puede rastrear a través de los álbumes The John Coltrane Quartet Plays, Living Space, Transition, New Thing en Newport, Sun Ship y First Meditations.

En junio de 1965, entró en el estudio de Van Gelder con otros diez músicos (incluidos Shepp, Pharoah Sanders, Freddie Hubbard, Marion Brown y John Tchicai) para grabar Ascension, un Pieza de 38 minutos que incluyó solos de jóvenes músicos de vanguardia. El álbum fue controvertido principalmente por las secciones de improvisación colectiva que separaban los solos. Después de grabar con el cuarteto durante los meses siguientes, Coltrane invitó a Sanders a unirse a la banda en septiembre de 1965. Mientras que Coltrane usaba con frecuencia la exageración como un signo de exclamación emocional, Sanders "estuvo involucrado en la búsqueda de 'humanos'". #39; suena en su instrumento," empleando "un tono que explotó como un soplete" y expandiendo drásticamente el vocabulario de su trompa mediante el empleo de multifónicos, gruñidos y "chillidos de registro alto [que] podrían imitar no solo el canto humano sino también el llanto y el chillido humano". Con respecto a la decisión de Coltrane de agregar a Sanders a la banda, Gary Giddins escribió: "Aquellos que habían seguido a Coltrane hasta el borde de la galaxia ahora tenían el desafío adicional de un músico que parecía tener poco contacto con la tierra". #34;

1965–1967: El segundo cuarteto

El percusionista Rashied Ali (foto en 2007) aumenta el sonido de Coltrane.

A fines de 1965, Coltrane aumentaba regularmente su grupo con Sanders y otros músicos de free jazz. Rashied Ali se unió al grupo como segundo baterista. Este fue el final del cuarteto. Afirmando que no podía oírse a sí mismo por encima de los dos bateristas, Tyner dejó la banda poco después de la grabación de Meditations. Jones se fue a principios de 1966, insatisfecho por compartir las tareas de batería con Ali y afirmar que, con respecto a la última música de Coltrane, "solo los poetas pueden entenderla". En entrevistas, Tyner y Jones expresaron su descontento con la dirección de la música; sin embargo, incorporarían algo de la intensidad del free jazz en su trabajo en solitario. Más tarde, ambos músicos expresaron un tremendo respeto por Coltrane: con respecto a su música tardía, Jones declaró: "Bueno, por supuesto que está muy lejos, porque esta es una mente tremenda que está involucrada, ya sabes". No esperarías que Einstein jugara a las jotas, ¿verdad? Tyner recordó: “Estaba constantemente empujando hacia adelante. Nunca se durmió en los laureles, siempre estaba buscando lo que sigue... siempre estaba buscando, como un científico en un laboratorio, buscando algo nuevo, una dirección diferente... Seguía escuchando estos sonidos en su cabeza..." Jones y Tyner grabaron tributos a Coltrane, Tyner con Echoes of a Friend (1972) y Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane (1987), y Jones con Live in Japan 1978: Dear John C. (1978) y Tribute to John Coltrane "A Love Supreme" (1994).

Se especula que en 1965 Coltrane comenzó a usar LSD, informando al "cósmico" trascendencia de su período tardío. Nat Hentoff escribió: "es como si él y Sanders estuvieran hablando con 'el don de lenguas' - como si sus percepciones fueran de una fuerza tan apremiante que tienen que trascender las formas ordinarias del habla musical y las texturas ordinarias para poder transmitir esa parte de la esencia del ser que han tocado." Después de la partida de Tyner y Jones, Coltrane dirigió un quinteto con Sanders en el saxofón tenor, su segunda esposa Alice Coltrane en el piano, Garrison en el bajo y Ali en la batería. Cuando estaban de gira, el grupo era conocido por tocar versiones largas de su repertorio, muchas de las cuales se extendían más allá de los 30 minutos a una hora. En concierto, los solos de los miembros de la banda a menudo se extendían más allá de los quince minutos.

Se puede escuchar al grupo en varias grabaciones de conciertos de 1966, incluidos Live at the Village Vanguard Again! y Live in Japan. En 1967, Coltrane entró varias veces al estudio. Aunque han aparecido piezas con Sanders (la inusual 'To Be' tiene a ambos hombres tocando la flauta), la mayoría de las grabaciones fueron con el cuarteto menos Sanders (Expression y Stellar Regiones) o como dúo con Ali. Este último dúo produjo seis actuaciones que aparecen en el álbum Interstellar Space. Coltrane también continuó de gira con el segundo cuarteto hasta dos meses antes de su muerte; su penúltima presentación en vivo y última grabada, una transmisión de radio para el Centro Olatunji de Cultura Africana en la ciudad de Nueva York, finalmente se lanzó como álbum en 2001.

1967: Enfermedad y muerte

Coltrane murió de cáncer de hígado a la edad de 40 años el 17 de julio de 1967 en el Hospital Huntington en Long Island. Su funeral se llevó a cabo cuatro días después en la Iglesia Luterana de San Pedro en la ciudad de Nueva York. El servicio fue iniciado por el Cuarteto Albert Ayler y terminado por el Cuarteto Ornette Coleman. Coltrane está enterrado en el cementerio de Pinelawn en Farmingdale, Nueva York.

El biógrafo Lewis Porter especuló que la causa de la enfermedad de Coltrane era la hepatitis, aunque también atribuyó la enfermedad al consumo de heroína de Coltrane en un período anterior de su vida. Frederick J. Spencer escribió que la muerte de Coltrane podría atribuirse a su uso de agujas 'o la botella, o ambos'. Dijo que "[l]as agujas que usó para inyectar las drogas pueden haber tenido todo que ver con " Enfermedad hepática de Coltrane: "Si alguna aguja estaba contaminada con el virus de la hepatitis apropiado, puede haber causado una infección crónica que condujo a cirrosis o cáncer." Señaló que a pesar del 'despertar espiritual' de Coltrane en 1957, "[p]a entonces, es posible que haya tenido hepatitis crónica y cirrosis... A menos que desarrollara un foco primario en otra parte en su vida posterior y que se extendiera a su hígado, las semillas del cáncer de John Coltrane se sembraron en sus días de adicción."

La muerte de Coltrane sorprendió a muchos en la comunidad musical que desconocían su condición. Miles Davis dijo: 'La muerte de Coltrane conmocionó a todos, tomó a todos por sorpresa. Sabía que no se veía muy bien... Pero no sabía que estaba tan enfermo, o incluso enfermo en absoluto."

Instrumentos

En 1947, cuando se unió a la banda de King Kolax, Coltrane cambió al saxofón tenor, el instrumento por el que se hizo conocido. A principios de la década de 1960, durante su contrato con Atlantic, tocaba el saxofón soprano.

Su preferencia por tocar melodías más altas en el rango del saxofón tenor se atribuye a su formación en trompa y clarinete. Su "concepto de sonido", manipulado en el tracto vocal de uno, del tenor estaba más alto que el rango normal del instrumento. Coltrane observó cómo su experiencia tocando el saxofón soprano afectó gradualmente su estilo en el tenor, afirmando que "la soprano, al ser este pequeño instrumento, descubrí que tocar la nota más baja era como tocar... una de las notas medias". notas en el tenor... Descubrí que tocaría por todas partes este instrumento... Y en el tenor, no siempre había tocado por todas partes, porque estaba tocando ciertas ideas que simplemente funcionaría en ciertos rangos... Tocando en la soprano y acostumbrándome a tocar desde ese si bemol bajo en adelante, pronto se volvió así que cuando pasé a tenor, me encontré haciendo lo mismo... Y esto causó... la voluntad de cambiar y tratar de tocar... la mayor cantidad posible del instrumento."

Hacia el final de su carrera, experimentó con la flauta en sus presentaciones en vivo y grabaciones de estudio (Live at the Village Vanguard Again!, Expression). Después de la muerte de Eric Dolphy en junio de 1964, su madre le dio a Coltrane su flauta y su clarinete bajo.

Según el baterista Rashied Ali, Coltrane estaba interesado en la batería. A menudo tenía una batería de repuesto en los escenarios de los conciertos que tocaba. Su interés por la batería y su inclinación por hacer solos con la batería resonaron en temas como "Pursuance" y "La Cosa del Tambor" de A Love Supreme y Crescent, respectivamente. El resultado fue el álbum Interstellar Space con Ali. En una entrevista con Nat Hentoff a finales de 1965 o principios de 1966, Coltrane declaró: "Siento la necesidad de más tiempo, más ritmo a mi alrededor". Y con más de un baterista, el ritmo puede ser más multidireccional." En una entrevista de agosto de 1966 con Frank Kofsky, Coltrane enfatizó repetidamente su afinidad por la batería y dijo: "Me siento tan fuerte con la batería, realmente lo hago". Más tarde ese año, Coltrane grabaría la música lanzada póstumamente en Offering: Live at Temple University, que presenta a Ali en la batería complementado por tres percusionistas.

Los saxofones tenor (Selmer Mark VI, número de serie 125571, con fecha de 1965) y soprano (Selmer Mark VI, número de serie 99626, con fecha de 1962) de Coltrane se subastaron el 20 de febrero de 2005 para recaudar dinero para el John Fundación Coltrane.

Aunque rara vez tocaba el alto, poseía un prototipo de saxofón alto Yamaha que le dio la compañía como patrocinio en 1966. Se le puede escuchar tocándolo en álbumes en vivo grabados en Japón, como Second Night in Tokyo , y aparece usándolo en la portada de la compilación Live in Japan. También se le puede escuchar tocando el alto de Yamaha en el álbum Stellar Regions.

Vida personal y creencias religiosas

Educación e influencias tempranas

Coltrane nació y creció en un hogar cristiano. Fue influenciado por la religión y la espiritualidad desde la infancia. Su abuelo materno, el reverendo William Blair, fue ministro en una Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión en High Point, Carolina del Norte, y su abuelo paterno, el reverendo William H. Coltrane, fue miembro de la A.M.E. Ministro de Sión en Hamlet, Carolina del Norte. El crítico Norman Weinstein observó el paralelismo entre la música de Coltrane y su experiencia en la iglesia sureña, que incluía practicar música allí cuando era joven.

Primer matrimonio

En 1955, Coltrane se casó con Naima (de soltera Juanita Grubbs). Naima Coltrane, musulmana convertida, influyó mucho en su espiritualidad. Cuando la pareja se casó, ella tenía una hija de cinco años llamada Antonia, más tarde llamada Syeeda. Coltrane adoptó a Syeeda. Conoció a Naima en la casa del bajista Steve Davis en Filadelfia. La balada de amor que escribió en honor a su esposa, 'Naima', era la composición favorita de Coltrane. En 1956, la pareja se fue de Filadelfia con su hija de seis años y se mudó a la ciudad de Nueva York. En agosto de 1957, Coltrane, Naima y Syeeda se mudaron a un apartamento en 103rd Street y Amsterdam Avenue. en Nueva York. Unos años más tarde, John y Naima Coltrane compraron una casa en 116-60 Mexico Street en St. Albans, Queens. Esta es la casa donde se separarían en 1963.

Sobre la ruptura, Naima dijo en J. C. Thomas's Chasin' the Trane: "Podía sentir que iba a suceder tarde o temprano, así que no me sorprendió mucho cuando John se mudó de la casa en el verano de 1963. No lo hizo' No ofrezco ninguna explicación. Solo me dijo que había cosas que tenía que hacer, y se fue solo con su ropa y sus cuernos. A veces se quedaba en un hotel, otras veces con su madre en Filadelfia. Todo lo que dijo fue: 'Naima, voy a hacer un cambio'. A pesar de que podía sentirlo venir, me dolía y no lo superé durante al menos otro año." Pero Coltrane mantuvo una estrecha relación con Naima, incluso la llamó en 1964 para decirle que el 90% de su interpretación sería oración. Permanecieron en contacto hasta su muerte en 1967. Naima Coltrane murió de un infarto en octubre de 1996.

1957 "despertar espiritual"

En 1957, Coltrane tuvo una experiencia religiosa que pudo haberlo ayudado a superar la adicción a la heroína y el alcoholismo con los que había luchado desde 1948. En las notas de A Love Supreme, Coltrane afirma que en 1957 experimentó "por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, más plena y más productiva. En ese momento, en agradecimiento, pedí humildemente que me dieran los medios y el privilegio de hacer felices a los demás a través de la música." Las notas del transatlántico parecen mencionar a Dios en un sentido universalista y no defienden una religión sobre otra. Se pueden encontrar más pruebas de esta visión universal en las notas de Meditaciones (1965), en las que Coltrane declara: "Creo en todas las religiones".

Segundo matrimonio

En 1963 conoció a la pianista Alice McLeod. Él y Alice se mudaron juntos y tuvieron dos hijos antes de que él se "divorciara oficialmente de Naima en 1966, momento en el que [él] y Alice se casaron de inmediato". John Jr. nació en 1964, Ravi en 1965 y Oranyan ("Oran") en 1967. Según el músico Peter Lavezzoli, "Alice trajo felicidad y estabilidad a la vida de John., no solo porque tenían hijos, sino también porque compartían muchas de las mismas creencias espirituales, particularmente un interés mutuo en la filosofía india. Alice también entendió lo que era ser un músico profesional."

Influencia espiritual en la música, exploración religiosa

Después de A Love Supreme, muchos de los títulos de sus canciones y álbumes tenían connotaciones espirituales: Ascension, Meditations, Om , Desinterés, "Amén", "Ascenso", "Alcanzar", "Querido Señor", "Suite de oración y meditación" y "El Padre y el Hijo y el Espíritu Santo". Su biblioteca de libros incluía El Evangelio de Sri Ramakrishna, el Bhagavad Gita y la Autobiografía de un yogui de Paramahansa Yogananda. El último de ellos describe, en palabras de Lavezzoli, una 'búsqueda de la verdad universal, un viaje que también había emprendido Coltrane'. Yogananda creía que tanto los caminos espirituales orientales como los occidentales eran eficaces y escribió sobre las similitudes entre Krishna y Cristo. Esta apertura a diferentes tradiciones resonó en Coltrane, quien estudió el Corán, la Biblia, la Cábala y la astrología con la misma sinceridad." También exploró el hinduismo, Jiddu Krishnamurti, la historia africana, las enseñanzas filosóficas de Platón y Aristóteles y el budismo zen.

En octubre de 1965, Coltrane grabó Om, en referencia a la sílaba sagrada del hinduismo, que simboliza el infinito o el universo entero. Coltrane describió Om como la "primera sílaba, la palabra primordial, la palabra de poder". La grabación de 29 minutos contiene cánticos del Bhagavad Gita hindú y del Libro tibetano de los muertos budista, y la recitación de un pasaje que describe la verbalización primordial "om& #34; como denominador común cósmico/espiritual en todas las cosas.

Estudio de músicas del mundo

El viaje espiritual de Coltrane se entrelazó con su investigación de la música mundial. Creía no solo en una estructura musical universal que trascendiera las distinciones étnicas, sino también en poder aprovechar el lenguaje místico de la música misma. Su estudio de la música india lo llevó a creer que ciertos sonidos y escalas podían "producir significados emocionales específicos". Según Coltrane, el objetivo de un músico era comprender estas fuerzas, controlarlas y obtener una respuesta de la audiencia. Él dijo: 'Me gustaría traer a la gente algo como la felicidad'. Me gustaría descubrir un método para que si quiero que llueva, enseguida empiece a llover. Si uno de mis amigos está enfermo, me gustaría tocar cierta canción y se curará; cuando estaba arruinado, sacaba una canción diferente e inmediatamente recibía todo el dinero que necesitaba."

Veneración

Después de la muerte de Coltrane, una congregación llamada Yardbird Temple en San Francisco comenzó a adorarlo como Dios encarnado. El grupo lleva el nombre de Charlie "Yardbird" Parker, a quien equipararon con Juan el Bautista. La congregación se afilió a la Iglesia Ortodoxa Africana; esto implicó cambiar el estatus de Coltrane de un dios a un santo. La resultante Iglesia Ortodoxa Africana St. John Coltrane, San Francisco, es la única iglesia ortodoxa africana que incorpora la música de Coltrane y sus letras como oraciones en su liturgia.

Musicales en San Juan Coltrane Iglesia Ortodoxa Africana, San Francisco 2009

Rev. F. W. King, describiendo la Iglesia Ortodoxa Africana de Saint John Coltrane, dijo: "Somos conscientes de Coltrane... Dios habita en la majestuosidad musical de sus sonidos".

Samuel G. Freedman escribió en The New York Times que

... la iglesia Coltrane no es un gimmick o una aleación forzada de música club nocturno y fe etérea. Su mensaje de liberación a través del sonido divino es en realidad bastante consistente con la propia experiencia y el mensaje de Coltrane.... Tanto de manera implícita como explícita, Coltrane también funcionó como figura religiosa. Adicto a la heroína en la década de 1950, dejó el pavo frío, y luego explicó que había oído la voz de Dios durante su molesto retiro.... En 1966, un entrevistador en Japón preguntó a Coltrane qué esperaba ser en cinco años, y Coltrane respondió, "un santo".

Coltrane se representa como uno de los 90 santos en el ícono de los Santos Danzantes de la Iglesia Episcopal St. Gregory of Nyssa en San Francisco. El icono es una pintura de 3000 pies cuadrados (280 m2) de estilo iconográfico bizantino que envuelve toda la rotonda de la iglesia. Fue ejecutado por Mark Dukes, un diácono ordenado en la Iglesia Ortodoxa Africana de Saint John Coltrane que pintó otros íconos de Coltrane para la Iglesia de Coltrane. La Iglesia Episcopal de San Bernabé en Newark, Nueva Jersey, incluyó a Coltrane en su lista de santos negros históricos e hizo un "caso a favor de la santidad" para él en un artículo en su sitio web.

Los documentales sobre Coltrane y la iglesia incluyen The Church of Saint Coltrane (1996) de Alan Klingenstein y un programa de 2004 presentado por Alan Yentob para la BBC.

El escultor John Raimondi creó una escultura abstracta dedicada a John Coltrane en el año 2000. La escultura, fabricada con bronce patinado, mide 12 pies de alto. También se han fabricado iteraciones a menor escala en bronce patinado.

Discografía seleccionada

La siguiente discografía enumera los álbumes concebidos y aprobados por Coltrane como líder durante su vida. No incluye sus numerosos lanzamientos como acompañante, las sesiones ensambladas en álbumes por varios sellos discográficos después de que expiró el contrato de Coltrane, las sesiones con Coltrane como acompañante que luego se reeditaron con su nombre de forma más destacada, o las compilaciones póstumas, excepto por el uno que aprobó antes de su muerte. Consulte el enlace de la discografía principal arriba para ver la lista completa.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a John Coltrane entre los cientos de artistas cuyo material supuestamente fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Prestigio y Blue Note Records

Registros atlánticos

¡Impulso! Registros

Sesionografía

Premios y distinciones

John Coltrane House, 1511 North Three-third Street, Philadelphia

En 1965, Coltrane fue incluido en el Salón de la Fama del Jazz Down Beat. En 1972, A Love Supreme fue certificado oro por la RIAA por vender más de medio millón de copias en Japón. Este álbum fue certificado oro en los Estados Unidos en 2001. En 1982 recibió un Grammy póstumo a la Mejor Interpretación Solista de Jazz en el álbum Bye Bye Blackbird, y en 1997 recibió el premio Grammy Lifetime Achievement Award.. En 2002, el erudito Molefi Kete Asante lo nombró uno de sus 100 mejores afroamericanos. Fue galardonado con un premio Pulitzer especial en 2007 citando su "magistral improvisación, maestría musical suprema y centralidad icónica en la historia del jazz". Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Carolina del Norte en 2009.

Una antigua casa, John Coltrane House en Filadelfia, fue designada Monumento Histórico Nacional en 1999. Su última casa, John Coltrane Home en el distrito Dix Hills de Huntington, Nueva York, donde residió desde 1964 hasta su muerte., se agregó al Registro Nacional de Lugares Históricos el 29 de junio de 2007. Su hijo Ravi, llamado así por Ravi Shankar, también es saxofonista.

La empresa matriz de Impulse!, conocida desde 1965 hasta 1979 como ABC Records, eliminó gran parte de su material inédito en la década de 1970.

Un documental temprano sobre jazz fue realizado en 1990 por el músico Robert Palmer, llamado El mundo según John Coltrane.

Chasing Trane: The John Coltrane Documentary, es una película estadounidense de 2016 dirigida por John Scheinfeld. Narrada por Denzel Washington, la película narra la vida de Coltrane en sus propias palabras e incluye entrevistas con admiradores como Wynton Marsalis, Sonny Rollins, Bill Clinton y Cornel West.

Referencias generales y citadas