Joyas de arte

Joyería artística es uno de los nombres que se le ha dado a la joyería creada por artesanos de estudio en las últimas décadas. Como sugiere el nombre, la joyería artística enfatiza la expresión creativa y el diseño, y se caracteriza por el uso de una variedad de materiales, a menudo comunes o de bajo valor económico. En este sentido, forma un contrapeso al uso de "materiales preciosos" (como oro, plata y piedras preciosas) en la joyería convencional o fina, donde el valor del objeto está ligado al valor de los materiales de los que está hecho. La joyería artística está relacionada con la artesanía de estudio en otros medios como el vidrio, la madera, los plásticos y la arcilla; comparte creencias y valores, educación y capacitación, circunstancias de producción y redes de distribución y publicidad con el campo más amplio de la artesanía de estudio. La joyería artística también tiene vínculos con las bellas artes y el diseño.

Si bien la historia de la joyería artística moderna suele comenzar con la joyería modernista en los Estados Unidos en la década de 1940, seguida de los experimentos artísticos de los orfebres alemanes en la década de 1950, varios de los valores y creencias que informan la joyería artística se pueden encontrar en el movimiento de artes y oficios de finales del siglo XIX. Muchas regiones, como América del Norte, Europa, Australasia y partes de Asia tienen escenas florecientes de joyería artística, mientras que otros lugares como América del Sur y África han estado desarrollando la infraestructura de instituciones de enseñanza, galerías de comerciantes, escritores, coleccionistas y museos que sustentan la joyería artística.

La historiadora de arte Liesbeth den Besten ha identificado seis términos diferentes para nombrar la joyería artística, incluyendo contemporáneo, estudio, arte, investigación, diseño y autor, siendo los tres más comunes contemporáneo, estudio y arte. La curadora Kelly L'Ecuyer ha definido la joyería de estudio como una rama del movimiento de artesanía de estudio, añadiendo que no se refiere a estilos artísticos particulares sino más bien a las circunstancias en las que se produce el objeto. Según su definición, "los joyeros de estudio son artistas independientes que manejan directamente sus materiales elegidos para hacer joyas únicas o de producción limitada... El joyero de estudio es tanto el diseñador como el fabricante de cada pieza (aunque los asistentes o aprendices pueden ayudar con las tareas técnicas), y la obra se crea en un pequeño estudio privado, no en una fábrica". La historiadora de arte Monica Gaspar ha explorado el significado temporal de los diferentes nombres dados a la joyería artística en los últimos 40 años. Ella sugiere que la "vanguardia" La joyería se posiciona radicalmente por delante de las ideas dominantes; la joyería "moderna" o "modernista" pretende reflejar el espíritu de la época en la que se fabricó; la joyería "de estudio" enfatiza el estudio del artista por sobre el taller artesanal; la joyería "nueva" asume una postura irónica hacia el pasado; y la joyería "contemporánea" reivindica el presente y el "aquí y ahora" en contraste con la naturaleza eterna de la joyería tradicional como una reliquia que pasa de generación en generación.

La historiadora del arte Maribel Koniger sostiene que los nombres que se dan a las joyas artísticas son importantes para distinguir este tipo de joyas de objetos y prácticas afines. El uso del término joyería "conceptual" es, en sus palabras, un "intento de desmarcarse mediante la terminología de los productos de la industria joyera comercial que reproducen clichés y están orientados a los gustos del consumo masivo por un lado, y, por otro, a los diseños individualistas, subjetivamente estetizantes de la pura artesanía."

Los joyeros artísticos suelen trabajar de forma crítica o consciente con la historia de la joyería, o con la relación entre la joyería y el cuerpo, y cuestionan conceptos como "preciosidad" o "portabilidad" que suelen aceptarse sin cuestionamientos en la joyería convencional o fina. Esta cualidad es producto de la crítica de la preciosidad, o del desafío de los joyeros artísticos de Estados Unidos y Europa a la idea de que el valor de la joyería era equivalente a la preciosidad de sus materiales. Inicialmente, los joyeros artísticos trabajaban con materiales preciosos o semipreciosos, pero enfatizaban la expresión artística como la cualidad más importante de su trabajo, vinculando sus joyas a movimientos artísticos modernistas como el biomorfismo, el primitivismo y el taquismo. En la década de 1960, los joyeros artísticos comenzaron a introducir materiales nuevos y alternativos en su trabajo, como el aluminio y los acrílicos, rompiendo con el papel histórico de la joyería como signo de estatus y valor económico o riqueza portátil. A medida que el enfoque en el valor cedió, otros temas tomaron su lugar como tema de la joyería. En 1995, Peter Dormer describió los efectos de la crítica del preciosismo de la siguiente manera: "En primer lugar, el valor monetario del material se vuelve irrelevante; en segundo lugar, una vez que se desinfló el valor de la joyería como símbolo de estatus, la relación entre el adorno y el cuerpo humano asumió una vez más una posición dominante - la joyería se volvió consciente del cuerpo; en tercer lugar, la joyería perdió su exclusividad para un sexo o una edad - podía ser usada por hombres, mujeres y niños".

La joyería artística que surgió en los primeros años del siglo XX fue una reacción al gusto victoriano y a las joyas pesadas y ornamentadas, a menudo fabricadas a máquina, que eran populares en el siglo XIX. Según Elyse Zorn Karlin, "para la mayoría de los joyeros, la joyería artística era una búsqueda artística personal, así como una búsqueda de una nueva identidad nacional. Basada en una combinación de referencias históricas, reacciones a eventos regionales y mundiales, materiales recientemente disponibles y otros factores, la joyería artística reflejaba la identidad de un país y, al mismo tiempo, formaba parte de un movimiento internacional más amplio de reforma del diseño". Inicialmente, la joyería artística atraía a un grupo selecto de clientes con gusto artístico, pero rápidamente fue adoptada por firmas comerciales, lo que la hizo ampliamente disponible.

Son muchos los movimientos que han contribuido a la categoría de joyería artística tal como la conocemos hoy en día. Como parte del movimiento inglés Arts and Crafts, que floreció entre 1860 y 1920, Charles Robert Ashbee y su gremio y escuela de artesanía produjeron las primeras joyas de estilo arts and crafts en un entorno gremial. Al presentar su trabajo como un antídoto a la producción industrial, la primera generación de joyeros de estilo arts and crafts creía que un objeto debía ser diseñado y fabricado por la misma persona, aunque su falta de formación especializada significaba que gran parte de estas joyas tenían una atractiva calidad artesanal. En respuesta a los cambios en la moda, así como al gusto victoriano por llevar conjuntos, los joyeros de estilo arts and crafts fabricaron colgantes, collares, broches, hebillas de cinturón, broches de capa y peinetas para el pelo que se llevaban solos. La joyería de estilo arts and crafts también tendía a favorecer los materiales con poco valor intrínseco que pudieran utilizarse por sus efectos artísticos. Los metales básicos, las piedras semipreciosas como los ópalos, las piedras lunares y las turquesas, las perlas deformes, el vidrio y las conchas, y el uso abundante del esmalte vítreo permitieron a los joyeros ser creativos y producir objetos asequibles.

Las joyas Art Nouveau de Francia y Bélgica también contribuyeron de manera importante a la joyería artística. Las joyas Art Nouveau de René Lalique y Alphonse Mucha, que lucían clientes adinerados y con cultura artística, incluidas las cortesanas del demimonde parisino, se inspiraron en el arte, la literatura y la música simbolistas, y en un renacimiento de las formas curvilíneas y dramáticas del período rococó. Como sugiere Elyse Zorn Karlin, "el resultado fueron joyas de una belleza y una imaginación asombrosas, sensuales, sexuales y seductoras, y a veces incluso aterradoras. Estas joyas estaban muy lejos de los diseños simétricos y algo plácidos de la joyería Arts and Crafts, que se parecían más a las joyas del Renacimiento". Lalique y otros joyeros Art Nouveau a menudo mezclaban metales preciosos y piedras preciosas con materiales económicos, y favorecían las técnicas de plique-a-jour y de esmalte cabujón.

Otros centros importantes de producción de joyería artística fueron el Wiener Werkstätte de Viena, donde los arquitectos Josef Hoffmann y Koloman Moser diseñaron joyas en plata y piedras semipreciosas, a veces para combinar con prendas también creadas por el taller. El movimiento danés Skønvirke (trabajo estético), del que Georg Jensen es el ejemplo más famoso, favoreció la plata y las piedras nativas escandinavas y una estética que se encuentra en algún punto entre los principios del art nouveau y las artes y oficios. La joyería artística en Finlandia se caracterizó por un renacimiento vikingo, que coincidió con su independencia política en Suecia en 1905, mientras que el modernismo en España siguió el ejemplo de los joyeros del art nouveau. La joyería artística también se practicó en Italia, Rusia y los Países Bajos.

En Estados Unidos, la joyería de artes y oficios era popular entre los aficionados, ya que a diferencia de la cerámica, los muebles o los textiles, requería solo una modesta inversión en herramientas y podía hacerse en la cocina. Una de las primeras joyeras de artes y oficios estadounidenses, Madeline Yale Wynne, era autodidacta y abordaba sus joyas como forma y composición, con énfasis en las cualidades estéticas más que en la habilidad, afirmando que "considero cada esfuerzo en sí mismo en lo que respecta al color y la forma, tanto como pintaría un cuadro". Brainerd Bliss Thresher, otro joyero de artes y oficios estadounidense, utilizó materiales como cuerno tallado y amatista por sus cualidades estéticas, siguiendo el ejemplo de René Lalique, que mezclaba materiales cotidianos y preciosos en sus joyas. Como sugieren Janet Koplos y Bruce Metcalf, mientras que el movimiento británico Arts and Crafts intentó reunir arte y trabajo, muchos estadounidenses de clase alta como Thresher unieron arte y ocio: "La práctica de la artesanía como recreación podía ser un alivio de la presión de un trabajo difícil, una demostración del buen gusto y del savor vivre de uno, una manifestación cortés de política progresista o una expresión del puro placer de un trabajo satisfactorio".

La joyería artística pasó de moda en los años 20 y 30, eclipsada por el Art Déco, así como por la respuesta del público a su naturaleza funcional y estéticamente desafiante (demasiado frágil y escandalosa). Sin embargo, marca una ruptura significativa con lo anterior y sentó muchos de los valores y actitudes para los ideales de la joyería artística o de estudio de finales del siglo XX. Como escribe Elyse Zorn Karlin, "La joyería artística valoraba lo hecho a mano y apreciaba el pensamiento innovador y la expresión creativa. Estos joyeros fueron los primeros en utilizar materiales que no tenían el valor intrínseco esperado en la joyería y rechazaron los gustos joyeros convencionales. Consideraban su trabajo como una búsqueda artística y lo hacían para un público reducido que compartía sus valores estéticos y conceptuales".

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  Dragonfly Lady broche de René Lalique, hecho de oro, esmalte, crisoprasa, piedra lunar y diamantes (1897–98)
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  cuerno tallado decorado con perlas, por Louis Aucoc (c.1900)
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  Flores translúcidas de esmalte con pequeños diamantes en las venas, por Aucoc (c.1900)
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  Flora broche de Aucocc.1900)
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  Un adorno de corsage de Philippe Wolfers (1900)
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  Broche con mujer de Lalique
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  Collar de Charles Robert Ashbee (1901)
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  Niké broche de Wolfers (1902), colección King Baudouin Foundation, depot: KMKG-MRAH
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  Broche de cuerno con esmalte, oro y aquamarine de Paul Follot (1904-1909)

La historia de la joyería artística está ligada al surgimiento de la joyería modernista en los centros urbanos de los Estados Unidos en la década de 1940. Según Toni Greenbaum, "A principios de 1940, comenzó a surgir un movimiento revolucionario de joyería en los Estados Unidos, que luego fue impulsado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial, el trauma del Holocausto, el miedo a las bombas, la política de los prejuicios, la esterilidad de la industrialización y la grosería del comercialismo". Las tiendas y estudios de joyería modernista surgieron en la ciudad de Nueva York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer y Jules Brenner en Greenwich Village; y Ed Wiener, Irena Brynner y Henry Steig en el centro de Manhattan) y el Área de la Bahía en la Costa Oeste (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, Merry Renk, Irena Brynner, Francis Sperisen y Bob Winston). El público de las joyas modernistas era la franja intelectual liberal de la clase media, que también apoyaba el arte moderno. La historiadora del arte Blanche Brown describe el atractivo de esta obra: "Aproximadamente en 1947 fui a la tienda de Ed Wiener y compré uno de sus prendedores de plata con forma de espiral cuadrada... porque se veía genial, podía permitírmelo y me identificaba con el grupo de mi elección: personas con conciencia estética, inclinadas intelectualmente y políticamente progresistas. Ese prendedor (o uno de los pocos similares) era nuestra insignia y lo llevábamos con orgullo. Celebraba la mano del artista en lugar del valor de mercado del material".

En 1946, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó la exposición Modern Handmade Jewelry, que incluía el trabajo de joyeros de estudio como Margaret De Patta y Paul Lobel, junto con joyas de artistas modernistas como Alexander Calder, Jacques Lipchitz y Richard Pousette-Dart. Esta exposición recorrió los Estados Unidos y fue seguida por una serie de exposiciones influyentes en el Walker Art Center de Minneapolis. Kelly L'Ecuyer sugiere que "las joyas de Calder fueron fundamentales en muchas de las exposiciones de museos y galerías de este período, y sigue siendo considerado como la figura seminal de la joyería contemporánea estadounidense". Utilizando una construcción en frío y técnicas rudimentarias que sugerían un espíritu de improvisación y creatividad, las joyas de Calder comparten el uso de la línea y el movimiento de su escultura para representar o implicar el espacio, creando joyas que a menudo se mueven con el cuerpo del usuario. Una fuerte conexión con los movimientos artísticos es una característica de la joyería artística estadounidense durante este período. Mientras que Calder mostró un interés primitivista por el arte africano y griego antiguo, Margaret De Patta hizo joyas de estilo constructivista, manipulando la luz, el espacio y la percepción óptica según las lecciones que aprendió de László Moholy-Nagy en la Nueva Bauhaus de Chicago. Toni Greenbaum escribe que "después de que su mentor, el pintor John Haley, le mostrara obras de Matisse y Picasso, Bob Winston exclamó: '¡Esa es la clase de porquería que estoy haciendo!'". Los materiales de la joyería modernista (sustancias no preciosas orgánicas e inorgánicas, así como objetos encontrados) se correlacionan con actitudes cubistas, futuristas y dadaístas, mientras que los estilos de la joyería modernista (surrealismo, primitivismo, biomorfismo y constructivismo) también son movimientos de bellas artes.

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  Broche de plata esterlina y cuarzo diseñado por Margaret De Pattac.1950)
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  Collar espiral de Art Smithc.1958)
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  Broche de Peter Macchiarini ()c.1960)
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  Pulsera de oro de formas entrelazadas por Merry Renk (1961)

El crecimiento de la joyería en los Estados Unidos después de la guerra se apoyó en el concepto de que las técnicas de fabricación de joyas, que se creía que fortalecían los músculos de las manos y los brazos y fomentaban la coordinación ojo-mano, desempeñaban un papel en los programas de fisioterapia para los veteranos de la Segunda Guerra Mundial. El Centro de Arte de Veteranos de Guerra del Museo de Arte Moderno, dirigido por Victor D'Amico, la Escuela de Artesanos Americanos y los talleres dirigidos por Margret Craver en la ciudad de Nueva York, abordaron las necesidades de los militares estadounidenses que regresaban, mientras que la Carta de Derechos del Veterano ofrecía matrícula universitaria gratuita para los veteranos, muchos de los cuales estudiaban artesanía. Como sugiere Kelly L'Ecuyer, "Además de la creatividad individual, la proliferación de la educación y la terapia basadas en la artesanía para soldados y veteranos en los Estados Unidos durante y después de la guerra proporcionó un estímulo para todas las artesanías de estudio, especialmente la joyería y la orfebrería. Los recursos públicos y privados dedicados a los programas de artesanía para veteranos plantaron las semillas de estructuras educativas más duraderas y generaron un amplio interés en la artesanía como un estilo de vida creativo y satisfactorio".

A principios de los años 60, los graduados de estos programas no sólo desafiaban las ideas convencionales sobre la joyería, sino que también enseñaban a una nueva generación de joyeros estadounidenses en nuevos programas universitarios de cursos de joyería y orfebrería. En esa misma época se estaba desarrollando la joyería arquitectónica.

En los años 1960 y 1970, el gobierno alemán y la industria de la joyería comercial fomentaron y apoyaron fuertemente a los diseñadores de joyas modernas, creando así un nuevo mercado. Combinaban el diseño contemporáneo con la orfebrería y la joyería tradicionales. Orfevre, la primera galería de joyería artística, abrió sus puertas en Düsseldorf, Alemania, en 1965.

La aceptación de la joyería como arte fue fomentada en los Estados Unidos muy rápidamente después de la Segunda Guerra Mundial por importantes museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro de Arte Walker en Minneapolis, cada uno de los cuales realizó importantes exposiciones de joyería artística en la década de 1940. El Museo de Artes y Diseño, anteriormente el Museo Americano de Artesanía, comenzó su colección en 1958 con piezas que datan de la década de 1940. Otros museos cuyas colecciones incluyen obras de diseñadores de joyería contemporáneos (estadounidenses) incluyen: el Museo de Arte de Cleveland, el Museo del Vidrio de Corning, el Museo Mint de Artesanía y Diseño en Charlotte, Carolina del Norte, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Bellas Artes de Houston y la Galería Renwick del museo Smithsonian.

Algunos artistas famosos que crearon joyas artísticas en el pasado fueron Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí y Nevelson. Algunos de ellos estuvieron representados en la galería Sculpture to Wear de la ciudad de Nueva York, que cerró en 1977.

La galería Artwear, propiedad de Robert Lee Morris, continuó con su esfuerzo de mostrar la joyería como una forma de arte.

En el Museo de la Joyería de Pforzheim (Alemania) se puede encontrar una colección de joyas artísticas.

Enumerados según la década en la que fueron reconocidos por primera vez:

Década de 1930

• Suzanne Belperron, Francia, 1900-1983

Década de 1940

• Margaret De Patta, Estados Unidos, 1903-1964
• Art Smith, Estados Unidos, 1923-1982

Década de 1950

• Claire Falkenstein, Estados Unidos, 1908–1998
• Peter Macchiarini, Estados Unidos, 1909-2001
• Ramona Solberg, Estados Unidos (1921–2005)

Década de 1960

• Gijs Bakker, Países Bajos, 1942-
• Kobi Bosshard, Suiza / Nueva Zelanda, 1939-
• Stanley Lechtzin, Estados Unidos, 1936-
• Charles Loloma, Estados Unidos, 1921–1991
• Olaf Skoogfors, Suecia, 1930-1975

Década de 1970

• Noma Copley, Estados Unidos, 1916-2006
• Arline Fisch, Estados Unidos, 1931-
• William Claude Harper, Estados Unidos, 1944-
• Mazlo, Líbano 1949-Francia
• Robert Lee Morris, Alemania 1947- Estados Unidos

Década de 1980

• Warwick Freeman, Nueva Zelanda, 1953-
• Lisa Gralnick, Estados Unidos, 1953-
• Bruce Metcalf, Estados Unidos, 1949-
• Alan Preston, Nueva Zelanda, 1941-
• Bernhard Schobinger, Switzerland, 1946

Década de 1990

• Andrea Cagnetti - Akelo, Italia, 1967
• Karl Fritsch, Alemania / Nueva Zelanda, 1963-
• Linda MacNeil, Estados Unidos, 1954-
• Lisa Walker, Nueva Zelanda, 1967-
• Areta Wilkinson, Nueva Zelanda, 1969
• Nancy Worden, Estados Unidos, 1954-

Década de 2000

• Rebecca Rose, USA, 1980
• Betony Vernon, USA, 1968

• Culpa de Arte Metal de San Francisco
• Joyería

• LaGamma, Alisa (1991). Joyería metropolitana. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 0870996169.