Jerónimo bosco

El Nido del Owl. Pen y bistre sobre papel. 140 × 196 mm. Rotterdam, Museum Boijmans Van Beuningen

Hieronymus Bosch (Dutch:[] ()escucha); nacido Jheronimus van Aken [jeptoloropornim]s f; c.1450– 9 agosto 1516) fue un pintor holandés/relandés de Brabant. Es uno de los representantes más notables de la escuela de pintura de la primera región. Su obra, generalmente aceite en madera de roble, contiene principalmente fantásticas ilustraciones de conceptos y narraciones religiosas. Dentro de su vida su trabajo fue recogido en Holanda, Austria y España, y ampliamente copiado, especialmente sus representaciones de macabro y marisco del infierno.

Poco se sabe de la vida de Bosch, aunque hay algunos registros. Pasó la mayor parte en la ciudad de 's-Hertogenbosch, donde nació en la casa de su abuelo. Las raíces de sus antepasados están en Nijmegen y Aquisgrán (lo cual es visible en su apellido: Van Aken). Su estilo fantástico pesimista ejerció una gran influencia en el arte del norte del siglo XVI, siendo Pieter Bruegel el Viejo su seguidor más conocido. Hoy, Bosch es visto como un pintor enormemente individualista con una visión profunda de los deseos y miedos más profundos de la humanidad. La atribución ha sido especialmente difícil; hoy en día, solo unas 25 pinturas se entregan con confianza a su mano junto con ocho dibujos. Aproximadamente otra media docena de pinturas se atribuyen con confianza a su taller. Sus obras más aclamadas consisten en unos retablos trípticos, entre ellos El jardín de las delicias.

Vida

Hieronymus Bosch nació Jheronimus (o Joen, respectivamente, la forma latina y holandesa media del nombre "Jerome") van Aken (que significa "de Aquisgrán"). Firmó varias de sus pinturas como Jheronimus Bosch. Su apellido deriva de su lugar de nacimiento, 's-Hertogenbosch ('bosque de Duke'), que comúnmente se llama " Den Bosch" ('el bosque').

Poco se sabe de la vida o formación de Bosch. No dejó cartas ni diarios, y lo que se ha identificado se ha tomado de breves referencias a él en los registros municipales de 's-Hertogenbosch, y en la cuenta libros de la orden local de la Ilustre Hermandad de Nuestra Señora. Nada se sabe de su personalidad ni de sus pensamientos sobre el significado de su arte. La fecha de nacimiento de Bosch no se ha determinado con certeza. Se estima en c. 1450 sobre la base de un retrato dibujado a mano (que puede ser un autorretrato) hecho poco antes de su muerte en 1516. El dibujo muestra al artista a una edad avanzada, probablemente a finales de los sesenta.

Bosch vivió toda su vida en y cerca de 's-Hertogenbosch, que estaba ubicado en el Ducado de Brabante. Su abuelo Jan van Aken (fallecido en 1454) fue pintor y se menciona por primera vez en los registros en 1430. Jan tuvo cinco hijos, cuatro de los cuales también eran pintores. El padre de Bosch, Anthonius van Aken (fallecido c. 1478), actuó como asesor artístico de la Ilustre Hermandad de Nuestra Señora. En general, se supone que el padre de Bosch o uno de sus tíos le enseñó a pintar al artista, pero ninguna de sus obras sobrevive. Bosch aparece por primera vez en el registro municipal el 5 de abril de 1474, cuando se le nombra junto con dos hermanos y una hermana.

's-Hertogenbosch era una ciudad floreciente en el Brabante del siglo XV, en el sur de los Países Bajos actuales, en ese momento parte de los Países Bajos de Borgoña, y durante su vida pasó por matrimonio con los Habsburgo. En 1463, cuatro mil casas en la ciudad fueron destruidas por un incendio catastrófico, que presumiblemente presenció Bosch, que entonces tenía (aproximadamente) trece años. Se convirtió en un pintor popular durante su vida y, a menudo, recibió encargos del extranjero. En 1486/7 se unió a la muy respetada Hermandad de Nuestra Señora, una cofradía devota de unos cuarenta ciudadanos influyentes de 's-Hertogenbosch, y siete mil ' miembros externos' de toda Europa.

En algún momento entre 1479 y 1481, Bosch se casó con Aleyt Goyaerts van den Meerveen, que era unos años mayor que él. La pareja se mudó a la cercana ciudad de Oirschot, donde Aleyt Goyaerts van den Meerveen había heredado una casa y un terreno de su rica familia. Un asiento en las cuentas de la Cofradía de Nuestra Señora registra la muerte del Bosco en 1516. El 9 de agosto de ese año se ofició una misa fúnebre en su memoria en la iglesia de San Juan.

Obras

La crucifixión de Santa Julia se atribuye al período medio de Bosch, c. 1497.

Bosch produjo al menos dieciséis trípticos: de ellos, ocho sobreviven completamente intactos y otros cinco sobreviven en fragmentos. Las obras de Bosch generalmente se organizan en tres períodos de su vida que se ocupan de las obras tempranas (c. 1470-1485), el período medio (c. 1485-1500) y el período tardío (c. 1500 hasta su muerte). Según Stefan Fischer, trece de las pinturas sobrevivientes de Bosch se completaron en el período tardío, con siete atribuidas a su período medio. Se estudia el período temprano de Bosch en términos de su actividad de taller y posiblemente algunos de sus dibujos. De hecho, enseñó a los alumnos en el taller, quienes fueron influenciados por él. La reciente investigación dendrocronológica de los paneles de roble realizada por los científicos del Proyecto de Investigación y Conservación de Bosch condujo a una datación más precisa de la mayoría de las pinturas de Bosch.

Bosch a veces pintaba de una manera comparativamente esquemática, en contraste con el estilo tradicional flamenco de pintura en el que la superficie lisa, lograda mediante la aplicación de múltiples veladuras transparentes, oculta la pincelada. Las pinturas del Bosco con sus superficies rugosas, llamadas pinturas impasto, diferían de la tradición de los grandes pintores holandeses de finales del siglo XV y principios del XVI, que querían ocultar el trabajo realizado y así sugieren sus pinturas como creaciones casi divinas.

Bosch no puso fecha a sus pinturas, pero, algo inusual para la época, parece haber firmado varias de ellas, aunque algunas firmas que supuestamente son suyas ciertamente no lo son. Hoy quedan unas veinticinco pinturas que se le pueden atribuir. A finales del siglo XVI, Felipe II de España adquirió muchas de las pinturas del Bosco. Como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee ahora La Adoración de los Reyes Magos, El Jardín de las Delicias, el cuadro de sobremesa de Los Siete Pecados Capitales y el Cuatro últimas cosas y El tríptico del carro de heno.

Materiales de pintura

Bosch pintó sus obras principalmente en paneles de roble utilizando el óleo como medio. La paleta de Bosch era bastante limitada y contenía los pigmentos habituales de su época. Usó principalmente azurita para cielos azules y paisajes lejanos, esmaltes y pinturas verdes a base de cobre que consisten en malaquita o cardenillo para follaje y paisajes de primer plano, y plomo-estaño-amarillo, ocres y lago rojo (carmín o lago más rubio) para sus figuras.

El Jardín de las Delicias

El jardín de los placeres terrenales en el Museo del Prado de Madrid, c. 1495–1505, atribuido a Bosch

El tríptico más famoso de Bosch es El jardín de las delicias (c. 1495–1505) cuyos paneles exteriores están destinados a sujetar el panel central principal entre el Jardín del Edén representado en el panel izquierdo y el Juicio Final representado en el panel derecho. Fischer lo atribuye como una pintura de transición realizada por Bosch entre su período medio y su período tardío. En el panel de la izquierda, Dios le presenta a Eva a Adán; de manera innovadora se le da a Dios una apariencia juvenil. Las figuras están ambientadas en un paisaje poblado por animales exóticos e inusuales formas semiorgánicas en forma de choza. El panel central es un amplio panorama repleto de figuras desnudas dedicadas a una alegría inocente y ensimismada, así como animales compuestos fantásticos, frutas de gran tamaño y formaciones de piedra híbridas.

El panel de la derecha presenta un paisaje infernal; un mundo en el que la humanidad ha sucumbido a las tentaciones del mal y está cosechando la condenación eterna. Ambientado en la noche, el panel presenta colores fríos, figuras torturadas y canales helados. La desnudez de las figuras humanas ha perdido cualquier erotismo sugerido en el panel central, ya que grandes explosiones en el fondo arrojan luz a través de la puerta de la ciudad y se derraman sobre el agua en el medio del panel.

Interpretación

El panel del infierno de El jardín de los placeres terrenales. It is alleged that Bosch's self-portrait is in the upper centre at right under the "table".

En el siglo XX, cuando los gustos artísticos cambiantes hicieron que artistas como el Bosco fueran más aceptables para la imaginación europea, a veces se argumentaba que el arte del Bosco estaba inspirado en puntos de vista heréticos (por ejemplo, las ideas de los cátaros y /o supuestos Adamitas o Hermanos del Espíritu Libre), así como por oscuras prácticas herméticas. Una vez más, dado que Erasmo había sido educado en una de las casas de los Hermanos de la Vida Común en 's-Hertogenbosch, y la ciudad era religiosamente progresista, a algunos escritores no les ha sorprendido que existan fuertes paralelismos entre la escritura cáustica de Erasmo y la pintura a menudo audaz del Bosco.

Otros, siguiendo una línea de interpretación del Bosco que data del siglo XVI, continuaron pensando que su trabajo fue creado simplemente para excitar y divertir, al igual que los "grotteschi" del Renacimiento italiano. Mientras que el arte de los maestros más antiguos se basaba en el mundo físico de la experiencia cotidiana, Bosch confronta a su espectador, en palabras del historiador de arte Walter Gibson, "un mundo de sueños [y] pesadillas en el que las formas parecen parpadean y cambian ante nuestros ojos". En uno de los primeros relatos conocidos de las pinturas del Bosco, en 1560, el español Felipe de Guevara escribió que el Bosco era considerado simplemente como "el inventor de los monstruos y las quimeras". A principios del siglo XVII, el artista y biógrafo Karel van Mander describió la obra del Bosco como "fantasías maravillosas y extrañas"; sin embargo, concluyó que las pinturas son "a menudo menos agradables que espantosas de ver".

En las últimas décadas, los estudiosos han llegado a ver la visión de Bosch como menos fantástica y aceptaron que su arte refleja los sistemas de creencias religiosas ortodoxas de su época. Sus representaciones de la humanidad pecadora y sus concepciones del cielo y el infierno ahora se consideran consistentes con las de la literatura didáctica y los sermones de finales de la Edad Media. La mayoría de los escritores atribuyen a sus pinturas un significado más profundo de lo que se había supuesto anteriormente e intentan interpretarlas en términos de una moralidad medieval tardía. En general, se acepta que el arte del Bosco fue creado para enseñar verdades morales y espirituales específicas a la manera de otras figuras del Renacimiento del Norte, como el poeta Robert Henryson, y que las imágenes representadas tienen un significado preciso y premeditado. Según Dirk Bax, las pinturas de Bosch a menudo representan traducciones visuales de metáforas verbales y juegos de palabras extraídos de fuentes bíblicas y folclóricas. Sin embargo, el conflicto de interpretaciones que aún suscitan sus obras plantea profundas preguntas sobre la naturaleza de la "ambigüedad" en el arte de su época.

Últimamente, los historiadores del arte han añadido una nueva dimensión al tema de la ambigüedad en la obra del Bosco, enfatizando las tendencias irónicas, por ejemplo en El jardín de las delicias, tanto en el panel central (delicias), y el panel derecho (infierno). Ellos teorizan que la ironía ofrece la opción de desapego, tanto del mundo real como del mundo de fantasía pintado, atrayendo así a espectadores conservadores y progresistas. Según Joseph Koerner, algunas de las cualidades crípticas de la obra del artista se deben a su especial enfoque en los enemigos sociales, políticos y espirituales, cuyo simbolismo es, por naturaleza, oscuro porque pretende ocultar o dañar..

Un estudio de 2012 sobre las pinturas del Bosco alega que en realidad ocultan una fuerte conciencia nacionalista y censuran al gobierno imperial extranjero de los Países Bajos de Borgoña, especialmente a Maximiliano Habsburgo. Mediante la superposición sistemática de imágenes y conceptos, el estudio afirma que el Bosco también cometió su autocastigo expiatorio, pues aceptaba encargos bien pagados de los Habsburgo y sus diputados, traicionando así la memoria de Carlos el Temerario.

Debates sobre la atribución

Cristo antes de Pilato, ca. 1520, una de las pinturas con atribución disputada, en el Museo de Arte de la Universidad de Princeton que dataría del período tardío de la pintura de Bosch.

El número exacto de las obras sobrevivientes de Bosch ha sido un tema de debate considerable. Su firma se puede ver en solo siete de sus pinturas sobrevivientes, y no se sabe si todas las pinturas que una vez se le atribuyeron en realidad eran de su mano. Se sabe que desde principios del siglo XVI comenzaron a circular numerosas copias y variaciones de sus pinturas. Además, su estilo fue muy influyente y fue ampliamente imitado por sus numerosos seguidores.

A lo largo de los años, los eruditos le han atribuido cada vez menos de las obras que alguna vez se pensó que eran suyas. Esto se debe en parte a los avances tecnológicos, como la reflectografía infrarroja, que permite a los investigadores examinar el dibujo subyacente de una pintura. Historiadores del arte de principios y mediados del siglo XX, como Tolnay y Baldass, identificaron entre treinta y cincuenta cuadros que creían que eran de la mano del Bosco. Una monografía posterior de Gerd Unverfehrt (1980) le atribuye veinticinco pinturas y 14 dibujos.

A principios de 2016, La tentación de San Antonio, un pequeño panel en el Museo de Arte Nelson-Atkins en Kansas City, Missouri, atribuido durante mucho tiempo al taller de Hieronymus Bosch, fue acreditado a el propio pintor después de un estudio forense intensivo realizado por el Proyecto de Investigación y Conservación de Bosch. El BRCP también ha cuestionado si dos conocidas pinturas tradicionalmente aceptadas como del Bosco, Los siete pecados capitales en el Prado y Cristo cargando la cruz en el Museo de Bellas Artes, Gante, en cambio, debería atribuirse al taller del artista en lugar de a la propia mano del pintor.