Jean-Auguste-Dominique Ingres
Jean-Auguste-Dominique Ingres (ANG-grə, francés: [ʒɑ̃ oɡyst dɔminik ɛ̃ɡʁ]; 29 de agosto de 1780 - 14 de enero de 1867) fue un pintor neoclásico francés. Ingres estaba profundamente influido por las tradiciones artísticas del pasado y aspiraba a convertirse en el guardián de la ortodoxia académica frente al ascendente estilo romántico. Aunque se consideraba un pintor de historia en la tradición de Nicolas Poussin y Jacques-Louis David, son sus retratos, tanto pintados como dibujados, los que se reconocen como su mayor legado. Sus distorsiones expresivas de forma y espacio lo convirtieron en un importante precursor del arte moderno, influenciando a Picasso, Matisse y otros modernistas.
Nacido en una familia modesta en Montauban, viajó a París para estudiar en el estudio de David. En 1802 hizo su debut en el Salón y ganó el Premio de Roma por su pintura Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles. Cuando partió en 1806 para su residencia en Roma, su estilo, que revela su estudio detallado de los maestros del Renacimiento italiano y flamenco, estaba completamente desarrollado y cambiaría poco por el resto de su vida. Mientras trabajaba en Roma y posteriormente en Florencia desde 1806 hasta 1824, enviaba regularmente pinturas al Salón de París, donde los críticos criticaban su estilo y lo consideraban extraño y arcaico. Recibió pocos encargos durante este período para las pinturas de historia que aspiraba pintar, pero pudo mantenerse a sí mismo y a su esposa como retratista y dibujante.
Finalmente fue reconocido en el Salón de 1824, cuando su pintura rafaelesca, El voto de Luis XIII, fue aclamada e Ingres fue reconocido como el líder de la escuela neoclásica en Francia. Aunque los ingresos por encargos de cuadros de historia le permitieron pintar menos retratos, su Retrato de Monsieur Bertin marcó su próximo éxito popular en 1833. Al año siguiente, su indignación por las duras críticas a su ambiciosa composición El martirio de San Sinforiano le hizo regresar a Italia, donde asumió la dirección de la Academia Francesa en Roma en 1835. Regresó definitivamente a París en 1841. En sus últimos años pintó nuevas versiones de muchos de sus primeras composiciones, una serie de diseños para vidrieras, varios retratos importantes de mujeres y El baño turco, la última de sus varias pinturas orientalistas de desnudos femeninos, que terminó a la edad de de 83.
Primeros años: Montauban y Toulouse
Ingres nació en Montauban, Tarn-et-Garonne, Francia, el primero de siete hijos (cinco de los cuales sobrevivieron a la infancia) de Jean-Marie-Joseph Ingres (1755–1814) y su esposa Anne Moulet (1758–1817).). Su padre era un exitoso aprendiz de todo en las artes, pintor de miniaturas, escultor, albañil decorativo y músico aficionado; su madre era la hija casi analfabeta de un maestro peluquero. De su padre, el joven Ingres recibió estímulo e instrucción temprana en dibujo y música, y su primer dibujo conocido, un estudio después de un molde antiguo, se realizó en 1789. A partir de 1786, asistió a la escuela local École des Frères de l'Éducation Chrétienne, pero su educación se vio interrumpida por la agitación de la Revolución Francesa, y el cierre de la escuela en 1791 marcó el final de su educación convencional. La deficiencia en su escolaridad siempre sería para él una fuente de inseguridad.
En 1791, Joseph Ingres llevó a su hijo a Toulouse, donde el joven Jean-Auguste-Dominique se matriculó en la Académie Royale de Peinture, Sculpture et Architecture. Allí estudió con el escultor Jean-Pierre Vigan, el paisajista Jean Briant y el pintor neoclásico Guillaume-Joseph Roques. Roques' la veneración de Rafael fue una influencia decisiva en el joven artista. Ingres ganó premios en varias disciplinas, como composición, "figuras y antigüedades" y estudios de vida. Su talento musical se desarrolló bajo la tutela del violinista Lejeune, y desde los trece a los dieciséis años tocó el segundo violín en la Orchestre du Capitole de Toulouse.
Desde temprana edad se propuso ser un pintor de historia, lo que, en la jerarquía de géneros establecida por la Real Academia de Pintura y Escultura de Luis XIV, y continuada hasta bien entrado el siglo XIX, se consideraba el más alto nivel de pintura. No quería simplemente hacer retratos o ilustraciones de la vida real como su padre; quería representar a los héroes de la religión, la historia y la mitología, idealizarlos y mostrarlos de manera que explicaran sus acciones, rivalizando con las mejores obras de la literatura y la filosofía.
En París (1797–1806)
En marzo de 1797, la Academia otorgó a Ingres el primer premio de dibujo y en agosto viajó a París para estudiar en el estudio de Jacques-Louis David, el pintor más importante de Francia y Europa durante el período revolucionario., en cuyo estudio permaneció durante cuatro años. Ingres siguió el ejemplo neoclásico de su maestro. En 1797, David estaba trabajando en su enorme obra maestra, La intervención de las sabinas, y fue modificando gradualmente su estilo alejándose de los modelos romanos de riguroso realismo hacia los ideales de pureza, virtud y sencillez del arte griego. Uno de los otros estudiantes de David, Étienne-Jean Delécluze, quien más tarde se convirtió en crítico de arte, describió a Ingres como estudiante:
Se distinguió no sólo por el candor de su carácter y su disposición a trabajar solo... Era uno de los más estudiosos... tomó poca parte en todas las tonterías turbulentas que le rodeaban, y estudió con más perseverancia que la mayoría de sus co-disciplinas... Todas las cualidades que caracterizan hoy el talento de este artista, la finura del contorno, el verdadero y profundo sentimiento de la forma, y un modelado con extraordinaria corrección y firmeza, ya podrían verse en sus primeros estudios. Mientras que varios de sus camaradas y el propio David indicaron una tendencia a la exageración en sus estudios, todos fueron golpeados por sus grandes composiciones y reconocieron su talento.
Fue admitido en el departamento de pintura de la École des Beaux-Arts en octubre de 1799. En 1800 y 1801, ganó el gran premio de pintura figurativa por sus pinturas de torsos masculinos. En 1800 y 1801 también compitió por el Prix de Rome, el premio más alto de la Academia, que otorgaba al ganador cuatro años de residencia en la Academia Francesa en Roma. Quedó segundo en su primer intento, pero en 1801 se llevó el primer premio con Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles. Las figuras de los enviados, a la derecha del cuadro, son musculosas y sólidas como estatuas, al estilo enseñado por David, pero las dos figuras principales de la izquierda, Aquiles y Patroclo, son móviles, vívidas y gráciles, como figuras de un delicado bajorrelieve.
Su residencia en Roma se pospuso hasta 1806 debido a la escasez de fondos estatales. Mientras tanto, trabajó en París junto con varios otros estudiantes de David en un estudio proporcionado por el estado y desarrolló un estilo que enfatizaba la pureza del contorno. Encontró inspiración en las obras de Rafael, en las pinturas de vasijas etruscas y en los grabados de contorno del artista inglés John Flaxman. Sus dibujos de Hermafrodita y la Ninfa Salmacis mostraban un nuevo ideal estilizado de belleza femenina, que reaparecería más tarde en su Jupiter et Thetis y sus famosos desnudos.
En 1802 debutó en el Salón con Retrato de mujer (cuyo paradero actual se desconoce). Entre 1804 y 1806 pintó una serie de retratos que llamaron la atención por su extrema precisión, sobre todo por la riqueza de sus tejidos y los minúsculos detalles. Estos incluyeron el Retrato de Philipbert Riviére (1805), Retrato de Sabine Rivière (1805–06), Retrato de Madame Aymon (también conocido como La Belle Zélie; 1806), y Retrato de Caroline Rivière (1805–06). Los rostros femeninos no estaban en absoluto detallados pero estaban suavizados, y eran notables por sus grandes ojos ovalados y delicados colores de carne y sus expresiones más bien oníricas. Sus retratos solían tener fondos simples de color sólido oscuro o claro, o del cielo. Estos fueron el comienzo de una serie que lo convertiría en uno de los retratistas más célebres del siglo XIX.
Mientras Ingres esperaba para partir a Roma, su amigo Lorenzo Bartolini le presentó las pinturas del Renacimiento italiano, en particular las obras de Bronzino y Pontormo, que Napoleón había traído de su campaña en Italia y las colocó en el Louvre. Ingres asimiló su claridad y monumentalidad en su propio estilo de retrato. En el Louvre también se encontraban obras maestras del arte flamenco, incluido el Retablo de Gante de Jan van Eyck, que el ejército francés se había apoderado durante la conquista de Flandes. La precisión del arte flamenco del Renacimiento se convirtió en parte del estilo de Ingres. El eclecticismo estilístico de Ingres representó una nueva tendencia en el arte. El Louvre, recién llenado con el botín incautado por Napoleón en sus campañas en Italia y los Países Bajos, brindó a los artistas franceses de principios del siglo XIX una oportunidad sin precedentes para estudiar, comparar y copiar obras maestras de la antigüedad y de toda la historia de la pintura europea.. Como ha escrito la historiadora del arte Marjorie Cohn: “En ese momento, la historia del arte como investigación académica era completamente nueva. Artistas y críticos se superaron mutuamente en sus intentos por identificar, interpretar y explotar lo que apenas comenzaban a percibir como desarrollos estilísticos históricos." Desde el comienzo de su carrera, Ingres tomó prestado libremente del arte anterior, adoptando el estilo histórico apropiado para su tema y, en consecuencia, fue acusado por los críticos de saquear el pasado.
En 1803 recibió un prestigioso encargo, siendo uno de los cinco artistas seleccionados (junto con Jean-Baptiste Greuze, Robert Lefèvre, Charles Meynier y Marie-Guillemine Benoist) para pintar retratos de cuerpo entero de Napoleón Bonaparte como primer cónsul. Estos debían distribuirse a las ciudades de las prefecturas de Lieja, Amberes, Dunkerque, Bruselas y Gante, todas las cuales fueron cedidas recientemente a Francia en el Tratado de Lunéville de 1801. No se sabe que Napoleón haya concedido una sesión a los artistas, y el retrato meticulosamente pintado por Ingres de Bonaparte, primer cónsul parece estar inspirado en una imagen de Napoleón pintada por Antoine-Jean Gros en 1802..
En el verano de 1806, Ingres se comprometió con Marie-Anne-Julie Forestier, pintora y música, antes de partir hacia Roma en septiembre. Aunque esperaba quedarse en París el tiempo suficiente para presenciar la inauguración del Salón de ese año, en el que exhibiría varias obras, se fue a Italia de mala gana pocos días antes de la inauguración.
Ingres pintó un nuevo retrato de Napoleón para su presentación en el Salón de 1806, este muestra a Napoleón en el Trono Imperial para su coronación. Esta pintura era completamente diferente de su anterior retrato de Napoleón como Primer Cónsul; se concentró casi por completo en el lujoso traje imperial que Napoleón había elegido usar y los símbolos de poder que tenía. El cetro de Carlos V, la espada de Carlomagno, las ricas telas, las pieles y capas, la corona de pan de oro, las cadenas de oro y los emblemas fueron presentados con extrema precisión; el rostro y las manos del Emperador casi se perdían en el majestuoso traje.
En el Salón, sus pinturas —Autorretrato, retratos de la familia Rivière y Napoleón I en su trono imperial— recibieron una acogida muy fría. David pronunció un juicio severo y los críticos fueron hostiles. Chaussard (Le Pausanias Français, 1806) elogió "la finura de la pincelada y el acabado de Ingres", pero condenó el estilo de Ingres como gótico y preguntó:
¿Cómo, con tanto talento, una línea tan impecable, una atención al detalle tan minucioso, ha logrado M. Ingres pintar una mala imagen? La respuesta es que quería hacer algo singular, algo extraordinario... La intención de M. Ingres no es más que hacer retroceso del arte por cuatro siglos, llevarnos de vuelta a su infancia, para revivir la manera de Jean de Bruges.
Roma y la Academia Francesa (1806-1814)
Recién llegado a Roma, Ingres leyó con creciente indignación los recortes de prensa implacablemente negativos que le enviaban sus amigos desde París. En cartas a su futuro suegro, expresó su indignación por las críticas: "Así que el Salón es el escenario de mi desgracia;... Los sinvergüenzas, esperaron hasta que me fui para asesinar mi reputación... Nunca he sido tan infeliz... Sabía que tenía muchos enemigos; Nunca fui agradable con ellos y nunca lo seré. Mi mayor deseo sería volar al Salón y confundirlos con mis obras, que en nada se parecen a las de ellos; y cuanto más avance, menos se parecerá su obra a la mía." Juró no volver a exponer en el Salón y su negativa a regresar a París provocó la ruptura de su compromiso. Cuando se le preguntó a Julie Forestier años después por qué nunca se había casado, respondió: "Cuando uno ha tenido el honor de estar comprometido con M. Ingres, uno no se casa".
El 23 de noviembre de 1806, le escribió a Jean Forestier, el padre de su ex prometida: "Sí, el arte tendrá que ser reformado, y tengo la intención de ser así de revolucionario". De manera característica, encontró un estudio en los terrenos de Villa Medici, lejos de los otros artistas residentes, y pintó furiosamente. Muchos dibujos de monumentos en Roma de esta época se atribuyen a Ingres, pero según estudios más recientes, en realidad fueron obra de sus colaboradores, en particular de su amigo, el paisajista François-Marius Granet. Como se exige a todos los ganadores del Prix, envió trabajos a intervalos regulares a París para que se pudiera evaluar su progreso. Tradicionalmente los becarios enviaban pinturas de héroes masculinos griegos o romanos, pero para sus primeras muestras Ingres envió Baigneuse à mi-corps (1807), una pintura de la espalda de una joven bañándose, basada en un grabado de un jarrón antiguo, y La Grande Bagneuse (1808), una pintura más grande de la espalda de un bañista desnudo, y el primer modelo de Ingres en usar un turbante, un detalle que tomó prestado de Fornarina por su favorito pintor, Rafael. Para satisfacer a la Academia de París, también envió a Edipo y la Esfinge para mostrar su dominio del desnudo masculino. El veredicto de los académicos de París fue que las figuras no estaban suficientemente idealizadas. En años posteriores, Ingres pintó varias variantes de estas composiciones; otro desnudo iniciado en 1807, el Venus Anadyomene, permaneció inacabado durante décadas, para ser completado cuarenta años después y finalmente exhibido en 1855.
Durante su estancia en Roma también pintó numerosos retratos: Madame Duvaucey (1807), François-Marius Granet (1807), Joseph-Antoine Moltedo (1810), Madame Panckoucke (1811) y Charles-Joseph-Laurent Cordier (1811). En 1812 pintó uno de sus pocos retratos de una mujer mayor, Contesse de Tournon, madre del prefecto de Roma. En 1810 terminó la pensión de Ingres en la Villa Medici, pero decidió quedarse en Roma y buscar el patrocinio del gobierno de ocupación francés.
En 1811 Ingres completó su último ejercicio de estudiante, el inmenso Júpiter y Tetis, una escena de la Ilíada de Homero: la diosa del Mar, Tetis, suplica a Zeus que actúe a su favor hijo Aquiles. El rostro de la ninfa del agua Salmacis que había dibujado años antes reapareció como Tetis. Ingres escribió con entusiasmo que había estado planeando pintar este tema desde 1806 y que tenía la intención de "desplegar todo el lujo del arte en su belleza". Sin embargo, una vez más, los críticos se mostraron hostiles y criticaron las proporciones exageradas de las figuras y la calidad plana y sin aire de la pintura.
Aunque enfrentaba perspectivas inciertas, en 1813 Ingres se casó con una joven, Madeleine Chapelle, recomendada por sus amigos en Roma. Luego de un noviazgo realizado por correspondencia, él le propuso matrimonio sin haberla conocido, y ella aceptó. Su matrimonio fue feliz; La fe de Madame Ingres era inquebrantable. Continuó sufriendo críticas despectivas, como Don Pedro de Toledo besando la espada de Enrique IV, Raphael and the Fornarina (Fogg Art Museum, Harvard University), varios retratos, y el Interior de la Capilla Sixtina recibió una respuesta crítica generalmente hostil en el Salón de París de 1814.
Roma después de la Academia y Florencia (1814–1824)
Después de dejar la Academia, recibió algunos encargos importantes. El gobernador francés de Roma, el general Miollis, un rico mecenas de las artes, le pidió que decorara las habitaciones del Palacio de Monte Cavallo, antigua residencia papal, para una esperada visita de Napoleón. Ingres pintó un Romulus' Victoria sobre Acron (1811) para el salón de la Emperatriz y El Sueño de Ossian (1813), basada en un libro de poemas que admiraba Napoleón, para el techo del Emperador's dormitorio. El general Miollis también encargó a Ingres pintar Virgilio leyendo La Eneida ante Augusto, Livia y Octavia (1812) para su propia residencia, la villa Aldobrandini. La pintura muestra el momento en que Virgilio, recitando su obra al emperador Augusto, su esposa Livia y su hermana Octavia, menciona el nombre del hijo muerto de Octavia, Marcelo, provocando que Octavia se desmaye. El interior fue representado con precisión, siguiendo los hallazgos arqueológicos en Pompeya. Como es habitual, Ingres realizó varias versiones de una misma escena: un fragmento de tres figuras recortado de una versión abandonada se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas, y en 1825 realizó un dibujo a tiza en formato vertical como modelo para un grabado reproductivo realizado por Pradier en 1832. La versión General Miollis fue recomprada por Ingres en la década de 1830, reelaborada por asistentes bajo la dirección de Ingres y nunca terminada; El Sueño de Ossian también fue recomprado, modificado, pero quedó sin terminar.
Viaja a Nápoles en la primavera de 1814 para pintar la reina Carolina Murat. Joachim Murat, el rey de Nápoles, había comprado anteriormente la Dormeuse de Naples, un desnudo durmiente (el original se perdió, pero existen varios dibujos, e Ingres luego revisó el tema en L'Odalisque à l' esclave). Murat también encargó dos pinturas históricas, Raphael et la Fornarina y Paolo et Francesca, y lo que luego se convirtió en una de las obras más famosas de Ingres, La Grande Odalisca, para acompañar a la Dormeuse de Nápoles. Ingres nunca recibió el pago debido al colapso del régimen de Murat y la ejecución de Joachim Murat en 1815. Con la caída de la dinastía de Napoleón, se encontró esencialmente varado en Roma sin patrocinio.
Continuó produciendo retratos magistrales, a lápiz y al óleo, de una precisión casi fotográfica; pero con la salida de la administración francesa, los encargos de pintura fueron escasos. Durante este punto bajo de su carrera, Ingres aumentó sus ingresos dibujando retratos a lápiz de los muchos turistas adinerados, en particular los ingleses, que pasaban por la Roma de la posguerra. Para un artista que aspiraba a una reputación como pintor de historia, esto parecía un trabajo de baja categoría, y para los visitantes que llamaban a su puerta preguntando: "¿Aquí vive el hombre que dibuja los pequeños retratos?", respondía con irritación: "No, el hombre que vive aquí es pintor!" Los dibujos de retratos que produjo con tanta profusión durante este período se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. Se estima que realizó unos quinientos dibujos de retratos, incluidos retratos de sus amigos famosos. Entre sus amigos se encontraban muchos músicos, incluido Paganini, y tocaba regularmente el violín con otros que compartían su entusiasmo por Mozart, Haydn, Gluck y Beethoven.
También produjo una serie de pequeñas pinturas en lo que se conoce como el estilo Troubador, representaciones idealizadas de eventos en la Edad Media y el Renacimiento. En 1815 pintó Aretino y el embajador de Carlos V así como Aretino y Tintoretto, un cuadro anecdótico cuyo tema, un pintor blandiendo una pistola contra su crítico, puede han sido especialmente satisfactorios para el asediado Ingres. Otras pinturas del mismo estilo incluyen Enrique IV jugando con sus hijos (1817) y la Muerte de Leonardo.
En 1816, Ingres realizó su único grabado, un retrato del embajador de Francia en Roma, monseñor Gabriel Cortois de Pressigny. Los únicos otros grabados que se sabe que ejecutó son dos litografías: Los cuatro magistrados de Besançon, realizada como ilustración para Voyages pittoresques et romantiques dans l' ancienne France, y una copia de La Grande Odalisque, ambas de 1825.
En 1817, el Conde de Blacas, que era embajador de Francia ante la Santa Sede, entregó a Ingres su primer encargo oficial desde 1814, para una pintura de Cristo entregando las llaves a Pedro. Completada en 1820, esta imponente obra fue bien recibida en Roma pero, para disgusto del artista, las autoridades eclesiásticas no permitieron que se enviara a París para su exhibición.
En 1816 o 1817 llegó un encargo de los descendientes de Fernando Álvarez de Toledo, duque de Alba, para una pintura del duque recibiendo honores papales por su represión de la Reforma protestante. Ingres detestaba el tema, consideraba al duque como uno de los brutos de la historia, y luchó por satisfacer tanto la comisión como su conciencia. Después de las revisiones que finalmente redujeron al duque a una diminuta figura en el fondo, Ingres dejó el trabajo sin terminar. Anotó en su diario, "J'etais forcé par la necessité de peindre un pareil tableau; Dieu a voulu qu'il reste en ebauche." ("La necesidad me obligó a pintar un cuadro así; Dios quería que siguiera siendo un boceto.")
Continuó enviando obras al Salón de París, con la esperanza de abrirse paso allí. En 1819 envió su desnudo reclinado, La Grande Odalisque, así como un cuadro de historia, Philip V and the Marshal of Berwick, y Roger Freeing Angelica, basada en un episodio del poema épico del siglo XVI Orlando Furioso de Ariosto, pero su obra fue nuevamente condenada por la crítica como gótica y antinatural. El crítico Kératy se quejó de que la espalda de la Gran Odalisca era tres vértebras demasiado larga. El crítico Charles Landon escribió: "Después de un momento de atención, uno ve que en esta figura no hay huesos, ni músculos, ni sangre, ni vida, ni relieve, ni nada que constituya imitación... es evidente que el artista se equivocó deliberadamente, que tenía muchas ganas de hacerlo, que creía en revivir la manera pura y primitiva de los pintores de la Antigüedad; pero tomó como modelo algunos fragmentos de épocas anteriores y una ejecución degenerada, y se perdió por completo."
En 1820, Ingres y su esposa se mudaron a Florencia a instancias del escultor florentino Lorenzo Bartolini, un viejo amigo de sus años en París. Todavía tenía que depender de sus retratos y dibujos para obtener ingresos, pero su suerte comenzó a cambiar. Su pintura de historia Roger liberando a Angélica fue adquirida por la colección privada de Luis XVIII y colgada en el Museo de Luxemburgo de París, que recientemente se dedicó a la obra de artistas vivos. Esta fue la primera obra de Ingres en ingresar a un museo.
En 1821 terminó un cuadro encargado por un amigo de la infancia, el señor de Pastoret, La entrada en París del Delfín, el futuro Carlos V; de Pastoret también encargó un retrato suyo y una obra religiosa (Virgen con el velo azul). En agosto de 1820, con la ayuda de de Pastoret, recibió el encargo de una gran pintura religiosa para la Catedral de Montauban. El tema fue el restablecimiento del vínculo entre la iglesia y el estado. La pintura de Ingres, El voto de Luis XIII (1824), inspirada en Rafael, era puramente de estilo renacentista y representaba al rey Luis XIII prometiendo dedicar su reinado a la Virgen María. Esto estaba en perfecta sintonía con la doctrina del nuevo gobierno de la Restauración. Pasó cuatro años completando el gran lienzo y lo llevó al Salón de París en octubre de 1824, donde se convirtió en la llave que finalmente abrió la puerta del establecimiento de arte de París y de su carrera como pintor oficial.
Regreso a París y retirada a Roma (1824–1834)
El Voto de Luis XIII en el Salón de 1824 finalmente trajo a Ingres un éxito de crítica. Aunque Stendhal se quejó del "tipo de belleza material que excluye la idea de divinidad", la mayoría de los críticos elogiaron la obra. El periodista y futuro primer ministro y presidente francés Adolphe Thiers celebró el avance de un nuevo estilo: "Nada es mejor que una variedad como esta, el carácter esencial del nuevo estilo". En enero de 1825, Ingres recibió la Cruz de la Légion d'honneur de Carlos X, y en junio de 1825 fue elegido miembro de la Académie des Beaux-Arts. Las litografías de La Grande Odalisque publicadas en 1826 en dos versiones competidoras por Delpech y Sudré encontraron compradores entusiastas; Ingres recibió 24.000 francos por los derechos de reproducción, veinte veces la cantidad que le habían pagado por la pintura original seis años antes. El Salón de 1824 también presentó una contracorriente al neoclasicismo de Ingres: Eugène Delacroix exhibió Les Massacres de Scio, en un estilo romántico que contrasta fuertemente con el de Ingres.
El éxito de la pintura de Ingres llevó en 1826 a un nuevo encargo importante, La Apoteosis de Homero, un lienzo gigante que celebraba a todos los grandes artistas de la historia, destinado a decorar el techo de una de las salas del Museo Carlos X del Louvre. Ingres no pudo terminar el trabajo a tiempo para el Salón de 1827, pero exhibió la pintura en grisalla. El Salón de 1827 se convirtió en una confrontación entre el neoclasicismo de la Apoteosis de Ingres y un nuevo manifiesto del romanticismo de Delacroix, La muerte de Sardanápalo. Ingres se unió a la batalla con entusiasmo; llamó a Delacroix "el apóstol de la fealdad" y dijo a sus amigos que reconocía "el talento, el carácter honorable y el espíritu distinguido" de Delacroix, pero que "tiene tendencias que creo que son peligrosas y que debo reprimir".
A pesar del considerable patrocinio que disfrutó bajo el gobierno borbónico, Ingres dio la bienvenida a la Revolución de julio de 1830. Que el resultado de la Revolución no fuera una república sino una monarquía constitucional fue satisfactorio para el artista esencialmente conservador y pacifista, quien en una carta a un amigo en agosto de 1830 criticó a los agitadores que "todavía quieren ensuciar y perturbar el orden y la felicidad de una libertad tan gloriosamente, tan divinamente ganada". La carrera de Ingres se vio poco afectada y continuó recibiendo comisiones oficiales y honores bajo la Monarquía de Julio.
Ingres expuso en el Salón de 1833, donde su retrato de Louis-François Bertin (1832) fue un éxito particular. El público encontró fascinante su realismo, aunque algunos de los críticos declararon que su naturalismo era vulgar y su colorido monótono. En 1834 terminó un gran cuadro religioso, El martirio de san Sinforiano, que representaba al primer santo martirizado en la Galia. La pintura fue encargada en 1824 por el Ministerio del Interior para la Catedral de Autun, y el obispo especificó la iconografía de la imagen. Ingres concibió la pintura como la suma de todo su trabajo y habilidad, y trabajó en ella durante diez años antes de exhibirla en el Salón de 1834. Estaba sorprendido, conmocionado y enojado por la respuesta; la pintura fue atacada tanto por los neoclásicos como por los románticos. Ingres fue acusado de inexactitud histórica, por los colores y por la apariencia femenina del Santo, que parecía una hermosa estatua. Enfadado, Ingres anunció que ya no aceptaría encargos públicos y que ya no participaría en el Salón. Posteriormente participó en algunas exposiciones semipúblicas y en una retrospectiva de su obra en la Exposición Internacional de París de 1855, pero nunca más participó en el Salón ni presentó su obra al juicio público. En cambio, a fines de 1834 regresó a Roma para convertirse en Director de la Academia de Francia.
Directora de la Academia Francesa en Roma (1834–1841)
(feminine)Ingres permaneció en Roma durante seis años. Dedicó gran parte de su atención a la formación de los estudiantes de pintura, como lo haría más tarde en la École des Beaux-Arts de París. Reorganizó la Academia, aumentó el tamaño de la biblioteca, agregó muchos moldes de estatuas clásicas a la colección de la Academia y ayudó a los estudiantes a obtener encargos públicos tanto en Roma como en París. Viajó a Orvieto (1835), Siena (1835), Rávena y Urbino para estudiar los mosaicos paleocristianos, los murales medievales y el arte renacentista. Dedicó considerable atención a la música, una de las materias de la academia; dio la bienvenida a Franz Liszt y Fanny Mendelssohn. Formó una larga amistad con Liszt. El compositor Charles Gounod, que en ese momento era jubilado de la Academia, describió la apreciación de Ingres por la música moderna, incluidos Weber y Berlioz, y su adoración por Beethoven, Haydn, Mozart y Gluck. Se unió a los estudiantes de música y a su amigo Niccolò Paganini para tocar las obras para violín de Beethoven. Gounod escribió que Ingres "tenía la ternura de un niño y la indignación de un apóstol". Cuando Stendhal visitó la Academia y menospreció a Beethoven, Ingres se volvió hacia el portero, señaló a Stendhal y le dijo: "Si este caballero vuelve a llamar, no estoy aquí".
Su rencor contra el establecimiento artístico de París por su fracaso en el Salón de 1834 no disminuyó. En 1836 rechazó un importante encargo del Ministro del Interior francés, Adolphe Thiers, para decorar el interior de la Iglesia de la Madeleine en París, porque el encargo había sido ofrecido primero a un rival, Paul Delaroche, quien lo rechazó. Completó una pequeña cantidad de obras que envió a mecenas en París. Uno era L'Odalisque et l'esclave, (1839), un retrato de una odalisca rubia, o miembro de un harén, que se recuesta lánguidamente mientras toca un músico con turbante. Esto encajaba en el género popular del orientalismo; su rival Eugène Delacroix había creado una pintura sobre un tema similar, Les Femmes d'Alger, para el Salón de 1834. El escenario se inspiró en las miniaturas persas y estaba lleno de detalles exóticos, pero la forma alargada de la mujer reclinada era pura Ingres. El crítico Théophile Gautier escribió sobre la obra de Ingres: "Es imposible pintar mejor el misterio, el silencio y la atmósfera sofocante del serrallo." En 1842 pintó una segunda versión, casi idéntica a la primera pero con un paisaje de fondo (pintado por su alumno Paul Flandrin).
La segunda pintura que envió, en 1840, fue La enfermedad de Antíoco (1840; también conocida como Aniochus and Stratonice) una pintura de historia sobre un tema de amor y sacrificio, un tema que una vez pintó David en 1800, cuando Ingres estaba en su estudio. Fue encargado por el duque de Orleans, hijo del rey Luis Felipe I, y tenía un fondo arquitectónico muy elaborado diseñado por uno de los estudiantes de la Academia, Victor Baltard, el futuro arquitecto del mercado parisino de Les Halles. La figura central era una mujer etérea vestida de blanco, cuya pose contemplativa con la mano en la barbilla se repite en algunos de los retratos femeninos de Ingres.
Su pintura de Aniochius y Stratonice, a pesar de su pequeño tamaño, apenas un metro, fue un gran éxito para Ingres. En agosto se mostró en el apartamento privado del duque de Orleans en el Pabellón Marsan del Palais des Tuileries. El Rey lo recibió personalmente en Versalles y le hizo un recorrido por el Palacio. Le ofrecieron un encargo para pintar un retrato del duque, el heredero del trono, y otro del duque de Lunyes para crear dos grandes murales para el Château de Dampierre. En abril de 1841 regresa definitivamente a París.
Últimos años (1841–1867)
Una de las primeras obras ejecutadas tras su regreso a París fue un retrato del duque de Orleans. Después de que el heredero al trono muriera en un accidente de carruaje unos meses después de que se completara la pintura en 1842, Ingres recibió encargos para hacer copias adicionales. También recibió el encargo de diseñar diecisiete vidrieras para la capilla en el lugar donde ocurrió el accidente, y una comisión para ocho diseños adicionales de vidrieras para la capilla de Orléans en Dreux. Se convirtió en profesor en la Ecole des Beaux-Arts de París. Llevaba a sus alumnos con frecuencia al Louvre para ver el arte clásico y renacentista, indicándoles que miraran hacia adelante y evitaran las obras de Rubens, que creía que se desviaban demasiado de los verdaderos valores del arte.
La Revolución de 1848, que derrocó a Luis Felipe y creó la Segunda República Francesa, tuvo poco efecto en su obra o sus ideas. Declaró que los revolucionarios eran "caníbales que se llamaban a sí mismos franceses", pero durante la Revolución completó su Venus Anadyomene, que había comenzado como estudio académico en 1808. Representaba a Venus, saliendo del mar que la había parido, rodeada de querubines. Dio la bienvenida al patrocinio del nuevo gobierno de Louis-Napoleon, quien en 1852 se convirtió en el emperador Napoleón III.
En 1843 Ingres comenzó la decoración del gran salón del Château de Dampierre con dos grandes murales, la Edad de Oro y la Edad de Hierro, que ilustran los orígenes del arte. Hizo más de quinientos dibujos preparatorios y trabajó en el enorme proyecto durante seis años. En un intento de imitar el efecto de los frescos renacentistas, optó por pintar los murales al óleo sobre yeso, lo que creaba dificultades técnicas. El trabajo sobre la Edad del Hierro nunca avanzó más allá del fondo arquitectónico pintado por un asistente. Mientras tanto, la creciente multitud de desnudos en la Edad de Oro desconcertó al mecenas de Ingres, el duque de Luynes, e Ingres suspendió el trabajo en el mural en 1847. Ingres estaba devastado por la pérdida de su esposa., que murió el 27 de julio de 1849, y finalmente no pudo terminar la obra. En julio de 1851, anunció la donación de su obra de arte a su ciudad natal de Montauban, y en octubre renunció como profesor en la École des Beaux-Arts.
Sin embargo, en 1852, Ingres, que entonces tenía setenta y un años, se casó con Delphine Ramel, de cuarenta y tres años, pariente de su amiga Marcotte d'Argenteuil. Ingres se rejuveneció y en la década siguiente completó varias obras importantes, incluido el retrato de Princesse Albert de Broglie, de soltera Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn. En 1853 comienza la Apoteosis de Napoleón I, para el techo de un salón del Hôtel de Ville de París. (Fue destruido en mayo de 1871 cuando la Comuna de París prendió fuego al edificio). Con la ayuda de asistentes, en 1854 completó otra pintura de historia, Juana de Arco en la coronación de Carlos VII. Una retrospectiva de sus obras se presentó en la Exposición Universal de París de 1855, y en el mismo año Napoleón III lo nombró Gran Oficial de la Légion d'honneur. En 1862 se le otorgó el título de Senador y fue nombrado miembro del Consejo Imperial de Instrucción Pública. Tres de sus obras se mostraron en la Exposición Internacional de Londres y su reputación como uno de los principales pintores franceses se confirmó una vez más.
Continuó reelaborando y refinando sus temas clásicos. En 1856 Ingres completó The Source (La primavera), una pintura iniciada en 1820 y estrechamente relacionada con su Venus Anadyoméne. Pintó dos versiones de Luis XIV y Molière (1857 y 1860) y produjo copias variantes de varias de sus primeras composiciones. Éstas incluían obras religiosas en las que se repetía la figura de la Virgen de El Voto de Luis XIII: La Virgen de la Adopción de 1858 (pintada para Mademoiselle Roland-Gosselin) fue seguida de La Virgen Coronada (pintada para Madame la Baronne de Larinthie) y La Virgen con el Niño. En 1859 realizó nuevas versiones de La Virgen de la Hostia, y en 1862 completó Cristo y los doctores, obra encargada muchos años antes por la reina María Amalia para la capilla. de Bizy. Pintó pequeñas réplicas de Paolo y Francesca y Edipo y la Esfinge. En 1862 completó una pequeña versión en óleo sobre papel de La edad de oro. El último de sus importantes retratos data de este período: Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier, sentada (1856), Autorretrato a la edad de setenta y ocho años y Señora J.-A.-D. Ingres, de soltera Delphine Ramel, ambos terminados en 1859. A pedido de la Galería Uffizi de Florencia, hizo su propio autorretrato en 1858. El único color en la pintura es el rojo de su roseta de la Legión. de Honor.
Cerca del final de su vida, realizó una de sus obras maestras más conocidas, El baño turco. Retomaba una figura y un tema que había estado pintando desde 1828, con su Petite Baigneuse. Originalmente terminado en un formato cuadrado en 1852 y vendido al príncipe Napoleón en 1859, fue devuelto al artista poco después; según una leyenda, la princesa Clotilde quedó impactada por la abundante desnudez. Después de reelaborar la pintura como un tondo, Ingres la firmó y fechó en 1862, aunque hizo revisiones adicionales en 1863. Finalmente, la pintura fue comprada por un diplomático turco, Khalid Bey, que poseía una gran colección de desnudos y arte erótico, incluidas varias pinturas de Courbet. La pintura siguió causando escándalo mucho después de la muerte de Ingres. Inicialmente se ofreció al Louvre en 1907, pero fue rechazado antes de ser entregado al Louvre en 1911.
Ingres murió de neumonía el 14 de enero de 1867, a la edad de ochenta y seis años, en su apartamento del Quai Voltaire de París. Está enterrado en el cementerio Père Lachaise de París con una tumba esculpida por su alumno Jean-Marie Bonnassieux. El contenido de su estudio, que incluye varias pinturas importantes, más de 4000 dibujos y su violín, fue legado por el artista al museo de la ciudad de Montauban, ahora conocido como Musée Ingres.
Estilo
El estilo de Ingres se formó temprano en la vida y cambió relativamente poco. Sus primeros dibujos, como el Retrato de un hombre (o Retrato de un desconocido, 3 de julio de 1797, ahora en el Louvre) ya muestran una suavidad de contorno y una extraordinaria control de los sombreados paralelos que modelan las formas. Desde el principio, sus pinturas se caracterizan por una firmeza de contorno que refleja su convicción, a menudo citada, de que "el dibujo es la probidad del arte". Él creía que el color no era más que un accesorio del dibujo, explicando: "Dibujar no es solo reproducir contornos, no es solo la línea; el dibujo es también la expresión, la forma interior, la composición, el modelado. Mira lo que queda después de eso. El dibujo es siete octavos de lo que constituye la pintura."
El historiador de arte Jean Clay dijo que Ingres "procedió siempre de certeza en certeza, con el resultado de que incluso sus bocetos más libres revelan el mismo tipo de ejecución que se encuentra en las obras finales". Al representar el cuerpo humano, hizo caso omiso de las reglas de la anatomía, a la que calificó de "ciencia espantosa en la que no puedo pensar sin repugnancia", en su búsqueda de un arabesco sinuoso. Aborreciendo la pincelada visible, Ingres no recurrió a los efectos cambiantes del color y la luz de los que dependía la escuela romántica; prefería los colores locales sólo débilmente modelados en la luz por medios tonos. "Ce que l'on sait," él repetía, "il faut le savoir l'épée à la main." ("Sea lo que sea que sepas, debes saberlo con la espada en la mano"). Ingres se quedó así mismo sin los medios para producir la unidad de efecto necesaria cuando se trata de composiciones llenas de gente, como la Apotheosis de Homero y el Martirio de San Sinforiano. Entre las pinturas históricas y mitológicas de Ingres, las más satisfactorias suelen ser las que representan una o dos figuras, como Edipo, La bañista de medio cuerpo, Odalisca, y La Primavera, temas únicamente animados por la conciencia del perfecto bienestar físico.
En Roger liberando a Angélica, el desnudo femenino parece simplemente yuxtapuesto con la figura meticulosamente representada pero inerte de Roger volando al rescate en su hipogrifo, ya que Ingres rara vez tuvo éxito en la representación del movimiento y el drama.. Según Sanford Schwartz, las "imágenes históricas, mitológicas y religiosas revelan una gran cantidad de energía e industria, pero, al transmitir una sensación palpable de tensión interna, son dramas de época... Los rostros de las imágenes históricas son esencialmente los mismos de modelos esperando a que termine la sesión. Cuando se va a expresar una emoción, se presenta de forma estridente o rígida."
Ingres era reacio a las teorías, y su lealtad al clasicismo, con su énfasis en lo ideal, lo generalizado y lo regular, se vio atenuada por su amor por lo particular. Él creía que "el secreto de la belleza tiene que ser encontrado a través de la verdad. Los antiguos no crearon, no hicieron; reconocieron." En muchas de las obras de Ingres hay una colisión entre lo idealizado y lo particular que crea lo que Robert Rosenblum denominó una "sensación de agua y aceite". Esta contradicción es vívida en Cherubini and the Muse of Lyric Poetry (1842), por ejemplo, en el que el compositor de 81 años pintado de forma realista es asistido por una musa idealizada con ropajes clásicos.
La elección de temas de Ingres reflejaba sus gustos literarios, que eran severamente limitados: leyó y releyó a Homero, Virgilio, Plutarco, Dante, historias y la vida de los artistas. A lo largo de su vida revisó una pequeña cantidad de temas favoritos y pintó múltiples versiones de muchas de sus principales composiciones. No compartía el entusiasmo de su época por las escenas de batalla y, en general, prefería representar "momentos de revelación o decisión íntima manifestados por encuentro o confrontación, pero nunca por violencia". Sus numerosas pinturas de odaliscas estuvieron influenciadas en gran medida por los escritos de Mary Wortley Montagu, la esposa del embajador en Turquía, cuyos diarios y cartas, cuando se publicaron, fascinaron a la sociedad europea.
Aunque era capaz de pintar rápidamente, a menudo trabajaba durante años en una pintura. El alumno de Ingres, Amaury-Duval, escribió sobre él: "Con esta facilidad de ejecución, uno tiene problemas para explicar por qué Ingres' su obra no es aún mayor, pero raspaba [su trabajo] con frecuencia, sin estar nunca satisfecho... y tal vez esa misma facilidad le hacía reelaborar lo que no le satisfacía, seguro de que tenía el poder de reparar la falla, y rápidamente, además. " La Venus Anadyomene de Ingres se inició en 1807 pero no se completó hasta 1848, después de una larga pausa como resultado de su indecisión sobre la posición de los brazos. La fuente (1856) tuvo una historia similar. Se inició en la década de 1820 como un boceto de "tal sencillez que uno supondría que había sido pintada de un solo trazo". según Amaury-Duval, quien creía que Ingres' la reelaboración de la pintura en 1855 fue una pérdida.
Retratos
Retrato de Marie-Françoise Rivière (1805–06), aceite sobre lienzo, 116,5 x 81,7 cm, Louvre
Retrato de Charles Marcotte (1810), National Gallery of Art, Washington DC
Retrato de Monsieur Bertin (1832), el Louvre
Retrato de Comtesse d'Haussonville (1845), Frick Collection, Nueva York
Retrato de Baronne de Rothschild (1848), Colección Rothschild, París
Si bien Ingres creía que la pintura de historia era la forma más elevada de arte, su reputación moderna se basa en gran medida en la calidad excepcional de sus retratos. En el momento de su retrospectiva en la Exposición Universal de 1855, un consenso emergente consideraba sus retratos como sus obras maestras. Su calidad consistentemente alta desmiente la queja de Ingres de que las demandas de los retratos le robaron el tiempo que podría haber dedicado a pintar temas históricos. Baudelaire lo llamó "el único hombre en Francia que verdaderamente hace retratos". Los retratos de M. Bertin, M. Molé y Mme d'Haussonville son verdaderos retratos, es decir, la reconstrucción ideal de individuos... Un buen retrato me parece siempre una biografía dramatizada." Su retrato más famoso es el de Louis-François Bertin, redactor jefe del Journal des Debats, que fue muy admirado cuando se exhibió en el Salón de 1833. Ingres había planeado originalmente pintar a Bertin de pie, pero muchas horas de esfuerzo terminaron en un callejón sin salida creativo antes de que se decidiera por una pose sentada. Édouard Manet describió el retrato resultante como "El Buda de la burguesía". El retrato se convirtió rápidamente en un símbolo del creciente poder económico y político de la clase social de Bertin.
Para sus retratos femeninos, a menudo posaba al sujeto como una estatua clásica; el famoso retrato de la condesa de 'Haussonville puede haber sido modelado a partir de una estatua romana llamada "Pudicity" ("modestia") en la colección del Vaticano. Otro truco que utilizó Ingres fue pintar las telas y los detalles de los retratos con extrema precisión y exactitud, pero idealizando el rostro. El ojo del espectador percibiría las telas como realistas y asumiría que la cara era igualmente real. Sus retratos de mujeres van desde la cálidamente sensual Madame de Senonnes (1814) hasta la realista Mademoiselle Jeanne Gonin (1821), la junoesca Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier (representada de pie y sentada, 1851 y 1856), y la fría Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, Princesse de Broglie (1853).
Dibujos
Estudio para el Grande Odalisque (1814)
El violinista Niccolo Paganini (1819)
Estudio para el retrato de la Vicomtesse d'Haussonville (circa 1844)
Estudio para Baño turco (1859)
El dibujo fue la base del arte de Ingres. En la Ecole des Beaux-Arts se destacó en el dibujo de figuras, ganando los principales premios. Durante sus años en Roma y Florencia, realizó cientos de dibujos de familiares, amigos y visitantes, muchos de ellos con una gran calidad de retrato. Nunca comenzaba un cuadro sin antes resolver el dibujo, normalmente con una larga serie de dibujos en los que afinaba la composición. En el caso de sus grandes cuadros de historia, cada figura del cuadro fue objeto de numerosos bocetos y estudios mientras probaba diferentes poses. Exigió que sus alumnos de la Academia y la Ecole des Beaux-Arts perfeccionaran su dibujo antes que nada; declaró que "una cosa bien dibujada es siempre una cosa bien pintada".
Sus dibujos de retratos, de los cuales se conservan unos 450, se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. Si bien un número desproporcionado de ellos data de sus difíciles primeros años en Italia, continuó produciendo dibujos de retratos de sus amigos hasta el final de su vida. Agnes Mongan ha escrito sobre los dibujos de los retratos:
Antes de su partida en el otoño de 1806 de París para Roma, las características familiares de su estilo de dibujo estaban bien establecidas, el delicado pero firme contorno, las distorsiones definidas pero discretas de la forma, la capacidad casi incansable de tomar una semejanza en la delineación precisa pero viva de las características.
También se establecieron los materiales preferidos: el lápiz de grafito puntiagudo sobre un papel blanco liso. Tan familiar para nosotros son tanto los materiales como la forma en que olvidamos lo extraordinario que deben haber parecido en el momento... La manera de dibujo de Ingres era tan nueva como el siglo. Fue inmediatamente reconocida como experta y admirable. Si sus pinturas fueron severamente criticadas como "gótica", ninguna crítica comparable fue nivelada en sus dibujos.
Su alumno Raymond Balze describió la rutina de trabajo de Ingres al ejecutar sus dibujos de retratos, cada uno de los cuales requería cuatro horas, como "una hora y media por la mañana, luego dos horas y media". horas de la tarde, muy pocas veces lo retocaba al día siguiente. A menudo me decía que captó la esencia del retrato mientras almorzaba con la modelo que, con la guardia baja, se volvió más natural." Los dibujos resultantes, según John Canaday, revelaron que los niñeros & # 39; personalidades por medios tan sutiles, y tan libres de crueldad, que Ingres podía "exponer las vanidades de un petimetre, una mujer tonta o un charlatán, en dibujos que los deleitaban".
Ingres dibujó sus dibujos de retratos en papel tejido, que proporcionaba una superficie lisa muy diferente de la superficie acanalada del papel verjurado (que, sin embargo, a veces se denomina hoy en día "papel Ingres"). Los primeros dibujos se caracterizan por contornos muy tensos dibujados con grafito de punta afilada, mientras que los dibujos posteriores muestran líneas más libres y un modelado más enfático, dibujados con un grafito más suave y contundente.
Los dibujos realizados en preparación para pinturas, como los numerosos estudios para El martirio de San Sinforiano y La edad de oro, son más variados en tamaño y tratamiento que los los dibujos de retrato. Era su práctica habitual realizar numerosos dibujos de modelos desnudos, en busca del gesto más elocuente, antes de realizar otra serie de dibujos para los drapeados. En sus primeros años, a veces hacía posar a su modelo detrás de un velo translúcido que suprimía los detalles y enfatizaba el arabesco. A menudo usaba modelos femeninos cuando probaba poses para figuras masculinas, como lo hizo en los dibujos de Jesus Among the Doctors. Existen estudios de desnudos incluso para algunos de sus retratos por encargo, pero estos fueron dibujados utilizando modelos contratados.
Ingres dibujó varias vistas de paisajes mientras estuvo en Roma, pero solo pintó un paisaje puro, el pequeño tondo Casino de Rafael (aunque a veces se le atribuyen otros dos pequeños tondos de paisajes).
Color
Para Ingres, el color jugaba un papel completamente secundario en el arte. Escribió, "El color agrega adornos a una pintura; pero no es sino la sierva, porque no hace más que hacer más agradables las verdaderas perfecciones del arte. Rubens y Van Dyck pueden ser agradables a primera vista, pero engañan; son de la pobre escuela de los coloristas, la escuela del engaño. Nunca uses colores brillantes, son antihistóricos. Es mejor caer en gris que en colores brillantes." El Instituto de París se quejó en 1838 de que los estudiantes de Ingres en Roma “tenían una deplorable falta de conocimiento de la verdad y el poder del color, y de los diferentes efectos de la luz. Un efecto apagado y opaco se encuentra en todos sus lienzos. Parece que solo se iluminaron con el crepúsculo." El poeta y crítico Baudelaire observó: "los alumnos de M. Ingres han evitado muy inútilmente cualquier apariencia de color; creen o fingen creer que no son necesarios en la pintura."
Las propias pinturas de Ingres varían considerablemente en el uso del color, y los críticos solían criticarlas por ser demasiado grises o, por el contrario, demasiado discordantes. Baudelaire, quien dijo "M. Ingres adora el color como un sombrerero a la moda", escribió sobre los retratos de Louis-François Bertin y Madame d"Haussonville: "Abre los ojos, nación de simplones, y dinos si alguna vez viste algo tan deslumbrante, pintura llamativa, o incluso una mayor elaboración del color". Las pinturas de Ingres se caracterizan a menudo por colores locales fuertes, como los "azules ácidos y verdes botella" Kenneth Clark profesó "disfrutar perversamente" en La Gran Odalisca. En otras obras, especialmente en sus retratos menos formales como la Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin (1821), el color es sobrio.
Ingres y Delacroix
Ingres y Delacroix se convirtieron, a mediados del siglo XIX, en los representantes más destacados de las dos escuelas de arte en competencia en Francia, el neoclasicismo y el romanticismo. El neoclasicismo se basó en gran parte en la filosofía de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), quien escribió que el arte debe encarnar "simplicidad noble y grandeza tranquila". Muchos pintores siguieron este curso, incluidos François Gérard, Antoine-Jean Gros, Anne-Louis Girodet y Jacques-Louis David, el maestro de Ingres. Una escuela competidora, el romanticismo, surgió primero en Alemania y se trasladó rápidamente a Francia. Rechazó la idea de la imitación de estilos clásicos, que calificó de "gótico" y "primitivo". Los románticos de la pintura francesa estuvieron encabezados por Théodore Géricault y especialmente por Delacroix. La rivalidad surgió por primera vez en el Salón de París de 1824, donde Ingres exhibió El voto de Luis XIII, inspirado en Rafael, mientras que Delacroix mostró La masacre de Quíos, que representa un evento trágico. en la Guerra de Independencia griega. La pintura de Ingres era tranquila, estática y cuidadosamente construida, mientras que la obra de Delacroix era turbulenta, llena de movimiento, color y emoción.
La disputa entre los dos pintores y escuelas reapareció en el Salón de 1827, donde Ingres presentó L'Apotheose d'Homer, un ejemplo de equilibrio y armonía clásicos, mientras que Delacroix mostró La muerte de Sardanápalo, otra brillante y tumultuosa escena de violencia. El duelo entre los dos pintores, cada uno considerado el mejor de su escuela, continuó a lo largo de los años. Los artistas e intelectuales de París estaban apasionadamente divididos por el conflicto, aunque los historiadores del arte moderno tienden a considerar que Ingres y otros neoclásicos encarnaban el espíritu romántico de su época.
En la Exposición Universal de 1855, tanto Delacroix como Ingres estuvieron bien representados. Los partidarios de Delacroix y los románticos colmaron de insultos la obra de Ingres. Los hermanos Goncourt describieron "el talento avaro" de Ingres: "Frente a la historia, M. Ingres llama en vano en su ayuda cierta sabiduría, decencia, conveniencia, corrección y una dosis razonable de la elevación espiritual que exige un graduado de un colegio. Esparce personas por el centro de la acción... sacude aquí y allá un brazo, una pierna, una cabeza perfectamente dibujada, y piensa que su trabajo está hecho..."
Baudelaire también, anteriormente simpatizante de Ingres, se inclinó hacia Delacroix. "M. Ingres puede ser considerado un hombre dotado de grandes cualidades, un elocuente evocador de la belleza, pero privado del temperamento enérgico que crea la fatalidad del genio."
El mismo Delacroix fue despiadado con Ingres. Al describir la exhibición de obras de Ingres en la Exposición de 1855, la calificó de "ridícula... presentada, como se sabe, de una manera bastante pomposa... Es la expresión completa de una inteligencia incompleta; el esfuerzo y la pretensión están por doquier; en ninguna parte se encuentra una chispa de lo natural."
Según Ingres' estudiante Paul Chenavard, más tarde en sus carreras, Ingres y Delacroix se encontraron accidentalmente en los escalones del Instituto Francés; Ingres extendió la mano y los dos se estrecharon amistosamente.
Alumnos
Ingres fue un maestro concienzudo y fue muy admirado por sus alumnos. El más conocido de ellos es Théodore Chassériau, que estudió con él desde 1830, siendo un niño precoz de once años, hasta que Ingres cerró su estudio en 1834 para volver a Roma. Ingres consideraba a Chassériau su más fiel discípulo, incluso prediciendo, según uno de sus primeros biógrafos, que sería 'el Napoleón de la pintura'. Sin embargo, cuando Chassériau visitó a Ingres en Roma en 1840, la creciente lealtad del joven artista al estilo romántico de Delacroix era evidente, lo que llevó a Ingres a repudiar a su alumno favorito, de quien posteriormente habló raramente y con censura. Ningún otro artista que estudió con Ingres logró establecer una identidad fuerte; entre los más notables estaban Jean-Hippolyte Flandrin, Henri Lehmann y Eugène Emmanuel Amaury-Duval.
Influencia en el arte moderno
La influencia de Ingres en las generaciones posteriores de artistas fue considerable. Uno de sus herederos fue Degas, quien estudió con Louis Lamothe, un discípulo menor de Ingres. En el siglo XX, su influencia fue aún más fuerte. Picasso y Matisse estuvieron entre los que reconocieron una deuda con Ingres; Matisse lo describió como el primer pintor "en usar colores puros, delineándolos sin distorsionarlos". Los sorprendentes efectos de las pinturas de Ingres —el colapso de la profundidad y la perspectiva tradicionales y la presentación de figuras "como las figuras de una baraja de cartas"—fueron criticados en el siglo XIX pero fueron bien recibidos por los vanguardia en el siglo XX. Una importante retrospectiva de obras de Ingres se llevó a cabo en el Salon d'automne de París en 1905, que fue visitada por Picasso, Matisse y muchos otros artistas. La composición original y sorprendente de 'El baño turco', mostrada por primera vez en público, tuvo una influencia visible en la composición y las poses de las figuras de Les Demoiselles d' de Picasso. 39;Avignon en 1907. La exhibición también incluyó muchos de sus estudios para el mural inacabado l'Age d'or, incluido un dibujo sorprendente de mujeres bailando con gracia en un círculo. Matisse produjo su propia versión de esta composición en su pintura La Danse en 1909. La particular pose y colorido del Retrato de Monsieur Bertin de Ingres también reapareció en Retrato de Gertrude Stein de Picasso (1906).
Barnett Newman reconoció a Ingres como uno de los progenitores del expresionismo abstracto y explicó: "Ese tipo era un pintor abstracto... Miraba el lienzo con más frecuencia que el modelo". Kline, de Kooning: ninguno de nosotros habría existido sin él."
Pierre Barousse, curador del Musée Ingres, escribió:
...Uno se da cuenta de cuántas maneras una variedad de artistas lo reclaman como su maestro, desde lo más claramente convencional del siglo XIX como Cabanel o Bouguereau, hasta lo más revolucionario de nuestro siglo de Matisse a Picasso. ¿Un clásicoista? Sobre todo, fue movido por el impulso de penetrar el secreto de la belleza natural y reinterpretarlo a través de sus propios medios; una actitud fundamentalmente diferente a la de David... resulta que un arte verdaderamente personal y único admirado tanto por los Cubistas por su autonomía plástica, como por los surrealistas por sus cualidades visionarias.
Violón de Ingres
La conocida pasión de Ingres por tocar el violín dio lugar a una expresión común en francés, "violon d'Ingres", que significa una segunda habilidad más allá de la que principalmente se conoce a una persona.
Ingres fue un violinista aficionado desde su juventud y jugó durante un tiempo como segundo violinista de la orquesta de Toulouse. Cuando era director de la Academia Francesa en Roma, tocaba frecuentemente con los estudiantes de música y artistas invitados. Charles Gounod, que fue alumno de Ingres en la Academia, se limitó a señalar que "no era un profesional, y mucho menos un virtuoso". Junto con los estudiantes de música, interpretó cuartetos de cuerda de Beethoven con Niccolò Paganini. En una carta de 1839, Franz Liszt describió su forma de tocar como "encantadora" y planeó tocar todas las sonatas para violín de Mozart y Beethoven con Ingres. Liszt también dedicó sus transcripciones de las sinfonías 5 y 6 de Beethoven a Ingres en su publicación original en 1840.
El artista estadounidense de vanguardia Man Ray utilizó esta expresión como título de una famosa fotografía que retrataba a Alice Prin (también conocida como Kiki de Montparnasse) en la pose de la Bañista de Valpinçon.
Galería
Estudios académicos de un Torso masculino, 1801, Museo Nacional de Varsovia
Self-Portrait, 1804, revisado c. 1850, Musée Condé, Chantilly
Madame Duvaucey, 1807, Musée Condé, Chantilly
Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin, 1821, Taft Museum of Art
The Princesse de Broglie, née Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, 1853, Metropolitan Museum of Art, New York
Juana de Arco en la Coronación de Carlos VII, 1854, Louvre
Mme. Moitessier, 1856, Galería Nacional
Angelica, 1859, Museo de Arte de São Paulo
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