James Abbot McNeill Whistler

James Abbott McNeill Whistler RBA (10 de julio de 1834 – 17 de julio de 1903) fue un pintor estadounidense activo durante la Edad Dorada estadounidense y radicado principalmente en el Reino Unido. Evitó el sentimentalismo y la alusión moral en la pintura y fue uno de los principales defensores del credo 'el arte por el arte'. Su firma para sus pinturas tomó la forma de una mariposa estilizada que poseía un largo aguijón por cola. El símbolo combinó ambos aspectos de su personalidad: su arte está marcado por una sutil delicadeza, mientras que su personaje público era combativo. Encontró un paralelismo entre la pintura y la música, y tituló muchas de sus pinturas 'arreglos', 'armonías' y 'nocturnos', enfatizando la primacía de la armonía tonal. Su pintura más famosa, Arreglo en gris y negro n.° 1 (1871), comúnmente conocida como La madre de Whistler, es un retrato reverenciado y a menudo parodiado de la maternidad.. Whistler influyó en el mundo del arte y la cultura más amplia de su tiempo con sus teorías y sus amistades con otros artistas y escritores destacados.

Primeros años

Nueva Inglaterra

James Abbott Whistler nació en Lowell, Massachusetts el 10 de julio de 1834, el primer hijo de Anna McNeill Whistler y George Washington Whistler, y el hermano mayor del cirujano confederado William McNeill Whistler. Su padre era ingeniero ferroviario y Anna era su segunda esposa. James vivió los primeros tres años de su vida en una casa modesta en 243 Worthen Street en Lowell. La casa es ahora el Museo de Arte de la Casa de Whistler, un museo dedicado a él. Reivindicó a San Petersburgo, Rusia, como su lugar de nacimiento durante el juicio de Ruskin: "Naceré cuando y donde quiera, y no elijo nacer en Lowell".

La familia se mudó de Lowell a Stonington, Connecticut en 1837, donde su padre trabajaba para Stonington Railroad. Tres de los hijos de la pareja murieron en la infancia durante este período. Su fortuna mejoró considerablemente en 1839 cuando su padre se convirtió en ingeniero jefe de Boston & Albany Railroad, y la familia construyó una mansión en Springfield, Massachusetts, donde ahora se encuentra el Museo de Historia Wood. Vivieron en Springfield hasta que abandonaron los Estados Unidos a fines de 1842. Nicolás I de Rusia se enteró del ingenio de George Whistler en la ingeniería de Boston & Albany Railroad, y le ofreció un puesto en 1842 como ingeniero de un ferrocarril de San Petersburgo a Moscú, y la familia se mudó a San Petersburgo en el invierno de 1842/43.

Whistler era un niño malhumorado propenso a los ataques de mal genio y la insolencia, y a menudo caía en períodos de pereza después de los episodios de enfermedad. Sus padres descubrieron que dibujar a menudo lo tranquilizaba y ayudaba a centrar su atención. En años posteriores, destacó la conexión de su madre con el sur de Estados Unidos y sus raíces, y se presentó como un aristócrata sureño empobrecido, aunque no está claro hasta qué punto simpatizaba realmente con la causa sureña durante la Guerra Civil Estadounidense. Guerra. Adoptó el apellido de soltera de su madre después de su muerte, usándolo como un segundo nombre adicional.

Rusia e Inglaterra

Whistler circa 1847-1849

A partir de 1842, su padre fue contratado para trabajar en un ferrocarril en Rusia. Después de mudarse a San Petersburgo para reunirse con su padre un año después, el joven Whistler tomó lecciones privadas de arte y luego se inscribió en la Academia Imperial de las Artes a los once años. El joven artista siguió el plan de estudios tradicional de dibujo de moldes de yeso y modelos vivos ocasionales, se deleitó en la atmósfera de la charla de arte con sus compañeros mayores y complació a sus padres con una nota de primera clase en anatomía. En 1844, conoció al destacado artista Sir William Allan, quien vino a Rusia con el encargo de pintar una historia de la vida de Pedro el Grande. La madre de Whistler anotó en su diario, "el gran artista me comentó 'Tu hijito tiene un genio fuera de lo común, pero no lo presiones más allá de su inclinación.'"

Entre 1847 y 1848, su familia pasó algún tiempo en Londres con parientes, mientras que su padre se quedó en Rusia. El cuñado de Whistler, Francis Haden, un médico que también era artista, estimuló su interés por el arte y la fotografía. Haden llevó a Whistler a visitar coleccionistas ya dar conferencias, y le dio un juego de acuarelas con instrucciones. Whistler ya estaba imaginando una carrera artística. Empezó a coleccionar libros de arte y estudió a otros artistas' tecnicas Cuando su retrato fue pintado por Sir William Boxall en 1848, el joven Whistler exclamó que el retrato era "muy parecido a mí y un cuadro muy fino". Mr. Boxall es un hermoso colorista... Es una hermosa superficie cremosa y se ve tan rica." En su floreciente entusiasmo por el arte, a los quince años, informó a su padre por carta de su futura dirección: "Espero, querido padre, que no se oponga a mi elección". Su padre, sin embargo, murió de cólera a la edad de 49 años, y la familia Whistler se mudó de regreso a la ciudad natal de su madre, Pomfret, Connecticut. Sus planes artísticos permanecieron vagos y su futuro incierto. La familia vivía frugalmente y se las arreglaba para sobrevivir con un ingreso limitado. Su primo informó que Whistler en ese momento era "delgado, con un rostro pensativo y delicado, sombreado por suaves rizos castaños... tenía una apariencia y modales un tanto extraños, que, ayudados por sus habilidades naturales, lo hacían muy encantador., incluso a esa edad."

Punto Oeste

Whistler fue enviado a la escuela Christ Church Hall con la esperanza de su madre de que se convirtiera en pastor. Whistler rara vez estaba sin su cuaderno de bocetos y era popular entre sus compañeros de clase por sus caricaturas. Sin embargo, quedó claro que una carrera en religión no le convenía, por lo que se postuló a la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point, donde su padre había enseñado dibujo y habían asistido otros parientes. Fue admitido en la institución altamente selectiva en julio de 1851 debido a su apellido, a pesar de su extrema miopía y su mal historial de salud. Sin embargo, durante los tres años que estuvo allí, sus calificaciones fueron apenas satisfactorias y era un espectáculo lamentable en el ejercicio y la vestimenta, conocido como 'Rizado'. por la longitud de su cabello que excedía las regulaciones. Whistler desafió a la autoridad, soltó comentarios sarcásticos y acumuló deméritos. El coronel Robert E Lee era el superintendente de West Point y, después de una considerable indulgencia hacia Whistler, no tuvo más remedio que despedir al joven cadete. El mayor logro de Whistler en West Point fue aprender a dibujar y hacer mapas del artista estadounidense Robert W. Weir.

Su partida de West Point parece haber sido precipitada por una falla en un examen de química en el que se le pidió que describiera el silicio y comenzó diciendo: "El silicio es un gas". Como él mismo dijo más tarde: "Si el silicio fuera un gas, algún día habría sido general". Sin embargo, una anécdota separada sugiere mala conducta en la clase de dibujo como el motivo de la partida de Whistler.

Primer trabajo

Después de West Point, Whistler trabajó como dibujante en el mapeo de toda la costa de EE. UU. con fines militares y marítimos. Encontró el trabajo aburrido y con frecuencia llegaba tarde o se ausentaba. Pasaba gran parte de su tiempo libre jugando al billar y holgazaneando, siempre estaba arruinado y, aunque encantador, tenía poca relación con las mujeres. Después de que se descubrió que estaba dibujando serpientes marinas, sirenas y ballenas en los márgenes de los mapas, fue transferido a la división de grabado de la U.S. Coast Survey. Duró allí solo dos meses, pero aprendió la técnica del grabado que luego resultó valiosa para su carrera.

Retrato de Whistler con sombrero (1858), autorretrato en la galería de arte más libre, Washington, D.C.

En este punto, Whistler decidió firmemente que el arte sería su futuro. Durante unos meses vivió en Baltimore con un amigo rico, Tom Winans, quien incluso le proporcionó a Whistler un estudio y algo de dinero para gastos. El joven artista hizo algunos contactos valiosos en la comunidad artística y también vendió algunas de sus primeras pinturas a Winans. Whistler rechazó las sugerencias de su madre para otras carreras más prácticas y le informó que con el dinero de Winans, se disponía a continuar su formación artística en París. Whistler nunca regresó a los Estados Unidos.

Estudiar arte en Francia

Whistler llegó a París en 1855, alquiló un estudio en el Barrio Latino y rápidamente adoptó la vida de un artista bohemio. Pronto tuvo una novia francesa, una modista llamada Héloise. Estudió métodos de arte tradicionales por un corto tiempo en la Ecole Impériale y en el taller de Marc Charles Gabriel Gleyre. Este último fue un gran defensor de la obra de Ingres, e impresionó a Whistler con dos principios que utilizó durante el resto de su carrera: que la línea es más importante que el color y que el negro es el color fundamental de la armonía tonal. Veinte años más tarde, los impresionistas derrocarían en gran medida esta filosofía, prohibiendo el negro y el marrón como "colores prohibidos" y enfatizando el color sobre la forma. Whistler prefería estudiar por su cuenta y disfrutar de la vida del café. Si bien las cartas de su hogar informaban sobre los esfuerzos económicos de su madre, Whistler gastó libremente, vendió poco o nada en su primer año en París y estaba endeudado constantemente. Para aliviar la situación, se dedicó a pintar y vender copias de obras en el Louvre y finalmente se mudó a barrios más baratos. Por suerte, la llegada a París de George Lucas, otro amigo rico, ayudó a estabilizar las finanzas de Whistler por un tiempo. A pesar de un respiro financiero, el invierno de 1857 fue difícil para Whistler. Su mala salud, empeorada por fumar y beber en exceso, lo abatió.

Las condiciones mejoraron durante el verano de 1858. Whistler se recuperó y viajó con su compañero artista Ernest Delannoy por Francia y Renania. Más tarde produjo un grupo de aguafuertes conocido como "El conjunto francés", con la ayuda del maestro impresor francés Auguste Delâtre. Durante ese año, pintó su primer autorretrato, Retrato de Whistler con sombrero, una obra oscura y densa que recuerda a Rembrandt. Pero el acontecimiento de mayor trascendencia de ese año fue su amistad con Henri Fantin-Latour, a quien conoció en el Louvre. A través de él, Whistler conoció el círculo de Gustave Courbet, que incluía a Carolus-Duran (más tarde maestro de John Singer Sargent), Alphonse Legros y Édouard Manet.

También en este grupo estaba Charles Baudelaire, cuyas ideas y teorías de la "moderna" el arte influyó en Whistler. Baudelaire desafió a los artistas a escudriñar la brutalidad de la vida y la naturaleza ya retratarla fielmente, evitando los viejos temas de la mitología y la alegoría. Théophile Gautier, uno de los primeros en explorar las cualidades de traducción entre el arte y la música, puede haber inspirado a Whistler a ver el arte en términos musicales.

Londres

Reflejando el estandarte del realismo de su círculo adoptivo, Whistler pintó su primera obra expuesta, La Mère Gérard en 1858. Le siguió pintando Al piano en 1859 en Londres, que adoptó como su hogar, mientras visitaba regularmente a amigos en Francia. At the Piano es un retrato compuesto por su sobrina y su madre en su sala de música de Londres, un esfuerzo que muestra claramente su talento y promesa. Un crítico escribió, "[a pesar de] una manera temerariamente audaz y un esbozo del tipo más salvaje y tosco, [tiene] un sentimiento genuino por el color y un espléndido poder de composición y diseño, que evidencian una justa apreciación de la naturaleza muy raro entre los artistas." La obra es poco sentimental y contrasta con eficacia la madre en negro y la hija en blanco, con otros colores mantenidos sobrios de la manera aconsejada por su maestro Gleyre. Se exhibió en la Royal Academy al año siguiente y en muchas exhibiciones por venir.

En una segunda pintura ejecutada en la misma habitación, Whistler demostró su inclinación natural hacia la innovación y la novedad creando una escena de género con una composición y un escorzo inusuales. Más tarde fue retitulado Harmony in Green and Rose: The Music Room. Esta pintura también demostró el patrón de trabajo en curso de Whistler, especialmente con los retratos: un comienzo rápido, ajustes importantes, un período de abandono y luego una ráfaga final hasta el final.

Después de un año en Londres, como contrapunto a su conjunto francés de 1858, en 1860, produjo otro conjunto de aguafuertes llamado Thames Set, así como algunos primeros impresionistas trabajo, incluido The Thames in Ice. En esta etapa, comenzaba a establecer su técnica de armonía tonal basada en una paleta limitada y predeterminada.

Carrera temprana

Sinfonía en blanco, No. 1: La chica blanca (1862), The National Gallery of Art, Washington, D.C.

James Abbott McNeill Whistler, París, c.1863, albumen print by Etienne Carjat, Department of Image Collections, National Gallery of Art Library, Washington, D.C.

En 1861, después de regresar a París por un tiempo, Whistler pintó su primera obra famosa, Sinfonía en blanco, n.° 1: La chica blanca. El retrato de su amante y directora comercial Joanna Hiffernan se creó como un simple estudio en blanco; sin embargo, otros lo vieron diferente. El crítico Jules-Antoine Castagnary pensó que la pintura era una alegoría de la inocencia perdida de una nueva novia. Otros lo relacionaron con La mujer de blanco de Wilkie Collins, una novela popular de la época, o con otras fuentes literarias. En Inglaterra, algunos lo consideraron una pintura a la manera prerrafaelita. En la pintura, Hiffernan sostiene un lirio en su mano izquierda y se para sobre una alfombra de piel de lobo (algunos interpretan que representa la masculinidad y la lujuria) con la cabeza del lobo mirando amenazadoramente al espectador. El retrato fue rechazado para exhibición en la conservadora Real Academia, pero se mostró en una galería privada bajo el título La mujer de blanco. En 1863 se mostró en el Salon des Refusés de París, evento patrocinado por el emperador Napoleón III para la exposición de obras rechazadas del Salón.

La pintura de Whistler fue ampliamente notada, aunque eclipsada por la pintura más impactante de Manet Le déjeuner sur l'herbe. Contrarrestando las críticas de los tradicionalistas, los partidarios de Whistler insistieron en que la pintura era "una aparición con un contenido espiritual". y que resumía su teoría de que el arte debería preocuparse esencialmente por la disposición de los colores en armonía, no por una representación literal del mundo natural.

Dos años más tarde, Whistler pintó otro retrato de Hiffernan en blanco, esta vez mostrando su nuevo interés por los motivos asiáticos, al que tituló La niña blanca. Su Lady of the Land Lijsen y The Golden Screen, ambos terminados en 1864, retratan nuevamente a su amante, con un atuendo y un entorno asiáticos aún más enfáticos. Durante este período, Whistler se hizo cercano a Gustave Courbet, el líder temprano de la escuela realista francesa, pero cuando Hiffernan modeló desnudo para Courbet, Whistler se enfureció y su relación con Hiffernan comenzó a desmoronarse. En enero de 1864, la muy religiosa y muy correcta madre de Whistler llegó a Londres, alterando la existencia bohemia de su hijo y exacerbando temporalmente las tensiones familiares. Como le escribió a Henri Fantin-Latour, "¡Conmoción general! Tuve que vaciar mi casa y purificarla desde el sótano hasta el alero." También trasladó inmediatamente a Hiffernan a otro lugar.

Desde 1866, Whistler estableció su hogar en Chelsea, Londres, un área popular entre los artistas, primero en Cheyne Walk, luego en un desafortunado traslado a Tite Street y finalmente a Upper Church Street.

Carrera madura

Nocturnos

Nocturne: Azul y Oro - Old Battersea Puente (1872), Tate Britain, Londres

En 1866, Whistler decidió visitar Valparaíso, Chile, un viaje que ha desconcertado a los estudiosos, aunque Whistler afirmó que lo hizo por motivos políticos. Chile estaba en guerra con España y quizás Whistler pensó que era una lucha heroica de una pequeña nación contra una más grande, pero ninguna evidencia respalda esa teoría. Lo que sí produjo el viaje fueron las primeras tres pinturas nocturnas de Whistler, a las que denominó "luces de luna" y luego retitulado como "nocturnos": escenas nocturnas del puerto pintadas con una paleta de azul o verde claro. Después de regresar a Londres, pintó varios nocturnos más durante los siguientes diez años, muchos del río Támesis y de Cremorne Gardens, un parque de recreo famoso por sus frecuentes espectáculos de fuegos artificiales, lo que representó un desafío novedoso para pintar. En sus nocturnos marítimos, Whistler usó pintura muy diluida como fondo con un color ligeramente parpadeante para sugerir barcos, luces y la costa. Algunas de las pinturas del Támesis también muestran similitudes compositivas y temáticas con las estampas japonesas de Hiroshige.

En 1872, Whistler le dio crédito a su mecenas Frederick Leyland, un músico aficionado devoto de Chopin, por sus títulos de inspiración musical.

¡Yo digo que no puedo agradecerte demasiado por el nombre 'Nocturne' como título para mis luces de luna! No tienes idea de lo que una irritación demuestra a los críticos y el placer consiguiente para mí, además de que es realmente tan encantador y hace tan poéticamente decir todo lo que quiero decir y no más que yo deseo!

En ese momento, Whistler pintó otro autorretrato y lo tituló Arreglo en gris: Retrato del pintor (c. 1872), y también comenzó a cambiar el título de muchas de sus obras anteriores. utilizando términos asociados con la música, como "nocturno", "sinfonía", "armonía", "estudio" o "disposición", para enfatizar las cualidades tonales y la composición y quitar énfasis al contenido narrativo. Los nocturnos de Whistler se encuentran entre sus obras más innovadoras. Además, su envío de varios nocturnos al marchante de arte Paul Durand-Ruel después de la guerra franco-prusiana le dio a Whistler la oportunidad de explicar su evolutiva "teoría en el arte" a artistas, compradores y críticos en Francia. Su buen amigo Fantin-Latour, cada vez más reaccionario en sus opiniones, especialmente en su negatividad con respecto a la escuela impresionista emergente, encontró las nuevas obras de Whistler sorprendentes y confusas. Fantin-Latour admitió: 'No entiendo nada allí; es extraño cómo uno cambia. Ya no lo reconozco." Para entonces, su relación casi había terminado, pero continuaron compartiendo opiniones en correspondencia ocasional. Cuando Edgar Degas invitó a Whistler a exponer con la primera muestra de los impresionistas en 1874, Whistler rechazó la invitación, al igual que Manet, y algunos académicos lo atribuyeron en parte a la influencia de Fantin-Latour en ambos hombres.

Retratos

La guerra franco-prusiana de 1870 fragmentó la comunidad artística francesa. Muchos artistas se refugiaron en Inglaterra, uniéndose a Whistler, incluidos Camille Pissarro y Monet, mientras que Manet y Degas se quedaron en Francia. Al igual que Whistler, Monet y Pissarro centraron sus esfuerzos en las vistas de la ciudad, y es probable que Whistler haya estado expuesto a la evolución del impresionismo fundado por estos artistas y que hayan visto sus nocturnos. Whistler se estaba alejando del 'maldito realismo' de Courbet. y su amistad se había marchitado, al igual que su relación con Joanna Hiffernan.

Madre de Whistler

Arreglo en gris y negro No.1 (1871), popularmente conocido como Madre de Whistler, Musée d'Orsay, Paris

En 1871, Whistler volvió a los retratos y pronto produjo su pintura más famosa, la figura casi monocromática de cuerpo entero titulada Arreglo en gris y negro n.° 1, pero generalmente conocida como Madre de Whistler. Una modelo no apareció un día, según una carta de su madre, por lo que Whistler se dirigió a su madre y le sugirió que hiciera su retrato. La hizo pararse al principio, en su forma típicamente lenta y experimental, pero eso resultó demasiado agotador, por lo que se adoptó la postura sentada. Se necesitaron docenas de sesiones para completar.

La madre de Whistler Anna Whistler, c. 1850

El retrato austero en su paleta normalmente restringida es otro ejercicio de Whistler en armonía tonal y composición. El diseño engañosamente simple es, de hecho, un acto de equilibrio de diferentes formas, particularmente los rectángulos de cortina, cuadro en la pared y piso que estabilizan la curva de su rostro, vestido y silla. Whistler comentó que la narrativa de la pintura era de poca importancia, sin embargo, la pintura también rendía homenaje a su piadosa madre. Después de la conmoción inicial de mudarse con su hijo, ella lo ayudó considerablemente al estabilizar un poco su comportamiento, atender sus necesidades domésticas y brindarle un aura de respetabilidad conservadora que ayudó a ganar clientes.

El público reaccionó negativamente a la pintura, principalmente debido a su sencillez anti-victoriana durante una época en Inglaterra en la que el sentimentalismo y la decoración extravagante estaban de moda. Los críticos pensaron que la pintura era un "experimento" fallido. en lugar de arte. La Royal Academy lo rechazó, pero luego lo aceptó a regañadientes después de la presión de Sir William Boxall, pero lo colgaron en un lugar desfavorable en su exposición.

Desde el principio, Whistler's Mother provocó diversas reacciones, incluidas la parodia, el ridículo y la reverencia, que han continuado hasta el día de hoy. Algunos lo vieron como "el sentimiento digno de la vieja dama", "un sentimiento grave de luto" o un "símbolo perfecto de la maternidad"; otros lo emplearon como vehículo adecuado para la burla. Ha sido satirizado en infinitas variaciones en tarjetas de felicitación y revistas, y por personajes de dibujos animados como Donald Duck y Bullwinkle the Moose. Whistler hizo su parte en la promoción de la imagen y la popularización de la imagen. Lo exhibió con frecuencia y autorizó las primeras reproducciones que llegaron a miles de hogares. La pintura escapó por poco de ser quemada en un incendio a bordo de un tren durante el envío. Finalmente fue adquirida por el gobierno francés, la primera obra de Whistler en una colección pública, y ahora se encuentra en el Musée d'Orsay de París.

Madre de Whistler

Cuestión de 1934

Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, la imagen fue anunciada como un "millón de dólares" pintura y fue un gran éxito en la Feria Mundial de Chicago de 1933–34. Fue aceptado como un ícono universal de la maternidad por el público mundial, que no estaba particularmente consciente o preocupado por las teorías estéticas de Whistler. En reconocimiento a su estatus y popularidad, Estados Unidos emitió un sello postal en 1934 con una adaptación de la pintura. En 2015, el crítico del New Yorker Peter Schjeldahl escribió que "sigue siendo la obra estadounidense más importante que reside fuera de los Estados Unidos". Marta Tedeschi escribe:

Madre de Whistler, Wood's Gótico americano, Leonardo da Vinci Mona Lisa y Edvard Munch El grito todos han logrado algo que la mayoría de las pinturas —independientemente de su importancia histórica, belleza o valor monetario— no tienen: comunican un significado específico casi inmediatamente a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado la transición del reino de élite del visitante del museo al enorme lugar de la cultura popular.

Otros retratos

Whistler en su estudio 1865, autorretrato

Otros retratos importantes de Whistler incluyen los de Thomas Carlyle (historiador, 1873), Maud Franklin (su amante, 1876), Cicely Alexander (hija de un banquero de Londres, 1873), Lady Meux (miembro de la alta sociedad, 1882) y Théodore Duret (crítico, 1884). En la década de 1870, Whistler pintó retratos de cuerpo entero de Frederick Leyland y su esposa Frances. Posteriormente, Leyland encargó al artista que decorara su comedor (ver Peacock Room a continuación).

Whistler se había sentido decepcionado por la aceptación irregular de sus obras para las exhibiciones de la Royal Academy y la colocación y ubicación deficientes de sus pinturas. En respuesta, Whistler organizó su primera exposición individual en 1874. La muestra fue notable y notada, sin embargo, por el diseño y la decoración de la sala de Whistler, que armonizaba bien con las pinturas, de acuerdo con sus teorías artísticas. Un crítico escribió: "Al entrar en la galería, el visitante se sorprende con una curiosa sensación de armonía y adecuación que la impregna, y está más interesado, quizás, en el efecto general que en cualquier obra".

Alice Butt, c. 1895, National Gallery of Art

Whistler no fue un pintor de retratos tan exitoso como el otro famoso expatriado estadounidense John Singer Sargent. La técnica sobria de Whistler y su falta de inclinación a halagar a sus modelos, así como su notoriedad, pueden explicar esto. También trabajaba muy lentamente y exigía sesiones extraordinariamente largas. William Merritt Chase se quejó de su sesión para un retrato de Whistler: "Él demostró ser un verdadero tirano, pintando todos los días en el crepúsculo, mientras mis extremidades me dolían por el cansancio y mi cabeza daba vueltas vertiginosamente". '¡No te muevas! ¡No te muevas! él gritaba cada vez que comenzaba a descansar." Cuando obtuvo una amplia aceptación en la década de 1890, Whistler ya había pasado su mejor momento como retratista.

Técnica

El acercamiento de Whistler al retrato en su madurez tardía fue descrito por uno de sus modelos, Arthur J. Eddy, quien posó para el artista en 1894:

Trabajó con gran rapidez y largas horas, pero usó sus colores delgados y cubrió el lienzo con innumerables capas de pintura. Los colores aumentaron en profundidad e intensidad a medida que avanzaba el trabajo. Al principio toda la figura fue pintada en tonos grisáceos, con muy poco color de carne, todo mezclado perfectamente con el marrón grisáceo de la tela preparada; entonces todo el fondo se intensificaría un poco; entonces la figura hizo un poco más fuerte; luego el fondo, y así sucesivamente de día a día y semana a semana, y a menudo de mes a mes.... Y así el retrato realmente crecería, realmente se desarrollaría como una totalidad, mucho como un negativo bajo la acción de los químicos sale gradualmente—luz, sombras, y todo desde las primeras indicaciones débiles a sus valores completos. Era como si el retrato estuviera escondido dentro del lienzo y el maestro pasando sus varitas día tras día sobre la superficie evocando la imagen.

Grabado

Zaandam, Países Bajos, c. 1889 - grabado por James McNeill Whistler

Whistler produjo numerosos grabados, litografías y puntas secas. Sus litografías, algunas dibujadas sobre piedra, otras dibujadas directamente sobre "lithographie" papel, son quizás la mitad de numerosos que sus aguafuertes. Algunas de las litografías son de figuras ligeramente drapeadas; dos o tres de los mejores son temas del Támesis, incluido un "nocturno" en Limehouse; mientras que otros representan el Faubourg Saint-Germain en París y las iglesias georgianas en Soho y Bloomsbury en Londres.

La puerta, etching y drypoint, 1879–80, Metropolitan Museum of Art

Los grabados incluyen retratos de familiares, amantes y escenas callejeras íntimas en Londres y Venecia. Whistler ganó una enorme reputación como grabador. Martin Hardie escribió: "Hay quienes lo colocan al lado de Rembrandt, quizás por encima de Rembrandt, como el más grande maestro de todos los tiempos". Personalmente, prefiero considerarlos como Júpiter y Venus, los más grandes y brillantes entre los planetas del cielo del grabador." Cuidó mucho la impresión de sus grabados y la elección del papel. Al principio y al final de su carrera, hizo mucho hincapié en la limpieza de la línea, aunque en un período intermedio experimentó más con el entintado y el uso del tono superficial.

Ajustes de pintura y firma de mariposas

La famosa firma de mariposas de Whistler se desarrolló por primera vez en la década de 1860 a partir de su interés por el arte asiático. Estudió las marcas del alfarero en la porcelana que había comenzado a coleccionar y decidió diseñar un monograma de sus iniciales. Con el tiempo, esto evolucionó a la forma de una mariposa abstracta. Alrededor de 1880, agregó un aguijón a la imagen de la mariposa para crear una marca que representara tanto su naturaleza gentil y sensible como su espíritu provocador y luchador. Cuidó mucho la ubicación adecuada de la imagen tanto en sus pinturas como en sus marcos personalizados. Su enfoque en la importancia del equilibrio y la armonía se extendió más allá del marco a la ubicación de sus pinturas en sus escenarios, y más allá del diseño de un elemento arquitectónico completo, como en la Sala Peacock.

La habitación del pavo real

La Princesa de la Tierra de Porcelana, in situ in La sala del pavo real, Freer Gallery of Art, Washington, D.C.

Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room es la obra maestra del arte mural decorativo de interiores de Whistler. Pintó sobre la habitación con paneles original diseñada por Thomas Jeckyll (1827–1881), en una paleta unificada de verdes azulados brillantes con vidriado y pan de oro metálico. Pintado en 1876-1877, ahora se considera un gran ejemplo del estilo anglo-japonés. Frederick Leyland dejó la habitación al cuidado de Whistler para hacer cambios menores, 'armonizar' la sala cuyo propósito principal era exhibir la colección de porcelana de Leyland. Sin embargo, Whistler dejó volar su imaginación: "Bueno, ya sabes, acabo de pintar". Continué, sin diseño ni boceto, poniendo cada toque con tanta libertad... Y la armonía en azul y dorado se desarrolló, ya sabes, olvidé todo en mi alegría por ello." Pintó completamente sobre revestimientos de paredes de cuero de Córdoba del siglo XVI traídos por primera vez a Gran Bretaña por Catalina de Aragón por los que Leyland había pagado 1,000 libras esterlinas.

Habiendo adquirido la pieza central de la habitación, la pintura de Whistler de La princesa del país de la porcelana, el industrial y esteta estadounidense Charles Lang Freer compró toda la habitación en 1904 a Leyland' sus herederos, incluida la hija de Leyland y su esposo, el artista británico Val Prinsep. Freer luego hizo instalar el contenido de la Peacock Room en su mansión de Detroit. Después de la muerte de Freer en 1919, The Peacock Room se instaló de forma permanente en la Freer Gallery of Art del Smithsonian en Washington, D.C. La galería se abrió al público en 1923. Una gran caricatura pintada por Whistler of Leyland, que lo retrata como un pavo real antropomórfico tocando un piano, y titulado The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre, un juego de palabras con la afición de Leyland por las pecheras con volantes, ahora está en la colección. de los Museos de Bellas Artes de San Francisco.

Juicio Ruskin

En 1877, Whistler demandó al crítico John Ruskin por difamación después de que el crítico condenara su pintura Nocturno en negro y dorado: el cohete que cae. Whistler exhibió la obra en la Grosvenor Gallery, una alternativa a la exhibición de la Royal Academy, junto con obras de Edward Burne-Jones y otros artistas. Ruskin, que había sido un campeón de los prerrafaelitas y de J. M. W. Turner, revisó el trabajo de Whistler en su publicación Fors Clavigera el 2 de julio de 1877. Ruskin elogió a Burne-Jones, mientras atacaba silbador:

Por el propio bien del Sr. Whistler, no menos que por la protección del comprador, Sir Coutts Lindsay [fundador de la galería Grosvenor] no debería haber admitido obras en la galería en la que el mal educado conceit del artista se acercaba tan casi al aspecto de la impostura deliberada. He visto, y he oído, mucho de la impudencia de Cockney antes de ahora; pero nunca esperaba oír un coxcomb pedir doscientas guineas por tocar una olla de pintura en la cara del público.

Whistler, al ver el ataque en el periódico, respondió a su amigo George Boughton: "Es el estilo de crítica más degradante que me han hecho hasta ahora". Luego fue a su abogado y redactó una orden judicial por difamación, que se entregó a Ruskin. Whistler esperaba recuperar £1,000 más los costos de la acción. El caso llegó a juicio al año siguiente después de los retrasos causados por los episodios de enfermedad mental de Ruskin, mientras que la situación financiera de Whistler seguía deteriorándose. Se escuchó en la División de Hacienda del Tribunal Superior el 25 y 26 de noviembre de 1878 ante Baron Huddleston y un jurado especial. El abogado de John Ruskin, el Fiscal General Sir John Holker, interrogó a Whistler:

Holker: "¿Cuál es el tema de Nocturno en negro y oro: El cohete caído¿?"

Whistler: "Es una pieza nocturna y representa los fuegos artificiales en Cremorne Gardens."

Holker: "¿No hay una vista de Cremorne?"

Whistler: "Si fuera Una vista de Cremorne ciertamente no traería más que decepción por parte de los espectadores. Es un arreglo artístico. Por eso lo llamo una nocturna...."

Holker: "Te tomó mucho tiempo pintar el ¿Nocturne en negro y oro? ¿Cuán pronto lo dejaste?"

Whistler: "Oh, me 'relato' posiblemente en un par de días – un día para hacer el trabajo y otro para terminarlo..." [la pintura mide 24 3/4 x 18 3/8 pulgadas]

Holker: "¿El trabajo de dos días es el que pides doscientas guineas?"

Whistler: "No, lo pido por el conocimiento que he adquirido en el trabajo de una vida."

Nocturno en negro y oro: El cohete caído (1874),
Detroit Institute of Arts

Whistler había contado con muchos artistas para que se pusieran de su lado como testigos, pero se negaron por temor a dañar su reputación. Los otros testigos de él no fueron convincentes y la propia reacción del jurado ante el trabajo fue burlona. Con los testigos de Ruskin más impresionantes, incluido Edward Burne-Jones, y con Ruskin ausente por razones médicas, el contraataque de Whistler fue ineficaz. No obstante, el jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero otorgó un mero centavo en daños nominales y las costas judiciales se dividieron. El costo del caso, junto con las enormes deudas de la construcción de su residencia ("La Casa Blanca" en Tite Street, Chelsea, diseñada con E. W. Godwin, 1877–8), lo llevó a la bancarrota en mayo de 1879, lo que resultó en una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres, que había organizado una colección para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyó en el grabado de 'Las piedras de Venecia'. (y exhibiendo la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar los costos de Whistler.

Whistler publicó su relato del juicio en el folleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, incluido en su obra posterior The Gentle Art of Making Enemies (1890), en diciembre de 1878, poco después del juicio. La gran esperanza de Whistler de que la publicidad del juicio rescataría su carrera se desvaneció cuando perdió, en lugar de ganar, popularidad entre los patrocinadores a causa de ello. Entre sus acreedores estaba Leyland, quien supervisó la venta de las posesiones de Whistler. Whistler hizo varias caricaturas de su antiguo patrón, incluida una pintura satírica mordaz llamada The Gold Scab, justo después de que Whistler se declarara en bancarrota. Whistler siempre culpó a Leyland por su caída financiera.

Años posteriores

Madre de Perla y Plata: La Andalucía (1888–1900), National Gallery of Art, Washington, D.C. (Modelo: Ethel Whibley)

Después del juicio, Whistler recibió el encargo de realizar doce grabados en Venecia. Aceptó con entusiasmo la asignación y llegó a la ciudad con su novia Maud, ocupando habitaciones en un palacio en ruinas que compartían con otros artistas, incluido John Singer Sargent. Aunque nostálgico de Londres, se adaptó a Venecia y se dedicó a descubrir su carácter. Hizo todo lo posible para distraerse de la oscuridad de sus asuntos financieros y la venta pendiente de todos sus bienes en Sotheby's. Era un invitado habitual en las fiestas del consulado estadounidense y, con su ingenio habitual, encantaba a los invitados con florituras verbales como "la única virtud positiva del artista es la ociosidad, y hay muy pocos que tengan el don". en eso."

Sus nuevos amigos informaron, por el contrario, que Whistler se levantó temprano y dedicó un día completo de esfuerzo. Escribió a un amigo: "He aprendido a conocer una Venecia en Venecia que los demás nunca parecen haber percibido, y que, si la traigo conmigo como propongo, compensará con creces todas las molestias y retrasos. &erio; aflicciones de espíritu." La asignación de tres meses se extendió a catorce meses. Durante este período excepcionalmente productivo, Whistler terminó más de cincuenta grabados, varios nocturnos, algunas acuarelas y más de 100 pasteles, que ilustran tanto los estados de ánimo de Venecia como sus finos detalles arquitectónicos. Además, Whistler influyó en la comunidad artística estadounidense de Venecia, especialmente en Frank Duveneck (y los 'boys' de Duveneck) y Robert Blum, quienes emularon la visión de Whistler de la ciudad y más tarde difundieron sus métodos y influencia de regreso a América.

De regreso en Londres, los pasteles se vendieron particularmente bien y él bromeó: "No son tan buenos como supuse. ¡Se están vendiendo!" Participó activamente en la exhibición de su otro trabajo, pero con un éxito limitado. Aunque todavía tenía dificultades financieras, se sintió alentado por la atención y la admiración que recibió de la generación más joven de pintores ingleses y estadounidenses que lo convirtieron en su ídolo y adoptaron con entusiasmo el título de "alumno de Whistler". Muchos de ellos regresaron a Estados Unidos y difundieron historias sobre el egoísmo provocativo, el agudo ingenio y los pronunciamientos estéticos de Whistler, estableciendo la leyenda de Whistler, para su gran satisfacción.

Whistler publicó su primer libro, Conferencia de las diez en punto, en 1885, una importante expresión de su creencia en el "arte por el arte". En ese momento, reinaba la noción victoriana opuesta, a saber, que el arte y, de hecho, gran parte de la actividad humana, tenían una función moral o social. Para Whistler, sin embargo, el arte era su propio fin y la responsabilidad del artista no era con la sociedad, sino consigo mismo, interpretar a través del arte y no reproducir ni moralizar lo que veía. Además, afirmó, "la naturaleza rara vez tiene razón", y debe ser mejorada por el artista, con su propia visión.

Aunque difiere de Whistler en varios puntos, incluida su insistencia en que la poesía es una forma de arte superior a la pintura, Oscar Wilde fue generoso en sus elogios y calificó la conferencia como una obra maestra:

no sólo por su sátira inteligente y sus bromas divertidas... sino por la belleza pura y perfecta de muchos de sus pasajes... porque él es realmente uno de los más grandes maestros de la pintura, en mi opinión. Y puedo añadir que en esta opinión el Sr. Whistler está totalmente de acuerdo.

Whistler, sin embargo, pensó que Oscar Wilde se había burlado de sí mismo y, a partir de ese momento, se produjeron discusiones públicas que llevaron a la ruptura total de su amistad, precipitada por un informe escrito por Herbert Vivian. Más tarde, Wilde "asesinó simbólicamente a Whistler" y basó a Basil Hallward, el artista asesinado en su novela El retrato de Dorian Gray, en Whistler.

En enero de 1881, murió Anna Whistler. A partir de entonces, en honor a su madre, adoptó públicamente su apellido de soltera McNeill como segundo nombre.

El Barrow, Bruselas, 1887, etching y drypoint

Whistler se unió a la Sociedad de Artistas Británicos en 1884 y el 1 de junio de 1886 fue elegido presidente. Al año siguiente, durante el Jubileo de Oro de la Reina Victoria, Whistler le presentó a la Reina, en nombre de la Sociedad, un álbum elaborado que incluía un largo discurso escrito e ilustraciones que él mismo hizo. La reina Victoria admiraba tanto "la hermosa y artística iluminación" que ella decretó en lo sucesivo, "que la Sociedad debería llamarse Real." Este logro fue muy apreciado por los miembros, pero pronto se vio ensombrecido por la disputa que inevitablemente surgió con la Royal Academy of Arts. Whistler propuso que los miembros de la Royal Society se retiraran de la Royal Academy. Esto encendió una disputa entre los miembros que eclipsó todos los demás asuntos de la sociedad. En mayo de 1888, nueve miembros escribieron a Whistler para exigir su renuncia. En la reunión anual del 4 de junio, fue derrotado para la reelección por 18 a 19 votos, con nueve abstenciones. Whistler y 25 simpatizantes renunciaron, mientras que la mayoría anti-Whistler (en su opinión) logró purgarlo por sus "excentricidades" y "no inglés" fondo.

Con su relación con Maud desmoronándose, Whistler repentinamente le propuso matrimonio y se casó con Beatrice Godwin (también llamada "Beatrix" o "Trixie"), una ex alumna y viuda de su arquitecto Edward. Guillermo Godwin. A través de su amistad con Godwin, Whistler se había acercado a Beatrice, a quien Whistler pintó en el retrato de cuerpo entero titulado Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315). En el verano de 1888, Whistler y Beatrice aparecieron en público como pareja. En una cena, Louise Jopling y Henry Labouchère insistieron en que deberían casarse antes del final de la semana.

Se arregló la ceremonia de matrimonio; como miembro del parlamento, Labouchère arregló que el capellán de la Cámara de los Comunes casara a la pareja. No se dio publicidad a la ceremonia para evitar la posibilidad de que una furiosa Maud Franklin interrumpiera la ceremonia de matrimonio. El matrimonio tuvo lugar el 11 de agosto de 1888, con la presencia en la ceremonia de un reportero de la Pall Mall Gazette, por lo que el evento recibió publicidad. La pareja partió poco después hacia París, para evitar cualquier riesgo de una escena con Maud.

La reputación de Whistler en Londres y París iba en aumento y obtuvo críticas positivas de los críticos y nuevos encargos. Su libro The Gentle Art of Making Enemies se publicó en 1890 con un éxito desigual, pero proporcionó una publicidad útil.

Arreglo en rosa, rojo y púrpura, 1883-1884, Museo de Arte Cincinnati, Cincinnati, Ohio

En 1890, conoció a Charles Lang Freer, quien se convirtió en un valioso mecenas en Estados Unidos y, en última instancia, en su coleccionista más importante. Por esta época, además de los retratos, Whistler experimentó con la fotografía en color temprana y con la litografía, creando una serie que presentaba la arquitectura londinense y la figura humana, en su mayoría desnudos femeninos. Contribuyó con las primeras tres litografías de sus Songs of Stone a The Whirlwind, una revista neojacobita publicada por su amigo Herbert Vivian. Whistler conoció a Vivian a fines de la década de 1880 cuando ambos eran miembros de la Orden de la Rosa Blanca, la primera de las sociedades neojacobitas. En 1891, con la ayuda de su amigo cercano Stéphane Mallarmé, el gobierno francés compró Whistler's Mother por 4000 francos. Esto era mucho menos de lo que podría haber pagado un coleccionista estadounidense, pero eso no habría sido tan prestigioso según los cálculos de Whistler.

Después de una recepción indiferente a su exposición individual en Londres, que presentaba principalmente sus nocturnos, Whistler decidió abruptamente que ya estaba harto de Londres. Él y Trixie se mudaron a París en 1892 y residieron en el n° 110 Rue du Bac, París, con su estudio en la parte superior de 86 Rue Notre Dame des Champs en Montparnasse. Se sintió acogido por Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec y Stéphane Mallarmé, y se instaló un gran estudio. Estaba en la cima de su carrera cuando se descubrió que Trixie tenía cáncer. Regresaron a Londres en febrero de 1896, tomando habitaciones en el Hotel Savoy mientras buscaban tratamiento médico. Hizo dibujos en papel de transferencia litográfica de la vista del río Támesis, desde la ventana o el balcón del hotel, mientras estaba sentado con ella. Ella murió unos meses después.

En 1899, Charles Freer le presentó a Whistler a su amigo y compañero de negocios Richard Albert Canfield, quien se convirtió en amigo personal y mecenas de Whistler's. Canfield era propietario de varias casas de juego de moda en Nueva York, Rhode Island, Saratoga Springs y Newport, y también era un hombre de cultura con gustos refinados por el arte. Poseía muebles, tapices, porcelana china y bronces de Barye antiguos y estadounidenses de Chippendale, y poseía la segunda colección de Whistler más grande e importante del mundo antes de su muerte en 1914. En mayo de 1901, Canfield encargó un retrato de Whistler; comenzó a posar para Portrait of Richard A. Canfield (YMSM 547) en marzo de 1902. Según Alexander Gardiner, Canfield regresó a Europa para posar para Whistler en el Año Nuevo de 1903, y se sentaba todos los días hasta el 16 de mayo de 1903. Whistler estaba enfermo y frágil en ese momento y la obra fue su último retrato completo. El engañoso aire de respetabilidad que el retrato le dio a Canfield hizo que Whistler lo llamara 'Su Reverencia'. Los dos hombres mantuvieron correspondencia desde 1901 hasta la muerte de Whistler. Unos meses antes de su propia muerte, Canfield vendió su colección de grabados, litografías, dibujos y pinturas de Whistler al marchante de arte estadounidense Roland F. Knoedler por 300.000 dólares. Tres de las pinturas de Whistler de Canfield cuelgan en el Museo Frick en la ciudad de Nueva York.

En los últimos siete años de su vida, Whistler hizo algunos paisajes marinos minimalistas en acuarela y un último autorretrato al óleo. Mantuvo correspondencia con sus muchos amigos y colegas. Whistler fundó una escuela de arte en 1898, pero su mala salud y sus escasas apariciones provocaron su cierre en 1901. Murió en Londres el 17 de julio de 1903, seis días después de cumplir 69 años. Está enterrado en el antiguo cementerio de Chiswick en el oeste de Londres, junto a la iglesia de San Nicolás, Chiswick.

Whistler fue el tema de una biografía de 1908 de sus amigos, el equipo de marido y mujer de Joseph Pennell y Elizabeth Robins Pennell, grabador y crítico de arte respectivamente. Los Pennell' vasta colección de material de Whistler fue legada a la Biblioteca del Congreso. Todo el patrimonio del artista quedó en manos de su cuñada Rosalind Birnie Philip. Pasó el resto de su vida defendiendo su reputación y gestionando su arte y sus efectos, gran parte de los cuales finalmente fueron donados a la Universidad de Glasgow.

Grabado del modelo de Whistler, Joanna Hiffernan (c. 1860)

Relaciones personales

Sinfonía en blanco No. 2 (La niña blanca), versión completa

Maud Franklin Arreglo en blanco y negro, 1876. Freer Gallery of Art, Washington, D.C.

Armonía en rojo: Lámpara utilizado Beatrice Godwin como modelo

Whistler tenía una apariencia distintiva, bajo y delgado, con ojos penetrantes y un bigote rizado, a menudo luciendo un monóculo y el atuendo llamativo de un dandy. Adoptó una postura de confianza en sí mismo y excentricidad. A menudo era arrogante y egoísta con sus amigos y patrocinadores. Un constante autopromotor y egoísta, disfrutó impactando a amigos y enemigos. Aunque podía ser divertido y frívolo sobre asuntos sociales y políticos, siempre se tomó en serio el arte y, a menudo, invitaba a la controversia pública y al debate para defender sus teorías fuertemente sostenidas.

Whistler tenía una voz aguda y arrastrada y una forma de hablar única, llena de pausas calculadas. Un amigo dijo: "En un segundo descubres que no está conversando, está dibujando palabras, dando impresiones en sonido y sentido para que el oyente las interprete".

Whistler era bien conocido por su ingenio mordaz, especialmente en los intercambios con su amigo y rival Oscar Wilde. Ambos eran figuras de la sociedad Café de París y, a menudo, eran la "comidilla de la ciudad". Con frecuencia aparecían como caricaturas en Punch, para diversión mutua. En una ocasión, el joven Oscar Wilde asistió a una de las cenas de Whistler y, al escuchar a su anfitrión hacer un comentario brillante, aparentemente dijo: "Ojalá hubiera dicho eso", a lo que Whistler respondió., "¡Lo harás, Oscar, lo harás!" De hecho, Wilde repitió en público muchas ocurrencias creadas por Whistler. Su relación se agrió a mediados de la década de 1880, cuando Whistler se volvió contra Wilde y el Movimiento Estético. Cuando se reconoció públicamente que Wilde era homosexual en 1895, Whistler se burló abiertamente de él. Whistler se deleitaba preparando y dirigiendo sus reuniones sociales. Como observó un invitado:

Uno conoció a todos los mejores en la Sociedad, a las personas con cerebros y a los que tenían suficiente para apreciarlos. Whistler era un anfitrión inimitable. A él le encantaba ser el Sol alrededor a quien menos luces giraban... Todos estaban bajo su influencia, y en consecuencia nadie estaba aburrido, nadie aburrido.

En París, Whistler era amigo de miembros del círculo simbolista de artistas, escritores y poetas que incluía a Stéphane Mallarmé y Marcel Schwob. Schwob había conocido a Whistler a mediados de la década de 1890 a través de Stéphane Mallarmé. Tenían otros amigos en común, incluido Oscar Wilde (hasta que discutieron) y el cuñado de Whistler, Charles Whibley.

Whistler era amigo de muchos artistas franceses, incluidos Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros y Courbet. Ilustró el libro Les Chauves-Souris con Antonio de La Gandara. También conoció a Édouard Manet ya los impresionistas, en particular a Monet y Edgar Degas. Como joven artista, fue amigo cercano de Dante Gabriel Rossetti, miembro de la Hermandad Prerrafaelita. Su estrecha amistad con Monet y el poeta Stéphane Mallarmé, quien tradujo la conferencia Ten O'Clock al francés, ayudó a fortalecer el respeto por Whistler por parte del público francés. Whistler era amigo de sus compañeros de estudios en el estudio de Gleyre, incluido Ignace Schott, cuyo hijo, Leon Dabo Whistler, más tarde sería su mentor.

La amante de Whistler y modelo de The White Girl, Joanna Hiffernan, también posó para Gustave Courbet. Los historiadores especulan que Courbet la usó como modelo para sus pinturas eróticas Le Sommeil y L'Origine du monde, lo que posiblemente llevó a la ruptura de la amistad entre Whistler y Courbet.. Durante la década de 1870 y gran parte de la década de 1880, vivió con su modelo y amante Maud Franklin. Su capacidad para soportar sesiones largas y repetitivas ayudó a Whistler a desarrollar sus habilidades para retratar. No solo hizo varios retratos excelentes de ella, sino que también fue un sustituto útil para otros modelos. Whistler tuvo varios hijos ilegítimos, de los cuales Charles James Whistler Hanson (1870-1935) es el mejor documentado. Después de que Whistler se separó de su amante Joanna Hiffernan, ella ayudó a criar a Hanson, a pesar de que su madre era la doncella del salón, Louisa Fanny Hanson. Whistler tuvo dos hijas de Maud Franklin: Ione (nacida alrededor de 1877) y Maud McNeill Whistler Franklin (nacida en 1879). A veces se refería a sí misma como 'Sra. Whistler', y en el censo de 1881 dio su nombre como 'Mary M. Whistler'.

En 1888, Whistler se casó con Beatrice Godwin, a quien llamó Beatrix o Trixie. Era viuda del arquitecto E. W. Godwin, quien había diseñado la Casa Blanca de Whistler, e hija del escultor John Birnie Philip y su esposa Frances Black. Beatrix y sus hermanas Rosalind Birnie Philip y Ethel Whibley posaron para muchas de las pinturas y dibujos de Whistler; con Ethel Whibley modelando para Nácar y plata: El andaluz (1888–1900). Los primeros cinco años de su matrimonio fueron muy felices, pero su vida posterior fue una época de miseria para la pareja, debido a la enfermedad de ella y su eventual muerte por cáncer. Cerca del final, permaneció en coma la mayor parte del tiempo, completamente dominada por la morfina, administrada para aliviar el dolor. Su muerte fue un duro golpe que Whistler nunca superó del todo.

Legado

Whistler por William Merritt Chase, 1885. El Museo Metropolitano de Arte.

Whistler se inspiró e incorporó muchas fuentes en su arte, incluido el trabajo de Rembrandt, Velázquez y la escultura griega antigua, para desarrollar su propio estilo individual y de gran influencia. Era experto en muchos medios, con más de 500 pinturas, así como grabados, pasteles, acuarelas, dibujos y litografías. Whistler fue un líder en el Movimiento Estético, promoviendo, escribiendo y dando conferencias sobre el "arte por el arte' filosofía. Con sus alumnos, abogó por el diseño simple, la economía de medios, la evitación de la técnica sobrecargada y la armonía tonal del resultado final. Whistler ha sido objeto de muchas exposiciones, estudios y publicaciones importantes en museos. Al igual que los impresionistas, empleó la naturaleza como recurso artístico. Whistler insistió en que era obligación del artista interpretar lo que veía, no ser esclavo de la realidad y 'sacar del caos una gloriosa armonía'.

Durante su vida, influyó en dos generaciones de artistas, en Europa y en los Estados Unidos. Whistler tuvo un contacto significativo e intercambió ideas e ideales con pintores realistas, impresionistas y simbolistas. El artista Walter Sickert fue su alumno y el escritor Oscar Wilde fue su amigo. Su tonalismo tuvo un efecto profundo en muchos artistas estadounidenses, incluidos John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell y Willis Seaver Adams (de quien se hizo amigo en Venecia). Otra influencia significativa fue sobre Arthur Frank Mathews, a quien Whistler conoció en París a fines de la década de 1890. Mathews llevó el tonalismo de Whistler a San Francisco, generando un amplio uso de esa técnica entre los artistas de California de principios de siglo. Como escribió el crítico estadounidense Charles Caffin en 1907:

Lo hizo mejor que atraer a unos pocos seguidores e imitadores; influyó en todo el mundo del arte. Consciencia o inconscientemente, su presencia se siente en innumerables estudios; su genio impregna el pensamiento artístico moderno.

Durante una estadía de catorce meses en Venecia en 1879 y 1880, Whistler creó una serie de aguafuertes y pasteles que no solo revitalizaron sus finanzas (esto fue después de que se declarara en bancarrota tras el juicio de Ruskin), sino que también -energizó la forma en que los artistas y fotógrafos interpretaban la ciudad, centrándose en los callejones traseros, los canales laterales, las entradas y los patrones arquitectónicos, y capturando la atmósfera única de la ciudad.

James Abbott McNeill Whistler
Honrado en Edición de 1940

En 1940, Whistler se conmemoró en un sello postal de los Estados Unidos cuando la oficina de correos de los EE. UU. emitió un juego de 35 sellos en conmemoración de los autores, poetas, educadores, científicos, compositores, artistas e inventores famosos de los Estados Unidos: los estadounidenses famosos. Serie.

La opereta de Gilbert y Sullivan Patience se burla del movimiento Estético, y el personaje principal de Reginald Bunthorne a menudo se identifica como una parodia de Oscar Wilde, aunque Bunthorne es más probablemente una amalgama de varios artistas destacados, escritores y figuras estéticas. Bunthorne usa un monóculo y tiene mechas blancas prominentes en su cabello oscuro, al igual que Whistler.

El novelista Henry James "había llegado a familiarizarse lo suficiente con Whistler como para basar varios personajes ficticios en el 'pequeño y extraño sureño londinense' sobre todo en Roderick Hudson y The Tragic Muse". Whistler "también apareció como uno de los personajes secundarios más atractivos de Henry James, el escultor Gloriani en The Ambassadors, cuya personalidad, forma de vida e incluso hogar se basan estrechamente en Whistler.."

La novela Trilby de George du Maurier de 1894 tiene un personaje, Joe Sibley, "el aprendiz ocioso," que estaba destinado a representar a Whistler. "Whistler amenazó con demandar, y en ediciones posteriores el personaje fue reemplazado por otro." Whistler también sirvió de modelo para un personaje de la novela de Marcel Proust, En busca del tiempo perdido: el pintor Elstir.

Whistler era el artista favorito de la cantante y actriz Doris Day. Poseía y exhibía un grabado original de Rotherhithe de Whistler y dos de sus litografías originales, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris y The Pantheon, de la Terraza de los Jardines de Luxemburgo.

La casa en la que nació Whistler ahora se conserva como Whistler House Museum of Art. Está enterrado en la iglesia de San Nicolás, Chiswick.

Honores

Whistler logró reconocimiento mundial durante su vida:

• 1884: elegido miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de Munich.
• 1892: hizo un oficial del Légion d'honneur en Francia.
• 1898: se convirtió en miembro de la Carta y primer presidente, Sociedad Internacional de Escultores, Pintores y Gravers.

Una estatua de James McNeill Whistler por Nicholas Dimbleby fue erigida en 2005 en el extremo norte del puente de Battersea en el río Támesis en el Reino Unido.

Galería

Registros de subastas

El 27 de octubre de 2010, Swann Galleries estableció un precio récord para una impresión de Whistler en una subasta, cuando se vendió Nocturne, un aguafuerte y punta seca impreso en negro sobre papel japonés crema cálido, 1879-1880. por $282,000.