J-pop

J-pop (en japonés:ジェイポップ, jeipoppu; a menudo estilizado como J-POP; una forma abreviada de " música popular japonesa "), también conocido de forma nativa simplemente como pops (ポップス, poppusu), es el nombre de una forma de música popular. que entró en la corriente principal musical de Japón en la década de 1990. El J-pop moderno tiene sus raíces en la música tradicional de Japón y, significativamente, en la música pop y rock de la década de 1960. J-pop reemplazó a kayōkyoku ("Música lírica cantada", un término para la música popular japonesa de la década de 1920 a la de 1980) en la escena musical japonesa.

Bandas de J-rock como Happy End fusionaron el rock al estilo de los Beatles y los Beach Boys con la música japonesa en las décadas de 1960 y 1970. J-country también tuvo popularidad durante la popularidad internacional de los westerns en las décadas de 1960 y 1970, y todavía tiene atractivo debido al trabajo de músicos como Charlie Nagatani y lugares como Little Texas, Tokio. J-rap se convirtió en la corriente principal con el productor Nujabes y su trabajo en Samurai Champloo, la cultura pop japonesa se ve a menudo con el anime en el hip hop. Otras tendencias en la música japonesa incluyen J-Euro a principios de la década de 1990, a saber, Namie Amuro, incluso la música latina, CCM y la música gospel tienen escenas dentro del J-pop.

El J-pop se define aún más por los actos de fusión new wave y crossover de finales de la década de 1970, como Yellow Magic Orchestra y Southern All Stars. Los estilos populares de la música pop japonesa incluyen el tecnopop durante las décadas de 1970 y 1980, el pop urbano en la década de 1980 y el Shibuya-kei en la década de 1990.

Forma y definición

Se dice que el origen del J-pop moderno es la música rock en japonés inspirada en The Beatles. A diferencia del género musical japonés llamado kayōkyoku, el J-pop usa un tipo especial de pronunciación, que es similar a la del inglés. Un cantante notable que lo hizo es Keisuke Kuwata, quien pronunció la palabra japonesa karada ("cuerpo") como kyerada. Además, a diferencia de la música occidental, la segunda mayor (sol y la) generalmente no se usaba en la música japonesa, excepto en la música artística, antes de que la música rock se hiciera popular en Japón.Cuando el género Group Sounds, inspirado en el rock occidental, se hizo popular, la música pop japonesa adoptó la segunda mayor, que se utilizó en los sonidos finales de la canción de The Beatles "I Want to Hold Your Hand" y la canción de The Rolling Stones. "(No puedo obtener ninguna) satisfacción". Aunque la música pop japonesa cambió de la música basada en la escala pentatónica japonesa y el tetracordio distorsionado a la música más occidental con el tiempo, la música que se basó en el estilo de canto tradicional japonés siguió siendo popular (como la de Ringo Shiina).

Al principio, el término J-pop se usó solo para músicos de estilo occidental en Japón, como Pizzicato Five y Flipper's Guitar, justo después de que se estableciera la estación de radio japonesa J-Wave. Por otro lado, Mitsuhiro Hidaka de AAA de Avex Trax dijo que el J-pop se derivó originalmente del género Eurobeat. Sin embargo, el término se convirtió en un término general que cubría otros géneros musicales, como la mayoría de la música rock japonesa de la década de 1990.

En 1990, la subsidiaria japonesa de Tower Records definió J-pop como toda la música japonesa perteneciente a la Asociación de la Industria de Grabación de Japón, excepto la música independiente japonesa (a la que denominan "J-indie"); sus tiendas comenzaron a usar clasificaciones adicionales, como J-club, J-punk, J-hip-hop, J-reggae, J-anime y Visual kei en 2008, después de que músicos independientes comenzaran a lanzar trabajos a través de sellos importantes. Ito Music City, una tienda de discos japonesa, adoptó clasificaciones ampliadas que incluyen Group Sounds, ídolo de las décadas de 1970 y 1980, enka, folk y músicos establecidos de las décadas de 1970 y 1980, además de los principales géneros de J-pop.

Mientras que los músicos de rock en Japón suelen odiar el término "pop", Taro Kato, miembro de la banda de pop punk Beat Crusaders, señaló que la música pop codificada, como el arte pop, era más pegadiza que "J-pop" y también dijo que J-pop fue la música pop (ポップス, poppusu), memorable por su frecuencia de transmisión, en una entrevista cuando la banda completó su primer álbum de estudio de larga duración bajo un sello importante, POA: Pop on Arrival, en 2005. Debido a que el La banda no quería tocar música J-pop, su álbum presentaba el pop de MTV de la década de 1980.Según su compañero de banda Toru Hidaka, la música de la década de 1990 que lo influenció (como Nirvana, Hi-Standard y Flipper's Guitar) no era escuchada por los fanáticos de otra música en Japón en ese momento.

En contraste con esto, aunque muchos músicos de rock japoneses hasta finales de la década de 1980 le faltaron el respeto a la música kayōkyoku, muchas de las bandas de rock japonesas de la década de 1990, como Glay, asimilaron kayōkyoku en su música. Después de finales de la década de 1980, el breakbeat y los samplers también cambiaron la escena musical japonesa, donde expertos bateristas habían tocado un buen ritmo porque la música tradicional japonesa no tenía el ritmo basado en el rock o el blues.

Hide of Greeeen describió abiertamente su género musical como J-pop. Dijo: "También me encanta el rock, el hip hop y el breakbeat, pero mi campo es siempre el J-pop. Por ejemplo, los músicos de hip hop aprenden 'la cultura del hip hop' cuando comienzan su carrera. No somos como esos músicos y nos encanta la música como suena mucho. Esas personas profesionales pueden decir '¿Qué estás haciendo?' pero creo que nuestro estilo musical es genial después de todo. Lo bueno es bueno".

Historia

Décadas de 1920 a 1960: Ryūkōka

La música popular japonesa, llamada ryūkōka antes de dividirse en enka y poppusu, tiene su origen en el período Meiji, pero la mayoría de los eruditos japoneses consideran que el período Taishō es el punto de partida real del ryūkōka, ya que es la era en la que el género se ganó por primera vez en todo el país. popularidad. En el período Taishō, las técnicas e instrumentos musicales occidentales, que se habían introducido en Japón en el período Meiji, se utilizaron ampliamente. Influenciado por géneros occidentales como el jazz y el blues, el ryūkōka incorporó instrumentos occidentales como el violín, la armónica y la guitarra. Sin embargo, las melodías a menudo se escribieron de acuerdo con la escala pentatónica japonesa tradicional.En la década de 1930, Ichiro Fujiyama lanzó canciones populares con su voz de tenor. Fujiyama cantó canciones con un volumen más bajo que la ópera a través del micrófono (la técnica a veces se llama crooning).

El músico de jazz Ryoichi Hattori intentó producir música nativa japonesa que tuviera un "sabor" a blues. Compuso la exitosa canción de Noriko Awaya "Wakare no Blues" (lit. "Farewell Blues"). Awaya se convirtió en una famosa cantante popular y fue llamada "Reina del Blues" en Japón. Debido a la presión del Ejército Imperial durante la guerra, la interpretación de la música jazz se detuvo temporalmente en Japón. Hattori, que se quedó en Shanghai al final de la guerra, produjo éxitos como "Tokyo Boogie-Woogie" de Shizuko Kasagi y "Aoi Sanmyaku" de Ichiro Fujiyama (literalmente, "Blue Mountain Range"). Hattori más tarde se hizo conocido como el "Padre del poppusu japonés ".Los soldados de los Estados Unidos, que ocupaban Japón en ese momento, y Far East Network introdujeron una serie de nuevos estilos musicales en el país. Músicos japoneses interpretaron música boogie-woogie, mambo, blues y country para las tropas estadounidenses. La versión de Chiemi Eri "Tennessee Waltz" (1952), "Omatsuri Mambo" de Hibari Misora ​​(1952) y la versión de Izumi Yukimura "Till I Waltz Again with You" (1953) también se hicieron populares. Músicos y grupos extranjeros, incluidos JATP y Louis Armstrong, visitaron Japón para actuar. A mediados de la década de 1950, Jazz kissa (ジャズ喫茶, Jazu Kissa, literalmente "Jazz cafe") se convirtió en un lugar popular para la música jazz en vivo. El jazz tuvo un gran impacto en el poppusu japonés., aunque el jazz "auténtico" no se convirtió en el género musical principal en Japón. A fines de la década de 1950 y principios de la de 1960, el pop japonés se polarizó entre el kayō urbano y el enka moderno.

A veces también se cree que el J-pop moderno tuvo sus raíces con los músicos de jazz inmigrantes chinos que habían huido de Shanghái durante la toma del poder comunista y colaboraban con las fuerzas ocupadas por los EE. UU. para ayudar a presentar una variedad de nuevos géneros al público japonés. En 1949, cuando los comunistas tomaron el poder y establecieron la República Popular China en el continente, una de las primeras acciones tomadas por el gobierno fue denunciar la música popular (específicamente tanto la música pop china, conocida como mandopop, como la música pop occidental) como música decadente, y durante décadas después el Partido Comunista promovería las canciones revolucionarias chinas mientras suprimía las canciones populares chinas, las canciones pop chinas y las canciones pop occidentales.Insatisfechos con las nuevas políticas musicales del presidente Mao Zedong, varios músicos de jazz de Shanghai huyeron a la colonia británica de Hong Kong y establecieron Cantopop, que es música pop cantada en el dialecto chino cantonés. Sin embargo, algunos músicos se establecieron en Japón, donde se convirtieron en miembros de Far East Network y colaboraron con los soldados estadounidenses para ayudar a exponer al público japonés a una amplia variedad de géneros occidentales. Esto eventualmente condujo al establecimiento de la música pop japonesa moderna, conocida como kayōkyoku.

Década de 1960: origen del estilo moderno

Rokabirī Boom y Wasei pops

Durante las décadas de 1950 y 1960, muchos grupos y cantantes de Kayōkyoku adquirieron experiencia actuando en bases militares estadounidenses en Japón. Casi al mismo tiempo, el gerente de Yakuza, Kazuo Taoka, reorganizó la industria de las giras de conciertos al tratar a los artistas como profesionales. Muchos de estos artistas se convirtieron más tarde en participantes clave del género J-pop.

En 1956, comenzó la moda del rock and roll en Japón, debido al grupo de música country conocido como Kosaka Kazuya and the Wagon Masters; su interpretación de la canción de Elvis Presley "Heartbreak Hotel" ayudó a impulsar la tendencia. La música fue llamada "rockabilly" (o rokabirī) por los medios japoneses. Los artistas aprendieron a tocar la música y traducir las letras de canciones populares estadounidenses, lo que resultó en el nacimiento de Cover Pops (カヴァーポップス, Kavā poppusu). El movimiento rockabilly alcanzaría su apogeo cuando 45.000 personas vieron las actuaciones de cantantes japoneses en el primer Carnaval Occidental de Nichigeki en una semana de febrero de 1958.

Kyu Sakamoto, fanático de Elvis, hizo su debut en el escenario como miembro de la banda The Drifters en el Nichigeki Western Carnival en 1958. Su canción de 1961 "Ue wo Muite Arukō" ("Miremos hacia arriba y caminemos"), conocida en otros partes del mundo como "Sukiyaki", fue lanzada a los Estados Unidos en 1963. Fue la primera canción japonesa en alcanzar la posición Número Uno en los Estados Unidos, pasando cuatro semanas en Cash Box y tres semanas en Billboard. También recibió un disco de oro por vender un millón de copias. Durante este período, el dúo femenino The Peanuts también se hizo popular, cantando una canción en la película Mothra. Sus canciones, como "Furimukanaide" ("Don't Turn Around". Artistas como Kyu Sakamoto y The Peanuts fueron llamados Wasei Pops (和製ポップス, Wasei poppusu, "pop hecho en Japón").

Después de cambiar frecuentemente de miembros, Chosuke Ikariya volvió a formar The Drifters en 1964 con el mismo nombre. En un concierto de los Beatles en 1966, actuaron como teloneros, pero el público en general se opuso. Eventualmente, The Drifters se hizo popular en Japón, lanzando "Zundoko-Bushi" ("Melodía ecoica") en 1969. Junto con la cantante de enka Keiko Fuji, ganaron "el premio a la popularidad masiva" en los 12th Japan Record Awards en 1970. Álbum de 1970 de Keiko Fuji Shinjuku no Onna/'Enka no Hoshi' Fuji Keiko no Subete ("Mujer en Shinjuku/'Estrella de Enka ' Todo de Keiko Fuji"Los Drifters más tarde llegaron a ser conocidos como personalidades de la televisión e invitaron a ídolos como Momoe Yamaguchi y Candies a su programa de televisión.

Ereki boom y sonidos grupales

The Ventures visitaron Japón en 1962, lo que provocó el abrazo generalizado de la guitarra eléctrica llamado " boom Ereki ". Yūzō Kayama y Takeshi Terauchi se convirtieron en famosos guitarristas eléctricos. En 1966, los Beatles llegaron a Japón y cantaron sus canciones en el Nippon Budokan, convirtiéndose en la primera banda de música rock en realizar un concierto allí. El público creía que los Beatles provocarían la delincuencia juvenil. El gobierno japonés desplegó policías antidisturbios contra los jóvenes fanáticos del rock en el Nippon Budokan. John Lennon sintió que no estaban bien considerados en Japón, pero la Beatlemanía realmente nunca murió allí. Los Beatles inspiraron a las bandas japonesas, creando el género de sonidos grupales en Japón.

La mayoría de los músicos japoneses sintieron que no podían cantar rock en japonés, por lo que la popularidad del rock japonés disminuyó gradualmente. Como resultado, hubo debates como "¿Deberíamos cantar música rock en japonés?" y "¿Deberíamos cantar en inglés?" entre Happy End y Yuya Uchida sobre la música rock japonesa. Esta confrontación se denominó "controversia del rock en idioma japonés" (日本 語 ロ ッ ク論争, Nihongo Rokku Ronsō). Happy End demostró que la música rock se podía cantar en japonés, y una teoría sostiene que su música se convirtió en uno de los orígenes del J-pop moderno. Los Beatles también inspiraron a Eikichi Yazawa, quien creció en una familia desfavorecida y su padre murió cuando él era un niño.Keisuke Kuwata, quien creció en una familia de doble ingreso, fue influenciado por los Beatles a través de su hermana mayor, entonces una ávida fan. Yōsui Inoue también era fanático de The Beatles, pero dijo que su estilo musical no estaba particularmente relacionado con ellos. Después de que Happy End se disolviera en 1973, Haruomi Hosono, un ex miembro, comenzó una carrera en solitario y luego formó Yellow Magic Orchestra.

Década de 1970: Desarrollo de "música nueva"

Fōku y nueva música

A principios de la década de 1960, parte de la música japonesa se vio influenciada por el renacimiento de la música folclórica estadounidense; esto se llamó fōku (フ ォ ー ク, "folk"), aunque el género musical era principalmente versiones de canciones originales. A fines de la década de 1960, los Folk Crusaders se hicieron famosos y la música underground de esa época se llamó fōku. Al igual que con enka, los cantantes japoneses de fōku Wataru Takada realizaron sátiras sociales.

A principios de la década de 1970, el énfasis cambió de las canciones simples de fōku con un solo acompañamiento de guitarra a arreglos musicales más complejos conocidos como música nueva (ニューミュージック, nyū myūjikku). En lugar de mensajes sociales, las canciones se centraron en mensajes más personales, como el amor. En 1972, el cantautor Takuro Yoshida produjo una exitosa canción "Kekkon Shiyouyo" ("Casémonos") sin una promoción televisiva decente, aunque los fanáticos de la música fōku se enojaron mucho porque su música parecía ser una música mersh. El sencillo más vendido del año fue la canción enka de Shiro Miya y Pinkara Trio, "Onna no Michi".La canción finalmente vendió más de 3,25 millones de copias. El 1 de diciembre de 1973, Yōsui Inoue lanzó el álbum Kōri no Sekai, que encabezó las listas de Oricon y permaneció en el Top 10 durante 113 semanas. Pasó 13 semanas consecutivas en el puesto número uno y finalmente estableció un récord aún en pie de un total de 35 semanas en el puesto número uno en las listas de Oricon. Yumi Matsutoya, anteriormente conocida por su nombre de soltera Yumi Arai, también se convirtió en una notable cantautora durante este período. En octubre de 1975, lanzó un sencillo "Ano Hi ni Kaeritai" ("Quiero volver a ese día"), convirtiéndolo en su primer sencillo número uno en las listas de Oricon.Miyuki Nakajima, Amii Ozaki y Junko Yagami también fueron cantautores populares durante este período. Al principio, solo Yumi Matsutoya era comúnmente llamado un nuevo artista musical, pero el concepto de música fōku japonesa cambió en ese momento. En 1979, Chage y Aska hicieron su debut, y la banda de folk Off Course (con la cantante Kazumasa Oda) lanzó una exitosa canción "Sayonara" ("Adiós").

Surgimiento del rock japonés y la música electrónica

La música rock siguió siendo un género musical relativamente clandestino a principios de la década de 1970 en Japón, aunque Happy End logró obtener un gran éxito al fusionar el rock con la música tradicional japonesa. Varios músicos japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica, incluido el rock electrónico. El más notable fue el renombrado internacionalmente Isao Tomita, cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock incluía versiones de sintetizadores electrónicos de canciones pop y rock contemporáneas. Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima, ambos con contribuciones de Haruomi Hosono,quien más tarde fundó el grupo de música electrónica "Yellow Magic Band" (más tarde conocido como Yellow Magic Orchestra) en 1977.

En 1978, el sencillo de rock de Eikichi Yazawa "Jikan yo Tomare" ("Time, Stop") se convirtió en un gran éxito que vendió más de 639.000 copias. Es considerado como uno de los pioneros del rock japonés. Buscó el éxito mundial y en 1980 firmó un contrato con la compañía discográfica Warner Pioneer y se mudó a la costa oeste de los Estados Unidos. Grabó los álbumes Yazawa, It's Just Rock n' Roll y Flash in Japan, todos los cuales se lanzaron en todo el mundo, pero no tuvieron mucho éxito comercial. Keisuke Kuwata formó la banda de rock Southern All Stars (SAS), que hizo su debut en 1978. Southern All Stars sigue siendo muy popular en Japón hoy en día.

En el mismo año, Yellow Magic Orchestra (YMO) también hizo su debut oficial con su álbum homónimo. La banda, cuyos miembros eran Haruomi Hosono, Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto, desarrolló electropop, o technopop como se le conoce en Japón, además de ser pioneros en la música synthpop y electro. Su álbum de 1979 Solid State Survivor alcanzó el número uno en las listas de Oricon en julio de 1980 y vendió dos millones de discos en todo el mundo. Aproximadamente al mismo tiempo, los álbumes de YMO Solid State Survivor y X∞Multiplies ocuparon los dos primeros lugares en las listas de Oricon durante siete semanas consecutivas, lo que convirtió a YMO en la única banda en la historia de las listas japonesas en lograr esta hazaña.Los jóvenes fanáticos de su música durante este período se conocieron como la "Generación YMO" (YMO世代, YMO sedai). YMO tuvo un impacto significativo en la música pop japonesa, que comenzó a estar cada vez más dominada por la música electrónica debido a su influencia, y tuvo un impacto igualmente grande en la música electrónica de todo el mundo. Southern All Stars y Yellow Magic Orchestra simbolizaron el fin de la Nueva Música y allanaron el camino para el surgimiento del género J-pop en la década de 1980. Ambas bandas, SAS y YMO, se ubicarían más tarde en la parte superior de la lista de HMV Japan de los 100 mejores músicos japoneses de todos los tiempos.

Década de 1980: fusión con "kayōkyoku"

Pop de la ciudad

A principios de la década de 1980, con la difusión de los estéreos para automóviles, el término pop urbano (シティーポップ, shitī poppu) pasó a describir un tipo de música popular que tenía un tema de gran ciudad. Tokio, en particular, inspiró muchas canciones de esta forma. Durante este tiempo, los fanáticos de la música y los artistas en Japón fueron influenciados por el rock orientado a los álbumes (especialmente el contemporáneo para adultos) y el crossover (especialmente el jazz fusión). El pop urbano se vio afectado por la nueva música, aunque sus orígenes se remontan a mediados de la década de 1970, con el trabajo de la banda de rock japonesa Happy End y su ex miembro Haruomi Hosono, así como Tatsuro Yamashita.

La popularidad del city pop declinó cuando estalló la burbuja de precios de los activos japoneses en 1990. Sus características musicales (excepto su "antecedente cultural") fueron heredadas por músicos de Shibuya-kei de la década de 1990 como Pizzicato Five y Flipper's Guitar.

Crecimiento de la industria del rock japonés

A lo largo de la década de 1980, bandas de rock como Southern All Stars, RC Succession, Anzen Chitai, The Checkers, The Alfee y The Blue Hearts se hicieron populares. Anzen Chitai vino de la banda de respaldo de Yosui Inoue. El 1 de diciembre de 1983, el cantante de rock Yutaka Ozaki debutó a la edad de 18 años. En 1986, The Alfee se convirtió en el primer artista en dar un concierto frente a una audiencia de 100.000 personas en Japón. Algunos músicos japoneses, como Boøwy, TM Network y Buck-Tick, fueron influenciados por el nuevo romanticismo.

Boøwy se convirtió en una banda de rock especialmente influyente, cuyos miembros incluían al cantante Kyosuke Himuro y al guitarrista Tomoyasu Hotei. Sus tres álbumes alcanzaron el número uno en 1988, lo que los convirtió en los primeros artistas masculinos en tener tres números uno en un solo año. Las bandas de rock japonesas posteriores se inspiraron en esta banda. El guitarrista Tak Matsumoto, quien apoyó los conciertos de TM Network, formó el dúo de rock B'z con el cantante Koshi Inaba en 1988.

A fines de la década de 1980, la banda de chicas Princess Princess se convirtió en una exitosa banda de pop-rock. Sus sencillos "Diamonds" y "Sekai de Ichiban Atsui Natsu" ("El verano más caluroso del mundo") se clasificaron en los puestos número uno y número dos, respectivamente, en las listas anuales de sencillos de Oricon de 1989.

A fines de la década de 1980, también surgió una nueva tendencia en la música rock japonesa: el visual kei, un movimiento notable por bandas masculinas que usaban maquillaje, peinados extravagantes y trajes andróginos. Los representantes más exitosos del movimiento son X Japan (anteriormente conocido como "X") y Buck-Tick. X Japan lanzó su primer álbum Vanishing Vision en el sello independiente Extasy Records en 1988; su álbum Blue Blood fue lanzado en CBS Sony en 1989. Blue Blood vendió 712.000 copias y su álbum Jealousy de 1991 vendió más de 1,11 millones de copias. Sorprendentemente, X Japan era una banda de heavy metal, pero el guitarrista hide más tarde cayó bajo la influencia del rock alternativo y lanzó su primer álbum en solitario.Hide Your Face en 1994 y lanzando su exitosa carrera en solitario.

Edad de oro, decadencia y transfiguración de los ídolos

En la década de 1970, aumentó la popularidad de las cantantes ídolos femeninas como Mari Amachi, Saori Minami, Momoe Yamaguchi y Candies. Momoe Yamaguchi fue una de las primeras cantantes de kayōkyoku en utilizar la pronunciación especial característica del J-pop. En 1972, Hiromi Go hizo su debut con la canción "Otokonoko Onnanoko" ("Niño y niña"). Hiromi Go originalmente vino de Johnny & Associates.

En 1976, el dúo femenino Pink Lady hizo su debut con el sencillo "Pepper Keibu". Lanzaron un récord de nueve sencillos número uno consecutivos.

En la década de 1980, los ídolos japoneses heredaron New Music, aunque el término dejó de usarse. Seiko Matsuda adoptó especialmente a los productores de canciones de generaciones anteriores. En 1980, su tercer sencillo "Kaze wa Aki Iro" ("El viento es color de otoño") alcanzó el puesto número uno en las listas de Oricon. Haruomi Hosono también se unió a la producción de su música. Eventualmente se convirtió en la primera artista en hacer 24 sencillos número uno consecutivos, rompiendo el récord de Pink Lady.

Otras cantantes ídolos femeninas lograron una popularidad significativa en la década de 1980, como Akina Nakamori, Yukiko Okada, Kyōko Koizumi, Yoko Minamino, Momoko Kikuchi, Yōko Oginome, Miho Nakayama, Minako Honda y Chisato Moritaka. Okada recibió el premio al Mejor Artista Nuevo de los Japan Record Awards en 1984. Nakamori ganó el premio Grand Prix durante dos años consecutivos (1985 y 1986), también en los Japan Record Awards.

La banda ídolo japonesa Onyanko Club hizo su debut en 1985 y produjo a la popular cantante Shizuka Kudō. Cambiaron la imagen de los ídolos japoneses.

Sin embargo, alrededor de 1985, la gente comenzó a desencantarse con el sistema de creación de ídolos. En 1986, la canción "Kuchibiru Network" ("Red de labios") de la cantante ídolo Yukiko Okada, escrita por Seiko Matsuda y compuesta por Ryuichi Sakamoto, se convirtió en una canción de éxito, pero ella se suicidó inmediatamente después de eso.

Hikaru Genji, una de las bandas de Johnny & Associates, hizo su debut en 1987. Se convirtieron en una banda de chicos de patinaje sobre ruedas muy influyente, y algunos de sus miembros ganaron su propia fama a medida que crecían. Su canción "Paradise Ginga", escrita por Aska, ganó el premio Grand Prix en los 30th Japan Record Awards en 1988. Algunos de los bailarines de apoyo del grupo formaron más tarde SMAP.

El final de la década de 1980 también vio el surgimiento del dúo femenino Wink. No se rieron, a diferencia de los ídolos japoneses de épocas anteriores. Wink debutó en 1988, superando la popularidad del dúo femenino más popular de entonces, BaBe. La canción de Wink "Samishii Nettaigyo" ganó el gran premio en los 31st Japan Record Awards en 1989.

La popular cantante Hibari Misora ​​murió en 1989 y muchos programas kayōkyoku, como The Best Ten, fueron cerrados.

CoCo hizo su exitoso debut con el sencillo de 1989 "Equal Romance" para la exitosa serie de anime Ranma ½. Tetsuya Komuro, miembro de TM Network, rompió la racha de Seiko Matsuda de 25 números uno consecutivos al hacer que su sencillo "Gravity of Love" debutara en el número uno en noviembre de 1989.

Década de 1990: acuñación del término "J-pop"

1990-1997: mercado en crecimiento

En la década de 1990, el término J-pop pasó a referirse a todas las canciones populares japonesas excepto enka.

Durante este período, la industria de la música japonesa buscó la efectividad del marketing. Ejemplos notables de música comercial de la época fueron la música de enlace de la agencia Being y la música disco de Tetsuya Komuro.

El período entre 1990 y 1993 estuvo dominado por artistas de la agencia Being, incluidos B'z, Tube, BBQueens, T-Bolan, Zard, Wands, Maki Ohguro, Deen y Field of View. Fueron llamados el Sistema del Ser (ビーイング系, Bīingu kei). Muchos de esos artistas encabezaron las listas y establecieron nuevos récords, en particular B'z, que finalmente estableció un nuevo récord de sencillos número uno consecutivos, superando el récord de Seiko Matsuda. B'z es el artista japonés con mayores ventas de todos los tiempos, según las listas de Oricon y las certificaciones RIAJ. Por otro lado, Wands, considerado como un pionero del "J-pop Boom" de la década de 1990, tuvo problemas porque el miembro Show Wesugi quería tocar rock/grunge alternativo.

Muchos artistas superaron la marca de los dos millones de copias en la década de 1990. El sencillo de 1991 de Kazumasa Oda "Oh! Yeah!/Love Story wa Totsuzen ni", el sencillo de 1991 de Chage y Aska "Say Yes" y el sencillo de 1993 "Yah Yah Yah", el sencillo de 1992 de Kome Kome Club "Kimi ga Iru Dake de", Mr. El sencillo infantil de 1994 "Tomorrow Never Knows" y el sencillo de 1996 "Namonaki Uta", y el sencillo de Globe de 1996 "Departures" son ejemplos de canciones que vendieron más de 2 millones de copias. El álbum de 1992 de Dreams Come True, The Swinging Star, se convirtió en el primer álbum en vender más de 3 millones de copias en Japón. El álbum Atomic Heart de Mr. Children de 1994 estableció un nuevo récord, vendiendo 3,43 millones de copias en las listas de Oricon.

El dúo Chage y Aska, que empezó a grabar a finales de 1979, se hizo muy popular durante este período. Lanzaron una serie de éxitos consecutivos a principios de la década de 1990; en 1996 participaron en MTV Unplugged, convirtiéndose en el primer grupo asiático en hacerlo.

Después de que TM Network se disolviera en 1994, Tetsuya Komuro se convirtió en un serio productor de canciones. El período entre 1994 y 1997 estuvo dominado por actos de danza y techno de la "familia Komuro" (小室ファミリー, Komuro Famirī), como TRF, Ryoko Shinohara, Yuki Uchida, Namie Amuro, Hitomi, Globe, Tomomi Kahala y Ami Suzuki.. En ese tiempo, Komuro fue responsable de 20 canciones exitosas, cada una de las cuales vendió más de un millón de copias. Mientras que el álbum de Globe de 1996, Globe, vendió 4,13 millones de copias, estableciendo un récord en ese momento, la canción de Namie Amuro de 1997, "Can You Celebrate?" vendió 2,29 millones de copias, es el sencillo más vendido de todos los tiempos de la solista femenina en la historia del Jpop.Sus ventas totales como productor de canciones alcanzaron los 170 millones de copias. Para 1998, las canciones de Komuro se habían vuelto menos populares. A mediados de la primera década del siglo XXI, la deuda de Komuro lo llevó a intentar vender su catálogo de canciones, que en realidad no poseía, a un inversor. Cuando el inversionista se enteró y demandó, Komuro trató de vender el catálogo a otro inversionista para pagar la sentencia de 600 000 000 yenes japoneses que le debía al primer inversionista.

Namie Amuro, posiblemente la cantante solista más popular de la época, provenía de la "Escuela de Actores de Okinawa", que también incubó las bandas MAX y Speed. Al principio, cuando todavía formaba parte de la familia Komuro, Amuro permaneció en el género de la música dance, pero poco a poco cambió su estilo musical a R&B contemporáneo y terminó su asociación con Tetsuya Komuro.

La banda de Komuro, Globe, se convirtió en una banda de trance después de su álbum Outernet de 2001.

1997-1999: pico comercial

Las ventas en el mercado musical japonés continuaron aumentando. En octubre de 1997, Glay lanzó su álbum Review -The Best of Glay, que vendió 4,87 millones de copias, rompiendo el récord anterior de Globe. Sin embargo, fue superado al año siguiente por el álbum B'z The Best "Pleasure" de B'z, que vendió 5,12 millones de copias. El mercado japonés de ventas de música física alcanzó su punto máximo en 1998, registrando ventas de ¥ 607,000,000,000. En marzo de 1999, Hikaru Utada lanzó su primer álbum japonés, First Love, que vendió 7,65 millones de copias, convirtiéndolo en el álbum más vendido en la historia de Oricon.

El final de la década de 1990 vio la popularidad de bandas de rock, como Glay, Luna Sea y L'Arc-en-Ciel, la mayoría de ellas relacionadas con el movimiento visual kei, aunque luego cambiaron su estilo. En ese momento, los músicos de rock en Japón estaban absorbiendo la música kayōkyoku después de que el género desapareciera. Glay tuvo un éxito especial, con una exposición masiva en los medios, comparable a la de los cantantes pop más populares producidos por Tetsuya Komuro. En julio de 1999, Glay tocó un concierto ante una audiencia récord de 200.000 personas en el Makuhari Messe, certificado por Guinness World Records como el concierto en solitario más grande de Japón. En julio de 1999, L'Arc-en-Ciel lanzó dos álbumes, Arc and Ray., al mismo tiempo; vendieron más de 3,02 millones de copias combinadas en la primera semana de lanzamiento.

X Japan anunció su disolución en septiembre de 1997 y su guitarrista hide murió en mayo de 1998. Su funeral tuvo una asistencia récord de 50.000 personas, rompiendo el récord de Hibari Misora, a cuyo funeral asistieron 42.000 personas. Después de su muerte, su sencillo "Pink Spider" y su álbum Ja, Zoo fueron certificados por la Asociación de la Industria de Grabación de Japón.

Johnny & Associates produjo muchos grupos exclusivamente masculinos: SMAP, Tokio, V6, KinKi Kids y Arashi. SMAP llegó a la escena J-pop de manera importante en la década de 1990 a través de una combinación de programas de televisión "Tarento" y sencillos, con uno de sus cantantes, Takuya Kimura, convirtiéndose en un actor popular conocido comúnmente como "Kimutaku" en años posteriores.

A fines de la década de 1990, el grupo de chicas Speed ​​era muy popular; anunciaron su disolución en 1999. El grupo volvió a la escena musical en 2008. Otra banda exclusivamente femenina, Morning Musume, producida por Tsunku, exlíder de la banda Sharam Q, se hizo muy popular, con una serie de lanzamientos que antes eran éxitos de ventas. incluso siendo liberado. La popularidad del grupo dio origen a Hello! Proyecto. Siguiendo el patrón establecido una década antes por el Onyanko Club de mujeres de la década de 1980, Morning Musume generó varias bandas disidentes.

A fines de la década de 1990 y principios del siglo XXI, cantantes como Hikaru Utada, Ayumi Hamasaki, Misia, Mai Kuraki y Ringo Shiina se convirtieron en líderes de las listas de éxitos y escribieron sus propias canciones o sus propias letras. Hikaru Utada es hija de Keiko Fuji, una popular cantante de la década de 1970. Ayumi Hamasaki se convirtió en la rival contemporánea de Utada, aunque ambas mujeres afirmaron que la "competencia" era simplemente una creación de sus compañías discográficas y los medios.

Zeebra introdujo la música hip hop en la música convencional japonesa. En 1999, Dragon Ash presentó a Zeebra en su canción titulada "Grateful Days", que encabezó las listas de Oricon.

Década de 2000: diversificación

Grupo avex

Ayumi Hamasaki ganó premios Grand Prix durante tres años consecutivos, la primera vez en la historia de Japan Record Award, entre 2001 y 2003. Aunque Hamasaki se hizo muy famoso, Tom Yoda, entonces presidente de su compañía discográfica Avex Group, argumentó que sus tácticas eran arriesgadas., porque Avex no tuvo en cuenta la teoría moderna de la cartera. Esta preocupación desapareció cuando los otros cantantes de la compañía (como Ai Otsuka, Kumi Koda y Exile) también alcanzaron cierto nivel de popularidad a mediados de la década de 2000 bajo la política de gestión de Yoda. BoA, una cantante coreana que también forma parte del grupo Avex, también logró altos niveles de éxito a pesar de ser coreana en Japón. Abrió la puerta del Hallyu a otros artistas coreanos para que también puedan lograr diferentes niveles de éxito en Japón.

chaku-uta

En diciembre de 2002, la empresa de telefonía móvil au creó el mercado de descargas digitales para tonos de llamada (着うた, chaku-uta). El mercado de descargas digitales creció rápidamente y la canción de 2007 de Hikaru Utada "Flavor of Life" vendió más de 7 millones de copias descargadas. En octubre de 2007, EMI Music Japan anunció que Utada fue el primer artista del mundo en tener 10 millones de ventas digitales en un año. Según el informe de música digital de 2009 de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica, el sencillo digital de Thelma Aoyama "Soba ni Iru ne" y el sencillo digital de Greeeen "Kiseki" vendieron 8,2 millones de copias y 6,2 millones de copias, respectivamente, en el ranking de descargas de 2008.

Hip hop japonés y pop urbano

En la primera década del siglo XXI, la música hip hop y las influencias del R&B contemporáneo en la música japonesa comenzaron a llamar la atención en la música popular convencional. En noviembre de 2001, el álbum debut del dúo de R&B Chemistry The Way We Are vendió más de 1,14 millones de copias en la primera semana y debutó en la posición número uno en las listas de álbumes semanales de Oricon. Las bandas de hip hop como Rip Slyme y Katsumeishi también estuvieron en la cima de las listas de Oricon.

La banda de rock Orange Range presentó varios elementos de hip hop en su música. El álbum musiQ de Orange Range vendió más de 2,6 millones de copias, convirtiéndolo en el álbum número uno de 2005 en las listas de Oricon.

El cantante de pop/R&B Ken Hirai encabezó la lista anual de álbumes de Oricon en 2006 con el lanzamiento de su álbum de grandes éxitos 10th Anniversary Complete Single Collection '95-'05 Utabaka, vendiendo más de 2 millones de copias.

El dúo de pop/hip-hop, Halcali, tiene el honor de ser las primeras artistas japonesas de hip-hop en romper el top 10 de las listas de éxitos de Oricon. También actuaron en el extranjero dos veces en 2008, una vez en el festival Anime Central en Chicago y una vez más en Central Park, Nueva York, el Día de Japón.

Exile, el grupo dance-vocal del subsello Rhythm Zone de Avex, vendió varios millones de álbumes. Su álbum Exile Love encabezó la lista anual de álbumes de Oricon en 2008.

El veterano rapero Dohzi-T colaboró ​​con cantantes populares como Shota Shimizu, Hiromi Go, Miliyah Kato y Thelma Aoyama en su exitoso álbum de 2008 12 Love Stories.

Aunque en 2001 había sólo 132 artistas nuevos en Japón, según la Asociación de la Industria de la Grabación de Japón, la cifra aumentó a 512 en 2008. En 2008, 14 artistas nuevos, como Thelma Aoyama, asistieron al NHK Kōhaku Uta Gassen por primera vez. tiempo.

Popularidad de actuaciones en directo y músicos veteranos

Músicos de rock como Mr. Children, B'z, Southern All Stars y Glay aún encabezaban las listas en la primera década del siglo XXI. La canción "Sign" de Mr. Children ganó el premio Grand Prix en la 46th Japan Record Awards en 2004. Cuando el grupo lanzó su álbum Home en 2007, superaron los 50 millones de álbumes y sencillos vendidos, lo que los convirtió en el segundo artista con mayores ventas de todos. tiempo en Japón desde el origen de Oricon—justo detrás de B'z, quien ocupó la posición número uno con más de 75 millones de discos vendidos hasta ese momento. Home encabezó las listas de álbumes anuales de Oricon de 2007.

Las ventas de CD físicos disminuyeron, pero aumentó la audiencia para ver presentaciones en vivo. Eikichi Yazawa participó en festivales de rock y, en 2007, se convirtió en el primer artista en realizar 100 conciertos en el Nippon Budokan.

Otros artistas, como Namie Amuro, también continuaron sus largas carreras con exitosos lanzamientos en este período. Su gira en vivo, Namie Amuro Best Fiction tour 2008-2009, no solo se convirtió en la gira en vivo más grande de una solista japonesa, a la que asistieron 450,000 fanáticos en Japón, sino que también contó con la asistencia de 50,000 fanáticos en Taiwán y Shanghái. Mientras que el álbum Sōkana de Kazumasa Oda de 2005 encabezó las listas de álbumes semanales de Oricon, su sencillo de 2007 "Kokoro" alcanzó las listas de sencillos semanales, rompiendo el récord de Yujiro Ishihara y convirtiéndolo en el cantante de mayor edad en encabezar las listas de sencillos. El álbum de grandes éxitos de Mariya Takeuchi, Expressions, encabezó la lista de álbumes de Oricon en 2008, convirtiéndola en la cantante femenina de mayor edad con la carrera activa más larga en alcanzar la posición número uno.

Johnny y asociados

Los grupos exclusivamente masculinos de Johnny & Associates siguieron siendo bien conocidos. En 2001, SMAP lanzó su álbum de grandes éxitos SMAP Vest, que vendió más de un millón de copias en la primera semana. En noviembre de 2001, Johnny & Associates establecieron el sello J Storm para su banda Arashi. El sencillo de SMAP de 2003 "Sekai ni hitotsu dake no hana" vendió más de dos millones de copias, siendo el sencillo número uno en las listas anuales de sencillos de Oricon para ese año. En 2007, Guinness World Records honró a KinKi Kids por tener un récord mundial de la cantidad de sencillos que debutaron en la posición número uno desde su debut: 25. Se dijo que SMAP libró una batalla solitaria en el Kōhaku Uta Gassen, como se ve desde el punto de vista de su cuota de audiencia.En 2008, los músicos masculinos establecieron un récord de cuatro victorias consecutivas en el Kōhaku Uta Gassen. El álbum de grandes éxitos de Arashi All the Best! 1999-2009 encabezó las listas de álbumes anuales de Oricon de 2009.

Johnny & Associates también produjo nuevos grupos como Hey! ¡Decir! JUMP, Tackey & Tsubasa, NEWS, Kanjani Eight y KAT-TUN. En 2006, el sencillo debut de KAT-TUN, "Real Face", escrito por Shikao Suga y compuesto por Tak Matsumoto, vendió más de un millón de copias y encabezó las listas anuales de Oricon. En 2007, el grupo temporal de Johnny's Jr. Hey! ¡Decir! 7 rompió un récord como el grupo masculino más joven en encabezar las listas de Oricon, con una edad promedio de 14,8 años. Más tarde ese año, ¡Oye! ¡Decir! JUMP rompió un récord como el grupo más grande en debutar en la historia de Johnny, con diez miembros. También se convirtieron en el grupo más joven en actuar en el Tokyo Dome con una edad promedio de 15,7 años. En las listas anuales de sencillos de 2008, solo una mujer cantó un sencillo clasificado entre los 30 primeros (el sencillo "60s 70s 80s" de Namie Amuro), excepto los grupos mixtos, en parte porque las bandas de chicos disfrutaron de una ventaja en las ventas físicas de sencillos. En 2009, el artista de Johnny's Jr., Yuma Nakayama con BIShadow, se convirtió en el artista más joven en debutar con su primer sencillo en el puesto número uno, ya que la banda tenía una edad promedio de 14,6 años, rompiendo el récord anterior establecido por el grupo femenino Minimoni., 14,8 años.

Versiones de portada y pop clásico

En febrero de 2001, Ulfuls lanzó su versión de la canción de 1963 de Kyu Sakamoto "Ashita Ga Arusa". Su versión de portada debutó en la posición número cinco, detrás de Utada, Kinki Kids, Hamasaki y Hirai. En marzo, la banda especial de Yoshimoto Kogyo "Re: Japan" también lanzó su versión de "Ashita Ga Arusa". Cuando la versión de Ulfuls de esta canción permaneció en el número ocho, la versión de Re: Japan encabezó las listas de sencillos semanales de Oricon.

En 2003, Man Arai lanzó el sencillo "Sen no Kaze ni Natte" ("Como mil vientos") basado en el poema occidental "No te pares en mi tumba y llora". En Japón, el poema fue conocido por la lectura de Rokusuke Ei en el funeral de Kyu Sakamoto en 1985. El tenor japonés Masafumi Akikawa hizo una versión de la canción en 2006. La versión de Akikawa de la canción se convirtió en el primer sencillo de música clásica en encabezar las listas de Oricon y vendió más de un millón de copias. En las listas anuales de Oricon de 2007, el sencillo se convirtió en el sencillo físico más vendido, logrando una victoria sobre "Flavor of Life" de Utada. Oricon afirmó que la canción no era J-pop. Por otro lado, la partitura de Zen-On Music Company Ltd clasificó la canción como J-pop.

Hideaki Tokunaga hizo versiones de muchas canciones femeninas en su serie de álbumes de versiones, Vocalist. Lanzó Vocalist, Vocalist 2, Vocalist 3, Vocalist 4 y Vocalist Vintage (Vocalist 5) en 2005, 2006, 2007, 2010 y 2012 respectivamente. En agosto de 2007, Vocalist 3 se convirtió en el álbum de portadas número uno semanal de Oricon con 2 semanas (empató el récord en Japón), y en mayo de 2010, Vocalist 4 se convirtió en el primer álbum de portadas número uno mensual de Oricon en Japón.

En 2010, otros cantantes también lanzaron álbumes de versiones de canciones japonesas como Request de Juju y Eternity: Love & Songs de Kumi Koda. Superfly lanzó un sencillo que venía con un álbum de versiones de canciones de rock occidental, titulado Wildflower & Cover Songs: Complete Best 'Track 3', y finalmente se convirtió en el tercer álbum consecutivo de la banda en debutar en el número uno en las listas de álbumes semanales de Oricon.

Influencia del neofolk y neo Shibuya-kei

Los dúos folclóricos, como 19, Yuzu y Kobukuro, se hicieron populares durante el período. Su música se llamaba "neofolk". En octubre de 2007, el álbum doble de Kobukuro, All Singles Best, se convirtió en el primer álbum masculino en vender tres millones de copias en el siglo XXI en Japón. En enero de 2008, su álbum 5296 superó al álbum Guilty de Ayumi Hamasaki en las listas de Oricon, aunque anteriormente tenía ocho álbumes de estudio número uno consecutivos.

Las bandas de música electrónica como Plus-Tech Squeeze Box y Capsule fueron llamadas "neo Shibuya-kei". Yasutaka Nakata, integrante de Capsule, se convirtió en la productora de canciones del grupo de chicas Perfume. En abril de 2008, por primera vez como banda de tecnopop en 25 años desde el álbum Naughty Boys de Yellow Magic Orchestra de 1983, Perfume logró un álbum Game número uno en las listas de Oricon. En julio de 2008, su sencillo "Love the World" debutó en el número uno, convirtiéndose en la primera canción tecnopop en alcanzar el número uno en la historia de Oricon. Pronto siguieron otras artistas japonesas de technopop, como Aira Mitsuki, immi, Mizca, SAWA, Saoriiiii y Sweet Vacation.

Música de anime, canción de imagen y Vocaloid.

Durante finales de la década de 2000 y principios de la de 2010, la industria de la música anime, como los actores de voz y las canciones con imágenes, agregaron peso a la música japonesa. Aunque la música de anime estuvo influenciada anteriormente por el J-pop y la música visual kei, la música indie japonesa aparentemente influyó en el género en la FanimeCon de 2006. En 2007, después de probar la voz de la actriz de voz Saki Fujita para desarrollarla, se lanzó Vocaloid Hatsune Miku y se mostraron muchas canciones con Hatsune Miku en el Nico Nico Douga. Algunos de los músicos que presentan a Hatsune Miku, como Livetune y Supercell, se unieron a grandes compañías discográficas en Japón. Livetune lanzó Re: Package en Victor Entertainment el 27 de agosto de 2008 y Supercell lanzó Supercell en Sony Music el 4 de marzo de 2009.Los álbumes Re: Package y Supercell no fueron puestos bajo el control del sistema de derechos de autor de la Sociedad Japonesa de Derechos de Autores, Compositores y Editores (JASRAC), rompiendo la tradición de que los músicos de las principales discográficas se afiliaran al sistema.

En junio de 2009, el álbum Ultimate Diamond de la actriz de doblaje Nana Mizuki se convirtió en el primer álbum de un actor de doblaje en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon. ¡La banda ficticia de mujeres Hōka-go Tea Time, de la serie de anime K-On! , lanzó el mini-álbum Hōka-go Tea Time el 22 de julio de 2009. El mini-álbum debutó en el número uno en las listas de álbumes semanales de Oricon, convirtiéndose en el primer álbum de personajes de anime en alcanzar el número uno. En mayo de 2010, Exit Tunes presenta Vocalogenesis feat. Hatsune Miku se convirtió en el primer álbum con Vocaloids en alcanzar el número uno en las listas semanales de Oricon, reemplazando a Vocalist 4 de Hideaki Tokunaga, que había encabezado las listas durante cuatro semanas consecutivas.

Década de 2010: popularidad de los grupos de ídolos

Desde finales de la década de 2000, han surgido más y más grupos de ídolos. La gran cantidad de grupos de ídolos en la industria del entretenimiento japonesa a veces se denomina "Período de los ídolos en guerra" (ア イ ド ル 戦国時代, a idoru sengoku jidai), una alusión al Sengoku-jidai. Algunos de los grupos más exitosos durante la década de 2010 incluyen ¡Hey! ¡Decir! JUMP, AKB48, Arashi, Kanjani Eight, Morning Musume y Momoiro Clover Z.

Kyary Pamyu Pamyu, una modelo de moda de Harajuku, hizo su debut musical en 2011 y ganó popularidad internacional con su sencillo debut "Pon Pon Pon", reconocido por algunas celebridades occidentales como Katy Perry y Ariana Grande. Es producida por Yasutaka Nakata, quien también produce el grupo Perfume. Posteriormente obtuvo éxito a través de sus canciones "Ninja Re Bang Bang" y "Fashion Monster". Durante 2014, unas 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z, que fue la asistencia a conciertos más alta registrada para cualquier mujer músico en Japón.

En 2019, AKB48 anunció el aplazamiento de sus elecciones generales y Arashi anunció la pausa del grupo.

Artistas

Algunos artistas pop japoneses son extremadamente populares en Japón y algunos también tienen seguidores en otros países, especialmente en Asia, pero también en países occidentales. Influyen no solo en la música, sino también en la moda. A partir de 2016, los cinco artistas más vendidos en la historia de las listas japonesas de Oricon son B'z, Mr. Children, Ayumi Hamasaki, Southern All Stars y DREAMS COME TRUE. Entre los cinco, Hamasaki tiene el récord de ser el único artista solista.