Intervención artística

La intervención artística es una interacción con una obra de arte, un público, un lugar/espacio o una situación previamente existentes. Pertenece a la categoría de arte conceptual y es comúnmente una forma de arte escénico. Se asocia con la Internacional Letrista, la Internacional Situacionista, los Accionistas Vieneses, el movimiento Dadaísta y los Neo-Dadaístas. Más recientemente, el arte de intervención ha dado lugar al arte de guerrilla, al arte callejero y los Stuckistas han hecho un uso extensivo de él para afectar las percepciones de las obras de arte a las que se oponen y como protesta contra las intervenciones existentes.

La intervención también puede referirse al arte y a las acciones que se realizan en una situación fuera del mundo del arte con el fin de cambiar las condiciones existentes en ese lugar. Por ejemplo, el arte de intervención puede intentar cambiar situaciones económicas o políticas, o puede intentar que la gente tome conciencia de una situación de la que antes no tenía conocimiento. Dado que estos objetivos implican que el arte de intervención necesariamente se dirige al público y se relaciona con él, algunos artistas llaman a sus obras "intervenciones públicas".

Aunque la intervención, por su naturaleza, conlleva una implicación de subversión, hoy en día se acepta como una forma legítima de arte y, a menudo, se ejecuta con el aval de quienes ocupan puestos de autoridad sobre la obra de arte, el público o el lugar o espacio en el que se va a intervenir. Sin embargo, las intervenciones no avaladas (es decir, ilícitas) son comunes y dan lugar a un debate sobre la distinción entre arte y vandalismo. Por definición, es un desafío, o al menos un comentario, relacionado con la obra anterior o el tema de esa obra, o con las expectativas de un público en particular, y es más probable que cumpla esa función en todo su potencial cuando es unilateral, aunque en estos casos es casi seguro que las autoridades lo considerarán indeseable, si no vandalismo, y no arte.

El arte de intervención existe cuando un individuo o un grupo tiene creencias lo suficientemente fuertes como para tomar una acción ética percibida en torno a cuestiones sociales, desde el materialismo hasta la guerra. Sus orígenes en la historia del arte se evidencian en obras como "Un chaparrón de posesiones materiales" de Leonardo Da Vinci, que muestra al artista tomando una postura contra el statu quo materialista. Los Grabados negros de Goya de 1812-15 muestran evidencia casi documental de las depravaciones reales de la guerra. Ambos ejemplos muestran el arte de la conciencia.

Estos ejemplos fueron realizados por artistas que dependían para su sustento del patrocinio de la clase dominante, por lo que ambos se hicieron públicos solo póstumamente.

El arte de intervención también cuestiona los límites entre el mundo del arte y el mundo real. Esta interacción surgió cuando los artistas comenzaron a utilizar objetos encontrados que incorporaron a la pintura. Esto comenzó con el cubismo alrededor de 1912 y el uso del collage como el de Merz de Kurt Schwitters.

Durante el resto del siglo XX y principios del siglo XXI, los artistas de intervención se alejaron del arte impulsado por el mercado y volvieron al mundo real; "los artistas deben ser activistas"... enmarcando elefantes en las habitaciones."

• 1915 – Publicaciones y performances de Dada
• 1917 – "Fountain" de Marcel Duchamp
• 1937 – Guernica de Picasso
• 1952 – Letterist international, Situationists international, Vienese Actionists
• 1960s – Arte terrestre – Robert Smithson "Spiral Jetty" y Walter De Maria, Jan Dibbets, Hans Haacke, Michael Heizer, Neil Jenney, Richard Long, David Medalla, Robert Morris, Dennis Oppenheim, Gunther Uecker.
• 1970 – Bonnie Sherk's "Sitting still" (1970), "Public Lunch" (1971), "The Park" (1974)
• 1974 – "Telón Valley" de Christo
• 1975 – El jardín guerrillero de Adam Purple de Nueva York
• 1978 – El Paisaje del Tiempo de Alan Sonfist
• 1978 – "Vacant Lot of Cabbages" de Barry Thomas (1978) "Street Stringing" (1978, '79, 2017), rADz (1997-2001)
• 1982 – "7000 robles" de Joseph Beuys
• 1982 – "Wheatfield" de Agnes Denes
• 1984 - Don Joyce's Culture Jamming
• 1986 – Hombre quemado
• 1989 – Kalle Lasn Anuncio busters anti publicidad
• 1999 – Stuckists
• 2003 - Flashmobs de Bill Wasik
• 2005 - Bombeo de hilo de Magda Sayeg
• 2011 – Pussy Riot
• 2015 – "Desmaland" de Banksy y "Walled off" (2017)
• 2023 – Ai Weiwei "Middle finger"
• 2023 – Boris Eldagsen Gana premio fotográfico usando Inteligencia Artificial

Son muchas las intervenciones artísticas que se llevan a cabo en contextos en los que se ha dado la invitación y aprobación correspondiente.

El extremo al que puede llegar una intervención autorizada y aún así obtener la aprobación institucional se demostró en 2002, cuando el Museo de Arte Nuevo de Detroit montó una muestra llamada kaBoom!, con el anuncio: "Durante el transcurso de la exposición, los visitantes del museo serán invitados a destrozar, dejar caer, arrojar y acuchillar las obras de arte...". La muestra estaba programada para dos meses, pero al final de la primera noche había sido totalmente destruida por los visitantes:

"Incluso destruyeron los pedestales y los estantes de pared", un personal del museo se encogió en incredulidad. Se establecieron fuegos en galerías aisladas y una bola de descomposición para una pantalla había sido quitada de su cadena y utilizada en su lugar como bola de bolos, sacando una instalación así como la esquina de una pared. "De una manera retorcida, fue un éxito salvaje", dice el director de MONA Jef Bourgeau la mañana después, en una nota sorprendentemente brillante mientras pasa por la carnicería y los escombros. Esto sigue el precedente de los Dadaístas. En uno de sus espectáculos, los visitantes fueron invitados a romper las exposiciones con un hacha.

Una intervención artística autorizada más habitual en una institución se lleva a cabo con gran cuidado para asegurarse de que no se dañe la colección existente. En 2004, la Old Town House de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, colgó su Colección Michaelis de pinturas de antiguos maestros holandeses del siglo XVII de cara a la pared. El comisario Andrew Lamprecht dijo que esta exposición, titulada Flip, "obligaría a los visitantes de la galería a reconsiderar sus preconcepciones sobre el arte y su legado". El conocimiento de la intención es parte integral de un proceso de este tipo, ya que se percibiría de forma diferente si se anunciara en un contexto de conservación, en lugar de como una pieza de arte. Sin embargo, en este caso hubo cierta ambigüedad sobre el propósito del ejercicio, ya que Lamprecht, aunque afirmó: "Estoy haciendo preguntas sobre la historia", también añadió un tono "educativo" más estándar. Comentario: "El reverso de las pinturas revela una gran cantidad de detalles que normalmente no están expuestos al público, desde antiguos intentos de preservar el lienzo hasta notas de diferentes coleccionistas a lo largo de los años", lo que reduce el impacto confrontativo de sus acciones.

Una intervención artística autorizada que requirió un esfuerzo considerable para obtener el permiso necesario fue la de envolver con cinta adhesiva roja la estatua ecuestre de Lord Napier de Magdala, situada en Queen's Gate, en el oeste de Londres. Esto lo hizo Eleonora Aguiari, una estudiante del Royal College of Art (RCA) para su última exposición. Cuando se le preguntó si había considerado un acto clandestino, respondió: "No, no es mi estilo, me gusta desafiar a las instituciones". Para ello, necesitaba cartas de autorización del rector del RCA, un profesor, el departamento de conservación del Victoria and Albert Museum y el departamento de conservación del RCA, pruebas de bronce, una licencia de andamiaje, un seguro de indemnización y el permiso de English Heritage (propietaria de la estatua), la ciudad de Westminster, dos distritos (Chelsea y Kensington, ya que su límite divide en dos la longitud del caballo) y el actual Lord Napier.

Luego, cuatro personas que trabajaron durante cuatro días aplicaron una capa de film transparente y casi 80 rollos de cinta adhesiva roja. Aguiari lo describió como "una acción zen en medio del tráfico, pero a solas con una hermosa estatua. Cada detalle de la estatua es perfecto y ligeramente más grande de lo normal", y dijo que "las estatuas que simbolizan el pasado militar o el imperialismo deben cubrirse para hacer visibles los temas del pasado". Aguiari recibió entonces una llamada telefónica: "Saatchi quiere hablar contigo", pero, al acudir a la cita, se encontró hablando no con Charles Saatchi sino con Michael Moszynski, de la empresa de publicidad Saatchi & Saatchi, quien pensó que su idea sería adecuada para "una campaña publicitaria conservadora" y quería que envolviera una ambulancia con cinta roja. Ella rechazó la oferta.

A pesar de su autorización oficial, la acción provocó controversia a través de la cobertura de prensa, incluida una foto de la agencia de prensa Reuters reproducida en el Daily Times de Pakistán.

Paul Kuniholm intervino sus esculturas de acero y textiles que lleva sobre el cuerpo, con arte en mimbre de su bisabuelo John Emil Kuniholm, posado para The Nordic Heritage Museum en 2013. La acción se repitió varias veces más en lugares como el Museo de Arte de Seattle, Taipei, Taiwán, el Central Park de la ciudad de Nueva York y en Suecia para la Municipalidad de Jönköping.

Algunos artistas desafían la ortodoxia al no solicitar, o tal vez no poder obtener, permiso, pero llevan a cabo su intención de todos modos, contraviniendo las regulaciones, con reacciones oficiales de distintos grados de severidad.

Desde 1983 Eberhard Bosslet lleva realizando intervenciones específicas al aire libre, las llamadas "Re/formaciones y efectos secundarios", en las Islas Canarias.

En 1994, Damien Hirst comisarió la muestra Some Went Mad, Some Ran Away en la Serpentine Gallery de Londres, que incluía su obra Away from the Flock, una oveja destripada en un tanque de formol. En una entrevista, Hirst dijo que no le importaba lo que la gente pensara de su obra "siempre que se involucraran". Al día siguiente, el artista Mark Bridger quitó la tapa del tanque de la obra de arte y vertió tinta negra en él, cambió el título a Black Sheep y entregó su tarjeta de visita al personal de la galería.

Bridger fue posteriormente procesado por deseo de Hirst. La defensa del artista fue que pensaba que Hirst se beneficiaría de la publicidad y el crítico Tony Parsons dijo que la acción del artista demostraba que lo que hace Damien Hirst es arte. La exposición fue restaurada con un coste de 1000 libras.

Un caso notable de intervención no autorizada -que no causó daño alguno, pero que aun así fue pasible de procesamiento- ocurrió a las 12.58 p.m. del 25 de octubre de 1999, cuando dos artistas, Yuan Chai y Jian Jun Xi, saltaron sobre la instalación de Tracey Emin My Bed, en el Turner Prize de la Tate Britain, vestidos sólo con ropa interior. Titularon su performance Two Naked Men Jump Into Tracey's Bed. Fueron arrestados por su acción, pero no se presentaron cargos. Chai había escrito, entre otras cosas, las palabras "ANTI STUCKISM" en su espalda desnuda. Dijeron que estaban "mejorando" la obra de Emin, porque pensaban que no había ido lo suficientemente lejos, y se oponían a los Stuckistas, que están en contra del arte de performance.

"Banksy" es el nombre comercial de uno de los intervencionistas más conocidos del Reino Unido. Ha realizado numerosos grafitis con plantillas, normalmente con un mensaje o comentario específico. También ha infiltrado sus propias obras de arte en museos, donde han permanecido durante distintos periodos de tiempo antes de ser retiradas. En mayo de 2005, por ejemplo, colgó su propia versión de una pintura rupestre primitiva, que mostraba a un ser humano cazando con un carrito de la compra, en el Museo Británico. Actualmente es uno de los artistas más solicitados. Su obra alcanza millones de dólares en las casas de subastas de Gran Bretaña y Estados Unidos.

En 2015, Banksy y otros 58 artistas crearon Dismaland utilizando un parque temático en desuso para representar la antítesis de Disneyland. En 2017, Bansky trabajó con la población local de Cisjordania para establecer un hotel en funcionamiento, el Walled Off Hotel, que literalmente da a la barrera de Cisjordania construida por Israel que separa las comunidades palestina e israelí. Bansky "exhibe un fuerte sentido de inclusión y humanidad" "Se necesita mucho coraje para defender anónimamente en una democracia occidental cosas en las que nadie más cree, como la paz, la justicia y la libertad"

En febrero de 2005, el artista judío Lennie Lee fue censurado por exponer una obra llamada "Judensau" (Cerdo judío) en la galería del Ayuntamiento de Treptow, en Berlín. La intervención fue organizada por los otros artistas que trabajaban en la muestra, quienes afirmaron (erróneamente) que Lee era uno de ellos. La obra de Lee fue diseñada para poner a la institución en una posición difícil. Si la dejaban en la pared, sus oponentes los acusarían de antisemitismo. Por otro lado, si retiraban la obra, estarían censurando el trabajo de un artista judío que trata estereotipos antisemitas.

Las autoridades se vieron obligadas a retirar la pieza, lo que atrajo una considerable atención de los medios de comunicación. Lee había "ofrecido" anteriormente retirar su "Judensau" con la condición de que se retirara una escultura del siglo XIV de un "Judensau" del lateral de la iglesia de Martín Lutero en Wittenberg.

El 4 de enero de 2006, mientras se exhibía en la muestra Dada en el Centro Pompidou de París, la Fuente de Marcel Duchamp fue atacada con un martillo por Pierre Pinoncelli, un artista de performance francés de 77 años, lo que le provocó un pequeño desprendimiento. Pinoncelli, que fue arrestado, dijo que el ataque era una obra de arte de performance que el propio Marcel Duchamp habría apreciado. Esto puede ser cierto, ya que en una ocasión se invitó a los visitantes de una muestra Dada a destrozar las piezas expuestas con un hacha. Anteriormente, en 1993, Pinoncelli orinó en la pieza mientras se exhibía en Nîmes, en el sur de Francia. Ambas performances de Pinoncelli derivan de intervenciones o maniobras de los neodadaístas y los accionista vieneses.

La fuente atacada por Pinoncelli era en realidad la número 5 de las 8 que Duchamp recreó mucho más tarde, después de que se perdiera la original. Otra se exhibe en el Museo de Arte de la Universidad de Indiana, y también hay una en la Tate Modern, donde en 2000 también fue el objetivo de una performance de micción (sin éxito según la galería) a cargo de Yuan Chai y Jian Jun Xi.

El artista Cartrain retiró un paquete de lápices Faber Castell Mongol 482 de 1990 de la instalación de Damien Hirst en su restaurante Pharmacy. Esto se produjo después de que Hirst iniciara una acción legal contra Cartrain por utilizar copias de la obra de Hirst. Cartrain declaró:

Para el regreso seguro de Damien Hirsts lápices me gustaría mis obras de arte que Dacs y Hirst me quitaron en noviembre. No es una gran demanda que pueda recuperar sus lápices cuando recupere mis obras de arte. Dacs ahora no está tomando ningún aviso de mis emails y he pedido amablemente más de cinco veces para tratar de resolver este asunto. Hirst tiene hasta finales de este mes para resolver esto o el 31 de julio los lápices serán afilados. Le han advertido.

Aunque los tecnicismos legales son sencillos, cuando una intervención no autorizada interfiere en una que sí lo está oficialmente, las cuestiones morales pueden ser mucho menos sencillas, especialmente cuando el acto legal se topa con una desaprobación pública generalizada (hasta el punto de considerarlo vandalismo), mientras que la reacción ilícita al mismo satisface un sentido público de justicia.

En la primavera de 2003, la artista Cornelia Parker intervino en la escultura de Auguste Rodin El beso (1886) en la Tate Britain envolviéndola en un kilómetro de cuerda. Se trataba de una referencia histórica al uso de la misma longitud de cuerda por parte de Marcel Duchamp para crear una red dentro de una galería. Aunque la intervención había sido aprobada por la galería, mucha gente la consideró ofensiva para la obra de arte original y un acto de vandalismo más que de arte. Esta reacción provocó una nueva intervención no autorizada, en la que el stuckista Piers Butler cortó la cuerda de Parker mientras unas parejas se besaban en directo.

En 2003, Jake y Dinos Chapman montaron caras de payasos y otras "divertidas" sobre una serie de grabados de Los desastres de la guerra de Goya (que habían comprado), interviniendo así en la obra original. Aparte de las quejas por mal gusto, este acto fue descrito por algunos como "desfiguración", aunque la serie era una impresión de finales de los años 30. Aparentemente como protesta contra esta pieza, Aaron Barschak (que más tarde se hizo famoso por colarse en la fiesta del 21 cumpleaños del príncipe Guillermo vestido como Osama bin Laden con un vestido) arrojó un bote de pintura roja sobre Jake Chapman durante una charla que estaba dando en mayo de 2003.

Los Chapman añadieron después cabezas de monstruos a los grabados de Goya Los Caprichos y los expusieron en el White Cube en 2005 bajo el título Como perro que vuelve a su vómito. Al igual que otros intervencionistas, afirmaron que se trataba de una mejora respecto del original: "No se puede vandalizar algo haciéndolo más caro". Sin embargo, Dinos señaló un problema: "a veces es difícil hacer que los grabados originales de Goya sean más desagradables; en uno de ellos encontré a una bruja abusando sexualmente de un bebé".

Otro ejemplo en la Tate fue una intervención en la instalación Embankment de Rachel Whiteread en la Sala de Turbinas de la Tate Modern el 25 de febrero de 2006. La instalación específica de Whiteread consistía en grandes pilas de cubos de plástico blanco, hechos con un molde de cajas de cartón. Jonathan Meese, un artista de performance alemán, había organizado un evento programado en este entorno, colocando accesorios y dando un monólogo salvaje. Durante el evento, un objeto fue arrojado o cayó desde la pasarela sobre la sala, cayendo con un estruendo. Esto fue visto como intencional y considerado por algunas personas como una intervención artística, mientras que otros pensaron que era simplemente vandalismo. Un mes después, la Tate se pronunció sobre este incidente: "Las obras sufren interferencias todo el tiempo y la gente a menudo no está segura de los límites o la etiqueta social del arte y reacciona en consecuencia, a veces yendo más allá de los límites".

En 1978, Barry Thomas unió una calle suburbana en Wellington, Nueva Zelanda, y con amigos entregó el directorio de calles de Claremont Grove para que los vecinos pudieran conocerse. Fue el primero de muchos trabajos con cuerdas, el último de los cuales se realizó en Dunedin en 2017, donde unió 13 kilómetros de la zona baja propensa a inundaciones de Dunedin con las áreas más seguras y ricas, terminando en un círculo atado con un nudo en la apertura del simposio Arte y Revolución.

Una rara inversión de este modelo fue la colocación de Fearless Girl, parte de una campaña de marketing para State Street Global Advisors, en oposición a Charging Bull en la ciudad de Nueva York. Charging Bull fue colocada originalmente de manera ilícita por el escultor Arturo Di Modica en Broad Street, frente a la Bolsa de Valores de Nueva York, en 1989. La ciudad trasladó la estatua a Bowling Green, donde ha permanecido con un permiso temporal vencido. Si bien la colocación de Fearless Girl fue respaldada por la ciudad de Nueva York, Di Modica se opuso. En 2018, el alcalde de la ciudad de Nueva York, Bill de Blasio, anunció que ambas estatuas se trasladarían para que estuvieran frente a la Bolsa de Valores de Nueva York, que ya no se opondría a ella.

En ocasiones se recurre a una estratagema no autorizada, pero tampoco ilícita, que consiste en llevar a cabo un comportamiento supuestamente "normal", encontrando lagunas en las normas, llevándolas hasta el límite, utilizándolas contra los reguladores y anunciando en 1917 el futuro del arte mismo.

Un ejemplo seminal de este enfoque tuvo lugar en 1917, cuando Marcel Duchamp presentó un urinario (apoyado sobre su parte posterior, firmado por él "R. Mutt 1917" y titulado "Fuente") a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes. La Sociedad había proclamado su apertura mental al afirmar que aceptaría todas las obras presentadas, anticipando únicamente que se aceptarían las realizadas en medios convencionales (pinturas). Duchamp era miembro de la junta directiva de la Sociedad e interpretó las normas al pie de la letra. Su propuesta fue rechazada inmediatamente por "no ser arte" y renunció a la junta poco después. La "Fuente" original se perdió. Cincuenta años después, Duchamp encargó reproducciones, que entonces eran muy solicitadas por los museos.

En 1961, su compañero dadaísta Hans Richter le escribió a Duchamp:

Usted lanzó un estante de botella y urinario en sus caras como un desafío y ahora ellos los admiran por su belleza estética.

Duchamp escribió "Ok, ça va très bien" ("está muy bien") en el margen, y la cita a menudo se le atribuye erróneamente.

El nombre colectivo que Duchamp le dio a este y otros "readymades" puso a prueba los límites entre el mundo real y el mundo del arte.

Joseph Kosuth dijo: “... Con el Readymade sin ayuda, el arte cambió su enfoque de la forma del lenguaje a lo que se estaba diciendo... Este cambio –de la ‘apariencia’ a la ‘concepción’– fue el comienzo del arte ‘moderno’ y el comienzo del arte conceptual. Todo arte (después de Duchamp) es conceptual (por naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente”.

Su avance clave aquí fue oponerse a lo que él llamó el "pensamiento retiniano", especialmente en torno a los aspectos visuales de la creación artística, frente a lo que él llamó la "materia gris".

"La Fuente" fue nombrada en 2004 como la obra de arte más influyente del mundo que abrió la puerta al arte moderno.

Duchamp también previó varias tendencias en el arte y la sociedad con conceptos revolucionarios como “Me he obligado a contradecirme para no conformarme a mi propio gusto” y que “prefería respirar antes que trabajar”. Optó por la indiferencia ante los criterios de selección del buen o mal gusto para sus ready-mades.

Como jefe del comité de montaje, Duchamp mostró una propensión igualitaria en sus criterios de montaje alfabéticos en la exposición de la Sociedad de Independientes de 1917. Debido a su deliberada prueba de la segregación entre los objetos creados por el artista y los objetos ready-made con su 'Fuente', la junta votó para rechazarla, por lo que Duchamp y su mecenas Walter Arensberg renunciaron a sus puestos en la junta.

Junto con estos conceptos y su noción de que el artista no actúa de manera aislada y que es el espectador el que completa la obra de arte, previó profundamente los movimientos artísticos que rompieron fronteras, como el arte conceptual, los happennings, el land art, la estética relacional, el arte de intervención y muchos más.

La década de 1960 fue el presagio de muchos movimientos sociales que rompieron fronteras, como la revolución sexual, el movimiento ambientalista, seguido por el movimiento Occupy y el movimiento MeToo, junto con una "revolución estética".

Duchamp desarrolló una reacción casi alérgica al pensamiento polémico, prefiriendo la tercera vía de la "indiferencia" a la de "equilibrar" el "buen" y el "mal" gusto. Su libro de ajedrez se titulaba "Oposición y casillas hermanas reconciliadas". En 1966, resumiendo su propio legado (y tal vez señalando la dirección del arte que regresa al mundo real, de forma no muy diferente a su "readymade recíproco"), Duchamp dijo que el trabajo de su vida consistía en "utilizar la pintura, utilizar el arte, para crear un modus vivendi, una forma de entender la vida; es decir, por el momento, tratar de convertir mi vida en una obra de arte en sí misma, en lugar de pasarme la vida creando obras de arte en forma de pinturas o esculturas".

En 2023, Boris Eldagsen ganó los Sony World Photography Awards admitiendo que utilizó inteligencia artificial para crear su imagen.

Los Stuckistas han seguido el ejemplo de Duchamp y han explotado las normas en su propio beneficio en las manifestaciones anuales que han realizado frente al Turner Prize (2000-2005) en la Tate Britain. Antes de su primera manifestación (vestidos de payasos), obtuvieron permiso por escrito de la galería para que esa forma de vestir fuera aceptable, y luego caminaron por el Turner Prize luciendo esa vestimenta.

En 2002, cuando Martin Creed ganó con luces encendidas y apagadas en una sala vacía, encendieron y apagaron linternas afuera, y en 2003 exhibieron una muñeca sexual inflable para parodiar la escultura de bronce (pintada) de Jake y Dinos Chapman basada en una, afirmando que tenían la original. Aunque se les prohibió participar en la ceremonia de premios, lograron infiltrarse psicológicamente en ella hasta el punto de que dos veces fueron mencionados por el invitado de honor en la televisión en vivo, justo antes del anuncio del ganador. También repartieron manifiestos a los invitados que llegaban a la Tate (y a la Galería Saatchi), con lo que lograron que su mensaje se transmitiera a los eventos de los que fueron excluidos.

Como los Stuckistas condenan el arte de performance como arte no verdadero, surge la pregunta de si sus actividades, que son realizadas por artistas y por lo tanto normalmente se clasificarían como "arte", todavía se clasifican como "arte", si ellos mismos no las clasifican como tal. En una ocasión, sin embargo, recibieron un premio por arte conceptual del grupo proto-MU.

Se afirma que la legitimidad y el valor artístico de una intervención artística pueden variar, dependiendo de la percepción y el punto de vista del espectador. La siguiente declaración, titulada Stuckism Handy Guide to the Artworld, apareció por primera vez en el sitio web de Stuckist con referencia específica al incidente de Meese en la Tate Modern, y luego fue publicada por Jennifer Maddock en el foro de Artforum con el comentario: "Encontré un intento bastante cínico de diferenciar entre vandalismo e intervención mientras leía sobre el evento en la Tate Modern, por ejemplo, la definición cínica de los Stuckistas":

Un acto de un individuo que interfiere con una obra de arte existente se denomina "intervención" y el individuo denomina un "artista" si son refrendados por un curador de Tate o están muertos. Lo mismo, o similar, actuar por un individuo interfiriendo con la misma obra (o incluso interfiriendo con la interferencia en la obra de arte), si están vivos y no son refrendados por un curador de Tate, se denomina "vandalismo", y el individuo denominado "criminal".

A veces, el vandalismo artístico se utiliza para hacer una protesta política. Independientemente de que se considere o no un acto político legítimo, normalmente no se considera arte, y hasta hace poco ni siquiera se hubiera planteado la cuestión. Sin embargo, con la creciente disolución de las fronteras entre el arte y la vida y la ampliación del alcance del arte, ha habido una tendencia creciente a considerar arte las acciones inusuales o espectaculares, aunque nunca hayan tenido la intención de serlo.

La indignación pública se produjo tras un intento de reclasificar un acontecimiento en términos artísticos el 10 de septiembre de 2002, en vísperas del primer aniversario de los ataques del 11 de septiembre al World Trade Center, cuando Damien Hirst dijo en una entrevista con BBC News Online:

Lo del 11 de septiembre es que es como una obra de arte en su propio derecho... David Hockney dijo que era la "más mala obra de arte": mucha gente la ha comparado con una obra de arte. Por supuesto, es visualmente impresionante y tienes que dárselo a ellos en algún nivel porque han logrado algo que nadie hubiera pensado posible, especialmente a un país tan grande como América. Así que en un nivel necesitan felicitación, de la que mucha gente se aleja, lo que es algo muy peligroso.

La semana siguiente, emitió un comunicado a través de su empresa, Science Ltd:

Me disculpo sin reservas por cualquier disgusto que haya causado, especialmente a las familias de las víctimas de los acontecimientos en ese terrible día.

El libro Privatising Culture: Corporate Art Intervention Since the 1980s de Chin-Tao Wu se publicó en 2001 en Nueva York. Uno de los objetivos del libro es contrarrestar el efecto de las políticas tacañas instituidas por Margaret Thatcher y Ronald Reagan que recortaron la financiación gubernamental al arte para fomentar una mayor financiación privada de las artes y cómo, por ejemplo, el consiguiente cambio en la composición de los consejos de administración, de académicos a ejecutivos corporativos, ha llevado inevitablemente a potenciales conflictos de intereses.

El Instituto Nacional de Trauma y Pérdida en Niños utiliza el término "intervención artística" en el sentido de terapia artística, al igual que la Universidad de Hong Kong, que afirma:

Intervención de arte terapéutico para adultos mayores.

El uso de la intervención artística para mejorar la calidad de vida de las personas de edad ha ganado la atención de los profesionales de la salud recientemente. El curso introducirá las perspectivas teóricas y las aplicaciones de las orientaciones artísticas en la entrega de servicios. Las habilidades avanzadas de utilizar diferentes comunicaciones artísticas y no verbales significan mejorar la expresión de las personas con demencia y deterioro neurológico serán enseñadas por métodos progresivos y experienciales.

También se utiliza ampliamente el término "intervención artística" para referirse no a un acto particular intencionado o logrado, sino de manera genérica a cualquier presencia de arte o artistas en un entorno, en el que esto puede no haber sido así anteriormente. El uso extensivo de este término se muestra en casos como el distrito londinense de Bexley ("Esta estrategia tiene como objetivo poner la "cultura en el centro de la regeneración", y se basará en el éxito de la primera gran intervención de arte público en el distrito: el Proyecto de Arte Erith"), el Centro Cívico Neal en Florida ("Los planes incluyen documentación en video de este proyecto para que pueda usarse como prototipo para programas de intervención artística rural en todo el país"), y el alcalde Howard W. Peak, de la ciudad de San Antonio, Texas (con el deseo de "difundir modelos de "mejores prácticas" de programas nacionales de intervención artística").

Otro ejemplo es el Wochenklausur, donde el tema de las personas sin hogar fue abordado por artistas que intervinieron.

La intervención de artistas y, especialmente, de ciudadanos occidentales y democráticos se ha generalizado, incluyendo el yarn bombing, las flash mobs, el arte de guerrilla, el arte callejero, el graffiti, el arte de performance, los Adbusters, el arte efímero, el arte ambiental hasta el movimiento Occupy, el ciclismo de guerrilla, la jardinería de guerrilla, la agricultura urbana, Extinction Rebellion y el activismo antropoceno, el activismo por el cambio climático e incluso los defensores del decrecimiento. Los gobiernos, junto con los consejos regionales y locales, han adoptado procesos de urbanismo táctico y el establecimiento de límites para mantener a raya y acoger estos movimientos intervencionistas generalizados. Un número cada vez mayor de personas quiere tener voz y voto en la configuración de sus entornos locales y globales. La ciudad británica de Todmorden desarrolló la jardinería de guerrilla como su marca turística, incluso cultivando maíz en la estación de policía. Esto ha beneficiado a la economía local. El "Culture jamming" es una intervención y fue popularizada por Naomi Klein en su libro No Logo, pero fue una invención mucho anterior de Don Joyce. En 2023, la aplicación del dedo medio de Ai Weiwei, "The bird", permite a los usuarios desaprobar cualquier lugar de la Tierra utilizando una imagen del dedo medio de Ai superpuesta a imágenes de Google Maps.

• Perini, Julie (2010). "Art as Intervention: A Guide to Today's Radical Art Practices". En Team Colors Collective (ed.). Usos de un Whirlwind: Movimiento, Movimientos y Corrientes Radicales Contemporáneas en Estados Unidos (PDF). AK Prensa. ISBN 9781849350167.
• Cabbage Patch as art Ocupa and event specific art see https://web.archive.org/web/20150507143550/http://muir.massey.ac.nz/handle/10179/3041
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