Instrumento de cuerda

Los instrumentos de cuerda, instrumentos de cuerda o cordófonos son instrumentos musicales que producen sonido a partir de cuerdas que vibran cuando un intérprete toca o hace sonar las cuerdas en de alguna manera.

Los músicos tocan algunos instrumentos de cuerda punteando las cuerdas con los dedos o con una púa, y otros golpeando las cuerdas con un martillo ligero de madera o frotando las cuerdas con un arco. En algunos instrumentos de teclado, como el clavicémbalo, el músico presiona una tecla que toca la cuerda. Otros instrumentos musicales generan sonido golpeando la cuerda.

Con los instrumentos de arco, el músico tira de un arco de crin de caballo colofonia a través de las cuerdas, lo que hace que vibren. Con una zanfoña, el músico hace girar una rueda cuyo borde rosado toca las cuerdas.

Los instrumentos de arco incluyen los instrumentos de la sección de cuerdas de la orquesta en la música clásica occidental (violín, viola, violonchelo y contrabajo) y una serie de otros instrumentos (p. ej., violas y gambas utilizadas en la música antigua de la era de la música barroca y violines utilizado en muchos tipos de música folclórica). Todos los instrumentos de cuerda frotada también se pueden tocar con los dedos, una técnica llamada "pizzicato". Se utiliza una amplia variedad de técnicas para hacer sonar las notas en la guitarra eléctrica, incluido el punteo con las uñas o una púa, el rasgueo e incluso el "tapping" en el diapasón y utilizando la retroalimentación de un amplificador de guitarra alto y distorsionado para producir un sonido sostenido. Algunos instrumentos de cuerda son principalmente punteados, como el arpa y el bajo eléctrico. En el esquema Hornbostel-Sachs de clasificación de instrumentos musicales, utilizado en organología, los instrumentos de cuerda se denominan cordófonos. Otros ejemplos incluyen el sitar, el rebab, el banjo, la mandolina, el ukelele y el bouzouki.

Según Sachs,

Los helicópteros son instrumentos con cuerdas. Las cuerdas pueden ser golpeadas con palos, arrancadas con los dedos desnudos o un plectrum, inclinadas o (en el arpa eoeliano, por ejemplo) sonado por el viento. La confusa plenitud de instrumentos de cuerda se puede reducir a cuatro tipos fundamentales: zithers, lutes, lires y arpas.

En la mayoría de los instrumentos de cuerda, las vibraciones se transmiten al cuerpo del instrumento, que a menudo incorpora algún tipo de área hueca o cerrada. El cuerpo del instrumento también vibra, junto con el aire de su interior. La vibración del cuerpo del instrumento y el hueco o cámara encerrada hacen que la vibración de la cuerda sea más audible para el intérprete y el público. El cuerpo de la mayoría de los instrumentos de cuerda es hueco. Sin embargo, algunos, como la guitarra eléctrica y otros instrumentos que dependen de la amplificación electrónica, pueden tener un cuerpo de madera maciza.

Clasificación

En musicología, los instrumentos de cuerda se conocen como cordófonos. Es una de las cinco divisiones principales de instrumentos en el esquema Hornbostel-Sachs de clasificación de instrumentos musicales.

Hornbostel-Sachs divide los cordófonos en dos grupos principales: instrumentos sin resonador como parte integral del instrumento (que tienen el número de clasificación 31, también conocidos como simples); e instrumentos con tal resonador (que tienen el número de clasificación 32, también conocido como compuesto). La mayoría de los instrumentos occidentales caen en el segundo grupo, pero el piano y el clavicémbalo caen en el primero. Hornbostel y Sachs' El criterio para determinar en qué subgrupo cae un instrumento es que si el resonador se puede quitar sin destruir el instrumento, entonces se clasifica como 31. La idea de que la carcasa del piano, que actúa como resonador, podría ser retirado sin destruir el instrumento, puede parecer extraño, pero si la acción y las cuerdas del piano se sacaran de su caja, aún se podría tocar. Esto no es cierto para el violín, porque la cuerda pasa por un puente ubicado en la caja del resonador, por lo que quitar el resonador significaría que las cuerdas no tienen tensión.

Curt Sachs también dividió los cordófonos en cuatro subcategorías básicas, "cítaras, laúdes, liras y arpas".

• Las cremalleras incluyen palo zithers como el arco musical, zithers tubo con un tubo como el resonador como el valiha, zithers de balsa en el que los tubos zithers están atados en una sola "raft", tabla de zorros incluyendo clavichord y piano y dulcimer, y zithers largos (descritos como combinación de medias crestas y tablas) incluyendo a las familias Se y Guzheng.
• Los lutes son instrumentos musicales encadenados que incluyen un cuerpo y "un cuello que sirve tanto como un mango y como un medio para estirar las cuerdas más allá del cuerpo". La familia exuberante incluye no sólo corto-necked lutes tales como la luta, oud, pipa, guitarra, citole, gittern, mandore, rubab, y gambus y lutos de larga distancia como la tanbura, swarabat, bağlama, bouzouki, veena, theorbo, archlute, pandura, sitar, setar, pero también instrumentos de proa como el Yaylı tambur, rebab, erhu, y toda la familia de violines y violines.
• El liro tiene dos brazos, que tienen un "yoke" o una barra cruzada que los conecta, y cuerdas entre la barra cruzada y la placa sonora. Sachs dividió esto en el caja lyre como el gathara griego y el lyre que usó un tazón en su lado con tabla de sonar de la piel.
• El arpa que tiene cuerdas verticales a la placa sonora.

Primeros instrumentos de cuerda

Saliendo alrededor de c. 13.000 aC, una pintura rupestre en la cueva de Trois Frères en Francia representa lo que algunos creen que es un arco musical, un arco de caza utilizado como instrumento musical de una sola cuerda. Del arco musical se desarrollaron familias de instrumentos de cuerda; ya que cada cuerda tocaba una sola nota, al agregar cuerdas se añadían nuevas notas, creando arpas de arco, arpas y liras. A su vez, esto llevó a poder tocar díadas y acordes. Otra innovación ocurrió cuando se enderezó el arpa de arco y se usó un puente para levantar las cuerdas del mástil de palo, creando el laúd.

Esta imagen de arco musical a arco de arpa es teoría y ha sido cuestionada. En 1965, Franz Jahnel escribió su crítica afirmando que actualmente no se conocen los primeros antepasados de los instrumentos de cuerda pulsada. Sintió que el arco del arpa era un largo grito de la sofisticación de las civilizaciones de Asia occidental en el año 4000 a. C. que tomaron la tecnología primitiva y crearon "arpas, liras, cítaras y laúdes técnica y artísticamente bien hechos". 34;

Las excavaciones arqueológicas han identificado algunos de los primeros instrumentos de cuerda en sitios de la antigua Mesopotamia, como las liras de Ur, que incluyen artefactos de más de tres mil años. El desarrollo de los instrumentos de lira requirió la tecnología para crear un mecanismo de afinación para apretar y aflojar la tensión de las cuerdas. Las liras con cuerpos de madera y cuerdas que se usan para tocar o tocar con un arco representan instrumentos clave que apuntan hacia arpas posteriores e instrumentos de tipo violín; además, se han descubierto instrumentos indios del 500 a. C. con entre 7 y 21 cuerdas.

Laúdes

Ver: Historia de instrumentos lute-familia

Los musicólogos han presentado ejemplos de esa tecnología del siglo IV a. C. al observar imágenes grabadas que han sobrevivido. La imagen más antigua que muestra un instrumento parecido a un laúd proviene de Mesopotamia antes del 3000 a. Un sello de cilindro de c. 3100 aC o antes (ahora en posesión del Museo Británico) muestra lo que se cree que es una mujer tocando un laúd de palo. A partir de las imágenes supervivientes, los teóricos han categorizado los laúdes mesopotámicos, mostrando que se desarrollaron en una variedad larga y otra corta. La línea de laúdes largos puede haberse convertido en tambores y pandura. La línea de laúdes cortos se desarrolló aún más al este de Mesopotamia, en Bactria, Gandhara y el noroeste de la India, y se muestra en esculturas desde el siglo II a. C. hasta los siglos IV o V d. C.

Durante la era medieval, el desarrollo de instrumentos varió en diferentes regiones del mundo. Los rabeles de Medio Oriente representaron avances en términos de forma y cuerdas, con una forma de media pera usando tres cuerdas. Las primeras versiones del violín y el violín, en comparación, surgieron en Europa a través de instrumentos como el gittern, un precursor de cuatro cuerdas de la guitarra y laúdes básicos. Estos instrumentos generalmente usaban catgut (intestino animal) y otros materiales, incluida la seda, para sus cuerdas.

Renacimiento a la moderna

(feminine)

El diseño de instrumentos de cuerda se perfeccionó durante el Renacimiento y en el período barroco (1600-1750) de la historia musical. Los violines y las guitarras se volvieron más consistentes en diseño y eran más o menos similares a las guitarras acústicas de la década de 2000. Los violines del Renacimiento presentaban un intrincado trabajo en madera y cuerdas, mientras que los instrumentos bajos más elaborados, como la bandora, se produjeron junto con cítaras desplumadas y guitarras de cuerpo español.

En el siglo XIX, los instrumentos de cuerda se hicieron más accesibles a través de la producción en masa, siendo los instrumentos de cuerda de madera una parte clave de las orquestas; los violonchelos, las violas y los contrabajos, por ejemplo, ahora eran instrumentos estándar para conjuntos de cámara y orquestas más pequeñas.. Al mismo tiempo, la guitarra del siglo XIX se asoció más típicamente con los modelos de seis cuerdas, en lugar de las versiones tradicionales de cinco cuerdas.

Los principales cambios en los instrumentos de cuerda en el siglo XX involucraron principalmente innovaciones en la amplificación de instrumentos electrónicos y la música electrónica: los violines eléctricos estaban disponibles en la década de 1920 y eran una parte importante de las tendencias emergentes de la música jazz en los Estados Unidos. La guitarra acústica se usó ampliamente en el blues y el jazz, pero como instrumento acústico, no era lo suficientemente fuerte como para ser un instrumento solista, por lo que estos géneros la usaban principalmente como un instrumento de sección rítmica de acompañamiento. En las grandes bandas de la década de 1920, la guitarra acústica tocaba acordes de acompañamiento, pero no era lo suficientemente fuerte para tocar solos como el saxofón y la trompeta. El desarrollo de los amplificadores de guitarra, que contenían un amplificador de potencia y un altavoz en un gabinete de madera, permitió a los guitarristas de jazz tocar solos y ser escuchados por una gran banda. El desarrollo de la guitarra eléctrica proporcionó a los guitarristas un instrumento construido para conectarse a amplificadores de guitarra. Las guitarras eléctricas tienen pastillas magnéticas, perillas de control de volumen y un conector de salida.

En la década de 1960, se desarrollaron amplificadores de guitarra más grandes y potentes, llamados "pilas". Estos potentes amplificadores permitieron a los guitarristas tocar en bandas de rock que tocaron en grandes lugares como estadios y festivales de música al aire libre (por ejemplo, el Festival de Música de Woodstock). Junto con el desarrollo de amplificadores de guitarra, en las décadas de 1960 y 1970 se introdujeron una amplia gama de unidades de efectos electrónicos, muchos de ellos en pedales pequeños, como pedales fuzz, flangers y phasers, lo que permitió a los artistas crear nuevos sonidos únicos durante la era del rock psicodélico.. Los avances en las tecnologías y los estilos de interpretación de los bajos y las guitarras eléctricas permitieron grandes avances en la música pop y rock en las décadas de 1960 y 1970. El sonido distintivo de la guitarra eléctrica amplificada fue la pieza central de nuevos géneros musicales como el blues rock y la fusión de jazz-rock. El poder sónico de la guitarra eléctrica fuertemente amplificada y altamente distorsionada fue el elemento clave de la música heavy metal temprana, y la guitarra distorsionada se usaba en roles de guitarra principal y con acordes potentes como guitarra rítmica.

El uso continuo de amplificación electrónica y unidades de efectos en instrumentos de cuerda, desde instrumentos tradicionales como el violín hasta la nueva guitarra eléctrica, agregó variedad a las interpretaciones de música clásica contemporánea y permitió la experimentación en el rango dinámico y de timbre (color de tono). de orquestas, bandas y actuaciones solistas.

Tipos de instrumentos

Construcción

Los instrumentos de cuerda se pueden dividir en tres grupos:

Lutes

Instrumentos que soportan las cuerdas a través de un cuello y un Bout (""Gourd"), por ejemplo, una guitarra, violín, o azufre

Harps

Instrumentos que contienen las cuerdas dentro de un marco

Zithers

Instrumentos que tienen las cuerdas montadas en un cuerpo, marco o tubo, como un guqin, cimbalom, autoharp, harpsichord, piano o valiha

También es posible dividir los instrumentos en categorías enfocadas en cómo se toca el instrumento.

Técnicas de interpretación

Todos los instrumentos de cuerda producen sonido a partir de una o más cuerdas vibrantes, transferidas al aire por el cuerpo del instrumento (o por una pastilla en el caso de instrumentos amplificados electrónicamente). Por lo general, se clasifican por la técnica utilizada para hacer vibrar las cuerdas (o por la técnica principal, en el caso de instrumentos en los que se puede aplicar más de uno). Las tres técnicas más comunes son puntear, inclinar y golpear. Una diferencia importante entre el arco y el punteo es que en el primero el fenómeno es periódico, de modo que los armónicos se mantienen en una relación estrictamente armónica con la fundamental.

Desplume

El punteo es un método para tocar instrumentos como la veena, el banjo, el ukelele, la guitarra, el arpa, el laúd, la mandolina, el laúd y el sitar, utilizando un dedo, el pulgar o púas (ahora plectra de plástico) para tocar el instrumentos de cuerda.

Los instrumentos que normalmente se tocan con arcos (ver más abajo) también se pueden tocar, una técnica a la que se hace referencia con el término italiano pizzicato.

Inclinación

El arco (en italiano: arco) es un método utilizado en algunos instrumentos de cuerda, incluidos el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo (de la familia del violín) y la antigua familia de la viola. El arco consta de un palo con una "cinta" de pelos paralelos de cola de caballo estirados entre sus extremos. El cabello está recubierto con colofonia para que pueda sujetar la cuerda; mover el cabello a través de una cuerda provoca un fenómeno de pegado y deslizamiento, lo que hace que la cuerda vibre y hace que el instrumento emita un sonido. Los grados más oscuros de resina se adhieren bien en climas fríos y secos, pero pueden ser demasiado pegajosos en climas más cálidos y húmedos. Los violinistas y violas generalmente usan resina más dura y de color más claro que los que tocan instrumentos de tono más bajo, quienes tienden a preferir la resina más oscura y suave.

El ravanahatha es uno de los instrumentos de cuerda más antiguos. Los antepasados de los instrumentos de cuerda frotada modernos son el rebab de los imperios islámicos, el kamanche persa y la lira bizantina. Otros instrumentos de arco son el rabel, hardingfele, nyckelharpa, kokyū, erhu, igil, sarangi, morin khuur y K'ni. El organillo está inclinado por una rueda. En raras ocasiones, la guitarra se ha tocado con un arco (en lugar de punteada) para efectos únicos.

Impresionante

El tercer método común de producción de sonido en instrumentos de cuerda es golpear la cuerda. El piano y el dulcimer martillado utilizan este método de producción de sonido. Aunque el piano golpea las cuerdas, el uso de martillos de fieltro significa que el sonido que se produce puede ser suave y redondeado, en contraste con el ataque agudo que se produce cuando un martillo muy duro golpea las cuerdas.

En ocasiones, a los músicos de instrumentos de cuerda de la familia del violín se les indica que golpeen la cuerda con la baqueta del arco, una técnica llamada col legno. Esto produce un sonido de percusión junto con el tono de la nota. Un uso bien conocido de col legno para cuerdas orquestales es "Mars" de Gustav Holst. movimiento de la suite Los Planetas.

Otros métodos

El arpa eólica emplea un método muy inusual de producción de sonido: las cuerdas son excitadas por el movimiento del aire.

Algunos instrumentos que tienen cuerdas tienen un teclado adjunto en el que el jugador presiona las teclas para activar un mecanismo que hace sonar las cuerdas, en lugar de manipularlas directamente. Estos incluyen el piano, el clavicordio y el clavicémbalo. Con estos instrumentos de teclado, las cuerdas se puntean o arquean ocasionalmente a mano. Compositores modernos como Henry Cowell escribieron música que requiere que el ejecutante meta la mano dentro del piano y pulse las cuerdas directamente, "inclinar" envuélvalos con un arco enrollado alrededor de las cuerdas, o tóquelos haciendo rodar la campana de un instrumento de metal como un trombón en el conjunto de cuerdas. Sin embargo, estas son técnicas especiales relativamente raramente utilizadas.

Otros instrumentos de cuerda con llave, lo suficientemente pequeños para que los toque un músico ambulante, incluyen el autoarpa punteada, el nyckelharpa con arco y la zanfoña, que se toca haciendo girar una rueda de colofonia.

Los instrumentos de cuerdas de acero (como la guitarra, el bajo, el violín, etc.) se pueden tocar usando un campo magnético. Un E-Bow es un pequeño dispositivo portátil alimentado por batería que excita magnéticamente las cuerdas de un instrumento de cuerda eléctrico para proporcionar un tono de canto sostenido que recuerda a una nota de violín arqueada sostenida.

El tercer puente es un método de punteo en el que el jugador trastea una cuerda y golpea el lado opuesto al puente. La técnica se usa principalmente en instrumentos eléctricos porque estos tienen una pastilla que amplifica solo la vibración de la cuerda local. También es posible con instrumentos acústicos, pero es menos efectivo. Por ejemplo, un jugador puede presionar el séptimo traste de una guitarra y tocarlo en el lado de la cabeza para hacer que un tono resuene en el lado opuesto. En los instrumentos eléctricos, esta técnica genera sonidos de varios tonos que recuerdan a un reloj o una campana.

Los instrumentos de cuerda eléctrica, como la guitarra eléctrica, también se pueden tocar sin tocar las cuerdas mediante la retroalimentación de audio. Cuando una guitarra eléctrica se conecta a un amplificador de guitarra potente y ruidoso con un altavoz y se usa intencionalmente un alto nivel de distorsión, la guitarra produce sonidos agudos sostenidos. Al cambiar la proximidad de la guitarra al parlante, el guitarrista puede producir sonidos que no se pueden producir con las técnicas estándar de punteo y punteo. Esta técnica fue popularizada por Jimi Hendrix y otros en la década de 1960. Fue ampliamente utilizado en el rock psicodélico y la música heavy metal.

Cambiar el tono de una cuerda vibrante

Hay tres formas de cambiar el tono de una cuerda que vibra. Los instrumentos de cuerda se afinan variando la tensión de una cuerda porque no es práctico ajustar la longitud o la masa por unidad de longitud. Los instrumentos con diapasón se tocan luego ajustando la longitud de la parte vibrante de las cuerdas. Todas las siguientes observaciones se aplican a una cuerda que es infinitamente flexible (una suposición teórica, porque en las aplicaciones prácticas, las cuerdas no son infinitamente flexibles) tendida entre dos soportes fijos. Las cuerdas reales tienen una curvatura finita en el puente y la tuerca, y el puente, debido a su movimiento, no son exactamente nodos de vibración. Por lo tanto, las siguientes afirmaciones sobre proporcionalidad son aproximaciones.

Longitud

El tono se puede ajustar variando la longitud de la cuerda. Una cuerda más larga da como resultado un tono más bajo, mientras que una cuerda más corta da como resultado un tono más alto. Un arpa de concierto tiene pedales que hacen que un objeto duro entre en contacto con una cuerda para acortar su longitud de vibración durante una interpretación. La frecuencia es inversamente proporcional a la longitud:

${displaystyle fpropto {frac {1} {}}}$

Una cuerda dos veces más larga produce un tono de la mitad de la frecuencia (una octava más baja).

Tensión

El tono se puede ajustar variando la tensión de la cuerda. Una cuerda con menos tensión (más floja) da como resultado un tono más grave, mientras que una cuerda con mayor tensión (más tensa) da como resultado un tono más alto. Presionar un pedal en una guitarra de pedal de acero eleva el tono de ciertas cuerdas al aumentar la tensión sobre ellas (estiramiento) a través de un enlace mecánico; soltar el pedal devuelve el tono al original. Las palancas de rodilla del instrumento pueden bajar un tono liberando (y restaurando) la tensión de la misma manera. Un bajo de tina casero hecho con un trozo de cuerda, un palo de escoba y una tina de lavar pueden producir diferentes tonos aumentando la tensión en la cuerda (produciendo un tono más alto) o reduciendo la tensión (produciendo un tono más bajo). La frecuencia es proporcional a la raíz cuadrada de la tensión:

${displaystyle fpropto {sqrt}}$

Densidad lineal

El tono de una cuerda también se puede variar cambiando la densidad lineal (masa por unidad de longitud) de la cuerda. En aplicaciones prácticas, como con cuerdas de contrabajo o cuerdas de piano bajo, se agrega peso adicional a las cuerdas al enrollarlas con metal. Una cuerda con un devanado de metal más pesado produce un tono más bajo que una cuerda de igual longitud sin un devanado de metal. Esto se puede ver en un juego de cuerdas de tripa para contrabajo de la era de 2016. La cuerda G de tono más alto a menudo está hecha de material sintético o, a veces, de intestino animal, sin envoltura de metal. Para permitir que la cuerda E baja produzca un tono mucho más bajo con una cuerda de la misma longitud, se envuelve con muchas vueltas de alambre de metal delgado. Esto se suma a su masa sin hacerlo demasiado rígido. La frecuencia es inversamente proporcional a la raíz cuadrada de la densidad lineal:

${displaystyle fpropto {1 over {sqrt {mu }$

Dadas dos cuerdas de igual longitud y tensión, la cuerda con mayor masa por unidad de longitud produce el tono más bajo.

Longitud de cadena o longitud de escala

La longitud de la cuerda desde la cejilla hasta el puente en instrumentos arqueados o punteados determina en última instancia la distancia entre las diferentes notas del instrumento. Por ejemplo, un contrabajo con su rango bajo necesita una longitud de escala de alrededor de 42 pulgadas (110 cm), mientras que una escala de violín tiene solo unas 13 pulgadas (33 cm). En la escala más corta del violín, la mano izquierda puede alcanzar fácilmente un rango de poco más de dos octavas sin cambiar de posición, mientras que en el bajo' escala más larga, se puede alcanzar una sola octava o una novena en posiciones más bajas.

Puntos de contacto a lo largo de la cuerda

En los instrumentos de arco, el arco normalmente se coloca perpendicularmente a la cuerda, en un punto a mitad de camino entre el extremo del diapasón y el puente. Sin embargo, se pueden seleccionar diferentes ubicaciones de arco para cambiar el timbre. La aplicación del arco cerca del puente (conocido como sul ponticello) produce un sonido intenso, a veces áspero, que enfatiza acústicamente los armónicos superiores. Inclinarse sobre el diapasón (sul tasto) produce un tono más puro con menos fuerza armónica, enfatizando la fundamental, también conocida como flautando, ya que suena menos aflautada y más parecida a una flauta..

Los instrumentos con arco representan un desafío para los constructores de instrumentos, en comparación con los instrumentos que solo se puntean (por ejemplo, la guitarra), porque en los instrumentos con arco, el músico debe poder tocar una cuerda a la vez si así lo desea. Como tal, un instrumento arqueado debe tener un puente curvo que haga que el "exterior" cuerdas más bajas en altura que el "interior" instrumentos de cuerda. Con un puente tan curvo, el jugador puede seleccionar una cuerda a la vez para tocar. En guitarras y laúdes, el puente puede ser plano, porque las cuerdas se tocan tirándolas con los dedos, las uñas o una púa; moviendo los dedos o seleccionando en diferentes posiciones, el jugador puede tocar diferentes cuerdas. En los instrumentos de arco, la necesidad de tocar las cuerdas individualmente con el arco también limita el número de cuerdas a unas seis o siete cuerdas; con más cuerdas, sería imposible seleccionar cuerdas individuales para arco. (Nota: las cuerdas frotadas también pueden tocar dos notas frotadas en dos cuerdas diferentes al mismo tiempo, una técnica llamada parada doble). De hecho, en los instrumentos de la sección de cuerdas orquestales, cuatro cuerdas son la norma, con la excepción de las cinco cuerdas utilizadas. en algunos contrabajos. En contraste, con los instrumentos de teclado de cuerda, se usan 88 cursos en un piano, y aunque estas cuerdas están dispuestas en un puente plano, el mecanismo puede tocar cualquiera de las notas individualmente.

También son posibles distinciones tímbricas similares con instrumentos de cuerda pulsada seleccionando un punto de pulsación apropiado, aunque la diferencia es quizás más sutil.

En los instrumentos de teclado, el punto de contacto a lo largo de la cuerda (ya sea martillo, tangente o púa) es una elección que realiza el diseñador del instrumento. Los constructores utilizan una combinación de experiencia y teoría acústica para establecer el conjunto correcto de puntos de contacto.

En los clavicémbalos, a menudo hay dos juegos de cuerdas de igual longitud. Estos "coros" por lo general difieren en sus puntos de arranque. Un coro tiene un "normal" punta de punteo, produciendo un sonido de clavicémbalo canónico; el otro tiene un punto de desplumado cerca del puente, lo que produce un sonido "nasal" sonido rico en armónicos superiores.

Producción de billetes múltiples

Una sola cuerda con cierta tensión y longitud solo produce una nota. Para producir varias notas, los instrumentos de cuerda utilizan uno de dos métodos. Una es agregar suficientes cuerdas para cubrir el rango requerido de diferentes notas (por ejemplo, como con el piano, que tiene juegos de 88 cuerdas para permitir que el intérprete toque 88 notas diferentes). El otro es proporcionar una forma de detener las cuerdas a lo largo de su longitud para acortar la parte que vibra, que es el método utilizado en los instrumentos de la familia de la guitarra y el violín para producir diferentes notas de la misma cuerda. El piano y el arpa representan el primer método, en el que cada nota del instrumento tiene su propia cuerda o serie de varias cuerdas afinadas en la misma nota. (Muchas notas en un piano se ensartan con un 'coro' de tres cuerdas afinadas por igual, para aumentar el volumen). Una guitarra representa el segundo método: los dedos del ejecutante empujan la cuerda contra el diapasón. para que la cuerda quede firmemente presionada contra un traste de metal. Presionar la cuerda contra un traste mientras se puntea o rasguea acorta la parte vibratoria y, por lo tanto, produce una nota diferente.

Algunas cítaras combinan cuerdas interrumpibles (melodía) con un mayor número de "abiertas" cuerdas armónicas o acordes. En instrumentos con cuerdas que se detienen, como el violín o la guitarra, el ejecutante puede acortar la longitud de vibración de la cuerda usando directamente los dedos (o más raramente a través de algún dispositivo mecánico, como en el nyckelharpa y la hurdy-gurdy). Dichos instrumentos suelen tener un diapasón unido al mástil del instrumento, que proporciona una superficie plana y dura contra la que el jugador puede detener las cuerdas. En algunos instrumentos de cuerda, el diapasón tiene trastes, crestas elevadas perpendiculares a las cuerdas, que detienen la cuerda a intervalos precisos, en cuyo caso el diapasón también se llama diapasón.

Mover los trastes durante la interpretación no suele ser práctico. Los puentes de un koto, por otro lado, pueden ser movidos por el jugador ocasionalmente en el curso de una sola pieza musical. Muchas arpas occidentales modernas incluyen palancas, que se mueven directamente con los dedos (en las arpas celtas) o se controlan con pedales (en las arpas orquestales), para elevar el tono de las cuerdas individuales en una cantidad fija. La cítara de Oriente Medio, el qanun, está equipada con pequeñas palancas llamadas mandal que permiten reafinar gradualmente cada curso de múltiples cuerdas "sobre la marcha" mientras se toca el instrumento. Estas palancas suben o bajan el tono del curso de la cuerda en un microtono, menos de medio paso.

Cuerdas simpáticas

Algunos instrumentos se emplean con cuerdas simpáticas, que son cuerdas adicionales que no deben tocarse. Estas cuerdas resuenan con las notas tocadas, creando tonos adicionales. Las cuerdas simpáticas vibran naturalmente cuando varios intervalos, como los unísonos o las octavas de las notas de las cuerdas simpáticas, se puntean, arquean o golpean. Este sistema se utiliza en el sarangi, el piano de cola, el violín hardanger y el rubab.

Producción de sonido

Instrumentos acústicos

Una cuerda vibrante ensartada en un tronco muy grueso, como ejemplo hipotético, solo produciría un sonido muy bajo, por lo que los instrumentos de cuerda generalmente se construyen de tal manera que la cuerda vibrante se acopla a una cámara de resonancia hueca, una caja de resonancia., o ambos. En el violín, por ejemplo, las cuatro cuerdas pasan por un delgado puente de madera que descansa sobre una caja hueca (el cuerpo del violín). La fuerza normal aplicada al cuerpo por las cuerdas es soportada en parte por un pequeño cilindro de madera llamado poste de sonido. El cuerpo del violín también tiene dos "agujeros en F" tallado en la parte superior. Las cuerdas' las vibraciones se distribuyen a través del puente y la barra de sonido a todas las superficies del instrumento y, por lo tanto, se hacen más fuertes al igualar la impedancia acústica. La explicación técnica correcta es que permiten una mejor adaptación a la impedancia acústica del aire.

A veces se dice que la caja de resonancia o la caja de resonancia "amplifica" el sonido de las cuerdas. En realidad, no se produce amplificación de potencia, porque toda la energía para producir sonido proviene de la cuerda que vibra. El mecanismo es que la caja de resonancia del instrumento proporciona una superficie más grande para crear ondas sonoras que la de la cuerda y, por lo tanto, actúa como elemento de adaptación entre la impedancia acústica de la cuerda y la del aire circundante. Una superficie vibratoria más grande a veces puede producir una mejor coincidencia; especialmente a frecuencias más bajas.

Todos los instrumentos tipo laúd tradicionalmente tienen un puente, que sostiene la cuerda a la altura de acción adecuada desde el traste/diapasón en un extremo de las cuerdas. En los instrumentos acústicos, el puente realiza una función igualmente importante de transmitir la energía de las cuerdas a la "caja de resonancia" del instrumento, aumentando así el volumen del sonido. El diseño específico y los materiales utilizados en la construcción del puente de un instrumento tienen un impacto dramático tanto en el sonido como en la capacidad de respuesta del instrumento.

Conseguir una característica tonal que sea eficaz y agradable para el oído del intérprete y del oyente es algo así como un arte y un oficio, además de una ciencia, y los fabricantes de instrumentos de cuerda suelen buscar un nivel muy elevado. maderas de calidad para este fin, en especial el abeto (elegido por su ligereza, resistencia y flexibilidad) y el arce (una madera muy dura). El abeto se utiliza para las cajas de resonancia de instrumentos desde el violín hasta el piano. Instrumentos como el banjo utilizan un tambor revestido de piel natural o sintética como caja de resonancia.

Los instrumentos acústicos también se pueden fabricar con materiales artificiales, como la fibra de carbono y la fibra de vidrio (en particular, los instrumentos más grandes y de tono más bajo, como los violonchelos y los bajos).

A principios del siglo XX, el violín Stroh usaba un resonador de tipo diafragma y una bocina de metal para proyectar el sonido de las cuerdas, al igual que los primeros gramófonos mecánicos. Su uso disminuyó a partir de 1920, cuando se desarrolló y comenzó a utilizarse la amplificación electrónica a través de amplificadores de potencia y altavoces. Los músicos de instrumentos de cuerda pueden amplificar electrónicamente sus instrumentos conectándolos a un sistema PA o un amplificador de guitarra.

Amplificación electrónica

La mayoría de los instrumentos de cuerda pueden equiparse con pastillas piezoeléctricas o magnéticas para convertir las vibraciones de la cuerda en una señal eléctrica que se amplifica y luego se vuelve a convertir en sonido mediante altavoces. Algunos músicos colocan una pastilla en su instrumento de cuerda tradicional para "electrificar" eso. Otra opción es utilizar un instrumento de cuerpo sólido, que reduce los aullidos o chirridos no deseados.

Los instrumentos de cuerda amplificados pueden sonar mucho más fuertes que sus homólogos acústicos, por lo que los músicos pueden tocarlos en conjuntos de rock, blues y jazz relativamente ruidosos. Los instrumentos amplificados también pueden modificar su tono amplificado mediante el uso de efectos electrónicos como distorsión, reverberación o wah-wah.

Los instrumentos de cuerda con registro de graves, como el contrabajo y el bajo eléctrico, se amplifican con amplificadores de instrumentos de graves diseñados para reproducir sonidos de baja frecuencia. Para modificar el tono de los instrumentos de bajos amplificados, hay disponible una variedad de efectos de bajos electrónicos, como distorsión y coro.

Cuerdas sinfónicas

Los instrumentos de cuerda que se utilizan normalmente en la orquesta, y a menudo llamados "cuerdas sinfónicas" o la sección de cuerdas son:

• Violins (divididos en dos secciones—primer violín y segundo violín; estas secciones tocan exactamente los mismos instrumentos; la diferencia es que los primeros violines tocan líneas de alto registro y los segundos violínes tocan partes de menor registro, partes de acompañamiento o contramelos)
• Violas
• Cellos
• Dobles bajos

Cuando la instrumentación orquestal especifica "cuerdas," a menudo significa esta combinación de partes de cuerdas. Las obras orquestales rara vez omiten alguna de estas partes de cuerda, pero a menudo incluyen instrumentos de cuerda adicionales, especialmente el arpa de concierto y el piano. En la orquesta barroca de los años 1600 a 1750 (o con grupos modernos que tocaban música antigua), el clavicémbalo casi siempre se usa para tocar la parte del bajo continuo (la línea de bajo escrita y los acordes improvisados), y a menudo una tiorba, un laúd o una flauta. Organo. En alguna música clásica, como el cuarteto de cuerdas, el contrabajo no suele utilizarse; el violonchelo juega el papel del bajo en esta literatura.