Industria de la música

La industria de la música está formada por personas y organizaciones que ganan dinero escribiendo canciones y composiciones musicales, creando y vendiendo música grabada y partituras, presentando conciertos, así como por las organizaciones que ayudan, capacitan , representa y suministra a los creadores musicales. Entre las muchas personas y organizaciones que operan en la industria se encuentran: los compositores y compositores que escriben canciones y composiciones musicales; los cantantes, músicos, directores y directores de orquesta que interpretan la música; los sellos discográficos, los editores de música, los estudios de grabación, los productores de música, los ingenieros de audio, las tiendas minoristas y de música digital y las organizaciones de derechos de ejecución que crean y venden música grabada y partituras; y los agentes de reservas, promotores, locales de música, equipos de gira e ingenieros de audio que ayudan a organizar y vender conciertos.

La industria también incluye una variedad de profesionales que ayudan a cantantes y músicos con sus carreras musicales. Entre ellos se incluyen gestores de talentos, gestores de artistas y repertorio, gestores de empresas, abogados del mundo del entretenimiento; quienes transmiten contenidos musicales en audio o vídeo (satélite, emisoras de radio por Internet, emisoras de radio y televisión); periodistas musicales y críticos musicales; DJ; educadores y profesores de música; fabricantes de instrumentos musicales y equipos musicales; así como muchos otros. Además de las empresas y los artistas, hay organizaciones que también desempeñan un papel importante, incluidos los sindicatos de músicos (por ejemplo, la Federación Estadounidense de Músicos), organizaciones sin fines de lucro que defienden los derechos de interpretación (por ejemplo, la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores) y otras asociaciones (por ejemplo, la Alianza Internacional para Mujeres en la Música, una organización sin fines de lucro que defiende a las mujeres compositoras y músicas).

La industria musical occidental moderna surgió entre las décadas de 1930 y 1950, cuando los discos reemplazaron a las partituras como el producto más importante en el negocio de la música. En el mundo comercial, "la industria discográfica", una referencia a grabar interpretaciones de canciones y piezas y vender las grabaciones, comenzó a usarse como un sinónimo vago de "la industria de la música". En la década de 2000, la mayor parte del mercado musical está controlada por tres grandes sellos corporativos: Universal Music Group, de propiedad francesa, Sony Music Entertainment, de propiedad japonesa, y Warner Music Group, de propiedad estadounidense. Los sellos fuera de estos tres sellos principales se denominan sellos independientes (o "indies"). La mayor parte del mercado de música en vivo para conciertos y giras está controlada por Live Nation, el mayor promotor y propietario de locales de música. Live Nation es una antigua subsidiaria de iHeartMedia Inc, que es el mayor propietario de estaciones de radio en los Estados Unidos.

En las primeras décadas de la década de 2000, la industria musical experimentó cambios drásticos con la llegada de la distribución digital generalizada de música a través de Internet (que incluye tanto el intercambio ilegal de archivos de canciones como la compra legal de música en tiendas de música en línea). Un indicador visible de estos cambios son las ventas totales de música: desde 2000, las ventas de música grabada han disminuido sustancialmente, mientras que la música en vivo ha aumentado en importancia. En 2011, el mayor minorista de música grabada del mundo era ahora una plataforma digital basada en Internet operada por una empresa de informática: la iTunes Store en línea de Apple Inc. Desde 2011, la industria de la música ha experimentado un crecimiento constante en las ventas y el streaming ahora genera más ingresos por año que las descargas digitales. Spotify, Apple Music y Amazon Music son los servicios de transmisión más grandes por número de suscriptores.

Estructura empresarial

Las principales ramas de la industria musical son la industria de la música en vivo, la industria discográfica y todas las empresas que forman, apoyan, suministran y representan a los músicos.

La industria discográfica produce tres productos separados: composiciones (canciones, piezas, letras), grabaciones (audio y video) y medios (como CD o MP3 y DVD). Cada uno de ellos es un tipo de propiedad: normalmente, las composiciones pertenecen a los compositores, las grabaciones a las compañías discográficas y los medios a los consumidores. Puede haber muchas grabaciones de una sola composición y una sola grabación normalmente se distribuirá a través de muchos medios. Por ejemplo, la canción "My Way" es propiedad de sus compositores, Paul Anka y Claude François, la grabación de Frank Sinatra de "My Way" es propiedad de Capitol Records, la grabación de Sid Vicious de "My Way" es propiedad de Virgin Records, y los millones de CD y discos de vinilo que pueden reproducir estas grabaciones pertenecen a millones de consumidores individuales.

Composiciones

Las canciones, piezas instrumentales y otras composiciones musicales son creadas por compositores o compositores y originalmente son propiedad del compositor, aunque pueden venderse o los derechos pueden cederse de otro modo. Por ejemplo, en el caso del trabajo por contrato, la composición pasa a ser propiedad inmediata de otra parte. Tradicionalmente, el propietario de los derechos de autor otorga licencia o "cede" algunos de sus derechos a empresas editoriales, mediante contrato editorial. La editorial (o una sociedad de recaudación que opera en nombre de muchos de estos editores, autores y compositores) recauda honorarios (conocidos como "regalías editoriales") cuando se utiliza la composición. La editorial paga una parte de las regalías al propietario de los derechos de autor, según los términos del contrato. Las partituras proporcionan una fuente de ingresos que se paga exclusivamente a los compositores y a su editorial. Por lo general (aunque no de manera universal), la editorial proporcionará al propietario un anticipo contra ganancias futuras cuando se firme el contrato de publicación. Una editorial también promocionará las composiciones, por ejemplo adquiriendo "ubicaciones" en televisión o en películas.

Grabaciones

Las grabaciones son creadas por artistas, que incluyen cantantes, músicos (incluidos músicos de sesión) y conjuntos musicales (por ejemplo, bandas de acompañamiento, secciones rítmicas, orquestas, etc.), generalmente con la asistencia y orientación de productores discográficos e ingenieros de audio. Tradicionalmente se realizaban en estudios de grabación (que se alquilan por una tarifa diaria o por horas) en una sesión de grabación. En el siglo XXI, los avances en la tecnología de grabación digital han permitido a muchos productores y artistas crear "estudios caseros" utilizando computadoras de alta gama y programas de grabación digital como Pro Tools, evitando el papel tradicional del estudio de grabación comercial. El productor discográfico supervisa todos los aspectos de la grabación y toma muchas de las decisiones logísticas, financieras y artísticas en cooperación con los artistas. El productor discográfico tiene una variedad de responsabilidades diferentes que incluyen elegir el material y/o trabajar con los compositores, contratar músicos de sesión, ayudar a organizar las canciones, supervisar las interpretaciones de los músicos y dirigir al ingeniero de audio durante la grabación y la mezcla para obtener el mejor sonido. Los ingenieros de audio (incluidos los ingenieros de grabación, mezcla y masterización) son responsables de garantizar una buena calidad de audio durante la grabación. Seleccionan y configuran micrófonos y usan unidades de efectos y consolas de mezclas para ajustar el sonido y el nivel de la música. Una sesión de grabación también puede requerir los servicios de un arreglista, orquestador, músicos de estudio, músicos de sesión, entrenadores vocales o incluso un escritor fantasma contratado discretamente para ayudar con la letra o la composición.

Las grabaciones son (tradicionalmente) propiedad de las compañías discográficas. Algunos artistas poseen sus propias compañías discográficas (por ejemplo, Ani DiFranco). Un contrato de grabación especifica la relación comercial entre un artista discográfico y la compañía discográfica. En un contrato tradicional, la empresa proporciona un anticipo al artista que acepta realizar una grabación que será propiedad de la empresa. El departamento de A&R de una compañía discográfica es responsable de encontrar nuevos talentos y supervisar el proceso de grabación. La empresa paga los costos de grabación y el costo de promoción y comercialización del disco. Para los medios físicos (como los CD), la empresa también paga por la fabricación y distribución de las grabaciones físicas. Las compañías discográficas más pequeñas (conocidas como “indies”) formarán relaciones comerciales con otras compañías para encargarse de muchas de estas tareas. La compañía discográfica paga al artista una parte de los ingresos de la venta de las grabaciones, también conocida como "regalía", pero esto es distinto de las regalías de publicación descritas anteriormente. Esta porción es similar a un porcentaje, pero puede estar limitada o ampliada por una serie de factores (como bienes gratuitos, gastos recuperables, bonificaciones, etc.) que se especifican en el contrato discográfico. Los músicos de sesión y los miembros de la orquesta (así como algunos artistas discográficos en mercados especiales) tienen contratos para ofrecer trabajo por encargo; Por lo general, solo se les pagan honorarios únicos o salarios regulares por sus servicios, en lugar de regalías continuas.

Medios

Los medios físicos (como CD o discos de vinilo) los venden minoristas de música y son propiedad de los consumidores después de comprarlos. Los compradores normalmente no tienen derecho a hacer copias digitales de CD u otros medios que compren, ni a alquilar o arrendar los CD, porque no son propietarios de la grabación del CD, solo son propietarios del CD físico individual. Un distribuidor de música entrega cajas de medios físicos empaquetados desde el fabricante al minorista y mantiene relaciones comerciales con minoristas y compañías discográficas. El minorista de música paga al distribuidor, quien a su vez paga a la compañía discográfica por las grabaciones. La compañía discográfica paga regalías mecánicas al editor y al compositor a través de una sociedad de recaudación. Luego, la compañía discográfica paga regalías, si está obligada contractualmente, al artista discográfico.

Cuando la música se descarga o transmite digitalmente, no hay ningún otro medio físico que no sea la memoria de la computadora del consumidor en su reproductor multimedia portátil o computadora portátil. Por esta razón, artistas como Taylor Swift, Paul McCartney, Kings of Leon y otros han pedido cambios legales que negarían a las redes sociales el derecho a transmitir su música sin pagarles regalías. En el mercado de la música digital y online de los años 2000, el distribuidor se vuelve opcional. Las grandes tiendas en línea pueden pagar a las discográficas directamente, pero existen distribuidores digitales para brindar servicios de distribución a proveedores grandes y pequeños. Al comprar descargas digitales o escuchar música en streaming, es posible que se le solicite al consumidor que acepte los términos de licencia de la compañía discográfica y del proveedor más allá de los inherentes a los derechos de autor; por ejemplo, algunos servicios pueden permitir a los consumidores compartir libremente la grabación, pero otros pueden restringir al usuario a almacenar la música en una cantidad específica de discos duros o dispositivos.

Emisión, banda sonora y streaming

Cuando se transmite una grabación (ya sea por radio o por un servicio de música de fondo como Muzak), las organizaciones de derechos de interpretación (como ASCAP y BMI en EE. UU., SOCAN en Canadá o MCPS y PRS en el Reino Unido), recaudar un tercer tipo de regalías conocida como regalías de interpretación, que se paga a los compositores y artistas discográficos. Esta regalía suele ser mucho menor que la de publicación o mecánica. En la última década, más del "15 al 30 por ciento" de las pistas en los servicios de transmisión no están identificadas con un artista específico. Jeff Price dice: "Audiam, un servicio de transmisión de música en línea, ganó más de varios cientos de miles de dólares el año pasado recaudando regalías de la transmisión en línea". Según Ken Levitan, manager de Kings of Leon, Cheap Trick y otros, "Youtube se ha convertido en una radio para niños". Debido al uso excesivo de YouTube y la transmisión fuera de línea, las ventas de álbumes han caído un 60 por ciento en los últimos años. Cuando las grabaciones se utilizan en televisión y cine, el compositor y su editorial generalmente reciben un pago a través de una licencia de sincronización. En la década de 2000, los servicios de suscripción en línea (como Rhapsody) también proporcionaban un flujo de ingresos directamente a las compañías discográficas y, a través de ellas, a los artistas, si los contratos lo permitían.

Música en vivo

Un promotor reúne a un artista y al propietario de un local y organiza contratos. Una agencia de contratación representa al artista ante los promotores, cierra acuerdos y reserva actuaciones. Los consumidores suelen comprar entradas en el recinto o en un servicio de distribución de entradas como Ticketmaster. En Estados Unidos, Live Nation es la empresa dominante en todos estos roles: posee la mayoría de los grandes locales en Estados Unidos, es el mayor promotor y posee Ticketmaster. Las decisiones sobre dónde y cuándo realizar la gira las deciden la dirección del artista y el artista, a veces en consulta con la compañía discográfica. Las compañías discográficas pueden financiar una gira con la esperanza de que ayude a promover la venta de grabaciones. Sin embargo, en el siglo XXI, se ha vuelto más común publicar grabaciones para promover la venta de entradas para espectáculos en vivo, en lugar de reservar giras para promover las ventas de grabaciones.

Los artistas importantes y exitosos generalmente emplean un equipo de gira: una organización de gira semipermanente que viaja con el artista durante la serie de conciertos. El equipo de carretera está dirigido por un tour manager. Los miembros del equipo proporcionan iluminación del escenario, refuerzo de sonido en vivo, mantenimiento de instrumentos musicales y transporte. En giras grandes, el equipo de gira también puede incluir un contable, director de escena, guardaespaldas, peluqueros, maquilladores y personal de catering. Por lo general, se contratan equipos locales para ayudar a mover el equipo dentro y fuera del escenario. En una gira pequeña con menos respaldo financiero, todos estos trabajos pueden estar a cargo de unos pocos roadies o de los propios músicos. Bandas firmadas con pequeños grupos "indie" Es más probable que los sellos y bandas de géneros como el hardcore punk realicen giras sin un equipo de gira o con un apoyo mínimo.

Gestión, representación y personal de artistas

Artistas como cantantes y músicos pueden contratar a varias personas de otros campos para que los ayuden con su carrera. El manager del artista supervisa todos los aspectos de la carrera de un artista a cambio de un porcentaje de sus ingresos. Un abogado de entretenimiento los ayuda con los detalles de sus contratos con compañías discográficas y otros acuerdos. Un gerente comercial se encarga de las transacciones financieras, los impuestos y la contabilidad. Los sindicatos, como AFTRA y la Federación Estadounidense de Músicos en los EE. UU., brindan seguro médico y seguro de instrumentos para los músicos. Un artista exitoso funciona en el mercado como una marca y, como tal, puede obtener ingresos de muchas otras fuentes, como mercancías, patrocinios personales, apariciones (sin actuar) en eventos o servicios basados en Internet. Por lo general, estos son supervisados por el gerente del artista y toman la forma de relaciones entre el artista y las empresas que se especializan en estos productos. Los cantantes también pueden contratar a un entrenador vocal, instructor de baile, entrenador de actuación, entrenador personal o entrenador de vida para que los ayude.

Modelos de negocio emergentes

En la década de 2000, las líneas tradicionales que alguna vez dividieron a cantantes, instrumentistas, editores, compañías discográficas, distribuidores, minoristas y productos electrónicos de consumo se han vuelto borrosas o borradas. Los artistas pueden grabar en un estudio casero usando una computadora portátil de alta gama y un programa de grabación digital como Pro Tools o usar Kickstarter para recaudar dinero para una costosa sesión de grabación en estudio sin involucrar a una compañía discográfica. Los artistas pueden optar por promocionarse y promocionarse exclusivamente utilizando únicamente servicios gratuitos para compartir vídeos en línea, como YouTube, o sitios web de redes sociales, sin pasar por la promoción y el marketing tradicionales de una compañía discográfica. En la década de 2000, las empresas de informática y electrónica de consumo como Apple Computer se convirtieron en minoristas de música digital. Las nuevas tecnologías de distribución de música digital y las tendencias hacia el uso de samples de canciones antiguas en canciones nuevas o la combinación de diferentes canciones para crear canciones "mashup" Las grabaciones también han obligado tanto a los gobiernos como a la industria musical a reexaminar las definiciones de propiedad intelectual y los derechos de todas las partes involucradas. A la cuestión de definir los límites de los derechos de autor también se suma el hecho de que la definición de “regalías” no es aplicable. y "derechos de autor" varía de un país a otro y de una región a otra, lo que cambia los términos de algunas de estas relaciones comerciales.

Después de aproximadamente 15 años de economía de Internet, las plataformas de la industria de la música digital como iTunes, Spotify y Google Play representan mejoras importantes con respecto a los primeros días del intercambio ilegal de archivos. Sin embargo, la multitud de ofertas de servicios y modelos de ingresos dificulta comprender el verdadero valor de cada uno y lo que pueden ofrecer a los músicos y las compañías musicales. Además, existen importantes problemas de transparencia en toda la industria musical causados por tecnología obsoleta. Con la aparición de nuevos modelos de negocio como plataformas de streaming y servicios de música online, se procesa una gran cantidad de datos. El acceso a big data puede aumentar la transparencia en la industria.

Historia de la música impresa y la música grabada

Historia temprana: la música impresa en Europa

La publicación de música utilizando partituras impresas a máquina se desarrolló durante la era de la música renacentista a mediados del siglo XV. El desarrollo de la publicación musical siguió la evolución de las tecnologías de impresión que se desarrollaron por primera vez para imprimir libros normales. Después de mediados del siglo XV, se desarrollaron por primera vez técnicas mecánicas para imprimir partituras. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cantos litúrgicos, data aproximadamente de 1465, poco después de que se imprimiera la Biblia de Gutenberg. Antes, la música tenía que copiarse a mano. Copiar la notación musical a mano era un proceso muy costoso, laborioso y que requería mucho tiempo, por lo que generalmente lo realizaban únicamente monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sacra para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular (no religiosa) que se conservan fueron encargadas y propiedad de aristócratas ricos. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de la música italiana del Trecento y el Códice Chantilly de la música francesa Ars subtilior.

El uso de la impresión permitió que las partituras se reprodujeran mucho más rápidamente y a un costo mucho menor que la copia manual de la notación musical. Esto ayudó a que los estilos musicales se extendieran más rápidamente a otras ciudades y países, y también permitió que la música se extendiera a áreas más distantes. Antes de la invención de la imprenta musical, la música de un compositor sólo podía ser conocida en la ciudad en la que vivía y en los pueblos circundantes, porque sólo los aristócratas ricos podían permitirse el lujo de hacer copias manuales de su música. Sin embargo, con la impresión musical, la música de un compositor podría imprimirse y venderse a un costo relativamente bajo a compradores de una amplia zona geográfica. A medida que las partituras de las piezas y canciones de los principales compositores comenzaron a imprimirse y distribuirse en un área más amplia, esto permitió a los compositores y oyentes escuchar nuevos estilos y formas de música. Un compositor alemán podría comprar canciones escritas por un compositor italiano o inglés, y un compositor italiano podría comprar piezas escritas por compositores holandeses y aprender cómo escribían música. Esto llevó a una mayor combinación de estilos musicales de diferentes países y regiones.

El pionero de la impresión musical moderna fue Ottaviano Petrucci (nacido en Fossombrone en 1466 - fallecido en 1539 en Venecia), un impresor y editor que logró asegurarse un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los principales centros comerciales y musicales durante este período. Su Harmonice Musices Odhecaton, una colección de canciones impresas en 1501, comúnmente se identifica erróneamente como el primer libro de partituras impreso con tipos móviles. Esa distinción pertenece al Missale Romanum del impresor romano Ulrich Han de 1476. Sin embargo, el trabajo posterior de Petrucci fue extraordinario por la complejidad de su notación mensural blanca y lo pequeño de su fuente. . Imprimió el primer libro de polifonía (música con dos o más líneas melódicas independientes) utilizando tipos móviles. También publicó numerosas obras de los compositores más respetados del Renacimiento, incluidos Josquin des Prez y Antoine Brumel. Floreció centrándose en obras flamencas, en lugar de italianas, ya que fueron muy populares en toda Europa durante la era de la música del Renacimiento. Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que se prensaba una hoja de papel tres veces. La primera impresión fueron las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método produjo resultados muy limpios y legibles, aunque requería mucho tiempo y era costoso.

Hasta el siglo XVIII, los procesos de composición formal y de impresión de música se llevaron a cabo en su mayor parte con el apoyo del mecenazgo de aristocracias e iglesias. A mediados y finales del siglo XVIII, intérpretes y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart comenzaron a buscar más oportunidades comerciales para comercializar su música y sus actuaciones entre el público en general. Tras la muerte de Mozart, su esposa (Constanze Weber) continuó el proceso de comercialización de su música a través de una serie sin precedentes de conciertos conmemorativos, vendiendo sus manuscritos y colaborando con su segundo marido, Georg Nissen, en una biografía de Mozart.

En el siglo XIX, los editores de partituras dominaban la industria musical. Antes de la invención de las tecnologías de grabación de sonido, la principal forma que tenían los amantes de la música de escuchar nuevas sinfonías y arias (canciones) de ópera era comprar las partituras (a menudo arregladas para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) e interpretar la música en una sala de estar. habitación, utilizando amigos que eran músicos y cantantes aficionados. En Estados Unidos, la industria musical surgió a la par del surgimiento de la música "black face" juglaría. Blackface es una forma de maquillaje teatral utilizada predominantemente por artistas no negros para representar a una persona negra. La práctica ganó popularidad durante el siglo XIX y contribuyó a la difusión de estereotipos raciales negativos sobre los afroamericanos.

A finales de siglo, el grupo de editores y compositores de música que dominaban la música popular en los Estados Unidos pasó a ser conocido como Tin Pan Alley. El nombre originalmente se refería a un lugar específico: West 28th Street entre la Quinta y la Sexta Avenida en Manhattan, y una placa (ver más abajo) en la acera de la Calle 28 entre Broadway y la Sexta lo conmemora. El inicio de Tin Pan Alley suele fecharse alrededor de 1885, cuando varios editores de música se instalaron en el mismo distrito de Manhattan. El final de Tin Pan Alley es menos claro. Algunos lo sitúan en el comienzo de la Gran Depresión en la década de 1930, cuando el fonógrafo y la radio suplantaron a las partituras como fuerza impulsora de la música popular estadounidense, mientras que otros consideran que Tin Pan Alley continuó hasta la década de 1950, cuando los estilos anteriores de la música popular estadounidense desaparecieron. eclipsado por el auge del rock & rollo.

Advenimiento de la música grabada y la radiodifusión

A principios del siglo XX, el desarrollo de la grabación sonora comenzó a funcionar como una tecnología disruptiva para los intereses comerciales que publicaban partituras. Durante la era de las partituras, si una persona normal quería escuchar canciones nuevas y populares, compraba las partituras y las tocaba en casa en un piano, o aprendía la canción en casa mientras tocaba la parte de acompañamiento en piano o guitarra. Los discos fonográficos de interpretaciones musicales lanzados comercialmente, que estuvieron disponibles a partir de finales de la década de 1880, y más tarde el inicio de la radiodifusión generalizada, a partir de la década de 1920, cambiaron para siempre la forma en que se escuchaba la música. Los teatros de ópera, salas de conciertos y clubes continuaron produciendo música y los músicos y cantantes continuaron actuando en vivo, pero el poder de la radio permitió que bandas, conjuntos y cantantes que antes habían actuado sólo en una región se hicieran populares a nivel nacional y, a veces, incluso a nivel nacional. escala mundial. Además, mientras que en un mundo anterior a la radio la asistencia a los principales conciertos de ópera y sinfónica estaba restringida a personas de altos ingresos, con la radiodifusión, una gama mucho más amplia de personas, incluidas personas de ingresos bajos y medios, podían escuchar las mejores orquestas. , big bands, cantantes populares y espectáculos de ópera.

La "industria discográfica" finalmente reemplazó a los editores de partituras como la fuerza más grande de la industria musical. Una multitud de sellos discográficos iban y venían. Algunos sellos notables de las décadas anteriores incluyen Columbia Records, Crystalate, Decca Records, Edison Bell, The Gramophone Company, Invicta, Kalliope, Pathé, Victor Talking Machine Company y muchos otros. Muchas compañías discográficas desaparecieron tan rápido como se formaron y, a finales de la década de 1980, las "seis grandes" (EMI, CBS, BMG, PolyGram, WEA y MCA) dominaron la industria. Sony compró CBS Records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991. A mediados de 1998, PolyGram Music Group se fusionó con MCA Music Entertainment creando lo que hoy conocemos como Universal Music Group. Desde entonces, Sony y BMG se fusionaron en 2004, y Universal se hizo cargo de la mayoría de los intereses de música grabada de EMI en 2012. EMI Music Publishing, que también formó parte del ahora desaparecido conglomerado británico, ahora es copropiedad de Sony como una subsidiaria de Sony/ATV Music Publishing. Como en otras industrias, la industria discográfica se caracteriza por numerosas fusiones y/o adquisiciones, tanto de las grandes empresas como de las medianas empresas (un ejemplo reciente es el del grupo belga PIAS y el grupo francés Harmonia Mundi).

Genre-wise, los empresarios de música ampliaron sus modelos industriales en áreas como la música folclórica, en las que la composición y el rendimiento habían continuado durante siglos sobre una base especial de autoapoyo. Formando una etiqueta de disco independiente, o etiqueta "indie", o firmando a tal etiqueta sigue siendo una opción popular para los músicos que se acercan y entran, especialmente en géneros como punk hardcore y metal extremo, aunque los indies no pueden ofrecer el mismo respaldo financiero de las principales etiquetas. Algunas bandas prefieren firmar con una etiqueta indie, porque estas etiquetas suelen dar a los intérpretes más libertad artística.

Auge de la distribución digital en línea

En la primera década de la década de 2000, la música descargada y transmitida digitalmente se volvió más popular que la compra de grabaciones físicas (por ejemplo, CD, discos y cintas). Esto dio a los consumidores una experiencia casi "sin fricción". acceso a una variedad de música más amplia que nunca, a través de múltiples dispositivos. Al mismo tiempo, los consumidores gastaron menos dinero en música grabada (tanto física como digitalmente distribuida) que en los años noventa. Total del "negocio de la música" Los ingresos en Estados Unidos cayeron a la mitad, desde un máximo de 14.600 millones de dólares en 1999 a 6.300 millones de dólares en 2009, según Forrester Research. Los ingresos mundiales por CD, vinilo, casetes y descargas digitales cayeron de 36.900 millones de dólares en 2000 a 15.900 millones de dólares en 2010, según IFPI. The Economist y The New York Times informaron que se esperaba que la tendencia a la baja continuara en el futuro previsible. Esta dramática disminución de los ingresos ha provocado despidos a gran escala dentro de la industria, ha llevado a la quiebra a algunos minoristas más venerables (como Tower Records) y ha obligado a las compañías discográficas, productores de discos, estudios, ingenieros de grabación y músicos a buscar nuevos modelos de negocio.

En respuesta al aumento generalizado del intercambio ilegal de archivos de grabaciones musicales digitales, la industria discográfica emprendió acciones legales agresivas. En 2001 logró cerrar el popular sitio web de música Napster y amenazó con emprender acciones legales contra miles de personas que participaban en el intercambio de archivos de sonido de canciones y música. Sin embargo, esto no logró frenar la caída de los ingresos por grabaciones musicales y resultó un desastre de relaciones públicas para la industria musical. Algunos estudios académicos han sugerido incluso que las descargas no provocaron la caída de las ventas de grabaciones. La encuesta sobre derechos musicales británicos de 2008 mostró que el 80% de la gente en Gran Bretaña quería un servicio legal de intercambio de archivos entre pares (P2P), sin embargo, sólo la mitad de los encuestados pensaba que se debería pagar a los creadores de la música. La encuesta fue consistente con los resultados de investigaciones anteriores realizadas en los Estados Unidos, en las que se basó el Modelo de Música Abierta.

Las descargas digitales legales estuvieron ampliamente disponibles con el debut de Apple iTunes Store en 2003. La popularidad de la distribución de música a través de Internet ha aumentado y, en 2011, las ventas de música digital superaron las ventas físicas de música. En 2008, Atlantic Records informó que las ventas digitales han superado las ventas físicas. Sin embargo, como informó The Economist, "las descargas digitales pagas crecieron rápidamente, pero no comenzaron a compensar la pérdida de ingresos de los CD".

Después de 2010, los servicios basados en Internet como Deezer, Pandora, Spotify y iTunes Radio de Apple comenzaron a ofrecer servicios de pago por suscripción basados en suscripción. servicios a través de Internet. Con los servicios de streaming, el usuario paga una suscripción a una empresa por el derecho a escuchar canciones y otros medios de una biblioteca. Mientras que con los servicios legales de descarga digital, el comprador posee una copia digital de la canción (que puede guardar en su computadora o en un reproductor multimedia digital), con los servicios de transmisión por secuencias, el usuario nunca descarga el archivo de la canción ni es propietario del archivo de la canción. El suscriptor solo podrá escuchar la canción mientras continúe pagando la suscripción de transmisión. Una vez que el usuario deja de pagar la suscripción, ya no puede escuchar el audio de los repositorios de la empresa. Los servicios de streaming comenzaron a tener un serio impacto en la industria en 2014.

Spotify, junto con la industria del streaming de música en general, enfrenta algunas críticas de artistas que afirman que no están recibiendo una compensación justa por su trabajo a medida que las ventas de música descargada disminuyen y el streaming de música aumenta. A diferencia de las ventas físicas o de descarga, que pagan un precio fijo por canción o álbum, Spotify paga a los artistas en función de su "participación de mercado" (el número de transmisiones de sus canciones como proporción del total de canciones transmitidas en el servicio). Spotify distribuye aproximadamente el 70% a los titulares de derechos, quienes luego pagarán a los artistas en función de sus acuerdos. La naturaleza variable y (algunos dicen) inadecuada de esta compensación ha dado lugar a críticas. Spotify informa que paga en promedio entre 0,006 y 0,008 dólares por transmisión. En respuesta a las preocupaciones, Spotify afirma que están beneficiando al negocio de la música al "alejarlo de la piratería y de las plataformas menos monetizadas y permitirles generar regalías mucho mayores que antes". animando a los usuarios a utilizar su servicio pago.

La Recording Industry Association of America (RIAA) reveló en su informe de ganancias de 2015 que los servicios de streaming fueron responsables del 34,3 por ciento de los ingresos de la industria de la música grabada en EE. UU. durante el año, creciendo un 29 por ciento respecto al año anterior y convirtiéndose en la mayor fuente de ingresos, con alrededor de 2.400 millones de dólares. Los ingresos por streaming en Estados Unidos crecieron un 57 por ciento a 1.600 millones de dólares en el primer semestre de 2016 y representaron casi la mitad de las ventas de la industria. Esto contrasta con los 14.600 millones de dólares de ingresos que recibió en 1999 la industria musical estadounidense por la venta de CD.

La agitación en la industria de la música grabada en la década de 2000 alteró el equilibrio del siglo XX entre artistas, compañías discográficas, promotores, tiendas minoristas de música y consumidores. A partir de 2010, las grandes tiendas como Wal-Mart y Best Buy venden más discos que las tiendas de CD exclusivamente de música, que han dejado de funcionar como un actor importante en la industria de la música. Los artistas musicales ahora dependen de presentaciones en vivo y de la venta de mercancías (camisetas, sudaderas, etc.) para obtener la mayor parte de sus ingresos, lo que a su vez los ha hecho más dependientes –como los músicos anteriores al siglo XX– de sus patrocinadores, ahora ejemplificado por promotores musicales como Live Nation (que domina la promoción de giras y posee o administra una gran cantidad de lugares de música). Para beneficiarse de todas las fuentes de ingresos de un artista, las compañías discográficas dependen cada vez más del "acuerdo 360", una nueva relación comercial iniciada por Robbie Williams y EMI en 2007. En el otro extremo, las discográficas pueden ofrecer un acuerdo simple de fabricación y distribución, que otorga un mayor porcentaje al artista, pero no cubre los gastos de marketing y promoción.

Empresas como Kickstarter ayudan a los músicos independientes a producir sus álbumes a través de fans que financian las bandas que quieren escuchar. Muchos artistas nuevos ya no ven un contrato discográfico como una parte integral de su plan de negocios. El hardware y el software de grabación económicos permiten grabar música de calidad razonable en una computadora portátil en un dormitorio y distribuirla a través de Internet a una audiencia mundial. Esto, a su vez, ha causado problemas a los estudios de grabación, productores de discos e ingenieros de audio: el Los Angeles Times informa que hasta la mitad de las instalaciones de grabación de esa ciudad han fallado. Los cambios en la industria de la música han dado a los consumidores acceso a una variedad de música más amplia que nunca, a un precio que gradualmente se acerca a cero. Sin embargo, el gasto de los consumidores en software y hardware relacionados con la música aumentó dramáticamente durante la última década, proporcionando una nueva y valiosa fuente de ingresos para compañías de tecnología como Apple Inc. y Pandora Radio.

Estadísticas de ventas

Crecimiento del volumen de ventas de álbumes digitales en 2014

Según IFPI, las ventas mundiales de álbumes digitales crecieron un 6,9% en 2014.

Fuente: Nielsen SoundScan, Official Charts Company/BPI, estimación de GfK e IFPI.

Consolidación

Antes de diciembre de 1998, la industria estaba dominada por los "Seis Grandes": Sony Music y BMG aún no se habían fusionado, y PolyGram aún no había sido absorbido por Universal Music Group. Después de la fusión PolyGram-Universal, las cuotas de mercado de 1998 reflejaron a los "Cinco Grandes", que dominaban el 77,4% del mercado, como sigue, según MEI World Report 2000:

• Grupo Universal de Música - 21.1%
• Sony Music Entertainment — 17.4%
• EMI - 14,1%
• Warner Music Group — 13.4%
• BMG - 11,4%
• Etiquetas independientes combinadas - 22,6%

En 2004, la empresa conjunta de Sony y BMG creó los 'Cuatro Grandes' en un momento en que el mercado mundial se estimaba en 30.000 a 40.000 millones de dólares. Las ventas totales anuales de unidades (CD, vídeos musicales, MP3) en 2004 fueron de 3.000 millones. Además, según un informe de la IFPI publicado en agosto de 2005, los cuatro grandes representaron el 71,7% de las ventas minoristas de música:

• Grupo Universal de Música 25,5%
• Sony BMG Music Entertainment—21,5%
• Grupo EMI - 13,4%
• Warner Music Group —11,3%
• Etiquetas independientes combinadas: 28,3%

Nielsen SoundScan en su informe de 2011 señaló que los "cuatro grandes" controlaba alrededor del 88% del mercado:

• Grupo Universal de Música (con base en EE.UU.) — 29,85%
• Sony Music Entertainment (con base en EE.UU.) — 29,29%
• Warner Music Group (US based) — 19.13%
• Grupo EMI - 9.62%
• Etiquetas independientes - 12.11%

Después de la absorción de EMI por Sony Music Entertainment y Universal Music Group en diciembre de 2011, los "tres grandes" se crearon y el 8 de enero de 2013, tras la fusión, se produjeron los despidos de cuarenta trabajadores de EMI. Los reguladores europeos obligaron a Universal Music a escindir los activos de EMI, que se convirtieron en Parlophone Label Group, que fue adquirido por Warner Music Group. Nielsen SoundScan emitió un informe en 2012, señalando que estos sellos controlaban el 88,5% del mercado, y señaló además:

• Grupo Universal de Música (con base en EE.UU.) que posee Música EMI: 32.41% + 6.78% del Grupo EMI
• Sony Music Entertainment (con base en EE.UU.) que posee el brazo editorial de EMI Group — 30.25%
• Warner Music Group: 19,15%
• Etiquetas independientes: 11,42%

Nota: IFPI y Nielsen Soundscan utilizan metodologías diferentes, lo que hace que sus cifras sean difíciles de comparar casualmente e imposibles de comparar científicamente.

Las cuotas de mercado a septiembre de 2018 son las siguientes:

• Warner Music Group — 25.1%
• Grupo Universal de Música - 24,3%
• Sony Corporation — 22,1%
• Otros: 28,5%

Los actores más importantes de esta industria poseen más de 100 sellos discográficos subsidiarios o subsellos, cada uno de los cuales se especializa en un determinado nicho de mercado. Sólo los artistas más populares de la industria firman directamente con el sello principal. Estas empresas representan más de la mitad de la cuota de mercado estadounidense. Sin embargo, esto ha disminuido un poco en los últimos años, ya que el nuevo entorno digital permite a las marcas más pequeñas competir de manera más efectiva.

Ventas de álbumes y valor de mercado

Las ventas totales de álbumes han disminuido en las primeras décadas del siglo XXI, lo que llevó a algunos críticos musicales a declarar la muerte del álbum. (Por ejemplo, los únicos álbumes que obtuvieron platino en los EE. UU. en 2014 fueron la banda sonora de la película animada de Disney Frozen y Taylor Swift de 1989, mientras que varios artistas lo hicieron en 2013). La siguiente tabla muestra las ventas de álbumes y el valor de mercado. en el mundo en 2014.

Fuente: Informe anual IFPI 2014.

Ventas minoristas de música grabada

2000

En su informe anual del 30 de junio de 2000 presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores de EE. UU., Seagram informó que Universal Music Group realizó el 40% de las ventas mundiales de música clásica durante el año anterior.

2005

Ventas físicas minoristas provisionales en 2005. Todas las cifras en millones.

2003–2007

Aproximadamente el 21% de los ingresos brutos por CD en 2003 se pueden atribuir a las ventas de CD usados. Esta cifra creció a aproximadamente el 27% en 2007. El crecimiento se atribuye al aumento de las ventas en línea de productos usados por parte de medios como Amazon.com; se espera que el crecimiento de los medios musicales usados continúe creciendo a medida que continúa el costo de las descargas digitales. levantar. La venta de productos usados beneficia financieramente a los vendedores y a los mercados en línea, pero en Estados Unidos, la doctrina de la primera venta impide que los propietarios de derechos de autor (sellos discográficos y editores, en general) realicen una "inmersión doble" mediante un impuesto sobre la venta de música usada.

2011

A mediados de 2011, la RIAA pregonó un aumento de ventas del 5% con respecto a 2010, afirmando que "probablemente no exista una única razón" para hacerlo. por el golpe.

2012

La empresa Nielsen & El Informe de la industria de 2012 de Billboard muestra que las ventas generales de música aumentaron un 3,1% con respecto a 2011. Las ventas digitales causaron este aumento, con un crecimiento de las ventas de álbumes digitales del 14,1% y un crecimiento de las ventas de pistas digitales del 5,1%, mientras que las ventas de música física disminuyeron un 12,8%. en comparación con 2011. A pesar de la disminución, los álbumes físicos seguían siendo el formato de álbum dominante. Las ventas de discos de vinilo aumentaron un 17,7% y las ventas de álbumes de temporada navideña disminuyeron un 7,1%.

Ingresos totales por año

Ingresos comerciales globales según IFPI.

Por región

• Industria musical de Asia
• Industria musical de Asia Oriental
• Industria musical del norte de Europa
• Industria musical del Reino Unido.

Asociaciones y organizaciones

La Lista de asociaciones y organizaciones musicales cubre ejemplos de todo el mundo, desde grandes organismos internacionales hasta organismos más pequeños a nivel nacional.