Improvisación musical

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La improvisación musical (también conocida como extemporización musical) es la actividad creativa de composición musical inmediata ("en el momento"), que combina la interpretación con la comunicación de emociones y la técnica instrumental, así como la respuesta espontánea a otros músicos. A veces, las ideas musicales en la improvisación son espontáneas, pero pueden basarse en cambios de acordes en la música clásica y muchos otros tipos de música. Una definición es una "interpretación improvisada sin planificación ni preparación". Otra definición es "tocar o cantar (música) de forma improvisada, inventando variaciones de una melodía o creando nuevas melodías, ritmos y armonías". La Encyclopædia Britannica la define como "la composición improvisada o la interpretación libre de un pasaje musical, generalmente de una manera que se ajusta a ciertas normas estilísticas pero sin las restricciones de las características prescriptivas de un texto musical específico". La improvisación se realiza a menudo dentro de (o sobre la base de) un marco armónico o una progresión de acordes preexistentes. La improvisación es una parte importante de algunos tipos de música del siglo XX, como el blues, el rock, el jazz y el jazz fusión, en los que los intérpretes instrumentales improvisan solos, líneas melódicas y partes de acompañamiento.

A lo largo de las eras de la tradición musical occidental, incluidos los períodos medieval, renacentista, barroco, clásico y romántico, la improvisación fue una habilidad valorada. J. S. Bach, Handel, Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt y muchos otros compositores y músicos famosos fueron conocidos especialmente por sus habilidades de improvisación. La improvisación podría haber jugado un papel importante en el período monofónico. Los primeros tratados sobre polifonía, como la Musica enchiriadis (siglo IX), indican que las partes añadidas se improvisaron durante siglos antes de los primeros ejemplos notados. Sin embargo, fue recién en el siglo XV cuando los teóricos comenzaron a hacer una distinción clara entre música improvisada y escrita.

Algunas formas de música clásica contenían secciones para la improvisación, como la cadencia en los conciertos solistas o los preludios de algunas suites para teclado de Bach y Handel, que consisten en elaboraciones de una progresión de acordes que los intérpretes deben utilizar como base para su improvisación. Handel y Bach improvisaban con frecuencia en el clavicémbalo o el órgano de tubos. En la era barroca, los intérpretes improvisaban ornamentos y los teclistas de bajo continuo improvisaban voces de acordes basadas en la notación de bajo cifrado. Sin embargo, en el siglo XX y principios del XXI, a medida que la práctica común de la interpretación de música artística occidental se institucionalizó en orquestas sinfónicas, teatros de ópera y ballets, la improvisación ha jugado un papel menor. Al mismo tiempo, algunos compositores contemporáneos de los siglos XX y XXI han incluido cada vez más la improvisación en su trabajo creativo.

En la música clásica india, la improvisación es un componente central y un criterio esencial de interpretación. En la música clásica india, afgana, pakistaní y bangladesí, el raga es el "marco tonal para la composición y la improvisación". La Encyclopædia Britannica define el raga como "un marco melódico para la improvisación y la composición".

Música occidental

Período medieval

Aunque la improvisación melódica fue un factor importante en la música europea desde los primeros tiempos, la primera información detallada sobre la técnica de la improvisación aparece en tratados del siglo IX que enseñaban a los cantantes a añadir otra melodía a un canto litúrgico preexistente, en un estilo llamado organum. A lo largo de la Edad Media y el Renacimiento, el contrapunto improvisado sobre un cantus firmus (una práctica que se encuentra tanto en la música sacra como en la música popular de baile) constituyó una parte de la educación de todos los músicos y se considera el tipo de música no escrita más importante antes del período barroco.

Período renacentista

Tras la invención de la imprenta musical a principios del siglo XVI, existe una documentación más detallada de la práctica de la improvisación, en forma de manuales de instrucciones publicados, principalmente en Italia. Además de improvisar contrapunto sobre un cantus firmus, los cantantes e instrumentistas improvisaban melodías sobre patrones de acordes ostinato, realizaban elaborados adornos de líneas melódicas e inventaban música de manera improvisada sin esquemas predeterminados. Los teclistas también interpretaban piezas improvisadas, formadas libremente.

Período barroco

Los tipos de improvisación practicados durante el Renacimiento (principalmente la ornamentación de una parte existente o la creación de una o más partes completamente nuevas) continuaron hasta principios del Barroco, aunque se introdujeron modificaciones importantes. La ornamentación comenzó a estar más bajo el control de los compositores, en algunos casos mediante la escritura de los adornos y, de manera más amplia, mediante la introducción de símbolos o abreviaturas para ciertos patrones ornamentales. Dos de las primeras fuentes importantes de ornamentación vocal de este tipo son Regole, passaggi di musica (1594) de Giovanni Battista Bovicelli y el prefacio a la colección de Giulio Caccini, Le nuove musiche (1601/2)

Instrumentos médicos

Los manuales del siglo XVIII dejan claro que se esperaba que los intérpretes de flauta, oboe, violín y otros instrumentos melódicos no sólo adornaran piezas previamente compuestas, sino que también improvisaran preludios espontáneamente.

Basso continuo

El bajo continuo (acompañamiento) era principalmente improvisado y el compositor normalmente no proporcionaba más que un esbozo armónico llamado bajo cifrado. El proceso de improvisación se denominaba realización.

improvisación de órganos y música de la iglesia

ver Categoría: Improvisores orgánicos

Según la Encyclopædia Britannica, las "texturas monódicas que se originaron alrededor de 1600... estaban listas para usarse, de hecho en gran medida estaban destinadas a mejorar la improvisación, no sólo de las partes agudas sino también, casi por definición, del bajo, que estaba cifrado para sugerir únicamente un contorno de acordes mínimo". El acompañamiento improvisado sobre un bajo cifrado era una práctica común durante la era barroca y, en cierta medida, en los períodos posteriores. La improvisación sigue siendo una característica de la interpretación del órgano en algunos servicios religiosos y también se interpreta regularmente en conciertos.

Dieterich Buxtehude y Johann Sebastian Bach fueron considerados en el período barroco como improvisadores de órgano muy hábiles. Durante el siglo XX, algunos músicos conocidos como grandes improvisadores como Marcel Dupré, Pierre Cochereau y Pierre Pincemaille continuaron esta forma de música, en la tradición de la escuela francesa de órgano. Maurice Duruflé, un gran improvisador, transcribió improvisaciones de Louis Vierne y Charles Tournemire. Olivier Latry escribió más tarde sus improvisaciones como composiciones, por ejemplo, Salve Regina.

Período clásico

Improvisación de teclado

La música clásica se aparta del estilo barroco en que a veces varias voces pueden moverse juntas como acordes que involucran ambas manos, para formar frases breves sin notas de paso. Aunque Mozart utilizó estos motivos con moderación, Beethoven y Schubert los retomaron con mucha más liberalidad. Estos acordes también aparecieron en cierta medida en la música barroca para teclado, como el tema del tercer movimiento del Concierto italiano de Bach. Pero en esa época, un acorde de este tipo a menudo aparecía solo en una clave a la vez (o con una mano en el teclado) y no formaba las frases independientes que se encuentran más en la música posterior. Adorno menciona este movimiento del Concierto italiano como una forma improvisatoria más flexible, en comparación con Mozart, lo que sugiere la disminución gradual de la improvisación mucho antes de que su declive se hiciera evidente.

Sin embargo, el gesto introductorio de tónica, subdominante, dominante, tónica, al igual que su forma barroca, continúa apareciendo al comienzo de piezas para piano de alto clasicismo y romanticismo (y en mucha otra música), como en la Sonata para piano Hob. XVI/52 de Haydn y la Sonata n.º 24, Op. 78 de Beethoven.

Beethoven y Mozart cultivaron expresiones de estado de ánimo como con amore, appassionato, cantabile y expressivo. De hecho, tal vez sea porque la improvisación es espontánea que se asemeja a la comunicación del amor.

Mozart y Beethoven

Beethoven y Mozart dejaron excelentes ejemplos de cómo eran sus improvisaciones, en los conjuntos de variaciones y las sonatas que publicaron, y en sus cadencias escritas (que ilustran cómo habrían sonado sus improvisaciones). Como teclista, Mozart compitió al menos una vez en improvisación con Muzio Clementi. Beethoven ganó muchas batallas difíciles de improvisación contra rivales como Johann Nepomuk Hummel, Daniel Steibelt y Joseph Woelfl.

Período romántico

Instrumental

La improvisación, tanto en forma de introducción a las piezas como de enlaces entre ellas, siguió siendo una característica de los conciertos para teclado hasta principios del siglo XX. Entre quienes practicaban esa improvisación se encontraban Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Anton Rubinstein, Paderewski, Percy Grainger y Pachmann. La improvisación en el ámbito de la música culta parece haber declinado con el crecimiento de la grabación.

Opera

Tras estudiar más de 1200 grabaciones tempranas de Verdi, Will Crutchfield concluye que "la cavatina solista era el lugar más obvio y duradero de discreción solista en la ópera del siglo XIX". Luego identifica siete tipos principales de improvisación vocal utilizados por los cantantes de ópera en este repertorio:

  1. El Verdian "full-stop" cadenza
  2. Arias sin "completa": ballate, canzoni, y romanze
  3. Ornamentación de cadences internos
  4. Variantes melódicas (puntos altos interpolados, acciacature, aumento de dos notas "slide")
  5. Variación estrófica y el problema de la cabaletta
  6. Facilitaciones (puntatura, simplificación de fioratura, etc.
  7. Recitación

Contemporánea

Jazz

La improvisación es uno de los elementos básicos que distingue al jazz de otros tipos de música. Se entiende que los momentos unificadores de la improvisación que tienen lugar en una interpretación en directo abarcan al intérprete, al oyente y al espacio físico en el que se desarrolla la interpretación. Aunque la improvisación también se encuentra fuera del jazz, puede ser que ninguna otra música dependa tanto del arte de "componer en el momento", lo que exige que cada músico alcance un cierto nivel de creatividad que pueda poner al intérprete en contacto con sus estados inconscientes y conscientes. El uso educativo de las grabaciones de jazz improvisadas es ampliamente reconocido. Ofrecen un claro valor como documentación de interpretaciones a pesar de sus limitaciones percibidas. Con estas grabaciones disponibles, generaciones de músicos de jazz pueden implicar estilos e influencias en sus nuevas improvisaciones interpretadas. Se pueden utilizar muchas escalas variadas y sus modos en la improvisación. A menudo no se escriben en el proceso, pero ayudan a los músicos a practicar el idioma del jazz.

Una visión común de lo que hace un solista de jazz podría expresarse así: mientras pasaban las armonías, selecciona notas de cada acorde, de las cuales él diseña una melodía. Es libre de embellecer por medio de tonos de paso y vecinos, y puede añadir extensiones a los acordes, pero en todo momento un buen improvisador debe seguir los cambios.... [Sin embargo], un músico de jazz realmente tiene varias opciones: puede reflejar la progresión del acorde exactamente, puede "esquivar" la progresión y simplemente decorar con notas de la clave de la pieza (escala musical del padre), o puede modelar su propia voz, utilizando su intuición y experiencia de escucha, que puede chocar en algunos puntos con los acordes que está tocando la sección del ritmo.

Música clásica contemporánea

Con la notable excepción de la improvisación litúrgica en el órgano, la primera mitad del siglo XX está marcada por una ausencia casi total de improvisación real en la música clásica contemporánea. Desde la década de 1950, algunos compositores contemporáneos han impuesto menos restricciones al intérprete improvisador, utilizando técnicas como la notación vaga (por ejemplo, indicando únicamente que debe sonar un cierto número de notas dentro de un período de tiempo definido). Se fundaron conjuntos de música nueva formados en torno a la improvisación, como la Scratch Orchestra en Inglaterra; Musica Elettronica Viva en Italia; Lukas Foss Improvisation Chamber Ensemble en la Universidad de California, Los Ángeles; Larry Austin's New Music Ensemble en la Universidad de California, Davis; el ONCE Group en Ann Arbor; el Sonic Arts Group; y Sonics, estos tres últimos financiándose a través de conciertos, giras y becas. Entre las piezas significativas se incluyen Time Cycles (1960) y Echoi (1963) de Foss.

Otros compositores que trabajan con la improvisación son Richard Barrett, Benjamin Boretz, Pierre Boulez, Joseph Brent, Sylvano Bussotti, Cornelius Cardew, Jani Christou, Douglas J. Cuomo, Alvin Curran, Stuart Dempster, Hugh Davies, Karlheinz Essl, Mohammed Fairouz, Rolf Gehlhaar, Vinko Globokar, Richard Grayson, Hans-Joachim Hespos, Barton McLean, Priscilla McLean, Stephen Nachmanovitch, Pauline Oliveros, Henri Pousseur, Todd Reynolds, Terry Riley, Frederic Rzewski, Saman Samadi, William O. Smith, Manfred Stahnke, Karlheinz Stockhausen, Tōru Takemitsu, Richard Teitelbaum, Vangelis, Michael Vetter, Christian Wolff, Iannis Xenakis, Yitzhak Yedid, La Monte Young, Frank Zappa, Hans Zender y John Zorrón.

Música psicodélica y rock progresivo

Los grupos de rock psicodélico británicos y estadounidenses de los años 1960 y 1970 utilizaron improvisaciones para expresarse en un lenguaje musical. La banda de rock estadounidense Grateful Dead basó su carrera en actuaciones en directo improvisadas, lo que significa que nunca dos espectáculos sonaban igual. La improvisación fue una parte clave de la música de Pink Floyd desde 1967 hasta 1972.

Música silenciosa

En el ámbito de la interpretación musical del cine mudo, hubo músicos (organistas de teatro y pianistas) cuyas interpretaciones improvisadas para acompañar estas películas han sido reconocidas como excepcionales por críticos, académicos y público por igual. Neil Brand fue un compositor que también actuó de manera improvisada. Brand, junto con Guenter A. Buchwald, Philip Carli, Stephen Horne, Donald Sosin, John Sweeney y Gabriel Thibaudeau, actuaron en la conferencia anual sobre cine mudo en Pordenone, Italia, Le Giornate del Cinema Muto. Al improvisar para el cine mudo, los intérpretes tienen que tocar música que coincida con el estado de ánimo, el estilo y el ritmo de las películas que acompañan. En algunos casos, los músicos tuvieron que acompañar las películas a primera vista, sin preparación. Los improvisadores necesitaban conocer una amplia gama de estilos musicales y tener la resistencia para tocar secuencias de películas que en ocasiones duraban más de tres horas. Además de las interpretaciones, algunos pianistas también impartían clases magistrales para aquellos que querían desarrollar su habilidad en la improvisación para películas. Cuando se introdujeron las películas sonoras, estos talentosos músicos improvisadores tuvieron que buscar otros trabajos. En la década de 2010, hay un pequeño número de sociedades cinematográficas que presentan películas mudas antiguas, con músicos improvisadores en vivo para acompañar la película.

Lugares

En todo el mundo hay muchos espacios dedicados a apoyar la improvisación en vivo. En Melbourne, desde 1998, el Make It Up Club (que se celebra todos los martes por la noche en el Bar Open de Brunswick Street, Melbourne) presenta una serie de conciertos semanales dedicados a promover la música improvisada de vanguardia y la interpretación sonora de los más altos estándares conceptuales y performativos (sin importar el idioma, el género o la instrumentación). El Make It Up Club se ha convertido en una institución en la música improvisada australiana y presenta constantemente artistas de todo el mundo.

Educación musical

Han surgido varios enfoques para enseñar improvisación en la pedagogía del jazz, la pedagogía de la música popular, el método Dalcroze, Orff-Schulwerk y la música creativa de Satis Coleman. Las investigaciones actuales en educación musical incluyen la investigación de la frecuencia con la que se enseña improvisación, la confianza que tienen los estudiantes y profesores de música en la enseñanza de la improvisación, la neurociencia y los aspectos psicológicos de la improvisación, y la improvisación libre como enfoque pedagógico.

En la música clásica india

Un raga es uno de los modos melódicos utilizados en la música clásica india. Joep Bor, del Conservatorio de Música de Róterdam, ha definido el raga como un "marco tonal para la composición y la improvisación". Nazir Jairazbhoy, presidente del departamento de etnomusicología de la UCLA, caracterizó los ragas como separados por escala, línea ascendente y descendente, transitividad, notas y registro enfatizados, y entonación y ornamentos. Un raga utiliza una serie de cinco o más notas musicales sobre las que se construye una melodía. Sin embargo, la forma en que se abordan las notas y se interpretan en frases musicales y el estado de ánimo que transmiten son más importantes para definir un raga que las notas en sí mismas. En la tradición musical india, los rāgas se asocian con diferentes momentos del día o con estaciones. La música clásica india siempre se ambienta en un rāga. La música no clásica, como las canciones populares de películas indias y los ghazals, a veces utilizan rāgas en sus composiciones.

Según la Encyclopædia Britannica, un raga, también escrito rag (en el norte de la India) o ragam (en el sur de la India), (del sánscrito, que significa "color" o "pasión"), en la música clásica de la India, Bangladesh y Pakistán, es "un marco melódico para la improvisación y la composición". Un raga se basa en una escala con un conjunto determinado de notas, un orden típico en el que aparecen en las melodías y motivos musicales característicos. Los componentes básicos de un raga se pueden escribir en forma de escala (en algunos casos, difieren en ascenso y descenso). Al usar solo estas notas, enfatizando ciertos grados de la escala y pasando de nota en nota de maneras características del raga, el intérprete se propone crear un estado de ánimo o atmósfera (rasa) que sea exclusivo del raga en cuestión. Actualmente se utilizan cientos de ragas y, en teoría, son posibles miles.

Alapa (sánscrito: "conversación") son "estructuras melódicas improvisadas que revelan las características musicales de un raga". "Alapa constituye normalmente la primera sección de la interpretación de un raga. Vocal o instrumental, está acompañada por un instrumento de tono sostenido y, a menudo, también por un instrumento melódico que repite las frases del solista después de un retraso de unos pocos segundos. La parte principal de alapa no es métrica sino rítmicamente libre; en la música indostánica se mueve gradualmente a una sección conocida como jor, que utiliza un pulso rítmico aunque no tala (ciclo métrico). El intérprete de alapa introduce gradualmente las notas esenciales y los giros melódicos del raga que se va a interpretar. Solo cuando el solista está satisfecho de haber expuesto toda la gama de posibilidades melódicas del raga y ha establecido su estado de ánimo y personalidad únicos, procederá, sin interrupción, a la sección organizada métricamente de la pieza. Si hay un baterista presente, como es habitual en un concierto formal, sus primeros golpes sirven como señal para el oyente de que el alapa ha concluido."

Inteligencia artificial

La improvisación por máquina utiliza algoritmos informáticos para crear improvisaciones a partir de materiales musicales existentes. Esto se hace generalmente mediante una recombinación sofisticada de frases musicales extraídas de música existente, ya sea en vivo o pregrabada. Para lograr una improvisación creíble en un estilo particular, la improvisación por máquina utiliza algoritmos de aprendizaje automático y de comparación de patrones para analizar ejemplos musicales existentes. Los patrones resultantes se utilizan luego para crear nuevas variaciones "en el estilo" de la música original, desarrollando una noción de reinyección estilística. Esto es diferente de otros métodos de improvisación con computadoras que utilizan la composición algorítmica para generar nueva música sin realizar un análisis de ejemplos musicales existentes.

Véase también

  • Cambio en la línea de barras
  • improvisación gratuita
  • Improvización en terapia musical
  • Impro-Visor (software)
  • Período de sesiones de Jam
  • Banda Jam
  • Lista de músicos y grupos libres de improvisar
  • Síntesis modular
  • Música para personas
  • Colectivo musical
  • Músicas (magazina)
  • Espejos no léxicos en la música
  • Guitarra preparada
  • Piano preparado
  • Sudoración lateral
  • S.P.I.T

Notas

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Más lectura

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  • Cómo improvisar Jazz Melodies, por Bob Keller
  • A Jazz Improvisation Primer de Marc Sabatella Información sobre la improvisación del jazz
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