Impresionismo

El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por pinceladas relativamente pequeñas, delgadas pero visibles, composición abierta, énfasis en la representación precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), temas ordinarios, inusual ángulos visuales, y la inclusión del movimiento como un elemento crucial de la percepción y experiencia humana. El impresionismo se originó con un grupo de artistas con sede en París cuyas exposiciones independientes los llevaron a la prominencia durante las décadas de 1870 y 1880.

Los impresionistas enfrentaron una dura oposición de la comunidad artística convencional en Francia. El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impresión, salida del sol), que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una reseña satírica publicada en el diario parisino Le Charivari. El desarrollo del impresionismo en las artes visuales pronto fue seguido por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista.

Visión general

Radicales en su tiempo, los primeros impresionistas violaron las reglas de la pintura académica. Construyeron sus cuadros a partir de colores pincelados libremente que tenían prioridad sobre las líneas y los contornos, siguiendo el ejemplo de pintores como Eugène Delacroix y JMW Turner. También pintaron escenas realistas de la vida moderna y, a menudo, pintaron al aire libre. Anteriormente, las naturalezas muertas y los retratos, así como los paisajes, solían pintarse en un estudio. Los impresionistas descubrieron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz del sol pintando al aire libre o al aire libre. Retrataron efectos visuales generales en lugar de detalles, y utilizaron pinceladas cortas "quebradas" de colores mezclados y puros sin mezclar, sin mezclar suavemente ni sombrear, como era habitual, para lograr un efecto de intensa vibración de color.

El impresionismo surgió en Francia al mismo tiempo que varios otros pintores, incluidos los artistas italianos conocidos como Macchiaioli y Winslow Homer en los Estados Unidos, también estaban explorando la pintura al aire libre. Los impresionistas, sin embargo, desarrollaron nuevas técnicas específicas para el estilo. Abarcando lo que sus adherentes argumentaron que era una forma diferente de ver, es un arte de la inmediatez y el movimiento, de poses y composiciones cándidas, del juego de la luz expresado en un uso brillante y variado del color.

El público, al principio hostil, gradualmente llegó a creer que los impresionistas habían capturado una visión fresca y original, incluso si los críticos de arte y el establecimiento del arte desaprobaban el nuevo estilo. Al recrear la sensación en el ojo que ve al sujeto, en lugar de delinear los detalles del sujeto, y al crear una maraña de técnicas y formas, el impresionismo es un precursor de varios estilos de pintura, incluidos el neoimpresionismo, el posimpresionismo y el fauvismo. y el cubismo.

Principios

A mediados del siglo XIX, una época de cambios, cuando el emperador Napoleón III reconstruyó París y emprendió la guerra, la Académie des Beaux-Arts dominó el arte francés. La Académie fue la conservadora de los estándares tradicionales de contenido y estilo de la pintura francesa. Se valoraron temas históricos, temas religiosos y retratos; el paisaje y la naturaleza muerta no lo eran. La Académie prefirió imágenes cuidadosamente terminadas que parecieran realistas cuando se examinaron de cerca. Las pinturas de este estilo se componían de pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra. El color se restringió y, a menudo, se atenuó aún más mediante la aplicación de un barniz dorado.

La Académie tenía una muestra de arte anual con jurado, el Salón de París, y los artistas cuyo trabajo se exhibió en la muestra ganaron premios, obtuvieron encargos y aumentaron su prestigio. Los estandartes de los jurados representaron los valores de la Académie, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel.

A principios de la década de 1860, cuatro jóvenes pintores (Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille) se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartían un interés por pintar paisajes y la vida contemporánea más que escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito de hacer bocetos para convertirlos en trabajos cuidadosamente terminados en el estudio, como era lo habitual. disfraz.Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, comenzaron a desarrollar una forma de pintar más ligera y brillante que extendió aún más el realismo de Gustave Courbet y el Barbizon. escuela. Un lugar de encuentro favorito de los artistas era el Café Guerbois en la Avenue de Clichy en París, donde las discusiones a menudo las dirigía Édouard Manet, a quien los artistas más jóvenes admiraban mucho. Pronto se les unieron Camille Pissarro, Paul Cézanne y Armand Guillaumin.

Durante la década de 1860, el jurado del Salón rechazaba rutinariamente alrededor de la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos a favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. En 1863, el jurado del Salón rechazó El almuerzo sobre la hierba (Le déjeuner sur l'herbe) de Manet principalmente porque representaba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Mientras que el jurado del Salón aceptaba habitualmente desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenaba a Manet por colocar un desnudo realista en un escenario contemporáneo. El rechazo severamente expresado por el jurado de la pintura de Manet consternó a sus admiradores, y la cantidad inusualmente grande de obras rechazadas ese año inquietó a muchos artistas franceses.

Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que se permitiera al público juzgar la obra por sí mismo y se organizó el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados). Si bien muchos espectadores vinieron solo para reír, el Salon des Refusés llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo a más visitantes que el Salón regular.

Las peticiones de los artistas que solicitaban un nuevo Salon des Refusés en 1867 y nuevamente en 1872 fueron denegadas. En diciembre de 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas y varios otros artistas fundaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Asociación cooperativa y anónima de pintores, escultores y grabadores"). exponer sus obras de forma independiente. Se esperaba que los miembros de la asociación renunciaran a participar en el Salón. Los organizadores invitaron a otros artistas progresistas a unirse a ellos en su exposición inaugural, incluido el mayor Eugène Boudin, cuyo ejemplo había persuadido a Monet a adoptar la pintura al aire libre años antes.Otro pintor que influyó mucho en Monet y sus amigos, Johan Jongkind, se negó a participar, al igual que Édouard Manet. En total, treinta artistas participaron en su primera exposición, celebrada en abril de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar.

La respuesta crítica fue mixta. Monet y Cézanne recibieron los ataques más duros. El crítico y humorista Louis Leroy escribió una crítica mordaz en el periódico Le Charivari en la que, haciendo un juego de palabras con el título de Impression, Sunrise (Impresión, soleil levant) de Claude Monet, daba a los artistas el nombre por el que se les conocía. Burlonamente tituló su artículo La exposición de los impresionistas, Leroy declaró que la pintura de Monet era, a lo sumo, un boceto, y difícilmente podría calificarse de obra terminada.

Escribió, en forma de diálogo entre espectadores,"Impresión, estaba seguro de ello. Me decía a mí mismo que, dado que estaba impresionado, tenía que haber alguna impresión en él... ¡y qué libertad, qué facilidad de trabajo! El papel pintado en su estado embrionario está más acabado que ese paisaje marino".

El término impresionista ganó rápidamente el favor del público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso en estilo y temperamento, unificado principalmente por su espíritu de independencia y rebeldía. Expusieron juntos, aunque con miembros cambiantes, ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna.

Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden considerarse los impresionistas "más puros", en su constante búsqueda de un arte de espontaneidad, luz solar y color. Degas rechazó mucho de esto, ya que creía en la primacía del dibujo sobre el color y menospreciaba la práctica de pintar al aire libre. Renoir se alejó del impresionismo durante un tiempo durante la década de 1880 y nunca recuperó por completo su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder, nunca abandonó su uso liberal del negro como color (mientras que los impresionistas evitaban su uso y preferían obtener colores más oscuros mediante la mezcla), y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó presentando sus obras al Salón, donde su cuadro Cantante españolhabía ganado una medalla de segunda clase en 1861, e instó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que "el Salón es el verdadero campo de batalla" donde se puede labrar una reputación.

Entre los artistas del grupo central (menos Bazille, que había muerto en la guerra franco-prusiana en 1870), se produjeron deserciones cuando Cézanne, seguido más tarde por Renoir, Sisley y Monet, se abstuvieron de las exposiciones colectivas para poder presentar sus obras. al Salón. Los desacuerdos surgieron por cuestiones como la pertenencia de Guillaumin al grupo, defendido por Pissarro y Cézanne frente a la oposición de Monet y Degas, que lo consideraban indigno. Degas invitó a Mary Cassatt a mostrar su obra en la exposición de 1879, pero también insistió en la inclusión de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic y otros realistas que no representaban las prácticas impresionistas, lo que provocó que Monet en 1880 acusara a los impresionistas de "abrir puertas". a los pintores que lleguen por orden de llegada".El grupo se dividió por las invitaciones a Paul Signac y Georges Seurat para exponer con ellos en 1886. Pissarro fue el único artista que participó en las ocho exposiciones impresionistas.

Los artistas individuales lograron pocas recompensas financieras de las exhibiciones impresionistas, pero su arte ganó gradualmente un grado de aceptación y apoyo público. Su distribuidor, Durand-Ruel, desempeñó un papel importante en esto, ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito en el Salón en 1879. Monet se aseguró financieramente a principios de la década de 1880 y Pissarro también a principios de la década de 1890. En ese momento, los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en un lugar común en el arte del Salón.

Técnicas impresionistas

Los pintores franceses que prepararon el camino para el impresionismo incluyen al colorista romántico Eugène Delacroix, el líder de los realistas Gustave Courbet y pintores de la escuela de Barbizon como Théodore Rousseau. Los impresionistas aprendieron mucho del trabajo de Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot y Eugène Boudin, quienes pintaron de la naturaleza en un estilo directo y espontáneo que prefiguró el impresionismo, y se hicieron amigos y aconsejaron a los artistas más jóvenes.

Varias técnicas identificables y hábitos de trabajo contribuyeron al estilo innovador de los impresionistas. Aunque estos métodos habían sido utilizados por artistas anteriores, y a menudo son conspicuos en el trabajo de artistas como Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable y J. M. W. Turner, los impresionistas fueron los primeros en utilizarlos todos juntos, y con tanta consistencia. Estas técnicas incluyen:

• Los trazos de pintura cortos y gruesos capturan rápidamente la esencia del sujeto, en lugar de sus detalles. La pintura se aplica a menudo empastada.
• Los colores se aplican uno al lado del otro con la menor mezcla posible, una técnica que explota el principio del contraste simultáneo para hacer que el color parezca más vivo para el espectador.
• Los grises y los tonos oscuros se producen mezclando colores complementarios. El impresionismo puro evita el uso de pintura negra.
• La pintura húmeda se coloca sobre la pintura húmeda sin esperar a que las sucesivas aplicaciones se sequen, lo que produce bordes más suaves y una mezcla de color.
• Las pinturas impresionistas no explotan la transparencia de las películas finas de pintura (esmaltes), que los artistas anteriores manipulaban cuidadosamente para producir efectos. La superficie de la pintura impresionista es típicamente opaca.
• La pintura se aplica sobre un fondo blanco o de color claro. Anteriormente, los pintores solían utilizar fondos grises oscuros o de colores fuertes.
• Se enfatiza el juego de la luz natural. Se presta mucha atención al reflejo de los colores de un objeto a otro. Los pintores a menudo trabajaban por la noche para producir effets de soir, los efectos sombríos de la tarde o el crepúsculo.
• En las pinturas realizadas en plein air (al aire libre), las sombras se pintan audazmente con el azul del cielo que se refleja en las superficies, dando una sensación de frescura que antes no se representaba en la pintura. (Las sombras azules en la nieve inspiraron la técnica).

La nueva tecnología jugó un papel en el desarrollo del estilo. Los impresionistas aprovecharon la introducción a mediados de siglo de pinturas premezcladas en tubos de estaño (que se asemejan a los modernos tubos de pasta de dientes), lo que permitió a los artistas trabajar de forma más espontánea, tanto en exteriores como en interiores. Anteriormente, los pintores fabricaban sus propias pinturas individualmente, moliendo y mezclando polvos de pigmentos secos con aceite de linaza, que luego se almacenaban en vejigas de animales.

Muchos pigmentos sintéticos vivos estuvieron disponibles comercialmente para los artistas por primera vez durante el siglo XIX. Estos incluían azul cobalto, viridiano, amarillo de cadmio y azul ultramar sintético, todos los cuales estaban en uso en la década de 1840, antes del impresionismo. La forma de pintar de los impresionistas hizo un uso audaz de estos pigmentos y de colores aún más nuevos, como el azul cerúleo, que estuvo disponible comercialmente para los artistas en la década de 1860.

El progreso de los impresionistas hacia un estilo de pintura más brillante fue gradual. Durante la década de 1860, Monet y Renoir a veces pintaban sobre lienzos preparados con la tradicional base marrón rojiza o gris. En la década de 1870, Monet, Renoir y Pissarro generalmente elegían pintar sobre bases de un color gris o beige más claro, que funcionaba como un tono medio en la pintura terminada. En la década de 1880, algunos de los impresionistas habían llegado a preferir los fondos blancos o ligeramente blanquecinos y ya no permitían que el color de fondo tuviera un papel significativo en la pintura terminada.

Contenido y composición

Antes de los impresionistas, otros pintores, en particular los pintores holandeses del siglo XVII como Jan Steen, habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Organizaron sus composiciones de modo que el tema principal llamara la atención del espectador. JMW Turner, mientras era un artista de la era romántica, anticipó el estilo del impresionismo con su obra de arte. Los impresionistas relajaron el límite entre el sujeto y el fondo, de modo que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeja a una instantánea, una parte de una realidad mayor capturada como por casualidad.La fotografía estaba ganando popularidad y, a medida que las cámaras se volvían más portátiles, las fotografías se volvían más francas. La fotografía inspiró a los impresionistas para representar la acción momentánea, no solo en las luces fugaces de un paisaje, sino en la vida cotidiana de las personas.

El desarrollo del impresionismo puede considerarse en parte como una reacción de los artistas al desafío presentado por la fotografía, que parecía devaluar la habilidad del artista para reproducir la realidad. Tanto las pinturas de retratos como las de paisajes se consideraron algo deficientes y carentes de verdad, ya que la fotografía "producía imágenes realistas de manera mucho más eficiente y confiable".

A pesar de esto, la fotografía en realidad inspiró a los artistas a buscar otros medios de expresión creativa y, en lugar de competir con la fotografía para emular la realidad, los artistas se centraron "en lo único que inevitablemente podrían hacer mejor que la fotografía: convertirse aún más en una forma de arte". su misma subjetividad en la concepción de la imagen, la misma subjetividad que eliminó la fotografía". Los impresionistas buscaron expresar sus percepciones de la naturaleza, en lugar de crear representaciones exactas. Esto permitió a los artistas representar subjetivamente lo que veían con sus "imperativos tácitos de gusto y conciencia".La fotografía animó a los pintores a explotar aspectos del medio pictórico, como el color, del que entonces carecía la fotografía: "Los impresionistas fueron los primeros en ofrecer conscientemente una alternativa subjetiva a la fotografía".

Otra gran influencia fueron las impresiones artísticas japonesas ukiyo-e (japonismo). El arte de estos grabados contribuyó significativamente a los ángulos de "instantánea" y las composiciones no convencionales que se volvieron características del impresionismo. Un ejemplo es Jardin à Sainte-Adresse de Monet, 1867, con sus audaces bloques de color y composición en una fuerte inclinación diagonal que muestra la influencia de los grabados japoneses.

Edgar Degas fue un ávido fotógrafo y un coleccionista de grabados japoneses. Su The Dance Class (La classe de danse) de 1874 muestra ambas influencias en su composición asimétrica. Aparentemente, los bailarines son tomados por sorpresa en varias poses incómodas, dejando una extensión de espacio vacío en el piso en el cuadrante inferior derecho. También plasmó en escultura a sus bailarinas, como la Bailarina de los catorce años.

Mujeres Impresionistas

Los impresionistas, en diversos grados, buscaban formas de representar la experiencia visual y los temas contemporáneos. Las mujeres impresionistas estaban interesadas en estos mismos ideales, pero tenían muchas limitaciones sociales y profesionales en comparación con los impresionistas masculinos. En particular, fueron excluidos de la imaginería de la esfera social burguesa del bulevar, el café y el salón de baile. Además de la imaginería, las mujeres fueron excluidas de las discusiones formativas que resultaron en encuentros en esos lugares; ahí fue donde los impresionistas masculinos pudieron formar y compartir ideas sobre el impresionismo. En el ámbito académico, se creía que las mujeres eran incapaces de manejar temas complejos, lo que llevó a los maestros a restringir lo que enseñaban a las alumnas.También se consideraba impropio de una dama sobresalir en el arte, ya que entonces se creía que los verdaderos talentos de las mujeres se centraban en las labores del hogar y la maternidad.

Sin embargo, varias mujeres pudieron encontrar el éxito durante su vida, a pesar de que sus carreras se vieron afectadas por circunstancias personales: Bracquemond, por ejemplo, tenía un marido que estaba resentido con su trabajo, lo que la llevó a dejar la pintura. Las cuatro más conocidas, a saber, Mary Cassatt, Eva Gonzalès, Marie Bracquemond y Berthe Morisot, son, y fueron, a menudo referidas como las 'Mujeres Impresionistas'. Su participación en la serie de ocho exposiciones impresionistas que tuvieron lugar en París entre 1874 y 1886 fue variada: Morisot participó en siete, Cassatt en cuatro, Bracquemond en tres y Gonzalès no participó.

Los críticos de la época agruparon a estos cuatro sin tener en cuenta sus estilos, técnicas o temas personales. Los críticos que vieron sus obras en las exposiciones a menudo intentaron reconocer el talento de las mujeres artistas, pero las circunscribieron dentro de una noción limitada de feminidad. Al defender la idoneidad de la técnica impresionista para la forma de percepción de las mujeres, el crítico parisino SC de Soissons escribió:

Se puede comprender que las mujeres no tengan originalidad de pensamiento, y que la literatura y la música no tengan carácter femenino; pero seguramente las mujeres saben observar, y lo que ven es muy diferente de lo que ven los hombres, y el arte que ponen en sus gestos, en su aseo, en la decoración de su ambiente es suficiente para dar es la idea de un instintivo, de un genio peculiar que reside en cada uno de ellos.

Si bien el impresionismo legitimó la vida social doméstica como tema, del cual las mujeres tenían un conocimiento íntimo, también tendió a limitarlas a ese tema. Las representaciones de modelos a menudo identificables en entornos domésticos (que podrían ofrecer encargos) fueron dominantes en las exposiciones. Los sujetos de las pinturas a menudo eran mujeres que interactuaban con su entorno mediante la mirada o el movimiento. Cassatt, en particular, era consciente de la ubicación de los sujetos: mantuvo sus figuras predominantemente femeninas lejos de la objetivación y el cliché; cuando no están leyendo, conversan, cosen, toman té, y cuando están inactivos, parecen perdidos en sus pensamientos.

Las mujeres impresionistas, al igual que sus homólogos masculinos, luchaban por la "verdad", por nuevas formas de ver y nuevas técnicas de pintura; cada artista tenía un estilo de pintura individual. Las mujeres impresionistas (particularmente Morisot y Cassatt) eran conscientes del equilibrio de poder entre las mujeres y los objetos en sus pinturas: las mujeres burguesas representadas no están definidas por objetos decorativos, sino que interactúan y dominan las cosas con las que viven. Hay muchas similitudes en sus representaciones de mujeres que parecen cómodas y sutilmente restringidas. El Palco de Gonzalès en la Ópera Italiana representa a una mujer mirando a lo lejos, cómoda en una esfera social pero confinada por el palco y el hombre que está a su lado. Cassat'tiene un color más brillante pero permanece limitada por el borde del lienzo mientras mira por la ventana.

A pesar de su éxito en su capacidad para tener una carrera y la desaparición del impresionismo atribuido a sus características supuestamente femeninas (su sensualidad, dependencia de la sensación, fisicalidad y fluidez), las cuatro mujeres artistas (y otras mujeres impresionistas menos conocidas) fueron en gran parte omitidas de libros de texto de historia del arte que cubren artistas impresionistas hasta Mujeres impresionistas de Tamar Garb publicado en 1986. Por ejemplo, Impresionismo por Jean Leymarie, publicado en 1955 no incluía información sobre ninguna mujer impresionista.

Al pintor Androniqi Zengo Antoniu se le atribuye la introducción del impresionismo en Albania.

Principales impresionistas

Las figuras centrales en el desarrollo del impresionismo en Francia, enumeradas alfabéticamente, fueron:

• Frédéric Bazille (1841-1870), quien solo participó póstumamente en las exposiciones impresionistas
• Gustave Caillebotte (1848–1894), quien, más joven que los demás, se unió a ellos a mediados de la década de 1870.
• Mary Cassatt (1844-1926), nacida en Estados Unidos, vivió en París y participó en cuatro exposiciones impresionistas.
• Paul Cézanne (1839-1906), aunque más tarde se separó de los impresionistas.
• Edgar Degas (1834-1917), que despreciaba el término impresionista
• Armand Guillaumin (1841-1927)
• Édouard Manet (1832-1883), que no participó en ninguna de las exposiciones impresionistas.
• Claude Monet (1840-1926), el más prolífico de los impresionistas y el que encarna su estética de forma más evidente
• Berthe Morisot (1841-1895) que participó en todas las exposiciones impresionistas excepto en 1879
• Camille Pissarro (1830-1903)
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), que participó en exposiciones impresionistas en 1874, 1876, 1877 y 1882
• Alfredo Sisley (1839–1899)

Galería

• Frédéric Bazille, Paysage au bord du Lez, 1870, Instituto de Arte de Minneapolis
• Alfred Sisley, Puente de Villeneuve-la-Garenne, 1872, Museo Metropolitano de Arte
• Berthe Morisot, La cuna, 1872, Musée d'Orsay
• Armand Guillaumin, Atardecer en Ivry (Soleil couchant à Ivry), 1873, Musée d'Orsay
• Édouard Manet, Navegación, 1874, Museo Metropolitano de Arte
• Alfred Sisley, La Seine au Point du jour, 1877, Museo de arte moderno André Malraux - MuMa, Le Havre
• Édouard Manet, The Plum, 1878, Galería Nacional de Arte, Washington, DC
• Claude Monet, La Falaise à Fécamp, 1881, Galería de Arte de Aberdeen
• Édouard Manet, Un bar en el Folies-Bergère (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882, Instituto de Arte Courtauld
• Edgar Degas, Después del baño, Mujer secándose, c. 1884–1886 (reelaborado entre 1890 y 1900), MuMa, Le Havre
• Edgar Degas, L'Absinthe, 1876, Musée d'Orsay, París
• Edgar Degas, Bailarín con ramo de flores (Estrella del ballet), 1878, Getty Center, Los Ángeles
• Edgar Degas, Mujer en el baño, 1886, Museo Hill-Stead, Farmington, Connecticut
• Edgar Degas, Bailarines en el bar, 1888, The Phillips Collection, Washington, DC
• Gustave Caillebotte, calle París; Día lluvioso, 1877, Instituto de Arte de Chicago
• Pierre-Auguste Renoir, La Parisienne, 1874, Museo Nacional de Cardiff
• Pierre-Auguste Renoir, Retrato de Irène Cahen d'Anvers (La Petite Irène), 1880, Fundación EG Bührle, Zúrich
• Pierre-Auguste Renoir, Dos hermanas (en la terraza), 1881, Instituto de Arte de Chicago
• Pierre-Auguste Renoir, Chica con un aro, 1885, Galería Nacional de Arte, Washington, DC
• Camille Pissarro, Lavandera, Estudio, 1880. Museo Metropolitano de Arte
• Camille Pissarro, Conversación, c. 1881. Museo Nacional de Arte Occidental
• Claude Monet, El acantilado de Étretat después de la tormenta, 1885, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts
• Mary Cassatt, The Child's Bath (El baño), 1893, óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago
• Berthe Morisot, Retrato de Mme Boursier y su hija, c. 1873, Museo de Brooklyn
• Claude Monet, Le Grand Canal, 1908, Museo de Bellas Artes de Boston

Cronología: Vidas de los impresionistas

los impresionistas

Asociados y artistas influenciados

Entre los colaboradores cercanos de los impresionistas había varios pintores que adoptaron sus métodos hasta cierto punto. Estos incluyen a Jean-Louis Forain (que participó en exposiciones impresionistas en 1879, 1880, 1881 y 1886) y Giuseppe De Nittis, un artista italiano residente en París que participó en la primera exposición impresionista por invitación de Degas, aunque los otros impresionistas menospreciaron su trabajo.Federico Zandomeneghi fue otro italiano amigo de Degas que se mostró con los impresionistas. Eva Gonzalès era una seguidora de Manet que no expuso con el grupo. James Abbott McNeill Whistler fue un pintor nacido en Estados Unidos que participó en el impresionismo aunque no se unió al grupo y prefirió los colores grises. Walter Sickert, artista inglés, fue inicialmente seguidor de Whistler y más tarde un importante discípulo de Degas; no expuso con los impresionistas. En 1904, el artista y escritor Wynford Dewhurst escribió el primer estudio importante de los pintores franceses publicado en inglés, Impressionist Painting: its genesis and development, que contribuyó en gran medida a popularizar el impresionismo en Gran Bretaña.

A principios de la década de 1880, los métodos impresionistas estaban afectando, al menos superficialmente, el arte del Salón. Pintores de moda como Jean Béraud y Henri Gervex lograron el éxito crítico y financiero al iluminar sus paletas mientras conservaban el acabado suave que se espera del arte de salón. Las obras de estos artistas a veces se denominan casualmente impresionismo, a pesar de su lejanía de la práctica impresionista.

La influencia de los impresionistas franceses duró mucho después de que la mayoría de ellos murieran. Artistas como JD Kirszenbaum tomaron prestadas técnicas impresionistas a lo largo del siglo XX.

Más allá de Francia

A medida que la influencia del impresionismo se extendió más allá de Francia, los artistas, demasiado numerosos para enumerarlos, se identificaron como practicantes del nuevo estilo. Algunos de los ejemplos más importantes son:

• Los impresionistas estadounidenses, incluidos Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley y J. Alden Weir.
• Los impresionistas australianos, incluidos Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder y Frederick McCubbin (que fueron miembros destacados de la Escuela de Heidelberg), y John Russell, amigo de Van Gogh, Rodin, Monet y Matisse.
• Los impresionistas de Amsterdam en los Países Bajos, incluidos George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen y Jan Toorop.
• Anna Boch, el amigo de Vincent van Gogh, Eugène Boch, Georges Lemmen y Théo van Rysselberghe, pintores impresionistas de Bélgica.
• Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama y Matej Sternen, impresionistas de Eslovenia. Sus comienzos fueron en la escuela de Anton Ažbe en Munich y fueron influenciados por Jurij Šubic e Ivana Kobilca, pintores eslovenos que trabajaban en París.
• Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert y Philip Wilson Steer fueron pintores impresionistas muy conocidos del Reino Unido. Pierre Adolphe Valette, nacido en Francia pero que trabajaba en Manchester, fue el tutor de LS Lowry.
• Los impresionistas alemanes, incluidos Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt y August von Brandis.
• László Mednyánszky y Pál Szinyei-Merse en Hungría
• Theodor von Ehrmanns y Hugo Charlemont, que fueron impresionistas raros entre los pintores secesionistas de Viena más dominantes en Austria.
• William John Leech, Roderic O'Conor y Walter Osborne en Irlanda
• Konstantin Korovin y Valentin Serov en Rusia
• Francisco Oller y Cestero, natural de Puerto Rico y amigo de Pissarro y Cézanne
• James Nairn en Nueva Zelanda
• William McTaggart en Escocia
• Laura Muntz Lyall, artista canadiense
• Władysław Podkowiński, impresionista y simbolista polaco
• Nicolae Grigorescu en Rumania
• Nazmi Ziya Güran, quien trajo el impresionismo a Turquía
• Chafik Jarobim en Egipto
• Eliseu Visconti en Brasil
• Joaquín Sorolla en España
• Faustino Brughetti, Fernando Fader, Cándido López, Martín Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva en Argentina
• Skagen Painters un grupo de artistas escandinavos que pintaron en un pequeño pueblo de pescadores danés
• Nadežda Petrović en Serbia
• Ásgrímur Jónsson en Islandia
• Fujishima Takeji en Japón
• Frits Thaulow en Noruega y luego en Francia

Escultura, fotografía y cine

El escultor Auguste Rodin a veces se llama impresionista por la forma en que utilizó superficies toscamente modeladas para sugerir efectos de luz transitorios.

Los fotógrafos pictorialistas cuyo trabajo se caracteriza por el enfoque suave y los efectos atmosféricos también han sido llamados impresionistas.

Cine impresionista francés es un término que se aplica a un grupo vagamente definido de películas y cineastas en Francia entre 1919 y 1929, aunque estos años son discutibles. Los cineastas impresionistas franceses incluyen a Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L'Herbier, Louis Delluc y Dmitry Kirsanoff.

Musica y literatura

Impresionismo musical es el nombre que se le da a un movimiento de la música clásica europea que surgió a finales del siglo XIX y continuó hasta mediados del siglo XX. Originario de Francia, el impresionismo musical se caracteriza por la sugerencia y la atmósfera, y evita los excesos emocionales de la era romántica. Los compositores impresionistas favorecían las formas breves, como el nocturno, el arabesco y el preludio, y a menudo exploraban escalas poco comunes, como la escala tonal completa. Quizás las innovaciones más notables de los compositores impresionistas fueron la introducción de acordes de séptima mayor y la extensión de estructuras de acordes en terceras a armonías de cinco y seis partes.

La influencia del impresionismo visual en su contraparte musical es discutible. Claude Debussy y Maurice Ravel son generalmente considerados los más grandes compositores impresionistas, pero Debussy rechazó el término, calificándolo de invención de los críticos. Erik Satie también fue considerado en esta categoría, aunque su enfoque se consideró menos serio y de naturaleza más musical. Paul Dukas es otro compositor francés que a veces se considera un impresionista, pero su estilo quizás esté más alineado con los románticos tardíos. El impresionismo musical más allá de Francia incluye el trabajo de compositores como Ottorino Respighi (Italia), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott y John Ireland (Inglaterra), Manuel De Falla e Isaac Albeniz (España) y Charles Griffes (América).

El término impresionismo también se ha utilizado para describir obras literarias en las que unos pocos detalles seleccionados son suficientes para transmitir las impresiones sensoriales de un incidente o escena. La literatura impresionista está estrechamente relacionada con el simbolismo, siendo sus principales ejemplares Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud y Verlaine. Autores como Virginia Woolf, DH Lawrence, Henry James y Joseph Conrad han escrito obras que son impresionistas en la forma en que describen, en lugar de interpretar, las impresiones, sensaciones y emociones que constituyen la vida mental de un personaje.

Post impresionismo

Durante la década de 1880, varios artistas comenzaron a desarrollar diferentes preceptos para el uso del color, el patrón, la forma y la línea, derivados del ejemplo impresionista: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec. Estos artistas eran un poco más jóvenes que los impresionistas y su trabajo se conoce como posimpresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también se aventuraron en este nuevo territorio; Camille Pissarro pintó brevemente de manera puntillista, e incluso Monet abandonó el estricto plein air.pintura. Paul Cézanne, que participó en la primera y tercera exposiciones impresionistas, desarrolló una visión muy individual que enfatiza la estructura pictórica, y se le llama más a menudo posimpresionista. Aunque estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, el trabajo de los pintores impresionistas originales puede, por definición, clasificarse como impresionismo.

• Georges Seurat, Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte, 1884–1886, The Art Institute of Chicago
• Vincent van Gogh, Cipreses, 1889, Museo Metropolitano de Arte
• Paul Gauguin, La siesta del mediodía, 1894, Museo Metropolitano de Arte
• Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1894–1895, Musée d'Orsay, París